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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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La historia colonial es una historia de violencias y de explotación: de cuerpos, de tierras, de paisajes, de semillas impuestas por la fuerza, dentro y fuera, y de campos sembrados. Es una historia que comienza muy atrás en el tiempo y que llega hasta hoy tomando muchas formas: unas se esconden, otras se disfrazan e incluso algunas se muestran tal como son. Mediante un diálogo poético a tres voces, este texto trenza el relato del ayer y el hoy del colonialismo exponiéndolo en su complejidad de formas, heridas y tiempo. Lina Meruane, Cristina Rivera Garza y Gabriela Wiener son tres voces fundamentales del panorama literario actual y dialogan en este libro a partir de sus poemas, compartiendo su pensamiento y su experiencia respecto a la colonialidad y la violencia.
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Megan Fox hace gala de su humor negro a lo largo de un poemario desgarrador y oscuro. A lo largo de más de setenta poemas, Fox hace una crónica de todas las maneras en que nos amoldamos a la forma de los que amamos, incluso si eso significa perdernos a nosotras mismas en el proceso. ''Estos poemas fueron escritos en un intento de extirpar la enfermedad que había arraigado en mí a causa de mi silencio. He pasado toda mi vida guardando los secretos de los hombres, me duele el cuerpo de cargar con el peso de sus pecados. Mi libertad vive en estas páginas, y espero que mis palabras puedan inspirar a otras a recuperar su felicidad y su identidad utilizando su voz para iluminar lo que ha quedado enterrado, pero no olvidado, en la oscuridad'', dice Fox. ''Los chicos guapos son tóxicos'' supone el poderoso debut literario de una de las mujeres más conocidas de nuestro tiempo. Pasa la página, muerde la manzana e híncale el diente al libro más deliciosamente convincente y adictivo que leerás en todo el año. Uno de los bestsellers del año según el New York Times. ''Desgarrador... Vayan todos a leer el libro''. -Alex Cooper, presentador del podcast Call Her Daddy.
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Yolanda Blanco es la más joven del grupo de ''Las seis'' poetas nicaragüenses que marcaron la literatura del país en los años 70 en el contexto de la Revolución Sandinista: Vidaluz Meneses (1944-2016), Ana Ilce Gómez (1945-2017), Michéle Najlis (1946), Gioconda Belli (1948), Daisy Zamora (1950), y la autora de este libro, Yolanda Blanco (1954). Es la primera vez que se publica en España, en una excelente antología seleccionada por la propia autora que reúne sus mejores textos. Estamos ante una de las figuras más significativas en la literatura centroamericana, en cuya obra se combinan elementos de la experiencia femenina, la crítica social, la ecología y la política. Su obra a menudo explora temas como la identidad, la maternidad, el amor y la resistencia frente a la opresión. Además de su poesía, ha trabajado en la promoción de la literatura y la cultura en su país y ha sido una voz activa en cuestiones de derechos humanos y equidad de género. El poema “Oración” (del libro Aposentos y escrito durante la estadía de la poeta en Francia, en 1976), es considerado un poema emblemático de la poesía de género, puesto que propone un nuevo espíritu que abarca lo sexual, lo político y también lo religioso: ''En nombre del pubis / y de los senos / y de la santa mente / crezca mujer. / Amén.''
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Primera lliçó sobre Vicent Andrés Estellés ex-posa un panorama únic dels aspectes biogràfics del poeta, així com de les diferents etapes de la seua trajectòria literària. Amb caracteritzacions generals de cada moment literari, l'obra se centra en l'anàlisi de poemaris concrets que mostren la diversitat de formes i temàtiques pròpies del particular estil d'Estellés. Ferran Carbó (Vila-real, 1960) és catedràtic de Filologia Catalana a la Universitat de València. És autor dels llibres sobre Vicent Andrés Estellés: Com un vers mai no escrit. La poesia de Vicent Andrés Estellés en els anys cinquanta (2009) i Els versos dels calaixos. Sobre Llibre de meravelles de Vicent Andrés Estellés (2018). Jordi Oviedo (El Palomar, 1980) és doctor en Filologia Catalana i professor a la Universitat de València. Ha organitzat el Fons familiar d'Estellés i és codirector literari de l'obra completa revisada del poeta de la qual ha editat diferents volums.
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Escriure un poema és una manera de mantenir-se viu, i de no anar passant les hores sense cap consciència, perquè vol dir reviure amb intensitat alguns moments, fixar-los en imatges i, possiblement, trobar un sentit més enllà de la contingència immediata. De fet, significa mantenir-se amb els sentits desperts per poder captar l'instant. Tal com diu Winifred Holtby a The Land of Green Ginger, «T'has de mantenir viu mentre vius». Captaire continua i tanca la «història» d'amor -autèntica en tant que viscuda, imaginada en tant que creada a partir de diferents experiències- iniciada en el primer llibre de poemes de Stefano M. Cingolani, Ho veig per la veu, com si fos una novel·la en versos. Amb un ànim diferent, amb diferents situacions i amb una diferent perspectiva, en què es viu i es percep aquesta «història» fins que s'esgota. Com diu Jaume C. Pons Alorda al pròleg, «és un bell i colpidor poemari molt treballat tècnicament i semàntica, un dietari filosòfic o una novel·la fragmentada, La gran bellesa».
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Uno de los libros clave de la poesía brasileña de la segunda mitad del siglo XX con gran influencia en los poetas americanos de lengua castellana también.Audiovideotexto, videotextogame, las galaxias se sitúan en la frontera entre prosa y poesía. Hay en este libro caleidoscópico un gesto épico, narrativo —minihistorias que se articulan y se disipan con el «suspense» de una novela policial (Anatol Rosenfeld), pero la imagen acaba por prevalecer, la visión, la vocación de lo epifánico. En este sentido, el polo poético termina por imponerse al proyecto, y el resultado son cincuenta «cantos galácticos» con un total de más de 2000 versículos (unos 40 por página). Este libro permutante tiene, como vértebra semántica, un tema siempre recurrente y variado en toda su extensión: el viaje como libro y el libro como viaje (si bien —por eso mismo— no se trata exactamente de un «libro de viaje»…). Dos formantes, tipografiados en itálicas, el inicial (comienzo-fin: «y comienzo aquí») y el terminal (fin-comienzo-recomienzo), balizan el juego de páginas móviles, intercambiables según la lectura, donde cada fragmento aislado introduce su «diferencia», pero contiene en sí mismo, como en línea de agua, la imagen del libro entero, que a través de cada uno puede ser vislumbrada como por un mirador «aléfico».Haroldo de Campos.
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XXIX Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Alejandro Bellido (San Juan del Puerto, Huelva, 1993). Graduado en Filología Hispánica y Estudios Ingleses, ha publicado los poemarios La muerte en Cyterea (2018) y La oculta esperanza (2021). Ha participado en antologías de poesía joven como Piel fina (2019) o Luz nueva del suroeste (2015), y él mismo, además, ha realizado recuentos de la literatura de su provincia como Antología de poesía joven onubense (2015). Sus poemas pueden encontrarse en medios como Zenda, Anáfora, Casapaís o Maremágnum. Actualmente, codirige la revista literaria Centauros y copresenta el podcast de poesía Que tenemos que hablar de muchas cosas. Con Música para tigres resultó finalista del Premio Adonáis de poesía 2023. Algunos de sus poemas han sido traducidos al portugués.
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Los buenos poemas, igual que las buenas canciones, ponen palabras a lo que sentimos cuando nos reconocemos. Somos iguales y en la intimidad de otros nos vemos a nosotros mismos. Pero hay que estar muy atentos. No es fácil captarlo. Es un juego de espejos. El poeta se mira, y nos enseña lo que ve, y nosotros lo miramos y, si hay suerte, nos vemos. Lo importante es el principio y el final. Si el poeta no se ve al mirarse, nosotros tampoco nos veremos al mirarlo. Ramón Martínez sabe mirarse y por eso podemos vernos. Conoce este juego y lo domina. No es un juego trivial, le va la vida en ello. No es un juego nuevo, pero nos gusta jugarlo. Y, además, le da otra vuelta de tuerca. En su mecanismo de espejos las canciones-poema que lo inspiraron traen nuevos poemas-canciones que invitan al lector a quedarse con él en instantes que quizás no habíamos visto, o no queríamos, o no sabíamos ver. El autor viaja por sus noches de insomnio, teme más a sus dudas que a casi nada, se hunde en la carne de los cuerpos enredados, se cuestiona el tiempo y pasea por el filo de lo que le duele. Y en tiempos de urgencias y de superficie es de agradecer que Ramón decida mirarse de frente, lejos de la prisa, por donde anda el silencio, como él nos dice. Ahí es donde mejor resuenan las buenas canciones y, sobre todo, los buenos poemas en los que al verlo, nos vemos. JUAN ALBERTO MARTÍNEZ, CANTANTE DE ''NIÑOS MUTANTES''
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Esta edición reúne, por primera vez, los siete poemarios de Marina Romero nunca reeditados y prácticamente desconocidos para el público español. Publicados desde 1935 hasta 1999, entre España, treinta años de exilio en Estados Unidos y veinte de regreso, fueron editados por instituciones y editoriales dedicadas, ya en su tiempo, específicamente a rescatar voces marginales como era la suya, en tanto que mujer intelectual y exiliada republicana. Se rescatan así las experiencias amorosa y exiliar que atraviesan sus versos desde la delicadeza más bella hasta una crudeza desgarradora, a veces simultáneas. Romero traza un doble duelo: por la patria y la amante perdidas y jamás reencontradas. De la evolución estética de Romero podemos deducir el principal patrón de su época, que va desde las poéticas de principios de siglo xx hasta la poética propia del exilio y la del regreso a una patria que marca un nuevo estadio para el sujeto: el de exiliado doble, de la España que conoció y del país que la acogió durante tres décadas y ahora se abandona. Rescate de la poesía jamás reeditada de una mujer intelectual, republicana y exiliada en Estados Unidos, cargada de sencillez y complejidad conceptual, de delicadeza y desgarro. Marina Romero (Madrid, 1908-2001) fue autora de poesía y literatura infantil. La suya se inscribe en la historia cultural de la mujer moderna española de principios de siglo XX, intelectual, feminista, republicana y emancipada, en torno a instituciones como la Residencia de Señoritas y una red femenina internacional de intercambios y apoyo. Exiliada en Estados Unidos, fue catedrática de Literatura Española en Douglass College (New Jersey). Allí mantuvo sus vínculos de juventud con otros exiliados republicanos: mujeres de la Residencia, las familias García Lorca, de los Ríos, Zulueta, los poetas Jorge Guillén, Pedro Salinas, etc. Regresó a Madrid en los años 70 para descubrir, quizás, que nunca se regresa al sitio del que se fue arrancada. Lucía Cotarelo Esteban es Doctora en Filología Española por la Universidad Complutense de Madrid y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona. Miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL), se especializa en la historia cultural y la poesía del exilio republicano en Estados Unidos, a la que la experiencia y obra de Marina Romero pertenecen. A este respecto, publicó el volumen Spain in the Hudson. Los poetas del exilio republicano español en Estados Unidos (2022). Actualmente, focaliza sus estudios en mujeres intelectuales y artistas exiliadas en el mismo país.
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Este poemario nos invita a explorar la dualidad de la vida y la muerte, la resistencia y la renovación en el contexto del mundo natural.En el poemario «¿De qué muere un buitre?» Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, la autora teje una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y las complejidades de la existencia.
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A quién pueden interesar mis poemas, se pregunta con escepticismo una de las ensayistas más leídas y citadas en los últimos años. Y la pregunta revela por sí sola no solo la potencia de los mecanismos de autorización sino el papel mismo que parece destinarse habitualmente a la poesía: cosificada en extremo y reducida a menudo a experiencia artística despegada tanto de lo mundano como de la tierra que habitamos. A lo largo de su vida Silvia Federici ha volcado sobre la poesía fuegos sociales e inquietudes compartidas, apoyándose en ella para reflexionar de otra forma, girar la realidad y revelar la fuerza vital de lo que nos rodea. Llegada la gran pandemia de principios del XXI, esa misma poesía reaparecería en un diálogo a distancia con las acuarelas de Begonia Santa-Cecilia, que enraizaban y daban materialidad con sus pigmentos al cuidado de la vida. Este libro, elaborado en varias lenguas y con muchas manos, da cuenta de ello e intenta abrir de par en par todas las puertas que otorgan color a la existencia.
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Al borde del borde es un libro introspectivo que transita por lugares que hemos recorrido en algún momento de nuestras vidas: la contemplación de la naturaleza, las posibilidades e imposibilidades del amor, la velocidad implacable del tiempo, la muerte presente y la que se avecina. Con un lenguaje conciso y claro, y el uso de recursos líricos no exentos de humor e ironía, Rebeca Geffin nos hace partícipes de su proceso reflexivo. A través de los textos en este libro la poeta lleva al lector de la mano por un viaje íntimo donde el fulgor del camino es compartido por todos.
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Este poemario constituye la crónica de Pedro Andreu desde el momento de su diagnóstico de Esclerosis Lateral Amiotrófica(ELA) hasta el punto de no retorno. Un puñado de versos de amor, dolor, memoria y muerte en los que emerge, sobre todas las cosas, el acto poético como forma de encarar y asumir la existencia. Andreu se enfrenta a su destino con sus armas y útiles más preciados: su lengua materna, su imaginación, su capacidad de trabajo, su conciencia, sus dotes de observación, su impresionante lucidez. Si en ocasiones anteriores Pedro nos transportó a mundos oníricos, lejanos o improbables fuera de la imaginación, con esta obra, escrita mientras miraba a la muerte de frente, nos descubre su entorno más real y desde allí nos conduce hasta el corazón frágil y frío de la más pura belleza.
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En este libro Benjamín Santiago presenta su experiencia como hombre trans en forma de versos lúcidos y conmovedores. El ''nombre muerto'' del título narra el renacer del joven autor, capaz de desafiar tabúes culturales con una fuerza poética luminosa y delicada. ''El libro de poemas de Benjamín ha tenido que esperar a que le salga a él la barba y le cambie la voz para salir al mundo. [...] Este libro empieza con una trenza dentro de una caja y termina dando un volantazo. Este libro es una pancarta gigante activista. Este libro es un manifiesto. Una terapia de grupo. Un manual. Un libro de instrucciones. Un diario. Pero también es un baño público, un agente de tráfico haciéndote una señal que no sabes si significa que quiere avances o te detengas. Este libro es un probador. Un bildungsroman, un poemario de aprendizaje''. [Del prólogo de Violeta Niebla]
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Motel Milla Noventa compone un díptico, “Xenía” y “Nostos”, sobre la interiorización de lo eterno y lo efímero. Dos voces en diálogo ensimismado rastrean los significados del amor, la realidad y el desarraigo. Dudan del instrumento con el que cuentan para este rastreo: la palabra. Xenía es el término griego que define el concepto de hospitalidad. Nostos es el correspondiente al concepto nostalgia. Dos nociones que determinan el proceder de Calipso y Ulises en la Odisea homérica. La ninfa solitaria que da alimento, cobijo y entretenimiento al héroe errante. El hombre que renuncia a ser dios por su deseo de regresar a Ítaca.Un camionero y una meretriz de motel como encarnación contemporánea de Ulises y Calipso. La mirada líquida de un nómada que se mueve como rata por los territorios de la multiculturalidad y la mirada introspectiva de una mujer asomada a la ventana, viendo pasar las siluetas como en un teatro de sombras mientras corren las lunas y los soles a cámara ultrarrápida.Longitud y latitud marcan las coordenadas de su encuentro en el Motel Milla Noventa, representación de la paradisíaca morada de la ninfa.De Ángela Mallén, El Desvelo Ediciones ha publicado los relatos 'Entretanto, en algún lugar' y los aforismos 'Microorganismos'.Diseño de colección de Victoria O'May.
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El poeta Julio Herranz selecciona 50 poemas de toda su obra poética para conmemorar sus 50 años de residencia en la isla de Ibiza.
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En ¿pasarás a despedirte? Belén Soto estudia el catálogo emocional alrededor de las relaciones, sus apariciones, desapariciones y resistencias sobre la fina línea de la vida, Las analiza, las disecciona, evalúa sus causas y consecuencias y todo esto lo hace con un lenguaje en el que no faltan los registros de la ternura, el amor, el desamor, el desamparo, las amistades. La poesía de Belén Soto interroga la precariedad material y afectiva de una generación que se enfrenta a un mundo caótico al tiempo que elabora teorías desde y sobre lo posible a partir de sus fortalezas, Los poemas de ¿pasarás a despedirte? se apoyan en el presente y se disparan hacia un futuro en el que no faltan las esperanzas, pero en el que tampoco se disipa la incertidumbre,
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Ángel fieramente humano adensa tanta sabiduría extraída de toda la historia de nuestra poesía más alta que se ha constituído en un hito. Prólogo de Lorenzo Oliván.Cuando en 1950 se publican los poemas de Ángel fieramente humano, Dámaso Alonso escribe: «Este poeta tiene un extraordinario dominio de su palabra. Su verso es áspero, pero no por otra cosa, sino porque se corresponde con el derrumbamiento en huida». Poco después, irá entregando libros fundamentales como Ancia, Pido la paz y la palabra y, de manera póstuma, Hojas de Madrid con La galerna.Blas de Otero es sin duda uno de los poetas más importantes de la segunda mitad del siglo XX.Esta edición de Ángel fieramente humano, segunda entrega de la Biblioteca Blas de Otero auspiciada por la Fundación del poeta, se corresponde rigurosamente con la primera publicada por Ínsula en Madrid.
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Sobre la Herida es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico. Cada poema en Sobre la Herida expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal.La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío. A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales. La crítica ha celebrado Sobre la Herida por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.
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Esta antología ofrece una selección de tres de los principales poetas palestinos del Interior, Rashid Hussein (1936-1977), Samih al-Qasim (1939-2014) y Taha Muhammad Ali (1931-2011). En 1948 Palestina desapareció de los mapas, Pero no dejó de existir, Y menos los palestinos, La Nakba,la limpieza étnica de Palestina sobre la que se asienta Israel, convirtió a los que quedaron dentro de las fronteras del nuevo Estado en una suerte de apátridas en su propia tierra: son los palestinos del Interior, los palestinos del 48, Las voces de sus poetas despertaron en ellos la conciencia de su identidad y la exigencia de igualdad y reparación, Con el tiempo, los versos de estos poetas dieron cuenta también del fracaso de sus sueños y cantaron la lucha común por Palestina,
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Cinètica és el seu poemari més expansiu, tant en continent com en contigut.
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Se ofrece en este volumen la poesía completa de Rosalía de Castro. Sus cinco libros: La flor (1857), A mi madre (1863), Cantares gallegos (1863), Follas novas (1880) y En las orillas del Sar (1884), más un Apéndice con poemas sueltos, así como algunas canciones y poemas populares recogidos por la escritora, se reúnen aquí en un único volumen, en edición bilingüe a cargo de Juan Barja (traducción y notas) y con una introducción de Arturo Leyte. Como señala el traductor, para la edición castellana «se ha optado por una versión rítmica y rimada, siguiendo los modelos originales -tal como seguramente hubiera preferido Rosalía-, mas tratando de guardar al máximo la semejanza, aun a riesgo de afear el resultado, sustituyendo, supliendo, variando en contadísimas ocasiones ''lo que dice'' el poeta, para respetar mejor lo que el poeta ''canta''. Además, siendo esta edición bilingüe -como quizá siempre deberían ser, al menos, las de todas las traducciones de libros de poesía-, la insuficiencia de mis logros queda más que favorablemente saldada y corregida. La versión castellana es así el trampolín donde se podrán apoyar los que no alcancen a desenvolverse directa o enteramente en gallego. Y con esto basta».
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Veinte años de la poesía de Curiel, restituida y revisada hay en este Viajero de las edades (2000-2020). Sin un orden cronológico o temporal Curiel lo rescribe en su totalidad hasta darle la forma de un libro definitivo. Una de las voces más singulares y originales de la poesía española de los últimos tiempos. Desde su libro ''El Verano'' Accésit del premio Adonais 2002, una poesía como medio de conocimiento de la realidad y la existencia. Una reflexión sobre lo absoluto de la palabra y el sentido del ser. Una poética cada vez más cercana a la mística en un sentido moderno. En El Viajero de las edades Curiel indaga en su particular mundo interior desde la más honda radicalidad, siendo la naturaleza y la intemperie del hombre actual escenarios donde los grandes dramas de la existencia se conjugan y se desarrollan. Una reescritura de la cultura europea desde los límites del lenguaje. Una escritura radical, oscura y a la vez luminosa y cada vez más transparente, que en sus sucesivos libros se va despojando hasta volverse cada vez más diáfana. Una obra lúcida en la que se tratan los grandes temas que acompañan al ser humano, como el amor, la muerte, el paso del tiempo, la vida, el vacío o la existencia.
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Eskola egun bakoitzaren ostean, Mohammed el-Kurden amonak jasmin-sorta batekin ematen zion ongietorria. Haren izena Rifqa zen, Israel bera baino zaharragoa zen eta Palestinar erresilientziaren ikono bat zen. Izaera zorrotzarekin eta argitasun moral distiratsuarekin, el-Kurdek israeldar kolonialismoaren basakeria agerian uzten du. El-Kurden poemek Rifqaren erbestealdiak azaltzen ditu, Haifatik berriki desjabetutako Sheikh Jarrahra, Jerusalemen, Nakbaren izu zikliko eta gupidagabea agerian utziz. El-Kurden estreinako bildumak nabarmen erakusten du palestinarren borroka iraultza bat dela, garaipenera arte eramango dutena.
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“Realmente, el poema aislado no existe. Los poemas deberían sonar y resonar los unos contra los otros. Deberían generar resonancias. Como nosotros mismos, no pueden vivir solos » escribe Spicer en una de sus cartas.En su poesía, mito y leyenda configuran una trama a través de la cual, agitándola, deformándola, desgarrándola incluso, se entreteje, siguiendo una lógica y unos motivos que le son propios, el poema serial, que es según Spicer el fruto de un dictado que pone al poeta en contacto con las entidades fantasmales del Afuera.“La poesía en vivo es una forma de canto. Difiere de la prosa, como lo hace la canción, en su complejidad de acento y entonación. La poesía exige una voz humana para cantarla y exige un público para escucharla. Sin público, está desnudo, puro e incompleto, es un aburrimiento” proclama Spicer desde North Beach cerca de San Francisco.El trabajo sobre la materialidad del lenguaje alcanza en Spicer un punto de extrema tensión, y su obra suscitará en la década de 1970 un vivo interés por parte de los poetas de la revista L=A=N=G=U=A=G=E.
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Después de tres años podemos, por fin, leer el nuevo poemario de Andrea Abello, dueña de una escritura exquisita, exótica, fantabulosa, y que sigue demostrando con su nueva obra que la poesía puede renovarse desde el género de la narrativa fantástica, al son de los mundos de Michael Ende.¿De dónde surge la escritura de Andrea Abello? Esta pregunta incluye el asombro —cuánto necesitaba, quizá sin saberlo, leer estos poemas— y esconde la trampa, porque en cierto modo le niega vínculos con quienes le preceden.elena medelEn Duende, Andrea Abello propone un amor como aquel de Platero y yo: la ternura infantil hacia un animal […] Duende, el personaje, no es ni masculino ni femenino, porque tampoco es reptil ni mamífero, ni humano, es lo puramente otro y lo puramente proteico, como el lenguaje efervescente del libro.juan andrés garcía román
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Marinero en tierra, publicado por primera vez en 1924, marca el inicio del universo poético de Rafael Alberti, uno de los grandes pilares de la Generación del 27. Este poemario, galardonado con el Premio Nacional de Literatura en 1925, es un canto a la nostalgia, a la tierra perdida y al mar, ese horizonte infinito que el poeta siente como un hogar lejano y añorado. En sus versos Alberti evoca su infancia en el Puerto de Santa María y su desarraigo tras el traslado a Madrid, alumbrando una poesía lozana, sencilla y cargada de simbolismo. Con un lenguaje accesible pero profundamente lírico, ''Marinero en tierra'' explora asimismo los temas del exilio y el regreso imposible, elementos que atravesarán toda la obra del autor. El mar se erige como metáfora central, símbolo de libertad y añoranza, de lo perdido y lo irrecuperable. A través de una musicalidad precisa, cercana a la tradición popular andaluza y a las canciones de marinero, Alberti logra crear un vínculo emocional directo con el lector. Cien años después de su publicación, este poemario sigue siendo una obra clave de la poesía española contemporánea. Su frescura, su evocación de paisajes perdidos y su profunda carga emocional han mantenido intacta su vigencia. Esta edición conmemorativa invita a redescubrir la belleza y la fuerza de una obra que, desde su aparición, ha ejercido una influencia decisiva en generaciones de poetas y lectores. Un clásico que nos recuerda la capacidad de la poesía para capturar lo efímero y convertirlo en eterno.
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Bóvedas de sombra es una colección de poemas deslumbrantes que abarca desde el registro más culto y sofisticado al aparentemente más sencillo. Con gran variedad de temas, métricas y ritmos, cadencias y tonos, la coherencia del poemario reside en la capacidad de Eusebio Lázaro de trasmitir, a través del lenguaje poético, su exquisita sensibilidad, la agudeza de sus sentidos, la profundidad de su pensamiento.Bóvedas de sombra conmueve e ilumina.
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El único estudio sobre las trobairitz anterior al siglo xx es una monografía alemana de 1880. No es sino cien años después cuando se convierten de nuevo en objeto de investigación estas mujeres aristócratas de los siglos xii y xiii que dieron la vuelta al concepto masculino del amor cortés. En él, la mujer, ya fuera campesina o dama de alcurnia, aceptaba al galán como sirviente, siendo ella una figura pasiva. Por el contrario, en sus poemas, las trobairitz son sujetos, son ellas las amadoras, las que eligen, las que sufren, también, de adoradas pasan a ser adoradoras. Estas trobairitz iniciaron el debate sobre la igualdad intelectual entre mujeres y hombres, y se dieron a conocer como creadoras, tanto en el sur de Francia, como en el norte de Italia, Cataluña y Navarra, es decir, en la Occitania y la Provenza. En este libro, Clara Janés reúne y traduce los poemas encontrados de no más de 20 trovadoras (frente a los más de 400 trovadores), que, sin embargo, «se encuentran entre las voces más exquisitas de la lírica cortés», según la estudiosa Magda Bogin.
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Nankurunaisa realiza un recorrido por los sentimientos que afloran en nuestras rutinas utilizando un lenguaje lírico y una serie de metáforas sugerentes. Ahonda por temas como el amor, la pérdida, la desilusión y la naturaleza, entre otros. Además, deja libre a la creatividad e imaginación de los lectores y con ello, pretende que cada persona sea capaz de verse reflejado en él. Con su lectura, crea un mundo que no está alejado de toda realidad, pero sí puede sumergirte en ella.
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Rafael Alarcón Sierra edita y analiza en este volumen los dos poemarios que escribió Alfonso M. Carrasco: Zafarrancho de España (1937) y Poemas rojos (1938), que nunca se habían reeditado. El estudio sobre el autor entrelaza su vida y su obra desde el inicio hasta el final de sus días, con especial atención al periodo de la Guerra Civil española, ofreciendo numerosa documentación inédita y valiosos materiales gráficos. Los poemas de Carrasco tienen gran fuerza expresiva y tensión rítmica. Están llenos de coloquialismos, blasfemias y exabruptos, y son próximos al lenguaje oral, con un tono exacerbado, adecuado para la persuasión de sus oyentes y lectores. Alfonso M. Carrasco caracteriza a los enemigos de lo que para él es el genuino pueblo español de forma escatológica, grotesca y esperpéntica.
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Yolanda Pantín nació en Caracas en 1954. Poeta, ensayista y editora. En el 2004 recibió la Beca Guggenheim y en el 2015 obtuvo el Premio de Poesía " Poetas del MundoLatino Víctor Sandoval" . La autora de este poemario, XVII Premio Casa de Am
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Francisco Villaespesa (1877-1936) merece ser considerado uno de los mejores poetas del Modernismo español. De manera muy temprana, sus libros supieron plasmar con maestría la renovación lírica impulsada desde América por Rubén Darío. Thule, título de esta antología, no sólo alude a una de las obras principales que consagró al autor, evoca también el reino ideal del arte y el mito con que desafiar la prosa del mundo. Por estas páginas desfila toda una geografía de la imaginación poblada de crepúsculos, cisnes, esfinges femeninas, paraísos artificiales, solitarios parques de otoño y sonámbula música de fuentes que dibujan la sensibilidad compleja de la modernidad, pero también la expresión de la melancolía y el enigma vital que nos adentra en el reino interior del Simbolismo. Aquí reside lo más valioso de Villaespesa: un lirismo matizado y sentimental que intensifica la sugerencia para interrogarse sobre el alma de las cosas abismándose en el misterio de la naturaleza.
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Francisco Brines es uno de los mayores poetas españoles de la segunda mitad del siglo XX. Su poesía, que es una lucha sin cuartel entre el amor y la muerte (el primero como afirmación de la vida y la segunda como su negación), viene marcada por la pugna e
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Cuentos de Ise, obra anónima elaborada seguramente por uno o más autores a partir de una antología de Ariwara no Narihira, una de las grandes voces de la poesía japonesa de todos los tiempos, adoptó su forma actual durante la primera mitad del siglo x y fue considerada un referente inexcusable de las letras de aquel país hasta la revolución Meiji. Pertenece al género denominado uta-monogatari —«cuentos con poemas»—, en el que los pasajes en prosa articulan sucintas narraciones en torno a la composición, muchas veces ficticia, de uno o más poemas, y no sólo resulta ejemplar por la calidad de los poemas en sí, sino también por la elegancia y sensibilidad del hombre que los protagoniza, modelo perfecto de poeta, amante y cortesano.
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Veintiún poemas de amor y de otros temas, de extraordinaria calidad, que no se incluyeron en las obraspublicadas y que ahora ven la luz. Una ocasión excelente para deleitarse con versos nunca antes leídos dePablo Neruda, uno de los mayores poetas de todos lostiempos. La enorme relevancia de esta obra inédita reside en que los poemas pertenecen a un periodo que abarca desde principios de los años cincuenta hasta poco antes de su muerte, en 1973. Son, por lo tanto, posteriores a Canto general (1950) y fueron escritos en la época de madurez de Pablo Neruda.
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