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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Si nos detenemos a observar las flores que se abren paso salvajemente en el mundo, estas nos recordarán el significado de la belleza. Si las miramos a través de un cristal, atenderemos a un fenómeno extraordinario: esa belleza se verá superpuesta a la persona, habrá un reflejo, una separación y una fragilidad. En El mundo de las flores, Joaquín Bermejo Ortiz explora la dualidad de la condición humana por medio del cristal, pero no tanto desde la definición convencional de este material, la cual remite a lo transparente y frágil, sino desde su perspectiva como doctor en Física y poeta, la cual implica que el cristal también es un patrón repetido en el espacio o en el tiempo. Así pues, al leer este poemario nos hallamos ante la repetición de los dolores y las alegrías, al igual que frente al reflejo de la amistad y la bondad que nos precede. En suma, El mundo de las flores es un cristal, pero también una flor, una marea, un valle de montañas y un campo de esperanza desde los cuales se pueden admirar los breves instantes que nos concede la belleza.Jesús Pacheco
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De los extintos busca un alejamiento de los conceptos clásicos y la lógica, sin arbitrariedades, donde el lector se vuelve partícipe en la creación de sentido. Ana Vicarodi pretende acercarse a la poesía que Pujals describió como “neoformalista, o de referencia debilitada o centrada en el lenguaje”. El libro irrumpe la formalidad y los significados únicos, convirtiéndose en un desafío de interpretación. Los poemas son una invitación a la Jouissance de Roland Barthes, que va más allá de lo racional: “La escritura es esto: la ciencia de los goces del lenguaje, su kamasutra (de esta ciencia no hay más que un tratado: la escritura misma)”. Ante la certidumbre solo queda leer como solución.
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Jacques Prévert es, sin duda, el poeta de lengua francesa más popular de nuestro siglo, y Palabras (Paroles), el libro de versos que mayor audiencia y repercusión ha obtenido de entre toda su amplísima y polifacética obra. Jacques Prévert es, sin duda, el poeta de lengua francesa más popular de nuestro siglo, y Palabras (Paroles), el libro de versos que mayor audiencia y repercusión ha obtenido de entre toda su amplísima y polifacética obra (poesía, textos, canciones, guiones cinematográficos). Así nos lo presenta Gaëtan Picon: Prévert habla antes que escribe: tiene una dicción antes que un estilo, y, por otra parte, algunos de sus textos han sido escritos precisamente para ser leídos. Hay en Prévert una elocuencia instintiva que se une con ese genio lingüístico del pueblo, más activo mil veces que la ciencia de los gramáticos, ese don de invención verbal que trabaja en el lenguaje popular, en la picardía de sus palabras, en su inspiración, sus hallazgos, el irrefutable poder de convicción, su donde la palabra justa y de la palabrota, la comicidad de sus agudezas, lo imprevisto de sus hallazgos, el irrefutable poder de convicción de sus réplicas. Prévert vuelve a encontrar la vena de la canción, de la romanza, de todas las formas instintivas a las cuales, desde hace siglos, los hombres simples han confiado su melancolía y su esperanza. Prévert habla y canta con el pueblo, cuenta historias a quienes siempre las han pedido.
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Del comportamiento de células y átomos al sueño de un pequeño crustáceo prehistórico o la momificación de un cuerpo en Japón, esta obra se abre como un gabinete de curiosidades que contiene las piezas más variadas y extrañas.
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Es una la muerte y a la vez es siempre otra, siempre nueva y distinta. En Dios en la ría hay dos muertes, una demoledora, inasumible desorden de lo existente, a la que sigue un duelo inarticulado, sin lenguaje, y otra sorprendentemente unificadora, como la llamada del amor. Solo la intuición poética permite atisbar lo que no se ve de frente, solo a través de la poesía puede expresarse lo inefable. Dios en la ría pone en palabras una lucha terrible, pero también emocionante y bella, por la armonía: por la vida.
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La aparición en 1924 de Presagios consagró a Pedro Salinas (1891-1951) como una de las figuras más notables de las nuevas generaciones literarias, con su dominio de una poesía enriquecida por los recursos y temas propios del ultraísmo y el creacionismo, así como la búsqueda de un nuevo lenguaje, más llano y cotidiano. Publicado cuatro años después, Seguro azar corresponde a una nueva relación del poeta con la realidad, realidad que es la de los ''tiempos modernos'' de los años veinte: el cine, el automóvil, el teléfono, los aviones que otorgan el dominio del tiempo y el espacio. Fábula y signo (1931), libro de transición que continúa el tono y la temática del anterior y apunta ya algunas de las líneas de La voz a ti debida, cierra la primera etapa en la trayectoria de Salinas.
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Dice el escritor Andrew O’Hagan que «desaparecer significa a menudo sufrir una pérdida de identidad, o una pérdida de lugar, a veces comporta perder una vida». Precisamente, la identidad, el lugar y la vida son los tres vértices que se ponen en peligro en las dos fábulas («de fantasmas», según la autora) que concurren en este libro como dos lados de un mismo ángulo:Primera sangre, premio SGAE de Teatro en 2022, un texto contundente a partir de un caso real –el secuestro y el asesinato de una niña– en el que se conjuga violencia y abuso de poder, la infancia y sus cuerpos. Mientras Harakiri, en palabras de Les Impuxibles, la compañía que ha puesto esta obra en escena, «quiere liberar de tabús y estigmas todo lo que envuelve el suicidio para cederle espacio y escucha», y así abordar «el duelo, a través de la presencia de una madre que se explica a sí misma después de morir».Como dice María Velasco: «Ojalá estas obras consigan rendir culto a los muertos y molestar a los vivos».
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Antonio Orihuela es uno de los poetas que despunta en el panorama de la poética crítica española de las últimas décadas. Su obra se inscribe en la poesía de la conciencia. La de Orihuela es una poesía que enfrenta el mundo policial, mediático, y empresarial que vivimos. Que define y ataca el orden de las cosas: el trabajo asalariado, la cultura oficial y la del mercado (que acaso ya son la misma), la violencia socializada, la externalización de costes, la clase media y sus ilusiones. A la vez refleja la realidad no complaciente de este lado: conformismo, miedos que cristalizan en individualismo, relaciones sociales alienadas.En sus poemas, Orihuela desmenuza las estrategias del Poder, pero también expone las alternativas ya en curso, las corazonadas de un mundo nuevo, la convivencialidad del barrio y de la comuna. En estos versos reconocemos señales, recordamos intuiciones para pensar las cosas desde otras coordenadas, desde lugares menos frecuentados. Quizás la poesía sirva para romper el embrujo, el ensueño colectivo en el que vivimos y que es tan grande como el propio sistema, incluso puede ayudar a poner las bases de otro orden diferente.En este trabajo encontramos distintas maneras de escribir poesía: Camino de Olduvai alberga poemas descriptivos y otros simbólicos, algunos esconden mitos, algunos reavivan historias recientes, otros invocan luchas sociales, condensan realidades complejas o reflexiones camufladas en verso (otros resultan breves como un pensamiento fugaz: juegos de palabras o haikus). Por estas páginas pasan igual Juan Ramón Jiménez o Durruti que Hoffman o Kerouac.Camino de Olduvai es una edición limitada que reúne toda la obra poética de Antonio Orihuela desde el 15M hasta la pandemia, en su mayoría ya inencontrable. Poemas en un lenguaje directo que desbordan la forma poema y que supuran historia, futuros posibles (a veces utópicos, a ratos distópicos), bosquejos existenciales, crónicas sociales… El libro funciona así casi como un diario de los años de la crisis y las mayores movilizaciones de este país desde la Transición, también de sus desencantos, y de las nuevas brechas que se abren en el sistema. Historias que resuenan en nuestras cabezas y otras que aun vivimos. Pero también hay lugar para versos más íntimos: la infancia, la juventud, el amor…Esto no es un libro, es un repertorio de disidencias, una brújula, un amasijo de rabia y ternura. Para escapar de este sucedáneo de vida.
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Poseedor de una prestigiosa trayectoria poética, Jorge Gimeno acomete en Poesía y tao una revisión de los fundamentos de la poesía, sometida como se halla a una colonización categórica paralizadora. Lo hace a la luz de la noción de tao, tomado este como un polo de relación perfecto, dinámico y no intrusivo. Poesía y tao es un tratado aforístico que argumenta por acumulación y yuxtaposición. El efecto, en último término, es musical. Es este el primero de una serie de tratados filosófico-poéticos de Jorge Gimeno consagrados a repensar la poesía, a menudo rehén de la búsqueda de nuevos sujetos de trascendencia. Tal situación ha conducido a que la poesía no se piense desde sí misma ni para sí misma. O a que se encastille en los ideales de una espuria categorización que propone la palabra como traslación de una idea de ser que se juzga caduca pero que sigue instrumentalizando la relación del hombre con el mundo y con la propia poesía. Jorge Gimeno (Madrid, 1964) es autor de los libros de poesía Barca llamada Every (2021), Me despierto, me despierto, me despierto (2018), La tierra nos agobia (2011) y Espíritu a saltos (2003), todos ellos publicados en Pre-Textos. De entre sus traducciones, destaca su edición de la Divina Comedia, de Dante Alighieri (Penguin Clásicos, 2021), que obtuvo el Premio Nacional de Traducción (2022) del Ministerio de Cultura de Italia. Es autor de las antologías Fragmentos de Saadi (2021), Noventa y nueve iluminaciones de Nasrudín (2015) y El amor negro. Poesía del Barroco francés (2009), publicadas en Pre-Textos. Ha enseñado en la Universidad de Bagdad, en los Institutos Cervantes de Fez y Lisboa, y ha residido en Nueva York y Alicante. Desde 2004 vive en la España vaciada.
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En una oficina, una mujer sentada ante una máquina acumula jornadas enteras de trabajo, tensión en los hombros y un hilo de pensamientos, mientras sus manos se mueven mecánicamente sobre las teclas. Poco importa la ubicación o la fecha, la escena podría reproducirse una y otra vez, y ha quedado magistralmente retratada en la serie de poemas que Karen Brodine compone a partir de su labor como tipógrafa.
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Los poemas de Una vida de pueblo (2009), de Louise Glück, Premio Nobel de Literatura 2020, se suceden en forma de breves relatos y monólogos que giran en torno a los ritmos de la vida diaria de unos habitantes cuya existencia se ve definida por el lugar en que nacieron. Anclados en una aldea anónima italiana, el escenario no es, sin embargo, el idílico entorno de las églogas clásicas o el tópico paisaje de acuarela que la sencillez del estilo de la autora parecería evocar —,poco más que montañas, ríos, campos, sol, olivos y unos pocos adjetivos—,, sino un lugar cruel que «mata sin ningún motivo a la gente, / solo por no perder la costumbre». Atrapadas en la dicotomía de quedarse y envejecer o marcharse y mirar siempre atrás, la polifonía de voces de diferentes generaciones compone así una suerte de palimpsesto que es también una lente a través de la cual mirar reflexivamente la infancia y sus secretos, la adolescencia y sus ambigüedades, la madurez y sus engaños, la vejez y las certidumbres de la tumba. A medio camino entre lo que podría haber escrito Robert Frost si hubiera sido un poeta confesional y una Antología de Spoon River sin moralismos, Una vida de pueblo supone el punto final a la fórmula de poemas-secuencia que la autora empezó a ensayar sobre todo en El iris silvestre (1992) y que encuentra aquí uno de sus mejores logros.
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El cuarto libro de Blon revisa los cuentos tradicionales y con ojos modernos a través de poemas incisivos que los conectan con la actualidad. «Recuerdo un mundo dorado de peonzas y carruseles,de la leche con galletas, magdalenas y pasteles,vestidos de superhéroes pintábamos nuestras pieles,panderetas y flautines, pianos y cascabeles». Érase una vez un mundo en el que los cuentos que nos contaron de pequeños se han hecho realidad en nuestra vida adulta. Eso sucede en la mente de Blon, que ha traído al presente 30 historias clásicas infantiles y las ha versionado en formato poema reescribiéndolas y conectándolas con temas actuales. «Pero aquel mundo dorado de columpios y silbatosse convirtió en un oasis de corbatas y contratos,de salarios y facturas, de cheques y sindicatos,ladrones, malabaristas, vampiros y patronatos».
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VERSOS ORIGINALES facilita al lector una completa muestra antológica, desde la pureza inicial, de la creatividad de Manuel Altolaguirre, considerado ya una de las figuras señeras en el mundo de la literatura contemporánea. Su editora, Rosa Romojaro, poeta y profesora de Teoría de la Literatura en la Universidad de Málaga, en cuya prestigiosa trayectoria las aportaciones sobre Altolaguirre ofrecen una relevancia paradigmática, ha configurado en el presente volumen, fruto de una intensa tarea de investigación, no sólo un nítido desvelamiento del poeta y su obra en el Estudio introductorio, sino asimismo la rigurosa disposición de sus libros, cuadernos y poemas, ofrecidos con claridad al lector. La percepción crítica de las entregas del poeta como partes sucesivas de un único libro, con la imagen primordial de las Islas invitadas, la explicación de antecedentes respecto a ediciones anteriores, la indagación formal de la fuerza expresiva fundada en las primeras versiones y la exploración de las fuentes del yo lírico, que dan contenido al imaginario en la poética de Altolaguirre, conforman claves sustanciales que ponen de manifiesto el atractivo y singularidad de esta edición. Junto a los contextos vitales y sociales de donde emerge su poesía, definida en sus varios ciclos -desde el neogongorismo y la vanguardia hasta el compromiso y la etapa americana-, la unidad de su creación se formula a través de sus motivos simbólicos y de las variaciones que experimentan, trasladando a los poemas recogidos de Altolaguirre una interpretación de excelencia que entrelaza su fascinante universo lírico. Entre las publicaciones recientes de Rosa Romojaro sobre el poeta figuran los libros Bibliografía de Manuel Altolaguirre (Obra literaria, ediciones y referencias críticas), 2007, La poesía de Manuel Altolaguirre (Contexto. Claves de su poética. Recepción), 2008, y la edición Islas del aire (Antología poética), 2008.
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Després d’una quinzena de títols de poesia, bona part dels quals publicats per Llibres del Segle, aquest nou poemari recull i sobretot amplifica els temes que impulsen la seva obra com a poeta. Com expressa el títol d’aquest nou poemari, La sintaxi del domini, Camps insisteix en la idea força de la seva poesia a partir de l’anàlisi filopoètic dels efectes “irresolubles” que té el llenguatge en la nostra relació amb la resta de sers existents i amb el món inanimat mateix.
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Els vuitanta-set cants que conformen els Himnes Òrfics han estat tradicionalment atribuïts a Orfeu, personatge de la mitologia grega clàssica que amb les seves extraordinàries dots musicals i el seu cant seduïa el cos i l'ànima de qui l'escoltava. Els Himnes Òrfics s'adreçaven a elements de la natura i l'univers i invocaven els deus per tal que els fos concedit el benestar i la pau d'esperit. Els Himnes posen davant del lector tota l'exuberància i esplendor d'un món no domesticat, engalanat amb un paganisme no regulat, el bell rastre d'èpoques anteriors on encara no s'havia establert la regulació religiosa per mitjà de l'escriptura. Expressen, tanmateix, l'exuberància, la bellesa i la meravella d'un món no contaminat encara per la mirada racional i suposadament superior de «l'home modern». Aquest món no desxifrat racionalment és un món màgic, fastuós, ubèrrim, és a dir, la pura celebració de la joia dels sentits. «La resta és temps i dedicació, sempre des de la submisa admiració per uns textos, els Himnes Òrfics, i una llengua, el bell català amb el qual he après d'estimar el món que ens envolta. El resultat final són aquestes interpretacions dels Himnes Òrfics que oferim als lectors i a les lectores i que volen ser, en definitiva, un modest homenatge al món grec arcaic, tothora sumptuós i florent, i també al nostre català, delicat i arrauxat, i alhora, exquisit i vehement.»
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Sempre s'ha considerat l'obra poètica de Fuster ben migrada al costat de la seua producció en prosa, a més, ha estat molt poc difosa. L'escriptor de la Ribera del Xúquer mateix va insistir en excés en l'escàs interés dels poemes. Tan sols recordar algunes de les seues manifestacions on revola un to ben incrèdul, fins i tot despectiu i ben agnòstic en referència a la seua producció. La poesia de Joan Fuster no és cap apèndix o afegit a l'obra assagística, és un element fonamental en l'evolució del seu quefer. Una peça necessària en la seua trajectòria literària. Un pas més en el camí de contorns i de fronteres difuses de la tipologia textual. Un demble imprescindible en la quefer creatiu. Fuster amb el grup de poetes valencians de la seua generació (Estellés, Beneyto, Casp, Bru o Valls) són els iniciadors de la modernitat en la lírica regionalment ''valenciana''.
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_L'alegria_ neix de l'experiència de la Primera Guerra Mundial, que Ungaretti va viure com a soldat d'infanteria voluntari. El dolor l'acosta a l'essència humana individual i col·lectiva. Amb una profunda emotivitat equilibra l'horror de la guerra amb una lluminositat i una mirada de celebració sobre el món i la vida feta des la meravella de la contemplació d'un mateix i del que l'envolta. El llibre inicia la poètica ungarettiana de concentració, reduint la sintaxi a allò essencial i usant la paraula aïllada per trobar-ne el sentit radical amb la màxima intensitat de significat. Els poemes, d'un estil fragmentari i fulgurant, van revolucionar el concepte de vers sota patrons fonamentalment rítmics i musicals i amb l'analogia i la juxtaposició com a principals recursos retòrics. Textos com esclats de llum que arriben directament al sentiment i al sentit. El poeta no és més que un home senzill que amb l'escriptura dona veu al lector i li ofereix profundes revelacions. Com va escriure Pier Paolo Pasolini, «la història de la poesia d'Ungaretti es desplega [...] al bell mig de la història de la poesia del segle XX».
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Un nuevo libro de Ferran Fernández, con su ya clásica ironía que interpela a la inteligencia del público lector.Empezó a escribir para combatir la tristeza, ganó algunas batallas y logró sonreír de nuevo pero pronto volvió a estar triste porque solo sabía escribir contra la tristeza. Persigue la derrota una y otra vez con inquebrantable afán y siempre fracasa pero nunca se vanagloria de ello.
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Necesito ropa, dijiste. Una blusa alegre, de color subido. Y fuimos a la tienda. La chica que nos llevó a los vestidores se llamaba Tula. Te queda rico, dijo, te queda de novela. Nos metimos las dos en esa caja, entrábamos apenas. Como no había asientos ni percheros te ofrecí mis brazos. Te sacaste el vestido, la campera, te sacaste la blusa, las hombreras, te sacaste el turbante, la remera, te sacaste el corpiño, la bolsita de mijo, te miraste al espejo y me miraste y yo vi tu pecho crudo, las costillas al aire, y después tu corazón como una piedra, fuerte y fatal como una piedra. «Desnuda en la tienda», de María Teresa Andruetto.
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Som també el lloc que habitem i els espais que vam habitar, els punts on han quedat gravades estampes dels nostres actes i inactivitats, de la història personal que ens confirma. A La casa sonora s'evoquen els cruixits, les dilatacions, les passes, els grinyols, els cops de porta i les roncors que omplen el silenci del poeta, que des de la distància temporal entre el seu sedentarisme actual i el nomadisme urbà dels anys passats ha volgut convertir en poemes. El misteri dels passadissos, el vertigen de les fugides, l'ansietat dels trasllats, la il·lusió i la desfeta d'anar d'aquí a allà. I la serenor de la nostàlgia, sempre tan creativa.
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El nuevo poemario de Florencia del Campo.El hombre del padre es un libro de poemas que podrían ser uno solo, un gran largo poema. El hombre es por lo menos dos: es el hombre que es padre, y es el padre que es hombre. Pero, sobre todo, la paranomasia del título nos interroga sobre su identidad: ¿quién es ese hombre? ¿Cómo se llama? ¿Son dos o acaso es el mismo? ¿Es él mismo? La voz poética, femenina, se pregunta por la identidad de él, pero también por la identidad de ella. ¿No es madre? ¿No es ser madre todo lo que hace también una mujer sin hijos? ¿Es hija la mujer del hombre que es padre y no es su padre? ¿O sí es su padre? ¿O él es ella? ''El hombre del padre'' nos recuerda a una oración, a un rezo. Por eso el poemario termina con ''amen'', sin tilde. Esta es la religión del libro: el espíritu del deseo.
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Edición, estudio y notas de Francisco Rodríguez Risquete.Aunque fraguadas sobre todo entre 1858 y 1861, las Rimas están integradas por piezas compuestas a lo largo de casi quince años, hasta el momento de la muerte de Bécquer, sin alcanzar una ordenación definitiva. Los temas dominantes son los propios de la poesía amorosa de todos los tiempos, como la melancolía y la incomunicación, modulados por toda la tradición aprendida (desde el clasicismo grecolatino hasta los romanticismos de escuela, pasando por la literatura del Siglo de Oro) y prestando atención a procedimientos propios de la literatura de consumo, como el sentimentalismo del folletín, la dramatización de la vida privada, la métrica de la zarzuela o el tono de la poesía alemana y de la balada de mediados de siglo. La edición de Francisco Rodríguez Risquete atiende a las diversas fuentes textuales de los poemas y lleva a cabo una nueva y minuciosa evaluación del origen, orden, validez y título del Libro de los gorriones, el autógrafo en cuya parte final se encuentran las piezas líricas. La rica anotación contextualiza lingüísticamente la aparente sencillez de Bécquer y documenta su capacidad única para convertir el lugar común en algo distinto e inolvidable.
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El riesgo radical de dar forma narrativa a las urgencias de un futuro tan soñado como temido.Una frase de Agota Kristof, que encandila por su misterio y delicadeza, da título a esta compilación de cuentos: «Tengo la impresión de que el cielo se prepara para la lluvia». Suaves palabras que nos anticipan una atmósfera, un lugar, un tiempo situados en el ancho territorio del porvenir. Breves narraciones, poéticas y perturbadoras, conforman este libro de Óscar Curieses que quiere darnos noticia, alertarnos y apercibirnos, acerca de un futuro posible, en Dirmad -anagrama de Madrid, un territorio fantasmagórico y mágico al mismo tiempo, una ciudad estado que representa a muchas otras capitales de nuestro mundo, especialmente de Europa-, el que estaríamos construyendo ahora mismo, y pone el foco sobre sus maldades y bondades, sobre las vivencias de sus habitantes, los protagonistas, que se afanan en realizar su existencia en ese escenario venidero, pero también presente y en cierto modo propio del pasado más cercano. Las narraciones van acompañadas por los incomparables dibujos de Andrés Rábago (bajo su firma como El Roto y Rábago), imágenes que inspiraron parcialmente estas historias inauditas, sorprendentes: pura poesía para el pensamiento.
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La poesía de Diana Bellessi se tensa en su propia donación, afirmada en la inmediatez de la mirada hacia el esplendor de las formas, incluye el ideal de una oralidad de lazos comunitarios. Articula un pensamiento crítico de enorme coherencia con una marcada impronta social de un modo completamente novedoso. No es la ilusión referencial ni documental lo que la anima, sino la capacidad lírica de ver el mundo en el arrebato de una gracia del lenguaje. Esta pobreza herida es la materialidad humana que recorre el libro. Su poesía es pacientemente dulce, poblada de diminutivos, de resabios del habla, apócopes de la intimidad popular en el seno de versos frágiles que esplenden, rítmicos, cantados, donde esta riqueza ya no está vedada.
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Fabio Morábito (1955) vive en la Ciudad de México y ha escrito, con este, seis libros de poesía, género que ha alternado meticulosamente con el cuento. Nacido en Alejandría, de padres italianos, ha escrito toda su obra en español, a pesar de ser el italiano su idioma materno. Su poesía y su narrativa han sido traducidas a varias lenguas y lo han hecho acreedor de varios premios en México, Alemania o Francia, entre ellos el prestigioso Roger Caillois, que se le concedió en 2018, en reconocimiento de su obra. Los créditos que desfilan en la pantalla al final de una película son a menudo tan extensos que una sola canción no es suficiente para acompañarlos en su totalidad y se tiene que recurrir a una segunda canción para que ese desfile no quede huérfano de música. Esa «canción segunda» que toma al relevo de la primera es el tema de fondo de este nuevo libro de Fabio Morábito, en que justamente los relevos, los segundos esfuerzos y en general los reencuentros con lo ya vivido se presentan ante la conciencia del poeta como los verdaderos momentos álgidos de su vida, quizá de todas las vidas. No la música enceguecedora y deslumbrante, pues, sino las canciones segundas, esas que acompañan hasta el final el desfile de nuestros actos, cuando se encienden las luces de la sala y nos toca encaminarnos hacia la salida.
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En estas páginas, el poeta hace un intento de vislumbrar luces en un momento en que las luces parecían haber abandonado el mundo. Se trata de una obra dividida en cuatro secciones que agrupan vislumbres sobre temas diferentes pero relacionados entre sí: nuestro mundo y la vida en nuestro mundo, y las palabras y el amor, sin los cuales no existirían ni mundo ni vida para el Homo sapiens. El lector encontrará versos y poemas que reflejan despiadadas observaciones, desde la soledad a la lucha, pasando por sufrimientos, alegrías, anhelos, colores y luces. Se revelan además ciertas notas de crudeza en las observaciones sobre el mundo y la vida, y, en ocasiones, irreverencia e ironía. En el fondo, sin embargo, siempre están —aun si a veces tan solo tenuemente— los vislumbres de esperanza.
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Viatjar per tot arreu, sovint sola, recórrer milers de quilòmetres en tren, en furgoneta o ferri, assumir riscos, parlar amb la gent i escriure-ho per compartir-ho. Compartir la seva experiència és el que ha fet en aquest llibre la Natàlia Boronat, que va viure més de quinze anys en el país més gran del món, on va treballar com a professora universitària de català, periodista freelance i guia turística.Muntanya russa és la crònica d’un llarg viatge vital i emocional amb tombs diversos que la van col·locar cap per avall més d’un cop. Les narracions que conté són tessel·les que ens ofereixen una panoràmica de l’immens i complex mosaic de pobles, llengües, religions i cultures que conviuen a Rússia, no sempre exemptes de conflicte.Llegint els articles de Boronat aprendrem geografia, folklore, sociolingüística, geopolítica, gastronomia, literatura, cultura, i en voldrem saber més. Entendrem una mica les arrels profundes d’algunes guerres, i també, i sobretot, coneixerem la part humana d’aquest país per què l’autora té el do d’acostar-se a la gent, de plantejar preguntes, de fer-los parlar, de saber-los escoltar, de no jutjar-los i de forjar amistats en els quatre punts cardinals de Rússia. Això és el que fa aquest llibre tan viu i interessant com necessari.
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Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen, y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad—,escribe Neruda—,hice estos sonetos de madera, les di esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, con mayor razón todavía, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo.
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*VERSIÓN BILINGÜE* ''El hermoso país donde los hombres desean a los hombres'' es, probablemente, uno de los poemarios homoeróticos más explícitos de la literatura catalana. Su recorrido es sin duda único: en 1974 el texto se distribuyó de manera clandestina en un juego de fotocopias grapadas. Los poemas trataban el deseo homosexual masculino, la belleza de sus cuerpos, la perversión sexual, el cruising, el sexo anal. Todo ello a través del lenguaje, un expresionismo para lo reprobable. [...] ha sido celebrado como un libro transgresor. Y sí, lo es en lo que concierne a la temática, pero lo es sobre todo en el nivel lingüístico. «Transgresión», «infracción», «desobediencia». Una postura que se sitúa en el borde y que finalmente lo traspasa. Una crítica social, una crítica política, una crítica lingüística. Un enfrentamiento directo con los valores institucionalizados, pero también con los adquiridos. (Sergio Fernández Martínez)
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Llega a librerías el poemario que inspiró a una generación.gay es un viaje de autodescubrirse, sanarse, quererse y respetarse. De relaciones que no pudieron ser, acoso, amor y pérdida. Es un poemario atrevido sobre la osadía de ser uno mismo cuando ser uno mismo es sinónimo de valer menos que el resto. Al mismo tiempo, es un canto a la belleza de la vida y una oda a la superación personal, en la línea de la ya conocida determinación de su autor de no dejarse intimidar por los golpes de la vida, vengan de donde vengan. Alberto Ramos autopublicó este diario poético cuando tenía 19 años, en honor al 50 aniversario de los disturbios de Stonewall, definiéndolo como «una labor de amor en honor al arcoíris». gay se convirtió en el poemario más vendido de España y de México, quitándole el puesto a su predecesor eighteen. Estos dos libros son complementarios, enlazados a las crudas vivencias de su joven autor. Su labor literaria recogida en gay ha conseguido ser refugio para miles de personas que, como él, no encontraron aún el camino a casa de vuelta a sí mismos-pero no por ello dejan de buscarlo.
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Bienvenido a Kamikaze de versos. Bienvenido a 'El verso que nunca te di'. Bienvenido a los sentimientos en estado puro. Bienvenido a la nueva poesía que nos llega al alma, si buscas aquí la poesía tradicional, lo siento, este no es tu lugar. Si estuviste en mi primera andadura, gracias por confiar en mí de nuevo. Si eres nuev@ y solo me conoces por este poemario, millones de gracias por darme la oportunidad de seguir creciendo como persona e intento de escritor (que tampoco creo serlo). Simplemente plasmo en forma de verso, de forma directa y sencilla, todos aquellos sentimientos, ideas, locuras y torturas que nos pueden llegar a pasar por la cabeza, incluso vivirlas en nuestra propia piel. Kamikaze siempre ha estado ahí, desde bien pequeño, pero lo ocultaba hasta que tuvo su gran explosión durante la pandemia. ¿Qué paso?, os preguntaréis... Pues... qué mejor forma de contároslo... ... de la mejor manera en la que consigo expresarme... ... EN VERSOS, COMO SIEMPRE AL ESTILO KAMIKAZE...
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Las palabras nos interpelan, nos acompañan o se muestran esquivas, nos representan o nos traicionan. Son la materia que da cuerpo a nuestros sueños, a nuestros temores, deseos e incertidumbres. La muerte de un ser querido las pone a prueba una vez más o, mejor, nos pone a prueba frente a ellas. Este libro indaga en ese vacío que deja la ausencia del otro, porque la vida –el tiempo, cada vez más rápido– se queda en el aire y las palabras, son precaria compañía que ahondan en el propio desvalimiento. De esa contradictoria relación y de este íntimo y doloroso proceso da cuenta, de un modo sutil, esta poesía.
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José Ángel García Caballero guanya el Premi Maria Beneyto de poesia amb un poemari sobre la paternitat, la terra i la literatura.Me n'adone aquest vespre de diumenge:núvols sobre la llum taronja del crepuscle,sobre les alqueries que acaricien l'horta,la sensació de fruit,la vocació d'esperade qui mira la terra i endevina paraules.
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La pesada carga de la conciencia culpable de Ana Llurba la persigue entre las calles de Berlín y Cracovia mientras se sumerge en la compleja cuestión del paso del tiempo. Su objetivo principal es capturar lo que sucede entre su educación sentimental, la memoria familiar y la Historia en general. Partiendo de su primer poemario (''Este es el momento exacto en que el tiempo empieza a correr'', ganador del Primer Premio de Poesía Joven Antonio Colinas), Ana entrelaza hábilmente varios temas recurrentes en la filosofía de la historia, tales como la teleología, la teodicea, la dialéctica hegeliana y el fin de los grandes relatos, con la rutina y la vida diaria, explorando así la constante tensión entre lo solemne y la frivolidad. Y, a través de su voz poética, descubrimos el denominado ''primer mundo'' desde la lente de lo banal y el remordimiento, revelando así una mirada única sobre nuestra realidad contemporánea.
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Leyenda viva de las letras españolas, desobediente del clasicismo, voz luminosa y pausada en un mundo de oscuras turbas, Caballero Bonald representa la poesía en un estado poco puro: el de los grandes descontentos porque la vida se imponga en sus aspectos más indecentes. [.] Sus vuelos no exigen más compañía que la de quienes quieran compartir uno de los más hermosos testimonios vitales de un poeta capaz de no renunciar ni siquiera a lo que niega. - Mariano Antolín Rato Aunque José Manuel Caballero Bonald es mayoritariamente conocido como novelista, es en el terreno de lo poético donde se encuentra el centro motor de toda su obra. En efecto, aunque participa de todas y cada una de las líneas dominantes que caracterizan a la generación del 50 -en la que historiográficamente se le suele incluir- no es reductible a ninguna de ellas. Pese al tono quevedesco de muchos de sus fragmentos, a la musicalidad a veces lopesca de su dicción, es en Góngora, y en su inmediato antecedente, Juan de Mena, donde encontramos los orígenes de una poética que, tanto en lo que se refiere al utillaje formal de la escritura, como en lo que remite a la concepción crítica del hecho literario, asume plenamente el carácter retórico, es decir, verbal, de nuestra relación (mediada) con el mundo.
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Poesía y Naturaleza. La obra poética de Kathleen Jamie está considerada como una de las más destacadas de la poesía actual en lengua inglesa. Su sello o rasgo común es la presencia de la Naturaleza Su voz es nueva, directa, en apariencia escueta pero magistralmente certera, porque es al releer sus versos cuando sorprende y realmente se saborea su profundidad y su plena diana con un sentimiento de consternación por la huella que los seres humanos dejamos en el entorno.
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