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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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En 1927, Lorca publica, en la mítica revista Litoral, su obra Canciones (1921-1924). Libro en el que recoge ochenta y nueve poemas agrupados bajo once apartados: Teorías, Nocturnos de la ventana, Canciones para niños, Andaluzas, Tres retratos con sombra, Juegos, Canciones de luna, Eros con bastón, Trasmundo, Amor y Canciones para terminar. Composiciones breves en forma de canción y romance, de acento popular y exaltación del folklore, todo un universo que anticipaba la publicación, un año más tarde, del Romancero gitano. Reproducimos aquí el ejemplar de esa primera edición conservado en el Legado Dámaso Alonso, con signatura BA IV-6-6-13, que custodia la Real Academia Española. El volumen, regalo de Federico García Lorca, lleva una dedicatoria autógrafa en la que se lee: «A mi querido amigo el gran poeta Dámaso Alonso de su compañerito Federico. Granada 1928. (¡Muera Erasmo!)» Contaba Dámaso Alonso, en entrevista a Soler Serrano, cómo Federico, a menudo, le ins taba: «Tienes que dedicarte completamente a la poesía y únicamente a la poesía y dejar ese Centro de Estudios Históricos que te está arruinando la vida, y en uno de sus dibujos [de las dedicatorias], aparece el Centro de Estudios Históricos con una reja como si fuera la prisión en donde se estaba consumiendo mi vida». Dámaso Alonso, en aquel 1928, preparaba para el Centro de Estudios Históricos, su edición de El Enquiridion de Erasmo y el ensayo El crepúsculo de Erasmo cuando recibió el ejemplar de las Canciones en la que García Lorca volvía a incidir en la idea anterior con una nueva dedicatoria que acababa en un contundente «(¡Muera Erasmo!)», esa exclamación plasmaba de nuevo la idea de ruptura con la filología en favor de la poesía y la emoción.
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Parvedad de alpiste captura la complejidad humana a través de la palabra y la imagen. Cada poema es una invitación férrea a mirar hacia adentro del alma y explorar los rincones más profundos y oscuros de la conciencia. Cada verso evoca una amplia gama de emociones: desde la euforia hasta la melancolía, desde la pasión hasta la traición, desde el amor hasta la muerte. La naturaleza se postra como testigo del sufrimiento e incluso invoca la (auto)destrucción del individuo, pero sin dejar de dibujar un esbozo de esperanza. En los poemas de la primera sección hay un empecinamiento fructífero con la memoria y aquella añoranza que trata de razonar uniones efímeras, treguas imposibles, rechazos y artificios del pasado. Enseguida la escritura se ramifica en una búsqueda implacable por redescubrir la esencia de un poeta comprometido con la humanidad. Los poemas de la segunda sección se refugian en la libertad creadora y el poder de la palabra, una poesía que ''no es apta para débiles conciencias''. El hablante se embriaga de furor, pasión y fortaleza para resistir y devorar un continuum de violencia plasmada en experiencias migratorias, masacres, monotonías, materialidades e hipocresías. ''Chrystian Zegarra continúa siendo una de las voces prominentes y representativas de la poesía peruana contemporánea. Su estilo distintivo, inmanente por naturaleza, conjunta una fauna humana donde la distorsión, la degradación y lo grotesco encuentran la belleza necesaria para coexistir. Sin duda, Parvedad de alpiste refleja una madurez exquisita e innegablemente innovadora.'' - OSVALDO SANDOVAL-LEÓN
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El presente libro nace del encuentro entre dos poetas que, por uno de esos avatares del destino, se conocen en una feria del libro, comparten sus escritos y se produce este milagro literario.Dos poetas con una visión común y dos estilos muy diferentes: Ella es el concepto y la imagen, la magia, el alma escondida anhelando ser rescatada de los propios versos, en los que desentraña su sabiduría y muestra una experiencia codificada donde la lágrima silenciosa y la sonrisa son el haz y el envés de sí misma. Él es el mensaje directo, el lenguaje cotidiano con un sobretodo musical, el amor entregado y el desamor melancólico, la huida de la tibieza y el corazón abierto de par en par ante nuestros ojos.
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Entre letras encierro tormentas, en busca de que no vuelvan a apagar el fuego. Y entre versos vive ese recuerdo que deseo que nunca vuelva a ser la historia. Te invito a ser nube y entrar en mi cabeza salvaje, que truena y aún anhela que algún día la ausencia se vuelva eléctrica.
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Dos seres dialogan en una mirada espiritual más que religiosa, hecha de palabras, silencios y un misterio que parece penetrar cada verso. Jeannette L. Clariond dirige Ante un cuerpo desnudo a un Tú que sostiene su soledad, ese dolor de ser mundo, un saberse ausencia ante un cielo ensimismado. Esta declaración de abandono es llaga en la voz de la poeta. Nos recuerda a Martin Buber: Cuando se nombra el Tú, se dice al mismo tiempo el Yo, que en este libro subsume la unión de dos cuerpos desnudos develando su orfandad: ¿Dónde estarás ahora?, ¿dónde si no te alcanzo en el oscuro bosque? La poesía tiene el don de poner en nuestros labios el más profundo desamparo. «Árbol sin hojas, leemos una raíz/ abierta sobre la tierra yerma».
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'El rayo que no cesa'', segunda obra publicada de Miguel Hernández, vio la luz el 24 de enero de 1936, solo seis meses antes del estallido de la Guerra Civil, en un ambiente ya enrarecido nada propicio para nuevas publicaciones, por lo que su distribución y venta fueron escasísimas. El 22 de febrero salió una reseña firmada por M. A. -Manuel Altolaguirre, evidentemente- que presentaban al joven poeta y el libro: «Las Ediciones El Héroe presentan con la belleza y esmero que ponen en todos sus trabajos esta obra de un poeta salido de la hornada más reciente de la joven generación. M.A.». El libro, como decimos, se editó en Ediciones Héroe, que regentaban Manuel Altolaguirre y Concha Méndez en la calle Viriato de Madrid donde vivían y habían instalado su editorial y en la que publicaron también La invitación a la poesía de Luis Cernuda, Rosa Chacel, A la orilla de un pozo, Primeros poemas de amor de Pablo Neruda o Primeras canciones de Lorca. Una editorial que cuidaba escrupulosamente su belleza tipográfica clásica. Antes de su publicación, el autor pidió consejo al poeta Vicente Aleixandre que recomendó su publicación. El poemario de temática amorosa recoge 30 poemas -27 sonetos- que comienzan con «un carnívoro cuchillo», tras una serie de sonetos, «Me llamo barro», se inserta la famosísima elegía dedicada a Ramón Sijé, su gran amigo y se cierra con un «Soneto final» Se reproduce aquí el ejemplar de la edición que perteneció a Dámaso Alonso y que se conserva en su Legado custodiado por la Real Academia Española con signatura RAE DA Foll.17-34.
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Miguel A. Herranz nació en 1978 en la ciudad de Madrid. Con anterioridad ha publicado Palabras de perdiz. Lírica de lo cotidiano es su segundo libro de poemas.
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Que Alguien despierte a Dios es un toque de atención para que todos nos vayamos preparando para lo que está por venir. Ya no es solo la destrucción de nuestro querido, para algunos, planeta, sino también para la inminente destrucción de nuestras ideas, de nuestros ideales, de todas nuestras luchas y sacrificios para poder dejar un mundo mejor. Los que durante tantos años hemos estado al pie del cañón, primero en contra de la dictadura, y después con esta pseudodemocracia que no para de aniquilar nuestros derechos como seres humanos, estamos cansados, muy cansados de que haya tan poca gente en la lucha… Es por eso por lo que la poesía usada como panfleto es también una forma de lucha, una forma de que nada caiga en el olvido. Espero que disfrutéis leyendo este libro, tanto como he disfrutado yo escribiéndolo. Joan Ros.
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Como Manuel Ávarez Torneiro sabía muy bien, el auténtico legado de un poeta no son las palabras rimbombantes ni las grandes arquitecturas estilísticas, sino el logro de fosilizar lo esencial y, gracias al lenguaje, dotarlo de eternidad. Y así lo hizo en ''Travesía del conocimiento'', su último libro de poemas en castellano. Una obra en la que los versos dialogan con su otra faceta creativa, la ilustración. Un doble reconocimiento para este consagrado autor, ya que no solo se rescata del olvido un poemario inédito de una voz referencial, sino que, por primera vez, se le otorga a su obra plástica una merecida atención.
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El alcance de su obra era frenético: impulsado por un hábito voraz de leer, una ética de trabajo incomparable y una memoria fotográfica, se deja llevar de lo macrocósmico (la historia de Europa y Norteamérica) a lo microscópico (mujeres borrachas disparando a sus maridos), del registro bajo (esos bellacos) a lo alto (un paso de ballet), de lo político (la esclavitud, el privilegio de clase) a lo inspirador (el cisne negro).
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Lola Mascarell regresa a los lugares de siempre con una mirada nueva. «Lola Mascarell es una poeta excelente. Porque se oculta, porque convierte la propia voz en atril donde susurrar el paso del tiempo, el significado de los gestos, los lugares pequeños donde la epifanía elige mostrarse. Hay en su poesía aroma de bien.» Víctor Herrero «Lola Mascarell es autora de tres libros que se incorporan a lo mejor de la mejor vertiente de la poesía de su tierra, esa que precisamente celebra la luz (y todo lo que ésta implica), la que es consciente de estar habitando el paraíso.» Juan Marqués «La poesía de Lola Mascarell surge por necesidad vital y su pulsión, por encima de todo, es celebrativa: celebrar que se está vivo y celebrar los dones de la vida.» Almudena del Olmo Iturriarte «En su último libro, la poeta nos invita a llegar con ella hasta los más recónditos y bellos paisajes de su mundo interior, sin titubeos, con la firmeza de quien se siente segura y dueña de sus palabras.» Susana Benet «En las inscripciones funerarias tempranas, los muertos rogaban al paseante: ''préstame tu voz'', para revivir y anunciar quién yacía en el sepulcro.» Lo cuenta Irene Vallejo en su libro El infinito en un junco. Préstame tu voz es el resultado de ese diálogo entre los muertos y los vivos, entre las distintas voces que somos, entre la madre y la hija que ahora es a su vez la madre y que sigue cantando las canciones de sus abuelas. En este libro de poemas Lola Mascarell regresa a los lugares de siempre (la casa, la montaña, el bosque, la naturaleza, la infancia) con una mirada nueva: la mirada de quien ha visto su cuerpo modificarse al compás de la transformación del mundo. Retoma así el pulso de los poemas recogidos en Un vaso de agua: la búsqueda de la claridad expresiva para dar cuenta de la sencillez del mundo. Un mundo plácido, donde todo está unido, donde las cosas suceden en su cotidianidad más desnuda, donde el amor doméstico, la mirada serena y la aceptación del paso del tiempo se entrelazan. También la reflexión poética: buscar la poesía que hay en cualquier parte por si logra su luz atenuar las sombras de los tiempos difíciles.
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Aquest llibre pot ser llegit com el diwan andalusí d'un poeta actual, com una antologia de versos àrabs clàssics que han perdurat en l'imaginari de la tradició posterior. És a dir, de la tradició literària que s'instal·là al país on ells visqueren i escrigueren els seus versos. Aquest llibre és també, doncs, un homenatge i un reconeixement a la perdurabilitat de la paraula poètica, en tant que la manera artística d'interpretar un món vital, desbordant la temporalitat i l'oblit implacables, fins a convertir-lo en l'evitern paisatge d'un paradís de paraules. D'un jardí llunyà que només els mots mantenen viu. D'un patrimoni de memòries que no mereixen ser esborrades. D'un calidoscopi de lluminoses meravelles renovades. De la invitació a la lectura de Josep Piera Josep Piera (Gandia, 1947) és poeta, traductor i narrador. Com a poeta, cal esmentar el llibre El somriure de l'herba (1982), el recull Dictats d'amors (1991), l'antologia Cants i encants (2004) i El temps trobat (2013). Dels seus llibres narratius citarem els de temàtica àrab o andalusina: El paradís de les paraules (1995), Seduccions de Marràqueix (1996) i El jardí llunyà (2000). Entre els premis literaris obtinguts es poden destacar el Carles Riba, el Sant Joan i el Josep Pla. És membre de l'IEC.
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Bueno, tampoco me cuido tan mal, hay que conocer un poco el cuerpo y luego, ni eso vale, es un poema de un hombre viejo que escribe un poema de un hombre viejo y que escribe un poema, pero así no se empieza un texto...
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Finalista tanto del prestigioso National Book Award como del National Book Critics Circle Award, Bright Dead Things (Cosas muertas y brillantes), de la poeta laureada de los EEUU Ada Limón, es un libro valiente pero introspectivo. Su cuarta colección de poemas, con la que consiguió popularidad y vender más de 40,000 ejemplares en los EEUU, incluye además reivindicación feminista y pérdida desgarradora, y desvela cómo construimos nuestras identidades a partir del lugar y el contacto humano, rastreando con detalle íntimo las formas en que el sentido del yo poético y personal cambia y persevera a medida que se traslada de Nueva York a la Kentucky rural, pierde a su padre, envejece más allá de la caprichosa juventud y se enamora.
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A través de los dos tomos en los que se ha dividido su obra, el lector podrá percibir la evolución de la poesía de Robert Lowell, siempre muy estudiada y cuidada, pero que con el paso del tiempo va adquiriendo un tono más íntimo y confesional. El poeta ut
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Podría pensarse que Todo lo que es cuerpo es agua en tránsito aborda, sobre todo, el desplome de la estructura que sostiene a una pareja, pero no es este un libro acerca del fin del amor, sino de lo que el amor hace con el lenguaje, de lo que el lenguaje hace con el amor (uno es las rocas y el otro las olas que las golpean, mas lo difícil siempre ha sido distinguir cuál es cuál). Los cuerpos se deshacen y los hilos que unen a un cuerpo con otro lo hacen también, pero el poema aún puede —,al tiempo que martilla o que hurga en la oscuridad—, seguir el consejo que una poeta canadiense nos dio un día, y que no deja de resonar en estas páginas: hay que retener la belleza. LUIS EDUARDO GARCÍA
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«Són les 12:40 d'un dijous a Nova York, i Frank O'Hara surt del MoMA a fer un mos pels carrers fumejants de Midtown. Entre transeünts atrafegats, els obrers descansen amb la coca-cola a la mà, els taxis toquen el clàxon per sortir de l'embús i les faldilles d'una noia voleien un instant sobre les reixes de ventilació. O'Hara té el temps just d'escriure un poema, o potser ni això, perquè ha quedat amb un amic, té una trucada pendent i no vol renunciar a un suc de papaia del seu lloc preferit. O potser són les 12:20 d'un divendres, no importa, i Frank O'Hara té mitja hora per dinar i un munt de trucades pendents, però encara està sota l'impacte de la darrera pel·lícula de Fellini, porta a la butxaca un llibre d'un poeta francès que no pot deixar de llegir i té uns versos propis que li ballen pel cap. És l'hora de dinar, però Frank O'Hara s'estima més escriure un poema.» Del pròleg de Melcion Mateu Francis Russell O'Hara va néixer el 27 de juny de 1926 a Baltimore, Maryland, i es va criar a Nova Anglaterra. Entre el 1944 i el 1946 va servir a la Marina com a tècnic de sonar al destructor USS Nicholas. Gràcies a una beca destinada als veterans de guerra, va entrar a la Universitat Harvard, on va fer estudis de música i de filologia anglesa. Va començar a publicar poemes a la revista Harvard Advocate. A partir del 1951 va viure sempre a Nova York, on va treballar com a crític d'art a la revista Art News i com a conservador de pintura i escultura al MoMA. El 24 de juliol de 1966 va ser atropellat per un bugui a la platja de Fire Island i va morir l'endemà. Els llibres de Frank O'Hara que van aparèixer en vida de l'autor són els següents: A City Winter and Other Poems (1952), Oranges: 12 pastorals (1953), Meditations in an Emergency (1957), Second Avenue (1960), Odes (1960), Lunch Poems (1964) i Love Poems (Tentative Title) (1965).
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Sergio Chico nos trae una poesía cargada de las consecuencias que provocan las rupturas sentimentales y co mo e stas generan una coraza que impide en la mayori a de los casos reponerse de las heridas. Sergio se caracteriza por un discurso directo, co
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Compañera galáctica, el nuevo poemario de Diego Ojeda, muy en sintonía con la obra que lo ha catapultado como uno de lospoetas más vendidos del mercado editorial español, Mi chica revolucionaria, supone un punto de inflexión vital y artístico en su
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Jailhouse Rock es una visión personal e íntima del mundo carcelario a través de la óptica del poema.Durante el confinamiento de 2020, toda la sociedad pudo comprobar lo que significa vivir encerrado y lo duro que puede ser. Los presos de las cárceles, más aislados aún con el exterior e informados sobre todo a través de la televisión, se preocupaban por cómo estaba la vida fuera. Eran conscientes de que todo el mundo había perdido lo que ellos más ansiaban: la libertad. Jailhouse Rock es una visión personal e íntima del mundo carcelario a través de la óptica del poema. El poeta Jorge Barco Ingelmo es, además, funcionario de prisiones, y ha puesto su experiencia y observación al servicio de la poesía para abrir, con la llave del verso, una puerta insólita hacia uno de los lugares más desconocidos y que más curiosidad despiertan: los centros penitenciarios y las personas que los habitan.
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Sobre la Herida es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico. Cada poema en Sobre la Herida expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal.La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío. A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales. La crítica ha celebrado Sobre la Herida por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.
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Ni el passat, ni el futur són reals, però què fer? Doncs m’he fet amic del que està més gras, del que té més material en oferta, del passat, es clar. El passat, amb els seus aires de tertulià cara-bonàs, panxut i melancòlic, reconegut assetjador de gent gran en hores intempestives, és el camell amb més capacitat per abastir a pleret un material útil. Consumat l’acord, l’altre, el futur, ha passat a ser l’amistat secreta amb qui comparteixo, a primera hora del matí, havent dinat o si guanya el Barça, el principi actiu de l’esperança, les seves dosis escasses i intermitents. En aquestes condicions ha nascut Dret sobre els meus pecats.
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Virus, bacterias, hongos, lobos, secuoyas milenarias y bosques de abetos y abedules proliferan y se diseminan a lo largo de una obra que, siguiendo las redes que conectan organismos simples y complejos, recorre tallos subterráneos, recuerdos escolares, hazañas del activismo ambiental y un medio natural en delicado equilibrio donde la lengua del imperio impone categorías y se opera por dominación y extracción de recursos.
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Les Cirurgies són microrelats poètics sobre psicologia i anatomia construïts a partir de metàfores acarnissades. Microrelats que ens descriuen com les emocions ens esquincen brutalment la pell i ataquen el nostre organisme.
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Aquesta composició d'Agustí Bartra és una de les creacions poètiques més originals i més ambicioses de la literatura catalana moderna. Escrita de manera febril pel Bartra madur, _El gos geomètric_ és un intens monòleg dramàtic on Caliban, el conegut personatge de Shakespeare, pren la paraula per llançar-nos la seva apassionant i contradictòria visió de la vida i del món modern. Aquesta obra impactant s'edita ara per primera vegada sola, tal com la va concebre Bartra, en un text revisat que respecta al màxim la voluntat de l'autor.
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Els versos de Lucia Pietrelli són alens breus i pensaments fragmentats dins d'un reflex contínuament trencat a cops de punys i mots. Partint del ressò d'uns versos pavesians molt coneguts, vorejant el ''Vindrà la mort i tindrà els teus ulls'', Lucia Pietrelli s'endinsa en l'alteritat, quan l'alteritat ve de dins i no tan sols de l'Amic-Amat de devora.
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En palabras de W. B. Yeats: «El escritor debe morir todos los días de su vida y renacer en la forma de un ser incorruptible». Es decir, para el premio Nobe irlandés, el poeta lleva la mismna vida de un vampiro, aunque pueda tomar el sol impunemente y no sienta terror al pisar terreno sagrado. Después de bucear en la extensa nómina de los no muertos, aquellos personajes misteriosos a la sombra de Drácula, pese a que algunos nacieron antes que el aristócrata transilvano, Antonio Lafarque ha realizado una extensa selección de poemas vampíricos escritos en español por autores de varios países. Los ha agrupado en tres secciones: «Vampiros históricos», «Vampiros anónimos» y «Poetas vampisos». Están escritos con la misma sangre que dio vida a los mitos y superan con creces la estaca de la crítica.
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George Gordon Byron (1788-1824), más conocido como Lord Byron, es una figura prominente del Romanticismo, A diferencia de la mayor parte de los grandes poetas de su tiempo, ya en vida gozó en toda Europa de una fama equiparable a la actual, Pero no solo su obra, también su estilo de vida coadyuvó a la creación de una imagen y un mito ya plenamente modernos. De entre sus célebres poemas narrativos, quizás el más apreciado por la crítica actual sea El prisionero de Chillón, por el fino análisis psicológico que ofrece de un ser humano reducido a un duro confinamiento, similar interés despierta El lamento de Tasso, basado en los años que pasó asimismo en prisión el gran poeta del Renacimiento italiano, Mención especial merecen también sus «lyrical dramas», en donde Byron, tal vez influido por su amistad con Percy B, Shelley, se nos muestra en toda su grandeza y con una maestría y una hondura shakesperianas, Equiparable a «Manfredo» o «Caín», El cielo y la tierra, una obra que nos habla de la imposibilidad de acotar el deseo, se presenta en este volumen por vez primera en español. «No escribo, He vivido demasiado tiempo cerca de Lord Byron, y el sol ha extinguido a la luciérnaga», Percy B, Shelley
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Karmelo C, Iribarren (Donosti, 1959) es autor de quince libros de poemas, entre los que destacan Desde el fondo de la barra (1999), Atravesando la noche (2009), Versos que el viento arrastra (2010), Las luces interiores (2013), Mientras me alejo (2017), Un lugar difícil (2019) y El escenario (2021), Su poesía sencilla y emotiva, atenta a los detalles de la vida cotidiana, ha ido ganando cada vez más popularidad, convirtiéndolo en uno de los poetas más leídos de su generación. «La voz socarrona y tierna de Karmelo C, Iribarren constituye un irremplazable testigo del mundo circundante y de nosotros mismos, En una suerte de transustanciación, la mirada del poeta se detiene sobre lo aparentemente pequeño, transformándolo ante nuestros ojos en principio universal que amplía la perspectiva y nos obsequia espacios alternativos de pensamiento, A través de una honda sensibilidad personal hacia el paso del tiempo y sus irremediables cambios vitales, la poesía de Karmelo se vuelve una vez más, con La última del domingo, un himno a la belleza de lo cotidiano y a la conciencia de la finitud», Raquel Lanseros
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El último de nuestros tíos es un libro de poesía escr
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Cavafis es el poeta en lengua neogriega más leído y traducido, pero la gran mayoría de sus lectores están mucho menos familiarizados con su importante y variada producción en prosa, por la sencilla razón de lo tardías y escasas que han sido su edición
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Los versos contenidos en Ni un leve trazo se han ido destilando a lo largo de casi una década a refugio de la prisa, de «la solicitación de las diarias horas» de las que hablara Vicente Aleixandre. En ellos el autor da fe de las tres heridas hernandianas con las que se viene al mundo (la de la vida, la del amor, la de la muerte), asumiéndolas, integrándolas en su experiencia, reflexionando sobre su naturaleza inexorable. Para hacerlo, David Pulido Suárez emplea la ductilidad del soneto, la contención de la décima, la expansión de la prosa y la flexibilidad versolibrista, moldes todos escogidos según lo requiere la expresión de cada idea, nunca fruto del azar o del capricho.Quien lea los poemas que recorren estas páginas hallará textos escritos desde la honestidad y la humildad del que se reconoce pasajero y que, por lo tanto, únicamente puede limitarse a levantar acta cordial, franca, de aquello que impresiona su ánimo, pues «tal vez en la memoria/ de un labio quedará con leve acento/ el nombre que albergó su breve historia».
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El primer y esperado poemario de Clara Monzó.Llevar la casa es el primer poemario de Clara Monzó (1990). Sus poemas amueblan un comedor que se transforma, donde una mesa sin manteles recuerda la familia que fue y la que aparece ahora entre la memoria y la expectativa. Llevar la casa nos habla del relevo, de la herencia brumosa y del esfuerzo claro de una estirpe de madres y de tías. Como en un carnaval, desfilan por estas páginas primas y padres despistados, mientras la juventud se obstina en perdurar, saludando por el camino (con sorna a veces, otras con audacia) amistades remotas y amores antiguos. Saber llevar la casa es saber construir por igual la fiesta y el descanso, es cuidar del espacio para poder cuidar del tiempo, es mantener, en un íntimo gesto de resistencia, siempre una luz encendida.
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A. E. Housman (1859-1936) fue uno de los grandes poetas menores de la lírica inglesa del siglo XX. Autor de sólo dos libros publicados en vida, A Shropshire Lady y Last Poems, a los que se añadió un tercero póstumo, More Poems, su personalidad huidiza y huraña no impidió que se convirtiera en una influencia reconocida por algunos de los más célebres poetas ingleses como Auden. Fue catedrático de Latín de la Universidad de Cambridge. En 1933 dio forma a su poética en una conferencia titulada «The Name and Nature of Poetry». Juan Bonilla (Jerez, 1966) ha traducido Las horas detenidas de Ramón Solana, (Pre-Textos, 1999), Infancia de J. M. Coetzee (Mondadori, 2002) y Melville de Andrea Delbanco (Seix-Barral, 2006).
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La exitosa Youtuber Abbey C., La chica del andén, nos descubre la historia de cada instante, de cada uno de los momentos que cuentan una historia de amor. Esto no es un libro, es una recopilación de sentimientos
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Un poema maravillosamente fluido. Un camino sin baches hacia lo sublime. «H.D. es sinónimo de deseo, de imaginación y de clarividencia. Tal vez una de las poetas más increíbles -aunque incomprendida y secreta- de la primera mitad del siglo xx. [...] En Trilogía podemos ver parte de toda su magia en expansión.»Luna Miguel Los tres largos poemas que conforman Trilogía constituyen una de las obras maestras de la poesía del siglo XX, comparable a los Cuatro cuartetos de T.S. Eliot, a Brigflatts de Basil Bunting o a Notas hacia una ficción suprema de Wallace Stevens. Escrita bajo el impacto de la Segunda Guerra Mundial, H.D. indaga a lo largo de esta obra en el amor, la muerte o la posibilidad de redención, llevando su propia poesía -despojada ahora de las tiranías del imaginismo que había ayudado a fundar- a terrenos nunca antes explorados, configurando así uno de los experimentos literarios más arriesgados y fructíferos de nuestro tiempo. Reseñas:«Madura de edad y genio, H. D. ha crecido, años hace que el imaginismo se le quedó pequeño, pero sus versos son aún rápidos como saetas. De su oracular Trilogía se desprende el enésimo sentido, el exclusivo de nuestra especie y, probablemente, el único fiable: el sentido poético. Señores físicos, teóricos ustedes, la búsqueda ha terminado: he aquí la ley que gobierna todos los universos. Poesía del fiat lux para nuestras almas oscuras.»Ainhoa Sáenz de Zaitegui, El Cultural «En Trilogía, H.D. se enfrentó a los temas de la guerra, la locura nacionalista, la destrucción de las grandes ciudades, no como un lamento por el desmoronamiento de la civilización occidental, sino volviendo la mirada atrás para buscar inspiración en la prehistoria, en una tradición ginocéntrica. H.D. insistió en que la poeta-como-mujer tenía que dejar de derramar sus energías sobre un terreno que los tiranos y los adoradores de la muerte habían dejado estéril. [...] A partir de su visión, H.D. procedió a crear sus grandes y largos poemas tardíos en los que celebra el mundo matriarcal y la búsqueda de heroínas.»Adrienne Rich «La obra cumbre de la ecléctica poeta estadounidense.»Zenda «En la tradición de los poemas de Yeats, Eliot y Pound, las secuencias de versos de H. D. son ficciones supremas de lo más visionarias.»Sandra M. Gilbert, The New York Times Book Review «Hilda Doolittle es la única que me hace creer que existe algo más allá. [...] Es una autora compleja que no sé si entiendo del todo la mayoría de las veces que la leo, sin embargo, cuando me aproximo a ella, siempre siento que voy a descubrir algo.»Luna Miguel «Este éxtasis, éxtasis en el lenguaje, en un lenguaje bello, es lo que me lleva a través de toda la Trilogía, no solo satisfecho con su trampa, no solo satisfecho con estas ficciones arbitrarias, sino hechizado con la totalidad de su poema, por no decir embelesado.»Hayden Carruth, The Hudson Review «Recordad: H. D. era más sacerdotisa que otra cosa: más sacerdotisa que amante, más sacerdotisa que pensadora, más sacerdotisa que mujer, que estadounidense o (a decir verdad) artista. La Trilogía es tan buena en parte porque directamente convirtió su vocación de sacerdotisa en el tema principal.»Anthony Madrid, The Paris Review
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