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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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La poesía de José Carlos Llop es depurada, elegante y clasicista, y nace de la experiencia vital. La poesía de José Carlos Llop es depurada, elegante y clasicista, y nace de la experiencia vital -la poesía como autobiografía- constituyendo una de las aportaciones más sólidas a la poética española de los últimos veinte años. Una poesía de la reflexión, donde vida y literatura se confunden porque son lo mismo, y el amor, el tiempo, la ciudad, la gran cultura, la belleza y una concepción elegíaca del mundo son motivos recurrentes. En La avenida de la luz su voz adquiere una claridad esencial, una matización más severa, una tonalidad virtuosa que se destila con sabiduría en sus poemas, acompañada por la persistente sombra de la muerte, anfitriona de esta verdadera conversation piece.
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Cantar la vida es un largo viaje, sin prisas. Durante trece años estos poemas me acompañaron por islas y desiertos, y han crecido conmigo hasta llegar aquí. En el cauce que son, riadas y sequías dieron forma al amor que albergan y al desgaste, son himno de la erosión que soy: una crónica desnuda de sucesos en mi vida que jamás olvidaré y que conforman mi manera de andar, los lugares en que se goza mi mirada. Hay entre estas líneas cumbres y cielos y un camino, conmoción a menudo del hombre que evoca la luz de sus edades, paisajes en la niebla donde siempre regresa el corazón cansado.
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¿Es el olvido una forma de paz o de renuncia? ¿Se trata del fracaso de la memoria o del triunfo del equlibrio? Arturo de Vicente nos conduce con maestría por el mundo de las cosas que sucedieron para borrarse, del daño que está presente mientras vivimos.
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Poesía intimista, personal y, también, social.Ciertamente, su poesía es una exquisita muestra de sensibilidad, una apuesta por la emoción y la reflexión introspectiva con ritmos clásicos y sutiles armonías. Su originalidad reside en la atmósfera que crea, la manera en la que novela el dolor y avanza por las emociones hasta llegar a la luz.
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Christian Bobin em estado puro, este poema é uma carta maravilhosa, uma escrita iluminada.Esta longa carta tornou-se num pequeno livro. Nunca escreveria mais do que livros curtos, pela incapacidade de fazer outra coisa, mas quiçá também pela necessidade: escrever é transformar o demasiado em pouco, o excesso em carência.Nenhum livro deveria ser mais pesado do que a luz. Nenhuma escrita deveria fazer mais barulho do que um sorriso.
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Tota la claror parla, amb llenguatge senzill -però sense defugir la profunditat d'allò de què parla-, del pes i de les restes de certes coses que se'ns fan malbé a la vida, de com serem capaços de fer net del tot d'aquestes restes que ens fan nosa i que potser ens frenen, d'aixecar un àmbit nou en què puguin brotar uns altres delers que ens espenyin, d'adonar-se de la magnitud de l'ara i aquí, de tornar a lligar-nos al sentit i a la màgia de la vida. En paraules del jurat, Tota la claror és un llibre ''transparent, pur i complexament senzill''.
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La obra de Juan Andrés García Román recuerda a la del poeta piadoso, el poeta que arrepentido de su mundo da en un mundo nuevo, un mundo puro y candoroso y bello. Poesía «fantástica», al decir de Juan Carlos Reche y Erika Martínez, poesía de lo «asombroso», al hilo del epílogo de Rosa Berbel, poesía «conmovedora», podría añadirse. Su paisaje lo componen motivos musicales, lo pueblan personajes atónitos, circenses y delicados, entre el pesar y la sonrisa, lo impactan cuerpos celestes, irremediablemente suyos. La palabra original acude a los labios del lector sin necesidad de que la pronunciemos en esa voz alta que estudia con demasiada herramienta.Después de haber marcado la poesía en castellano de principios del siglo XXI con El fósforo astillado (2008) y La adoración (2011), dos de las obras más importantes del legendario catálogo de DVD Ediciones, y tras el maravilloso Fruta para el pajarillo de la superstición (Pre-Textos, 2017), Juan Andrés García Román vuelve con un nuevo libro, más depurado, igual de libre.
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Memoria apasionadade una educación sentimental que rinde tributo a los clásicos cancioneros petrarquistas, En carne vivo invoca la presencia de algunas mujeres que han marcado a fuego la vida del poeta, pero que, en el fondo, están encarnadas en la forma de un único eterno femenino. Y todo ello a través del soneto, estrofa reina donde las haya, que aparece como una declaración de compromiso con el lenguaje y también como una prueba de iniciación, un tour de force que se debe superar para imprimir en la expresión coloquial y en la experiencia cotidiana el sello de la poesía. Pero, sobre todo, es una defensa del estilo, una reivindicación de que este puede volver a establecer un vínculo con la belleza sin convertir el poema en algo ininteligible y tratando al lector con el respeto que merece.
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Silencio cuenta la historia de Águeda, una joven que llora la muerte de su madre, una suicida que sólo en la muerte encontró un camino para huir de la violencia de su marido. Cuando le niegan una tumba en el cementerio del pueblo, el cuerpo de la madre desaparece. Águeda sabe que su padre lo esconde, pero al desafiarlo, este decide castigar su atrevimiento con el encierro. Purgando su condena en una casa, la joven vivirá entre esas paredes como en un segundo vientre materno que la transformará. A través de los muros sentirá el mundo, las aves y las historias que le cuentan, conocerá el amor y la belleza, se dará cuenta de que, en esa sierra donde el crimen organizado manda, muchos son los que, como ella, lloran a sus muertos y buscan a sus desaparecidos.
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Soñé que era un tigre es una declaración de insolente rebeldía ante el dolor de vivir. Dentro de la tradición lírica clásica, Samé Juzó defiende que la más alta valentía es la búsqueda de la belleza, como sublime y, ciertamente humilde, justificación de la vida. La belleza como sentido vital, como moralidad, trasluce en estas páginas una sabiduría, a veces irónica, contradictoria, tierna, melancólica, desmesurada, cínica incluso, sobre una multitud de experiencias humanas, afines a toda sociedad y todo tiempo. La esperanza como fuego, la muerte como anhelado destino, la vida como osada aventura, el amor como placentero abismo, el sufrimiento como gozo purificador, la lectura como vuelo... y el tigre, ¡oh el tigre!, como arquetipo del héroe, es decir: del ser humano.
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Se trata de un viaje que no presume de profundidades, sino que invita a explorar vértigos y alturas. Es, antes que nada, el viaje del goce a través de las palabras de María lo que envuelve, como un paisaje sonoro, la inquietante mirada lectora. Los poemas de Cruzamos por el ras de la montaña explicitan la importancia de la medida, el acierto de las luminosidades entre la brevedad, ¿lo pastoril? y el aforismo. Se trata de una voz singular por su búsqueda temprana entre los huecos que quedan en el sonido y el pensamiento. En las imágenes de la poeta las personas no se resguardan de las nevadas, ni los ríos refrescan. Los apelativos se esconden tímidos haciendo con ellos apariciones estelares, destellos de otros seres, de personas a las que el sujeto poético acude aun pareciendo no estar. El equipaje es el de la urgencia, escribe María «tomé de mi memoria lo que pude», no por ninguna clase de afán por la prisa. En sus poemas la urgencia construye un monolito de retales e inconexiones que invita a pensar en la memoria como un aparato retráctil, o un gamusino transitando siempre en el borde de lo real y lo onírico.
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El mundo solo pasa por la visión / del primer idioma. Diario de las dos veces está lleno de sentencias peligrosas como esta. Según la poeta, vemos lo que decimos y este decir se remite a las palabras del origen, a la lengua nativa. Esta noción se manifiesta, claro está, cuando la primera lengua se convierte inevitablemente en la segunda: en la extranjera. Territorio, distancia y habla son, por ende, tres de las variables más influyentes en este poemario. Enciso no escribe la distancia física y el sueño del retorno desde el presente, pero la vivacidad de los poemas permite ver que el registro emocional es nítido y honesto, como las capas de sedimento que se acumulan en la superficie de la tierra. En medio de una lengua y terreno ajenos, la autora también se somete a un tiempo ajeno: el del invierno, las estaciones y la primavera. Extrañamiento, nostalgia y ¿retorno?: el día, el ocaso y la noche de este diario. CARLO ACEVEDO
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En Seré la Tierra Ana Aupi escribre sobre Guatemala desde Barcelona. Desde los versos que podréis leer, Aupi encuentra un lugar para enunciarse. Fragmentos de una época anterior, de una lucha por dejar un mejor presente para quienes vienen después. Una poesía escrita en la distancia, pero no desde el sofá. La autora nos habla desde sus vivencias y experiencias ''hablo desde escuchar la bala en mi oído, desde sentir el golpe en la espalda, desde el sabor a muerte en mi boca, desde la boca abierta de mi amigo''. Escribe para no olvidar. Seré la Tierra es el deseo de querer abrazar fue arrancado y pudo ser llorado. Una afirmación sólida de ser la marginalidad de la izquierda, la disidencia en la disidencia, como pronunciamiento, y como enunciación. Es resistir al olvido y velar lxs muertxs. Seré la tierra es el ir asumiendo lo menudo e inmenso, que es nuestro paso por acá.
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Este poemario nos invita a explorar la dualidad de la vida y la muerte, la resistencia y la renovación en el contexto del mundo natural.En el poemario «¿De qué muere un buitre?» Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, la autora teje una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y las complejidades de la existencia.
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Cuando encuentras tu lugar en el mundo sabes que va a ser muy difícil marcharte de él. Al fin y al Cabo es un viaje interno por las luces y las sombras que habitan dentro de nosotros en algún momento de nuestra vida. Es el lugar al que vas cuando quieres sentirte en casa después de una dura mudanza. Este poemario de verso libre habla de lo mucho que duelen las rupturas temporales y de esa sensación de plenitud que te acompaña cuando encuentras tu hogar.
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Poemari amb el que Marina de Cabo ha guanyat el premi Ciutat de Palma Joan Alcover de poesia 2023.Els poemes de Marina de Cabo parlen de piscines internacionals, de lectures i de pel·lícules. Ens transporten a la relaxació dels estius infinits i ens banyen amb paraules delicades, curades i precises. Un poemari que acompanya i refresca el panorama poètic i que ens recorda que la superfície del poema oculta profunditats desconegudes.
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Sólo una poesía «despojada de su naturaleza» como la de Hilos podría abordar el pensar y el sentir, los procesos de la mente y experiencias como el vértigo, el miedo, el cansancio o la vigilia, pero también el gesto y el movimiento del cuerpo, es decir, todos los fragmentos del yo, sus profundidades y sus mecanismos, sus lugares y sus imágenes, fragmentos que sólo adquieren sentido mediante los hilos que los unen y sin los cuales serían destellos inconexos.Variaciones en torno a un tema, como las series tituladas «Estrategias» o «Lo irremediable», se combinan a modo de fuga con poemas sueltos o reunidos bajo un título que los agrupa, en esta obra que lleva la desnudez poética hasta sus últimas consecuencias.A Hilos le sigue otro poemario, Cual, donde la palabra que da título al conjunto de poemas –,utilizada en muy distintos significados, incluso como sujeto poético («Cual» podría ser cualquier persona, todos nosotros)–, sitúa al lector frente a diversas realidades existenciales.De este modo, Hilos, unido a Cual, cubre el vasto trayecto que va desde el yo, apenas «un aliento que vibra» en la orilla del sueño, hasta el mundo, el exterior, al que poco a poco, a lo largo de estas páginas, va asomándose Chantal Maillard: al aire, a la luz, al Otro.
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El 27 de mayo de 1901 nació, circunstancialmente en Salamanca, Pedro Garfias, quien años después sería integrante de esa otra Generación del 27, marcada por el silencio y el olvido. Compartió durante la década de los veinte el destino de un grupo literario, dividido entre la tradición y la vanguardia (su única obra en ese período, El Ala del Sur, data de 1926). Sus acordes, romances y romancillos, marcaron la salida personal al vanguardismo primero (creacionismo, dadaísmo) e inclinaron su mundo poético hacia lo emotivo. En la Guerra Civil fue nombrado comisario político, en una fuerte labor de divulgación y agitación cultural. Volvió a renacer en él la poesía directa y sencilla al contacto con aquellos héroes de ese Sur tan querido y añorado por el poeta (Garfias había vivido su niñez y juventud entre Osuna, Cabra y Écija). Más tarde tras la derrota del Ejército Republicano embarcaría en el Sinaia para continuar la dura vida de exiliado en tierras aztecas. Es muy probable que en aquel paquebote, el ex director de Horizonte revista de vanguardia que él mismo dirigió entre 1922 y 1923, llevara en su mente algunos de los textos que después recrearía en el libro, su primer poemario del destierro, Primavera en Eaton Hastings, publicado en México, en 1941. Garfias publica también en México su lírica bélica y de compromiso (Poesías de la guerra española, 1941, Elegía a la presa de Dnieprostroi y otros poemas, 1943) y acentúa su etapa metafísica, con una poesía barroca y existencial y con postura nihilista (De Soledad y otros pesares, 1948, Viejos y nuevos poemas, 1951). La gran metáfora del río oscuro, revuelto frente a la mar eterna, que ya estaba en su poemario de 1948 da título a la que será su última obra: Río de aguas amargas (1953). Tras cinco años como Secretario del Director del Departamento de Acción Social Universitaria, de la Universidad de Monterrey, en Nuevo León su único trabajo estable, el poeta arrastró una vida errante con conferencias, recitales y amigos que lo acogen por todo México, en solidaridad con su desarraigo y dolor. Pedro Garfias se convierte así en un juglar vivo en pleno siglo XX. Todo él, poesía, amistad y soledad, destino completo de literatura y vida. Murió el 9 de agosto de 1967, en Monterrey, con tierra española en su boca, por su mismo deseo. Ahora se cumple su primer centenario. Nos dejó escribió: ''Espero que dos o tres versos míos puedan permanecer después que yo muera''. El responsable de esta edición, José María Barrera López, es especialista en vanguardias literarias, tema al que ha dedicado numerosas publicaciones (ediciones críticas, reediciones de revistas y monografías). Desde 1990 es profesor de Literatura Española en la Universidad de Sevilla.
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Tretas del débil es uno de los libros más representativos de la colombiana Piedad Bonnett. Su obra, arraigada en la vida, da muestra de la existencia en un mundo lleno de violencia, desigualdades y decepciones. Sus poemas nos hacen reflexionar sobre la importancia que concedemos a las emociones y sobre los diferentes papeles que nos vemos obligados a representar en la realidad.
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Aunque el cenit de la literatura polaca suele estar asociado a sus grandes autores románticos, ya en el siglo XVI Jan Kochanowski (1530-1584) había elevado al más alto nivel literario la lengua del país. Y es que, verdadero humanista y hombre del Renacimiento, Kochanowski desplegó a lo largo de toda su obra una abrumadora erudición filológica, filosófica e histórica que supo combinar perfectamente con una sutilísima expresividad artística. Entre toda su producción, los ''Trenos'' (1580), un delicado conjunto de elegías dedicado a su hija Úrsula, muerta con solo dos años y medio, brillan con especial intensidad, y es que no habrá en toda la literatura polaca otras voces o sensibilidades que puedan equipararse a su ingenio, calidad expresiva y maestría compositiva hasta que Adam Mickiewicz, ya en el XIX, haga su aparición.
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Demasiado tiempo se le ha negado al lector la poesía de Julio Fuertes (Valencia, 1989), novelista, músico y traductor. Este volumen reúne una serie de seis poemas escritos entre 2006 y 2011: «Hacerse una foto en el espejo del baño», que da título al conjunto, «Un día te vi tan guapa y pensé en decirte algo», «Skinhead», «Burladero en sepia», «Extendida una sábana Almería» y «Bonus track for Europe (copla)». Todos juntos retratan la emoción de una etapa de juventud, enérgica y maximalista, puntuada por la devoción y la muerte, entreveradas mediante una voz espontánea que sitúa a Julio Fuertes en la lista de los poetas singulares. Sus momentos de elegía tocan, con los nudillos de la mano izquierda, a la puerta recia del Lorca del «Llanto por Ignacio Sánchez Mejías» o el Diego Jesús Jiménez de «Noche de Navidad», mientras los momentos de rabia llaman, con la mano derecha, a un presente en continua negociación.
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Efemérides de Primavera es un calendario estacional sobre la dulzura de la infancia, el amor de la madre yla mujer, el miedo al tiempo y la bondad que traen los hijos al padre nuevo. En paralelo, el poeta intenta postular que “la Poesía no nace de nosotros, somoslos seres vivos los que nacemos de Ella”. Ahí radicala trascendencia de la poesía, en nuestra felicidad.
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Segundo libro de versos del joven poeta de Valparaíso, en esta nueva obra, Las desventuras de un dandy enamorado, sigue doliéndose de la realidad que le circunda, lo que algunos críticos ya han definido como la «lírica de la desesperación». A la vez popular y distinguido, su estilo pasa del aliento de Keats al de Bukowski sin solución de continuidad, lo que la convierte en el grito pornográfico y carnal de un artista apaleado. Ahora, en este inventario de sueños y fracasos, alegrías y tristezas, Tulsa no abandona sus raíces,pero con su renovada vocación de madrileño busca enellenguaje la única manera de redimirse de los misterios del Ser y la tierra baldía del estar.
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Rojo-Dolor. Antología de mujeres poetas en torno al dolor trata de reconstruir una genealogía inexistenteyacallada hasta ahora sobre cómo nombrar el dolor enuna sociedad patriarcal en la que el sufrimiento delasmujeres es silenciado. Reúne a poetas como JuanaCastro, Ángeles Mora, Piedad Bonnett, Chantal Maillard, Isabel Bono, Marta Agudo..., con una obra toda roja, desde Rosalía de Castro (1837-1885) hasta Marina Carretero Gómez (1985), que son conscientes de ser depositarias de un legado, que escriben gracias y a partir de él. Para que perdure, es necesario que se nombren entre sí y abracen las poéticas de las que las precedieron. Así, entre las poetas cuelgan hilos que lasunen, establecen similitudes poéticas y recogen interrogantes aún sin respuesta. Este libro se alza comouna antología feminista, con una clara reivindicación política en su esencia, y un refugio para cuando eldolorsea demasiado y necesitemos acunarlo en el sofá, y busca establecer un punto de partida para rompertodos los clichés y tabúes asociados al dolor.
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Sobras de pan es un libro que muestra una cuidadosa arquitectura y se acoge a una expresión limpia y honda, muy propia de una poesía reflexiva que huye vacuidades retóricas y busca la esencialidad. Puede muy bien hablarse de poesía arraigada, que proyecta una mirada interior sobre el entorno -los seres queridos, la naturaleza- y en ellos y con ellos busca purificarse y encontrar el sentido de ser en la elementalidad y la belleza de su presencia gratuita. Solo así, libre de servidumbres racionales y en comunión con ellos, el poeta se salva y da sentido a su canto.
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Cuadernos de patología humana es un diario médico preciso y ordenado en el cual el poeta recorre una a una las distintas salas donde lo esperan la enfermedad y la muerte, y, si no fuera melodramático, diría que en el poema la muerte es hermosa, coloreada de rojo y azul siguiendo el transcurso vital de las arterias y las venas que, condensadas, aparecen en pequeñas prosas poéticas que en este poemario se manejan como una especie de estribillo: coronan o resumen los distintos tramos de la muerte y de la vida, pintándolos de rojo y azul a la manera en la que Rothko, el pintor estadounidense, pintaba sus extraordinarios cuadros.
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La poesía y la oración exigen un ritmo sosegado, unaactitud contemplativa, de enamorado, que permita extraer sentidos sorprendentes de significados ordinarios. Por eso decía Thomas Merton que «muchos poetas no son poetas por la misma razón que muchos religiosos noson santos: nunca consiguen ser ellos mismos. (...)La prisa estropea por igual a santos y a artistas. Desean un éxito rápido y tienen tal prisa por lograrlo,que no les queda tiempo para ser fieles a sí mismos». (Thomas Merton, Semillas de contemplación) La poesía pide reposo porque aspira a la lucidez y a la exactitud, el Rosario lo requiere para no caer en la palabrería hueca y para lograr contemplar, con María, el rostro de Dios. Manuel Ballesteros conjuga ambas actividades y alcanza esos objetivos en este libro de poemas verdaderos, necesarios. En la sencillez y profundidad de sus versos, el poeta interroga a un Dios «alque no hay quien entienda, y al que no amar va a resultar ya muy difícil». Se descubre y duele de su debilidad: «Yo soy el paralítico y el manco / y el ciegoy el leproso. Soy el novio / que, en mitad de la vida, se ha quedado / sin vino que ofrecer. Lléname tú».Se asombra: «Levántate, le dijo. Y levantándose / cargó con su camilla y se fue a casa / dejándonos sin habla, estupefactos». Se queja: «qué difícil resulta regresar / al diario trajín, con sus esquinas / imprevistos y ruidos, a la vida / siempre superpoblada de pelmazos». Y derrama un canto ardoroso que celebra: «Todo tiene su fin, también la muerte», «las leyes han volado hechas pedazos. / Ya nada volverá a ser como antes». Y así, susurrando una voz que interroga, que seduele, que se asombra, que se queja y que celebra, Manuel Ballesteros abre una brecha en los Misterios, una brecha por la que puede entrar la luz que desvelaalgo del misterio del rostro de Dios y de uno mismo.Ser poeta o lector de poesía no son cosas tan distintas si se hacen bien: sin prisas, contemplando y acogiendo la belleza de unos Misterios que nos permiten ser, más plenamente, lo que somos. Mapi Ballesteros Panizo
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Después de su colosal m-Talá (Poesía reunida. Volumen III), adelantamos el séptimo volumen de la poesía de Chus Pato para publicar su reciente obra, Sonora, otra muestra de la maestría de una autora con un proyecto poético apabullante.Un poemario en nueve ondas concéntricas (y un excurso) que aborda la pérdida de la madre, la muerte en diálogo con el poema.Como de costumbre, el libro cuenta con la lujosa colaboración de los poetas Gonzalo Hermo y Alba Cid, que se encargan de la traducción y del prólogo, respectivamente.
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Emily Dickinson, Rosalía de Castro y Edith Södergran inspiran estos originales aforismos en los que poetas y artistas mantienen diálogos imposibles.¿Qué comparten Emily Dickinson, Rosalía de Castro y Edith Södergran? Haber vivido en la misma época y en lugares recónditos, ser poetas inconmensurables que escribieron desde la periferia de sus respectivas tradiciones literarias —contribuyendo a renovarlas—, y haber inspirado con su escritura porosa estos singulares aforismos de José Ángel Cilleruelo. Diálogos imposibles entre poetas y artistas, reflexiones en las que el mito convive con los últimos avances tecnológicos, nubes perplejas o cejijuntas, ríos en los que la infancia quedó retenida, pájaros ausentes, cofres que custodian pedacitos de felicidad, estrellas que parecen croar… De todo ello es testigo esta Ventana ciega de José Ángel Cilleruelo, que, como el lápiz de Emily, «ilumina la blancura cuando sombrea las palabras».
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Epígrafes que tienen que ver con el tiempo, la noche, el amor, la muerte y la creación poética, agotando el muestrario temático que la lírica ofrece a sus cultivadores.''Son CLI las incisiones, numeradas con guarismos romanos, todas breves, algunas brevísimas, de que consta el libro, que se reparte en cinco zonas desde donde incidir en la existencia, y también en la esencia, del poeta. [...]. López Lara circula silenciosamente por ese amplísimo territorio con sabiduría, discreción y delicadeza. Y consigue al final que el resultado de sus incisiones sea un libro capaz de respirar, pese a la apnea circundante, y de pulsar los más íntimos resortes del espíritu''. Luis Alberto de Cuenca
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Poemario de la autora Celia Martínez.Las despedidas, la experiencia de la mujer migrante, la soledad, el shock cultural, son los temas que se recogen en Nosotras las desterradas, un poemario sobre el desarraigo, pero también sobre la celebración de la identidad nómada del siglo XXI. Las diferentes geografías, Valencia, Oaxaca, Alicante, el desierto Mojave, Los Ángeles, Cuba, Ohio, la Mancha, se van hilando como espacios liminales, postales afectivas, escalas en un largo viaje de avión. Finalmente, el concepto de desterrada se erige como una posibilidad de encontrar consuelo en tierras de nadie. Pero, sobre todo, se contempla la certeza de saberse comprendida por todas aquellas personas que navegan la alienación, el deseo en constante conflicto, la falta de un hogar permanente y la pérdida.
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Totes les paraules del compromís, anunciat en somnis, del casament de Maria Magdalena.
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El hombre, arañándole a la tierra la única riqueza que atesora: el sustento, es el protagonista de este poemario sobrio y maduro que enfrenta la supervivencia a la dureza del medio. El sudor, el olor de la tierra mojada, la leña como símbolo del hogar y el consuelo del cansancio, el tacto del pan al partir la hogaza o el anhelo de un dios piadoso que ofrezca la generosidad de la tierra con menos sacrificio. Pascual García nos traslada con este poemario sobrio y bello a la esencialidad del hombre, a la dureza del campo, a una patria común donde tierra, fuego, aire, agua y luz evocan un pasado que el lector reconocerá y en el que se reconocerá.
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Alí Calderón ha escrito un libro que justifica toda una obra. Pocas veces el lector encontrará un poemario tan original, tan arriesgado, tan lleno de sabiduría y llanto, de sangre y miseria. Hay que haber cruzado el mar muchas veces y haberse ahogado en él para rescatar la lengua de quienes un día partieron hacia el Nuevo Mundo. Calderón no sólo recupera un idioma, sino que lo lleva a la mayor tensión posible, la del hombre desdichado que escribe en una pared o en una piedra para clamar piedad o memoria. Este es el libro más arriesgado que he leído en décadas, a la altura de las grandes cumbres de la poesía latinoamericana. Un libro que definitivamente convierte a su autor en el mayor poeta de México de su generación. FERNANDO VALVERDE
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