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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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El redescobriment d'un llibre fundacionalEscola italiana (2003) és una paròdia de les edicions crítiques: una antologia fictícia de textos presumptament italians, dividida en tres parts i amb un estudi introductori de Luca M. Rota.Amb aquest llibre, Josep Pedrals va assentar les bases de la seva poesia irònica i captivadora, que enganxa els lectors amb la seva manera desmenjada de revelar veritats fondes. «Amb el que em costa a mi de decidirsi una historieta és bona, si m'engresca,i quan em trobo anant pel bon camíse'n va la inspiració a pendre la fresca.»
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En La muerte de la madre de Charlot, Lorca intenta desmarcarse de la falsa imagen de poeta tradicional o costumbrista que se le había atribuido. Fue escrito pocos días después de la muerte de la madre de Charles Chaplin.Destaca el contraste entre la madre muerta y el hijo, confrontando estéticas antiguas y nuevas, donde la madre representa el teatro y el hijo representa el cine. Lleno de humor negro, comentarios disparatados e imágenes surrealistas, detrás de todo ello subyace una crítica a la sociedad capitalista estadounidense, descrita como deshumanizada y cruel.BEÑAT ARGINZONIZ
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La poesía de José Carlos Llop es depurada, elegante y clasicista, y nace de la experiencia vital. La poesía de José Carlos Llop es depurada, elegante y clasicista, y nace de la experiencia vital -la poesía como autobiografía- constituyendo una de las aportaciones más sólidas a la poética española de los últimos veinte años. Una poesía de la reflexión, donde vida y literatura se confunden porque son lo mismo, y el amor, el tiempo, la ciudad, la gran cultura, la belleza y una concepción elegíaca del mundo son motivos recurrentes. En La avenida de la luz su voz adquiere una claridad esencial, una matización más severa, una tonalidad virtuosa que se destila con sabiduría en sus poemas, acompañada por la persistente sombra de la muerte, anfitriona de esta verdadera conversation piece.
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José Hierro es uno de los poetas españoles del siglo XX con una cosmovisión más personal. Casi todo en su poética se vincula de forma directa o indirecta con el movimiento, con el dinamismo. Por eso su enfoque de lo rítmico adquiere tanta complejidad y he ahí asimismo la raíz de que la música y las figuras vinculadas a ella constituyan referencias claves en su poesía. En Hierro, ritmo y vida van siempre de la mano. Estamos sin duda ante un poeta que hizo del conflicto un motor de expresión, mediante el que bombeaba energía a todos los planos del lenguaje: el fónico, el sintáctico y el semántico. La imagen del ritmo como sangre del poema, cuyo alcance investiga este ensayo, ayuda a comprender en qué consiste la clave de bóveda de este universo poético, qué importancia tienen las palabras vivas. Lorenzo Oliván (Castro Urdiales, Cantabria, 1968) se licenció en Filología Hispánica en la Universidad de Oviedo. Es autor de los libros de poemas Visiones y revisiones (Premio Luis Cernuda), Único norte (1995), Puntos de fuga (Premio Internacional Fundación Loewe, 2001), Libro de los elementos (Premio Internacional Generación del 27, 2004) y, en la editorial Tusquets, Nocturno casi (2014, Premio Nacional de la Crítica 2015 y I Premio de las Letras Ciudad de Santander), Para una teoría de las distancias (2018) y Los daños (2022). Reunió sus libros de aforismos y fragmentos poéticos en Dejar la piel. Pensamiento y visión (2017). Ha traducido a John Keats y a Emily Dickinson. Fue coeditor de Espacio Hierro. Medio siglo de creación poética de José Hierro (2001). Codirigió la revista de literatura y arte Ultramar y es responsable de la edición de tres volúmenes de Poesía con Norte. Los poetas y sus poéticas.
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Ni chamanes ni aura de la divinidad. No somos superhéroes. Apenas fingidores de un dolor que realmente sentimos. Esto dice Pablo en su texto. Y que solo San Juan sabe la clave wifi de Dios y que la guarda hace siglos a buen recaudo, solo para él. Y dice que el lenguaje es una fuerza, una tecnología prodigiosa, y que nos pertenece a todos. A veces elegimos unas pocas palabras y las llevamos -entre tantas- a nuestro juego. Que el lector tiene siempre la razón. Lo dice mientras friega los cacharros en éxtasis.
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Joë Bousquet (1897-1950) ha quedado en la literatura francesa como una de las figuras más brillantes de la creación de vanguardia. Estamos ante un escritor inclasificable, algo a lo que contribuye su infortunada peripecia vital: soldado condecorado en la Gran Guerra, una bala le atraviesa tres vértebras lumbares, Bousquet queda hemipléjico y pasa el resto de sus días en el dormitorio de la casa familiar en Carcasona. Su obra ocupa un lugar tangencial al surrealismo, de cuyos juegos oníricos se aparta para seguir una vía ascética y metafísica. Para el poeta, el poder de la escritura es el de un acto que hace nacer a la vez palabra y vida. Solo así su invalidez cobra sentido: 'Mi herida existía antes que yo, he nacido para reencarnarla'. Conocimiento de la tarde se considera el único libro de versos publicado en vida de Bousquet, aunque él rechazaba la idea de separación entre poesía y prosa, todo lo escrito durante tres décadas de intensa creatividad está animado por el impulso poético. El libro ve la luz en 1945 en tirada de lujo, pero se da a conocer ampliamente al ser reeditado por Gallimard en 1947. Este es el texto que ahora ofrecemos en la traducción del escritor canario Ángel Sánchez Rivero, cuyos primeros acercamientos a la poesía de Bousquet datan de la década de 1970.
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V Premio de Poesía Hispanoamericana Francisco Ruiz UdielEn Soviet Champagne encontramos distintas piezas poéticas claramente vinculadas, a nivel estilístico, por un tono cercano a lo narrativo, y cuya cohesión en el plano temático viene marcada por las preguntas, los espasmos y las sorpresas con que el autor interroga a los nombres. ¿Qué puede encontrarse por debajo de un nombre, más acá de la solidez rotunda del mundo? Soviet Champagne podría ser un viaje, entre lo existencialista, lo humorístico y lo confesional, desde los inviernos moscovitas a los veranos tormentosos del centro de México, en que podemos asomarnos a lo contingente y lo absurdo. ¿Hay algo en común entre una pelea de borrachos, un mediodía de agosto, el martirio de un santo y la cápsula indiferente de un antidepresivo? Si hay unidad en la falta de unidad, en su primer poemario Antón Sánchez Testas construye un pequeño planeta poético que se pregunta con osadía si es posible una vida sin direcciones.
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Charles Bukowski (Andernach, 1920- Los Ángeles, 1994) dejó a su muerte un inmenso legado de poemas inéditos, en palabras de la crítica Jennifer Schuessler: «El testimonio de una feroz ética del trabajo invertido, la fe en la autosuficiencia por medio de la atención infinita a uno mismo, el rechazo a desperdiciar siquiera la migaja más ínfima de mundo o de tiempo». Estos poemas escritos entre 1980 y 1994 abordan los temas que hicieron de Bukowski un escritor tan venerado e imitado: la nostalgia por antiguos amores malogrados, las trifulcas en bares de mala muerte, el alcohol como combustible y condena, la euforia de la escritura cuando uno está en racha, la extraña belleza de los marginados de la sociedad, la enfermedad y el deterioro, todo ello dotado de una visceralidad más intensa a medida que el poeta barrunta la cercanía de su propia desaparición. Así, Abierto toda la noche constituye tanto una magnífica carta de presentación para quienes no se hayan adentrado todavía en el universo de Bukowski como un volumen imprescindible para los fieles seguidores del poeta.
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A veces un poema es tan breve como un beso robado. Y, como un beso robado, arrebata a la vez que nos deja en estado de estupefacción. ¿Ha pasado lo que creo que ha pasado? Y el alma, entonces, se queda quieta a la espera de una respuesta que el universo le debe por lo que acaba de experimentar. ¿Cómo algo tan pequeño te hace tanto? ¿Cómo puede contar tanto? ¿Cómo puede provocarte tanto? Desde la risa que nace en tu vientre sin que puedas evitarlo a la pasión que te deja con una media sonrisa en la cara y mirada cómplice, porque esto tú lo has vivido y el poeta ha logrado capturarlo y dártelo en mano como un globo de colores, pasando por la rabia hacia las injusticias que ves cada día y para las que casi no habías encontrado expresión hasta ahora. Todo lo que te pasa o te ha pasado en la vida o te pasará (si te dejas) está aquí y ahora y grita: ¡Agua! Y va a hablar de ti, de mí, del mundoà de la eternidad, como tiene que hacer la poesía.
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Los buenos poemas, igual que las buenas canciones, ponen palabras a lo que sentimos cuando nos reconocemos. Somos iguales y en la intimidad de otros nos vemos a nosotros mismos. Pero hay que estar muy atentos. No es fácil captarlo. Es un juego de espejos. El poeta se mira, y nos enseña lo que ve, y nosotros lo miramos y, si hay suerte, nos vemos. Lo importante es el principio y el final. Si el poeta no se ve al mirarse, nosotros tampoco nos veremos al mirarlo. Ramón Martínez sabe mirarse y por eso podemos vernos. Conoce este juego y lo domina. No es un juego trivial, le va la vida en ello. No es un juego nuevo, pero nos gusta jugarlo. Y, además, le da otra vuelta de tuerca. En su mecanismo de espejos las canciones-poema que lo inspiraron traen nuevos poemas-canciones que invitan al lector a quedarse con él en instantes que quizás no habíamos visto, o no queríamos, o no sabíamos ver. El autor viaja por sus noches de insomnio, teme más a sus dudas que a casi nada, se hunde en la carne de los cuerpos enredados, se cuestiona el tiempo y pasea por el filo de lo que le duele. Y en tiempos de urgencias y de superficie es de agradecer que Ramón decida mirarse de frente, lejos de la prisa, por donde anda el silencio, como él nos dice. Ahí es donde mejor resuenan las buenas canciones y, sobre todo, los buenos poemas en los que al verlo, nos vemos. JUAN ALBERTO MARTÍNEZ, CANTANTE DE ''NIÑOS MUTANTES''
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José María Fonollosa no es tanto un poeta marginado por la época como un poeta que decide marginarse de una época con la que no comulga. Cantó a las ciudades que lo conocieron, como si el enjambre de calles fuera el silencioso testigo de su paso por el mundo: Barcelona, La Habana, Nueva York. Y su canto no habla de la agustiniana ciudad de dios, sino del ser humano: del hombre que no encuentra su lugar en el mundo y menos entre otros hombres. Es, en definitiva, la suya una voz libre y cercana, un poeta que dice lo que piensa y que ofrece en sus versos un retrato acerado y valiente de las fobias, las ilusiones y los fracasos del hombre contemporáneo. Su poesía es nuestra y, a la vez, universal y, sin embargo, el manuscrito de Ciudad del hombre, después de mucho tiempo en el olvido, se había publicado solo de manera incompleta
hasta hoy.Con esta edición, a cargo de José Ángel Cilleruelo, al fin se puede disfrutar de la obra original e íntegra que el autor escribió: 236 poemas con su orden y estructura. La presente edición le devuelve al autor, José María Fonollosa, y a sus lectores, la dignidad de una obra maestra que, tras dos décadas en el mercado, continuaba aún desconocida.
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Luis Muñoz (Granada, 1966) es autor de los libros de poemas Septiembre (1991), Manzanas amarillas (1995), El apetito (1998), Correspondencias (2001) —,recogidos en Limpiar pescado. Poesía reunida (2005)—,, Querido silencio (2008), Vecindad (2018) y Guadarrama —,en diálogo con guaches de Montse Lago—, (2023). Actualmente es profesor en la Universidad de Iowa. Su poesía, que ha obtenido, entre otros, los premios Ojo Crítico, Generación del 27 y Ciudad de Córdoba, se debate —,en palabras de Araceli Iravedra—, en tensión continua entre la radiografía del instante y la afirmación de su flujo. Un momento, dividido en tres secciones introducidas por sendas perspectivas de Antonio Machado, indaga a través de la energía de sus imágenes —,a modo de instantáneas o composiciones visuales—,, en la esencia del amor como sorpresa y cambio, en el testimonio de los otros como inquietantes modelos de vida y en la feroz innovación del yo sumergido en un tiempo que es, a la vez, escurridizo y perenne.
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Este libro es una carta de amor dirigida a cinco destinatarios: la patria del exilio, el padre, la pareja, el hijo, y quienes son, como el propio autor, migrantes. Los versos que Lee les dirige están impregnados de afecto, de un afán por señalar lo bello de la humanidad, pero también de una melancolía que es a veces real —,por la patria y el padre que ya no están, por el hijo que uno ya no es—, y otras preventiva —,por la pareja que se puede romper, por el hijo que un día se irá, por ese sentimiento de pertenencia que es meramente pasajero—,. A travé,s de la observació,n de momentos cotidianos, Li-Young Lee acentú,a las alegrí,as y las penas de la familia, el hogar, el exilio y, por supuesto, del amor. Un amor aprendido en la infancia, con el padre, y que desde entonces lo vertebra todo. Un amor que es placentero o doloroso, inocente o reflexivo, pero siempre omnipresente.
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Valentí Gómez i Oliver, barceloní de naixement i resident des del 1969 a la ciutat eterna, mai ha deixat de viatjar a Nova York. D’ençà l’any 1993 hi ha sojornat amb assiduitat, fins al punt que la intensitat dela relació de l’artista amb la metròpoli ha generat en el poeta una necessitat gairebé essencial d’expressar-la i fer-la obra. D’aquest vincle sorgeix Retaulede Nova York, una conjuminació de poemes, prosa poètica i dibuixos (llapis i aquarel·les). El conjunt de l’obra confegeix una mirada íntima sobre tota la ciutat que, en paraules de l’autor, «veu i enraona, una ciutat que és un espill on tots nosaltres ens hi veiemreflectits», on fins i tot els petits detalls esdevenen protagonistes. En definitiva, una Nova York on s’hi poden encabir moltes altres nova yorks, atès que lapregona pretensió de l’autor és establir un diàleg amb la Nova York que cadascun dels lectors porta al cor, un cop ha passejat per la ciutat i també, perhaps,ha entrat al Retaule. «“L’antiguitat modernitzada ila modernitat antiquada”, així has denotat Roma i Nova York, els dos grans vèrtexs imperials units en el temps, que no en va des de NYC es va enviar aquell Grito hacia Roma, un quiasme àncora inicial d’aquest Retaule – Teatre de la Memòria on els esperits errants podran perdres’hi i alhora trobar-s’hi, apreciat autorapòcrif en el sentit etimològic del mot. Cura et valeas!» Miquel de Palol «…veig aquest Retaule com unaòpera còsmica on es condensen elements universals a través del prisma d’una de les ciutats més apassionants de la història, Nova York, la darerra Babel, el nostre mite vivent, la ciutat de ciutats que encara araperdura després del major espectacle televisiu de lahistòria de la humanitat: l’11-S, una oda al terror que, en certa manera, també apareix com un espectre dins del Retaule». Jaume C. Pons Alorda
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Todo cabe en un relato acerca de lo que nos lleva hacia adelante, las ganas de vivir y, ante todo, la pasión. Una poesía tan íntima y personal como a la vez universal, que refleja situaciones que todos hemos vivido gracias a un lenguaje sencillo y límpido. De estemodo, pequeñas cosas como colocar unas flores en el jarrón, escuchar una vieja canción o salir a dar un paseo pueden convertirse en vehículos para formular preguntas tan básicas como el qué somos cuál es nuestra misión y a dónde nos dirigimos. Un viaje llenode fantasía, golpes de realidad y extraños escritos que nos transportan desde una escena real a un mundo ficticio con un golpe de pluma, tan relevantes para elindividuo como para el conjunto de la sociedad.
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Poemario del prestigioso autor Charles SimicCharles Simic es uno de los poetas más vitales y premiados de los EEUU. A lo largo de su singular carrera literaria, ha ganado el Premio Pulitzer y algunos de los más relevantes galardones en lengua inglesa. Además, fue elegido poeta laureado de Estados Unidos. Su particular humor ácido y su visión oscura pero a la vez clarificadora del mundo regresan en este libro, con el que se acerca a las ironías de la historia y de la experiencia humana. Ese pequeño detalle es una colección asombrosa de poemas de uno de los poetas más prolíficos, pero también más genuinos, accesibles y divertidos de la tradición literaria estadounidense.ôMaestro de lo surrealista, Simic llena sus poemas de películas de terror, ironías salvajes y las cosas que un insomne encuentra en un lugar como el techoàuna joyaö.Revista PeopleôPocos poetas han sido tan influyentes ûo tan inimitablesû como Charles Simicö. The New York Review of Books
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A Delmira Agustini (1886-1914) le tocó vivir encabalgada entre el fin de siglo y comienzos del siguiente, en un Montevideo que, aunque provinciano y conservador en algunos aspectos, en otros tenía fama de libertario. Fue desde sus inicios muy consciente de su condición de mujer en medio de un mundo en lo esencial masculino y su poesía, del todo modernista y aun simbolista, terminó siendo rotundamente transgresora, en especial a partir de Los cálices vacíos (1913). Delmira Agustini prefigura de algún modo a Alfonsina Storni (que fue una gran admiradora suya) y a toda la mejor poesía erótica escrita por mujeres hasta este mismo 2022. El rosario de Eros es una recopilación de lo más selecto de su obra.
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Fauna autòctona, Poemes d’Ullapool, de Roser Bastida.
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Veinte años después de su anterior recopilación, en el volumen Poesía (1974-2001), José Carlos Llop reúne los cinco libros publicados desde entonces y les suma un sexto hasta ahora inédito, El árbol de los cormoranes, con el que se cierra de momento su casi medio siglo de dedicación a la escritura poética, cubriendo dos décadas de dedicación a la poesía por parte de uno de los más prestigiosos autores españoles contemporáneos. La edición ofrece por primera vez las traducciones al castellano de los poemas escritos en catalán: el libro entero Quartet y los demás poemas de Llop -autor también de las versiones españolas- escritos en esa lengua.
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Un llibre d'una poesia intelúligent, que no cau mai en el sentimentalisme, rica d'imatges i simbolismes plena d'una tendresa que és una de les més destacades característiques de gran part d'aquesta poesia, reveladora de moltes diferents maneres d'estimar i de veure la vida.
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En ''Cómo guardar ceniza en el pecho'' laten la memoria de la infancia trenzada con los aprendizajes que aporta el paso del tiempo, la reconstrucción personal, cantos de despedida y esperanza, y la reflexión sobre la escritura. Miren Agur Meabe ha construido una de las obras más reconocibles en lengua vasca en un ejercicio sostenido de unión entre tradición y vanguardia. Desde el daguerrotipo, que ensombrece el mundo perdido, hasta la vídeo-instalación, la diversidad temática y formal acompaña a esta autora en una secuencia que revisa el peso de la vida. JON KORTAZAR
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Vicente Cristóbal es Catedrático de Filología Latina en la Universidad Complutense de Madrid. Enseña Latín, Mitología Clásica, Literatura Latina y Tradición Clásica, y ha escrito numerosos estudios sobre esas materias. Ha traducido además a los grandes poetas latinos: Catulo, Virgilio, Horacio y Ovidio entre otros. Tiene ya publicados los siguientes libros de poesía: Silva mitológica (2007), Canto del gallo (2010), Memoria de horizontes amarillos (2011), El paraíso y el mundo (Renacimiento, 2015) y Siderales sueños (2015). Inmóvil travesía recoge algunos poemas de este último y añade versiones de textos latinos antiguos de Apuleyo, Ovidio y Horacio.
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Por uno de los miembros del dúo Antílopez. Un híbrido de poesía y prosa lleno de canciones, juegos de palabras, amor, humor surrealista, reflexión, política, rabia, ternura... ... y los zascas de «la madre del poeta». CON PRÓLOGO DE JOAQUÍN REYES.
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Nueve años escuchando «edita tus poemas», pero Ángela no lo necesitaba. Los había memorizado y los recitaba o gritaba, a partes iguales, para recordar lo que nadie enseña, ni te pagará por saber. Como profesora universitaria salida de barrio obrero, Martínez Fernández practica las escrituras que garantizan una nómina y, también, las que ocasionan una tormenta, y así la luz del rayo.Aquí acogemos casi toda su poesía, la única forma de modular el lenguaje que le pertenece. Poesía como eso «que creamos directamente y gracias a la cual sabemos qué nos ha creado». Poemas de la «conclusión» que nos colocan en la obligación de pensar, en serio, de verdad, qué hacer ahora.«Hay un huracán en el centro del salón. Vomito sobre la mesa y saco mis demonios ante la mirada atenta del perro. Tengo veneno en las comisuras, anoche no debí decírtelo, pero la oscuridad nos vuelve mansos y una caricia tiene potencial revolucionario cuando sabes cómo tocar a otra persona. Están robándole años de vida a mi madre las pastillas que le dieron en la seguridad social. 'Destroy the system, they can detect your feminism'. Si no estuviéramos tan enfermos de competencia, podríamos usar la literatura como un repositorio de voces diferentes donde la mujer ecuatoriana que cuida de tu abuelo tuviese derecho a un discurso público.»
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Considerado junto con Wiliam Shakespeare una de las figuras centrales de la literatura inglesa, exaltado por William Blake, tomado como ejemplo de lo sublime por Edmund Burke, casi omnipresente en la lírica anglosajona a lo largo de los siglos xviii y xix, John Milton (1608-1674) gestó El Paraíso perdido (1664), suobra cumbre, ciego y liquidados ya los años en que,como miembro activo del bando puritano, apoyó resueltamente la Revolución inglesa y el gobierno de OliverCromwell. Esta epopeya ciclópea y atrevida que fundecon afán totalizador tradiciones y civilizaciones, hechos y mitos, disciplinas opuestas, y anticipa en sumonumentalidad lo que pocos años después serían, en la música, las grandes obras de Bach, Telemann o Händel, recoge la caída del Hombre, la desobediencia y larebeldía de Satán, los combates celestes y las vías que Dios explora hacia la criatura humana con el fin de salvarla de la desesperación y poner a su alcance la salvación.
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Pablo Neruda, uno de los mayores poetas contemporáneos en lengua castellana, ejerció una decisiva influencia en poetas como García Lorca, o Rafael Alberti, con quienes mantuvo una estrecha amistad. Precisamente fue Alberti quien se encargó de hacer esta selección (acompañada por un prólogo), en la que se hace un detallado recorrido por las principales obras del poeta chileno.
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¿Dónde andáis, sombras amigas? Nombre tuvisteis una vez, cuerpo y amor. Temblando me acerqué a vosotras, me llevasteis de vuestra mano a todos los descubrimientos, me asomasteis a la noche donde están los misterios, a los acantilados donde el mar a veces desvela su secreto. Por los ríos de la esperanza fuisteis mostrándome el revés tangible de tantas cosas como mi imaginación, hecha de deseo y esperanza, había tocado. Por las tardes me llevasteis a las moradas tras cuyas paredes estaban los seres que tanto nos habían estremecido en las ensoñaciones adolescentes. Sombras con nombre que ni pronunciar me atrevo, que tan hondamente llevo escrito dentro (...)
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Desde el humor y la osadía imaginativa y verbal aborda la gran paradoja existencial humana. Su razón le hace al hombre ser dueño e intérprete del mundo, pero ese supuesto dominio y arrogancia de poco le valen para comprenderse a sí mismo y para dirigir su vida libremente. Las cosas (la cuchara, la lavadora, los libros...) fruto de su inventiva y siempre a su servicio,serán los mudos testigos de su necesidad de decirse.
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El nombre de Federico García Lorca está ligado, junto con el de Manuel de Falla, a la renovación moderna del «cante jondo». Ellos conectaron ese «canto primitivo» con las exigencias de pureza de la vanguardia internacional. El primer fruto de esta colaboración fue el Primer Concurso de Cante Jondo, celebrado en Granada en 1922, el segundo, el «Poema del cante jondo», interpretación lírica de un mundo agónico y secreto.
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Viento de primavera reúne un soberbio catálogo de la obra poética de Alaíde Foppa, quien, desde los abismos de su voz más íntima y más lírica, aborda temas que van desde la confesión de los anhelos e inquietudes del ser, la relación con el entorno natural y el político, hasta el cuestionamiento mismo de la condición femenina: la maternidad, el vínculo con los hijos o la alabanza de la feminidad.
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Este libro, el único poemario de Guillermo de Torre,constituye un valioso documento tanto de la poesía ultraísta como de una época en la que los adelantos dela técnica y de la tecnología eran celebrados artísticamente. Con su lenguaje extravagante y atrevido y sulibérrimo uso del diseño tipográfico, testimonia unimportante episodio en la poesía española del siglo pasado: la subversión de las vanguardias y la simultánea cancelación de la estética modernista que fueron necesarias para la posterior eclosión de la Joven Literatura de la generación del 27.
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Amb Aloses invisibles, Jaume Huch ha volgut establir un diàleg amb els poetes de la Primera Guerra Mundial. Amb els seus poemes, el poeta «retorna al vers la seva utilitat com a manera d'intentar aproximar-se a un saber que se'ns escapa, a més de procurar escatir el dramàtic rerefons d'allò que Ted Hughes va definir, en relació amb la Primera Guerra Mundial, com a ''guerra enorme i sense sentit''», com bé assenyala Jordi Solà Coll a l'epíleg. Certament, «en el conjunt d'Aloses invisibles hi predomina un to líric introspectiu, a la vegada que elegíac. L'acció del pensament s'emmarca en l'especulació poètica, tant cabdal és el valor que té emmirallar-se en l'obra dels poetes de la guerra que ha escollit l'autor. En tot cas, és la manera en què Jaume Huch ha fixat la seva veu a l'hora de recuperar el sentit utilitari del poema, tal com útils eren els poemes de llavors quan es tractava de precisar el sentit d'allò que no en tenia.»
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Exponerse a los versos de Andrés de la Orden es enfrentarse a la verdad más demoledora, a palabras como puños que buscan tu mandíbula con la franqueza letal que tiene su poesía. Sus versos no han nacido con ánimo de ser amables. Noctem nos habla de la noche interior, y no sólo de la noche que alimenta al poeta, nos habla de una noche tuya y mía, nuestra, urgente, inmisericorde, terriblemente hermosa y desoladora: la noche eterna del poeta, incapaz de cerrar los ojos, de mirar para otro lado, incapaz de ponerse a salvo del dolor que le rodea. Andrés de la Orden lo vive en primera persona, lo hace suyo, y lo escribe sin medias tintas, sin retórica, arroja las palabras al papel sin escrúpulos, empujadas por la angustia y la desesperanza, otras por la resignación de saberse humano y mortal, limitado, condicionado por un mundo que en demasiadas ocasiones es poco amable.
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Fora de la nosa és un intent d'exorcisme de tot allò que queda atrapat dins d'un cos que ha viscut immòbil, encaixonat i premut entre parets, a voltes les parets físiques de la casa familiar i a voltes les parets imaginàries del record i de l'adolescència. A mesura que transita espais personals recognoscibles o onírics, la veu poètica indaga en les causes de la seva pròpia immobilitat i cerca alguna mena de sortida. Serà a través de les imatges d'animals i d'insectes que moren o que muden la casa que trobarà les metàfores per recobrar la veu i el moviment, i arribarà a purgar-se dels llocs que li tibaven la pell.
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Una historia de amor para dos cuerpos.El poemario Todas las noches que fuimos humo trata de una historia de amor que transcurre en una habitación de hotel en la Gran Vía madrileña en el espacio de una noche de verano. Los dos protagonistas se citan para cenar al caer el sol y se despiden a primera hora de la mañana siguiente cuando amanece. Esa noche ambos pasan por diferentes estados de ánimo, algunos compartidos y otros secretos, y se entregan a lo que sucede debajo de las sábanas: lo íntimo, lo privado, el deseo, la soledad, el miedo y la ternura. Todas las noches que fuimos humo es una historia de amor para dos cuerpos y la primera incursión literaria del músico Alejandro Pelayo.
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Hace falta algo más poderoso que la esperanza o la barricada para transgredir la línea del relato. Hace falta del deseo por reunirse, por encontrar la cooficialidad de la neoperformance —,una de cuerpo no dado, no representado, no captable—,, para entender que todo el mundo repite «fuego» pero nadie habla sobre el mismo fuego. El Estado de excepción que impones, el de las demandas que oculta el acudir a la mani de la mano, no escribir sobre lo escrito, no conceder pausa, en fin, bien me recuerda a aquella noche aceleracionista apilada en su contradicción de ser lo de siempre bajo la posibilidad de mostrarnos otras. [del prologo de Rodrigo García Marina]
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