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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Flores es un breve y delicado libro compuesto por 42 poemas. Este poemario de Nieves Pulido, de clara influencia oriental, explora las correspondencias y tensiones que se dan entre poema y naturaleza, lenguaje y realidad. Ordenados a modo de manual botánico, los poemas van acompañados por las bellas ilustraciones de Eire (Irlanda Tambascio), que aparecen como una auténtica y logradísima reproducción de las flores originales.
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El Caire Formentera
''La tensió entre el que és particular i el que és universal, entre el que és íntim o privat i el que és col·lectiu i públic, travessa d'un cap a l'altre El Caire Formentera, un llibre de plena maduresa personal i lírica, dels que saben transmetre l'emoció i, alhora, controlar-ne l'expressió gràcies al domini de l'art del vers. L'interès de cadascun dels poemes, la mestria amb què estan escrits i la manera com s'entrelliguen en un conjunt travat són tres de les raons que van provocar el veredicte unànime del jurat del vintè Premi de Poesia Sant Cugat a la memòria de Gabriel Ferrater''. (Jordi Cornudella, president del jurat del Premi)
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Esta antología poética de Antonio Machado (Sevilla, 1875-Colliure, 1939) se centra en una sola de las vetas de las múltiples que cultivó su autor a lo largo de toda su obra. Frente a la poesía gnómica o metafísica, paisajística, de crítica social o de propaganda, la presente antología quiere centrar su atención en la poesía amorosa. Antonio Machado, poeta del amor. Pero no del amor abstracto e irreal sino de carne y hueso, personificado en tres mujeres: Leonor Izquierdo, Pilar de Valderrama y otra cuyo nombre por desgracia no ha llegado hasta nosotros. De esta mujer de nombre desconocido sabemos que debió de ser el primer amor de Machado y también que murió joven, de modo que don Antonio fue en cierto modo un viudo por partida doble. Con Leonor se repite el drama, pero nos ha dejado un hondo lirismo: se canta lo que se pierde. Tampoco pudo encontrar con Guiomar (pseudónimo de Pilar de Valderrama), amor tardío y final, la completa felicidad. Mujer casada, con hijos y ferviente católica los impedimentos eran muchos. Y finalmente la guerra volvió completamente imposible ese amor pues no volverían a verse aunque tampoco se olvidaran nunca.
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Fora de la nosa
Fora de la nosa és un intent d'exorcisme de tot allò que queda atrapat dins d'un cos que ha viscut immòbil, encaixonat i premut entre parets, a voltes les parets físiques de la casa familiar i a voltes les parets imaginàries del record i de l'adolescència. A mesura que transita espais personals recognoscibles o onírics, la veu poètica indaga en les causes de la seva pròpia immobilitat i cerca alguna mena de sortida. Serà a través de les imatges d'animals i d'insectes que moren o que muden la casa que trobarà les metàfores per recobrar la veu i el moviment, i arribarà a purgar-se dels llocs que li tibaven la pell.
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Aiguaneix
'La lectura dels poemes que componen Aiguaneix, de Roser Cabacés, es perllonga com l'aigua pura del rierol en el temps interior, el temps de l'ànima que, per expressar-se, viatja en metàfores i imatges simbòliques: «ben en silenci/ sento les veus de l'invisible». Així els poemes ressonen a l'ànima com una simfonia composta en diferents moviments i visions interiors, «finestres badades/ per albirar el misteri». L'experiència mirífica de la primera lectura es perllonga en les lectures següents perquè els poemes d'Aiguaneix ho donen tot, però en preserven el misteri perquè així obra també la natura, «sempre sabent que el misteri s'amaga/ perquè el regal és saber-lo invisible''. (De l'epíleg de Teresa Costa-Gramunt).
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Un libro que mezcla arte y escritura: la Premio Nobel Herta Müller compone con 157 poemas-collage el relato de acuciante actualidad política alrededor de una refugiada.Herta Müller se inventa una nueva forma de narrar: en un lenguaje condensado al máximo compone, con fragmentos de palabras e imágenes ensamblados con una técnica asombrosa y un gusto exquisito, escenas inquietantes que oscilan entre realidad y surrealismo. Poco a poco se descifra aquí una historia de humillación, angustia y añoranza. Los poemas-collages de El funcionario dijo cuentan, con mordacidad irónica y dulzura empática, la llegada de una refugiada a un país de acogida y su degradación por el aparato burocrático.
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ELLA Y ÉL no se conocen físicamente, sin embargo, han construido una historia de amor cimentada con palabras y un sendero de imposibles que termina con el agrio sabor del desencanto y sus metáforas. ÉL, encantador de serpientes, y ELLA, amazona doméstica, narran la crónica de su derrota con la desazón de estos versos enredados sin prudencia. Una sola historia y dos voces, un amor y dos naufragios. El destino con su posibilidad de triunfo y la decepción con su seguridad de fracaso alimentan una duda emponzoñada entre dos íntimos desconocidos al borde de sus miedos. Las canciones revoloteando después de cada poema intentan aliviar la rutina de hiel y desencuentro que destila este amor 'tan posible como inútil'.
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El puente Roque González comunica las ciudades de Posadas, en Argentina, y Encarnación, en Paraguay. Forma parte del paisaje de quienes participaron en su construcción, de quienes lo contemplaron a ras de ciudad, y de quienes día a día -tiempo después- cruzan el río Paraná o se asoman por primera vez a él. Acaso Los años frente al puente sea entonces un libro de memoria: de la propia y de la ajena, de la que nos acompaña y de la que erige piedra a piedra, instante a instante, y también de la que se nos transmite en los recuerdos que escuchamos o en las historias que leemos. Pero este libro es también un río en el que desembocan afluentes como temas. La paternidad, y el aprendizaje de los hijos, pero también el de los padres. El papel de lo histórico en la vida cotidiana. El sentido de frontera: la pertenencia o no, el movimiento o no. La tensión entre la experiencia intelectual y la experiencia física, entre el pensamiento y la acción. Y sobre todo el humor, la posibilidad de afrontar lo que sucede desde la orilla luminosa. Andrés Barba ha escrito sobre un puente que sirve como metáfora, pero que es en esencia un objeto colectivo cargado por la mirada.
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Cuando leo a Kar, pienso en destruir pero de la forma más dulce. Los cuerpos en sus poemas se desarman, pero no para morir, sino para liberarse, hundirse entre las hojas y el abono, rearmarse en un espacio virtual en el que bailan e intercambian besos. Una máquina difusa los escribe, llora bits sobre el teclado, golpea las letras dibujando amigas nuevas. Está enojada, pero con el enojo de un corazón puro, adolescente, que no se reconcilia con vivir como le dijeron que tenía que hacerlo, invadida por el deseo de fundirse con les otres, y atacada por la ansiedad que aparece en el medio de la fiesta al grito de ''POR FAVOR, YA VÁYANSE DE MI CASA''. Kar, cuerpo borroso, múltiple y brillante, entra a la página en blanco y la desordena, la desparrama, jamás olvida la ternura. Es sincera, es saltarina, te invita a jugar: ¿estás lista para abrirte en dos? VALERIA MUSSIO Estos poemas son escombros caídos al piso. No sabemos qué había antes de ellos: cuáles escenarios, voces y acciones. Si acaso algo de ellas persiste en estas ruinas de letras, silencios y signos de pregunta y admiración, solo podemos ver sus fragmentos. Hace poco escuché a alguien decir: ''deberíamos cambiar la palabra transformación por destrucción''. Y me gustó, porque transformarse supone un proceso difícil y doloroso donde lo que hay es destruido por otros, para otros o por el accidente de la existencia en un mundo complejo. Después, si es que tenemos suerte, amor o inteligencia, aparecerá lo necesario. Yo espero que la poesía sea la compañera para sentar esas bases donde volver a construir. MARIE GOUIRIC
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Libro excepcional por su acrisolada perfección y por su insólito lugar dentro de la poesía española del último medio siglo, Manual de eternidad parece surgir de la nada para aspirar apremiantemente a la categoría de clásico. De la nada porque su aliento narrativo parece enraizar en la épica, en un limbo casi anterior a la literatura, de donde también brota un humor raro, sin parentescos líricos aparentes, y en el que rastreamos, sin embargo, ofrendas a todas las tradiciones literarias, del clasicismo a la modernidad, reflejadas tan pródigamente como en una galería de espejos. No nos asombra que el producto de un escritor casi inédito descanse en un pedestal tan sólido y claro, porque es evidente desde los primeros versos que el autor está dotado de una gran erudición y de un talento fuera de lo común, casi de chiste, casi de cómic. Pero los versos mismos nos asombran infinitamente, en sucesivas lecturas, hasta fundirse con el propio asombro en un todo diáfano, sin sombras. No nos hemos parado a preguntarnos qué habría sido de la poesía de Arturo Pascual de no haber fallecido prematuramente, porque en este libro cabe todo él. Quizá sí nos preguntemos dónde termina «lo anterior» al libro, sus fuentes más ignotas, y en ese viaje al centro del poeta se condensa el enigma de este Manual tan vibrante como mudo, tocado por una gracia anterior a casi todo.
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Ofici de ventades noves
Ofici de ventades noves és un nou poemari que veu la llum en un temps de pandèmia, assedegat i exigu, entre veus de dolor i absència.
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El rostre del desésser
Aquest llibre és un recull de poemes íntegrament dedicat a la vivència de l'Alzheimer en un ésser estimat: des de que s'apaga la primera llum, fins que arriba de ple la nit. La voluntat ha estat fer, d'aquests versos, un mitjà de consol i d'expressió de tot l'horror però també de tota la tendresa que comporta la malaltia. Les persones que pateixen el deteriorament cognitiu d'un ésser estimat passen por, desorientació, decepció, solitud, impotència i tristesa. Però també la malaltia, viscuda des de l'estimació, acaban essentuna lliçó de vida. Quan el cop intern del dolor es verbalitza i es comparteix, llavors s'obren camins alternatius: els de l'acceptació i la tendresa.
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Los poemas de este libro son el resultado del impacto emocional que experimenta el autor tras su traslado al Centro de Instrucción de Reclutas de Colmenar Viejo, allá por 1975. Nacen de la soledad más dura —familia, amores y amigos quedaron a centenares de quilómetros— y también del conflicto surgido por el contacto con una cultura belicista. En su nuevo entorno de la preciosa sierra madrileña todo eran gritos, armas y «preparación para la violencia». Escribir estos poemas le permitió salvaguardar sus sentimientos, emociones e ideas. A pesar del paso de tantos años, desea que la lectura del poemario proporcione al amable lector unos breves instantes de solaz intelectual, en estos momentos tan complejos que nos ha tocado vivir.
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Primer poemario de este afamado abogado madrileño. Lancho ahonda en el pasado histórico y la cultura como columna vertebral de su literatura.Volver los oídos y los ojos a esos flujos oscuros desde los que asoman ideas y corales, palabras y venenos ancestrales que vuelven a florecer, le lleva a veces al salmo, otras veces a la maldición, a la advertencia, al relato y la anécdota ejemplar, a los mil días con sus mil y una noches en los que los versos son necesarios para que la luz del día y la vida que crece bajo tantos azares no resulte insípida.En un mundo lleno de fisiones y asperezas, esta poesía emerge con la energía inacabable de la fusión de voces, de culturas, de tiempos, de tonos, metros y lugares. Lancho es un poeta al que nada le es ajeno.
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Las palabras de María Zambrano «desde que el pensamiento consumó su ‘toma de poder’, la poesía se quedó a vivir en los arrabales, arisca y desgarrada diciendo a voz en grito todas las verdades inconvenientes, terriblemente indiscreta y en rebeldía» podrían servir para definir la poesía de Carlos Tejero presente en Anónimos (2016) y en El eco de las voces (2019) y, como no, en este nuevo poemario Horizonte del aire, sin embargo, en la supuesta paradoja del título encontramos otros temas distintos: el intimismo y las referencias a un medio natural que se destruye al igual que ese hierro oxidado de la cubierta, si bien la fuerza de naturaleza encuentra su hueco y brota desde el amparo del amor.Volviendo a María Zambrano, «El poeta tenía lo que miraba y escuchaba, lo que tocaba, pero también lo que aparecía en sus sueños, y sus propios fantasmas interiores mezclados en tal forma con los otros, con los que vagaban fuera, que juntos formaban un mundo abierto donde todo era posible».
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«Quien escribe un poema lo escribe, antes que nada, porque el poema es un colosal acelerador de la conciencia, del pensamiento, de la percepción del mundo». Del discurso de Joseph Brodsky al recibir el Premio Nobel de Literatura A caballo entre dos lenguas durante décadas, el bilingüismo de Brodsky no solo revitaliza con singular desenvoltura un lenguaje heredado, sino que también proyecta una radical y profunda exploración de sus metros e imágenes, elevada a una forma particular de metafísica. Sin embargo, Brodsky es también un poeta eminentemente físico, cuyo tema fundamental es la encrucijada entre el espacio, el tiempo y los sentidos. Ningún otro escritor contemporáneo habla tanto de la intemperie. Sus musas no son Calíope ni Tersícore, ni sus artísticas hermanas asociadas con emociones y sentidos, sino Urania, musa de la astronomía, «más vieja que Clío», matrona del conocimiento estelar, del espacio puro, de esas extensiones heladas en medio de las cuales el hombre parece el derrubio lodoso que arrastra un glaciar. Esta antología recoge una muestra esencial de la poesía de Brodsky en una traducción que intenta hacer justicia a su grandeza formal.
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En la obra del autor confluye la más alta poesía contemporánea: los universos de Pessoa o Cavafis, los versos cotidianos de Wallace Stevens o William Carlos Williams, la poesía conversacional de Antonio Cisneros o Juan Gustavo Cobo Borda, los poetas del Modernismo brasileño como Drummond de Andrade o Tomas Tranströmer son algunas de las fuentes a las que el autor de Inmundo retorna permanentemente.
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«Hay que hablar sobre la muerte, por amor a la vida», escribió la poeta María Velasco. Ese es uno de los exergos que sostienen este singular poemario, casi una monografía en verso que recorre rituales, duelos, geografías y experiencias mortuorias. De la cama del hospital al cristal del tanatorio, del libro de difuntos a la urna con cenizas, de los cadáveres del Ganges a los brujos andinos, de los cráneos coronados de flores a los buitres que devoran la carne putrefacta, de los ataúdes de Ghana a las exequias jazzísticas de Nueva Órleans, de los espectros entrevistos en un cuadro de Munch a las peregrinaciones a cementerios de Mariana Enríquez: el autor de Necrópolis vierte al lenguaje poético interesantes reflexiones sobre un tema universal e inagotable.
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Aullido y otros poemas fue el primer libro de Allen Ginsberg y produjo una gran conmoción. Ya antes de su publicación era un poema famoso: se pasaba de mano en mano o se recitaba a partir de alguno de los cincuenta ejemplares en multicopista que hicieron en la galería Six. En dicha galería de San Francisco, el 7 de octubre de 1955, varios poetas como Gary Snyder, Kenneth Rexroth y Philip Lamantia hicieron una lectura de versos. Ginsberg hizo toda una performance en la que representaba la poesía con cánticos, melopeas, llantos, gritos y lamentos que subrayaban sus versos con los que denunciaba una forma adocenada de vivir y proclamaba un modo nuevo de hacer literatura totalmente sincera y auténtica. Los medios de comunicación se fijaron en él, lo convirtieron en una figura famosa y él aprovechó para promocionar a sus colegas de credo literario: el lanzamiento de la Generación Beat. Aullido es un largo poema que pasa revista a las injusticias de una sociedad acomodada como la norteamericana de la posguerra y protesta airadamente contra los horrores que sufren quienes no compiten por la ficción de una felicidad proclamada oficialmente. Aullido alza una voz distinta que zarandeó las conciencias y que consiguió hacerse oír. El poema se ha traducido a decenas de idiomas y Lawrence Ferlinghetti, el poeta beat que lo publicó en su City Lights Books, declara llevar impresos casi un millón de ejemplares desde que apareciera la primera edición en 1956.
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Entre los poetas de nuestros Siglos de Oro destaca Fray Luis. Profundo conocedor de los clásicos grecolatinos y de los poetas italianos su objetivo fue crear una poesía que pudiera equipararse a la gran poesía humanística. En esta edición cada poema va precedido de una introducción en la que se explica el texto y se encuadra en los géneros humanísticos.
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La poesía de Gerardo Diego se ha caracterizado por su fecunda variedad. En numerosas ocasiones el poeta manifestó su alto concepto de la poesía por su pureza y su libertad. Pureza en su sentido más amplio y nítido y libertad en todos los órdenes de la expresión artística. De ahí su tan traída y llevada versatilidad, que le permitió ser respetuoso cultivador de la tradición y avanzado experimentador y aventurero del futuro, corrientes que mantuvo a lo largo de sus casi setenta años de poeta. Pero por encima de aparentes contradicciones y de las diferencias formales entre su poesía «de creación» y su poesía «de expresión», está un mismo sentido del hecho poético, en el que el impulso vanguardista todo lo impregna con lo avanzado de un lenguaje cuyos recursos originales igualmente advertimos en un poema taurino, en el soneto a una catedral gótica, en la estructura de un libro religioso y en la interpretación de una sinfonía o del inefable arte de tal o cual músico. Un constante anhelo de renovación y búsqueda caracteriza esta poesía en su fecundidad y dilatada permanencia temporal. Así hasta la senectud, en la que con nobleza y serenidad ejemplares sentimos la emoción del poeta, mantenida con vital laboriosidad hasta el último momento, ante los más altos valores: la creación, la fe, el amor, la amistad, la memoria del tiempo pasado y la crecida entereza ante la vejez y la cercana muerte. Tal fue su excelente legado a la poesía española.
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Ausiàs March es uno de los grandes poetas de España en cualquiera de sus lenguas, y seis siglos después suvoz sigue resonando entre nosotros. En la historia de la literatura hispánica destaca como la figura másrepresentativa y conocida antes de Garcilaso de la Vega. Ambos inauguraron lo que actualmente consideramospoesía moderna, pero el valenciano March lo hizo para las letras en lengua catalana un siglo antes, influyendo en Garcilaso y muchos otros poetas posteriores.En sus poemas, que él llama las más de las veces Dictats, se fusionan de forma muy personal ideas,imaginación y un lenguaje nuevo, que dotan a la obrade un sentido global insólito entonces e irrepetibledespués. Hasta nuestros días han llegado un número considerable de copias manuscritas y ediciones del siglo XVI que recopilan una obra muy extensa y variada,más de diez mil versos en ciento veintinueve composiciones, escritas en catalán en su forma valenciana. Esta edición ofrece al lector el texto original de losDictats, acompañados de traducciones en prosa.
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Ángel Petisme (Calatayud, 1961) ha publicado, entre otros, Cosmética y terror (1984), Constelaciones al abrir la nevera (1996), Buenos días colesterol (2000), Demolición del Arco Iris (2008), Cinta transportadora (2009), Poemails. Nuestra venganza es ser felices (2011), La noche 351 (2011), El lujo de la tristeza (2014) y El dinero es un perro que no pide caricias (2016). Su obra poética se reúne en Teoría del color (2006) y su poesía cantada en Canciones. Del corazón a los labios (2012). El faro de Dakar alumbra un viaje emocional por el corazón del continente africano para descubrir la esencia pura de la humanidad.
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María Navarro (Buenos Aires, 1954) reside en España, desde 1965. Licenciada en Filosofía y Letras, psicóloga especialista en psicología clínica, psicoanalista Miembro dela Escuela Lacaniana de psicoanálisis y de la Asociación Mundial de psicoanálisis de
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Surgida entre los desiertos de Arabia y los vallesde la antigua Mesopotamia, la poesía árabe deslumbródesde que las conquistas del islam forjaron un vastoimperio, del Asia Central a al-Ándalus, y extendieron el uso de la lengua árabe en sus territorios. La tradición árabe ha transmitido un registro escrito impresionante del legado clásico, pero hasta tiempos recientes no se ha observado, con nuevos estímulos, una parte del mismo: la poesía compuesta por mujeres, quequizás sorprenda por la cantidad de materia conservada. Gacelas de arena presenta una antología de30 poetas que vivieron, entre los siglos V y XIII, endiversas regiones del mundo árabe de entonces e incluye la traducción de 99 poemas. La muestra es significativa de lo que fue la producción femenina dentro deese marco, y nos invita a contemplar el paisaje a través de otras miradas, a matizar los colores con losque hasta ahora se ha pintado.
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Este libro apuesta por la diversidad poética reuniendo quince voces diferentes entre sí, con diferentes universos y criterios estéticos,incluso diferentes intereses, pero con un incuestionable hilo común: comprometerse y abrir nuevos caminos al hacer poético, lidiarcon el poder de lo intangible e interrogarse sobre la realidad de nuestro mundo, cuestionando su sistema de valores y jugando conla palabra con la seriedad que esta requiere.El resultado final es un libro con un lenguaje potente, bello y poderoso, un libro con muchas lecturas que proporciona la experienciade transitar por otras realidades, otras conciencias, otras verdades. Vayamos, entonces, lentos a su lectura y como dice uno de lospoetas de esta antología «Qué maravilla no tener prisa para asumir que el viento llega tarde a su cita con mi cintura».
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Leer poesía nunca pasará de moda, porque la moda está basada en la poesía. Así como no pasa de moda el amor, la sonrisa o el beso.
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Poesía de profundas inquietudes existenciales sobre los efectos destructores del tiempo y la conciencia de nuestra condición mortal, 'Jardín de invierno' se adentra en el dolor y la dicha inherentes a la vida a través de la experiencia personal de su autora. La estación invernal que arropa el título refleja una madurez existencial capaz de descubrir un universo vital y luminoso en lo transitorio, animado a veces de sensualidad y erotismo, donde el amor ocupa un lugar determinante. En forma de evocación recreadora, de lamento por el destino de las víctimas de una sociedad sumergida en una atmósfera de amenazas y dedesamparo, y en otros momentos a través de la búsqueda de un misterioso y esquivo soplo de permanencia.
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Nuestra lengua, como nuestra postura, se educa desde la infancia hacia la ley del padre, hacia la rectitud, que es lo que nos promete hacernos fuertes y perdurables. ¿Qué pasa, entonces, si el moçito se abandona deliberadamente al goce, si hace de su vocación hacia lo torcido una visión de futuro? [...] Coger de la mano a la familia y sentarla alrededor de una mesa camilla para hablarle açí significa también recuperar el cuerpo y ponerlo en el centro de una casa, en el centro de una celebración, significa ablandar los cimientos de una tradición para jugar con ella, devolverle su porosidad, elegir la alegría de lo difuso frente a la tiranía de lo definido, amar desde la radicalidad de quien imagina detrás de dos ojos dôh azeitunitâ. Ángelo Néstore Los poemas de este libro son como las fotos que se meten debajo del cristal de una mesa camilla, instantáneas aparentemente inocentes que no te cansas de mirar y si te fijas en los detalles, ves que en un segundo plano alguien está bajando una persiana o que en aquella esquina de la cocina hay una piedra gigante y un cuchillo. Violeta Niebla Mesa camiya êh un montón de manô pegaítâ ar brasero, un pueblo bendezío por un mîmmo santo, un campo yeno de limonê y una copliya. Guardâh una familia, recohêh lo que êttaba mucho antê que uno êh a bezê un eherzizio de dêppiohe, como selêzionâh lô frutô de un guerto o bûccâh piedrezitâ en el rebalahe. Êtte poemario êh la unión entre lo que se bibe afuera y lo que ocurre dentro de una casa.
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Luna sin rostro es el libro de poemas más extenso e intenso hasta la fecha de Antonio Rivero Taravillo, un poeta que, por no hacer aspavientos ni seguir modas, ha logrado eso tan difícil, eludir las antologías generacionales porque acaso su tiempo sea el de lo permanente. Su obra se caracteriza por la mirada aguda a los objetos y los procesos, con atención al ritmo y a la imagen audaz, sin la cual aquel adormece. Si el ejercicio de la memoria está al alcance de todos, hacer que esta se haga vívida y se transfigure en los versos está al alcance de pocos. Taravillo lo logra magistralmente.
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Se llama Ternura y está cansada de definir las esquinas de su consentimiento. Lo sabemos por las cartas sin destinatario que escribe desde la soledad de su cama, y que ha decidido recitar en voz alta, ante un auditorio que unas veces la insulta y otras la abraza. Cercada, cada vez más oprimida, Ternura se pregunta por la importancia de la cura a través de la palabra, y por la erótica de quien -aun sabiéndose derrotada- opta por el camino de la reparación. ¿Nos hace libres narrar el dolor propio? ¿Es lícito sentir deseo ante la humillación? Ternura y derrota es el primer acercamiento a la dramaturgia de Luna Miguel, estrenado a finales de 2021 dentro de la programación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, e interpretado por ella. Escrito como una respuesta al dibujo de la feminidad en la Numancia de Miguel de Cervantes, aunque valiéndose de las enseñanzas amorosas y bélicas de Sarah Kane, Pier Paolo Pasolini o Simone Weil, este monólogo puede leerse como una ficción egoísta sobre el poder, como una epístola florida al deseo, como un ensayito atormentado o como un largo poema -así lo comprendemos, así lo recibimos- en la búsqueda incesante del amor.
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Los reinos de allí reúne en el año de su centenario toda la poesía de Carlos Edmundo de Ory (1923-2010), una de las voces más altas y singulares de la lírica española contemporánea: setenta años de creatividad desbordante hecha palabra, desde sus primeras tentativas juveniles a la culminación expresiva de Melos melancolía, pasando por los numerosos poemarios y ciclos librescos que jalonan un itinerario poético marcado por la pasión imaginativa, la búsqueda estética y espiritual, la exuberancia verbal y una sana irreverencia. El resultado es una aventura creadora que no reconoce límites y que enlaza expresamente con las zonas más fértiles de la modernidad -el romanticismo anglo-germánico, el simbolismo visionario, las vanguardias históricas- en su afán por religar palabra y vida. Fruto de largos años de estudio, cotejo y revisión de esta obra, el poeta, profesor y ensayista Jaume Pont nos entrega en este volumen la edición definitiva de la poesía de Ory.
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Francisco Bejarano nació en Jerez en 1945. Ha publicado los libros de poesía Transparencia indebida (1977), Recinto murado (Renacimiento, 1980), Elogio de la piedra (1981), Las tardes (Renacimiento, 1988), Antología (1929-1987) (1990), El regreso (Renacimiento, 2002) y Un juego peligroso (Antología poética 1977-2002) (2011). En prosa es autor de Las estaciones (1998) y Consolación de melancólicos (2000). Ha publicado la recopilación de artículos costumbristas de crítica social La torre de marfil (Renacimiento, 1991) y el ensayo Manual del lector y escritor modernos (Renacimiento, 1999). Por Las tardes obtuvo el Premio Nacional de la Crítica en 1989. Por sus artículos periodísticos ha recibido los premios «Julio Camba» y «José María Pemán». Está incluido en las más importantes antologías de poesía contemporánea y traducido al italiano, francés, inglés y alemán. Aparte de su labor creativa, ha sido director de las revistas literarias Fin de siglo y Contemporáneos.
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Una elegía que explora la obsesión literaria del amor, la memoria, la muerte y la degradación del cuerpo que resiste.Entre el poemario y la novela, entre la prosa y el verso, entre la biografía, la carta, la elegía y la ficción, Raíz dulce juega a situarse siempre sobre una frontera inesperada. Estructurado en torno a una larga historia de amistad truncada por la muerte, este libro recorre dieciséis años de vida y experiencias compartidas, pero también de distancia, soledad y miedo, como si fuera trazando una sinuosa línea de recuerdos sobre la que el lector, arrastrado por la corriente del lenguaje poético, va penetrando en el amor ajeno y la memoria personal. Así, Juan F. Rivero continúa explorando algunas de sus obsesiones literarias: la memoria, el amor, la muerte y la degradación del cuerpo que resiste.
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Llegan a la colección Poesía Portátil los versos de Miguel Hernández, el «gran poeta del pueblo». A la colección Poesía Portátil se suman los versos de Miguel Hernández, uno de los poetas de mayor relevancia en la literatura española del siglo XX. Aunque tradicionalmente se le ha encuadrado en la generación del 36, Miguel Hernández mantuvo una mayor proximidad con la generación anterior hasta el punto de ser considerado por Dámaso Alonso como «genial epígono» de la generación del 27.Un autor imprescindible para trazar los derroteros de la literatura española y fundamental en la biblioteca de todo lector. Esta selección contiene alguno de sus versos más emblemáticos que hablan con simplicidad y elocuencia del amor, la pobreza y la esperanza. «Escribí en el arenallos tres nombres de la vida:vida, muerte, amor. Una ráfaga de mar,tantas claras veces ida,vino y los borró».La crítica ha dicho:«Miguel Hernández cantaba con su voz de bajo y su cantar era como si todos los árboles cantaran. Como si un solo árbol, el árbol de una España naciente y milenaria, empezara a cantar de nuevo sus canciones».Octavio Paz «Recordar a Miguel Hernández, que desapareció en la oscuridad, y recordarlo a plena luz, es un deber de España, un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre los azahares de su dormida tierra».Pablo Neruda «Uno de los más grandes poetas españoles del siglo XX: nos deslumbran la generosidad y la maestría miméticas· la fiesta de metáforas, ritmos y acentuaciones· la lujuria verbal y la cuantiosa cantidad de prestigiosas constelaciones de imágenes».Félix Grande, El País«El poeta necesario».Buero Vallejo «El poeta consumado de la luz, la oscuridad, el alma, el tiempo, la muerte».Willis Barnstone
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En Un tiempo nuestro, Luis García Montero presenta una selección de poemas que abordan la relación entre la vida cotidiana y los temas universales como el amor, el tiempo y la memoria. Los poemas de esta antología, según el autor, están inspirados en una ''conciencia dichosa'' que celebra el acto de leer y el refugio que ofrecen los libros y las bibliotecas. Reflejan las influencias literarias que lo han acompañado desde la infancia y la herencia que lo motivó a buscar su propio camino creativo.En un mundo marcado por la prisa y el consumo, estos versos invitan a valorar un tiempo íntimo y propio, alejado de la urgencia de usar y desechar. Una reflexión sobre la identidad y el lenguaje, destacando la capacidad del ser humano para transformar su experiencia en palabras.
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