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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Un bello diálogo entre la poesía y el arte de una de las poetas más queridas de las letras portuguesas Ágora es uno de los libros más bellos y novedosos de la poesía europea actual. En él, Ana Luísa Amaral recrea un ejercicio cuyo origen se remonta a la Grecia clásica y a los inicios de la literatura europea, la écfrasis: la representación verbal de una figura visual. El libro se compone de treinta y tres obras artísticas y sus respectivas descripciones en forma de poema: una alianza perfecta entre la imagen y la palabra. Las imágenes representan motivos fundamentales del imaginario occidental, como la Anunciación, el Diluvio, Adán y Eva, la resurrección de Lázaro o el Paraíso, en un recorrido por la historia del arte europeo: desde las vasijas griegas del siglo III antes de nuestra era hasta el Impresionismo francés, pasando por el Renacimiento italiano, el Barroco flamenco o el Romanticismo inglés. Los poemas no son una simple descripción de los cuadros, son la actualización de los mitos que han dado lugar a nuestra civilización, una lectura moderna, iluminando aspectos que nunca antes habíamos considerado. Amaral compara esos mitos antiguos con momentos de nuestra historia política actual: los migrantes en el Mediterráneo o en el desierto en busca de una tierra prometida, el naufragio de sus barcas, o la espera de un Paraíso hecho de justicia y paz social. Ágora abre nuevos caminos para la poesía europea, pero también para la comprensión de nuestra historia. «Amaral era capaz de ver el sol en una cebolla y la tempestad en una mujer con un carrito de la compra. Su poesía está atravesada por fuerzas que peleaban entre la sutileza de lo cotidiano y la trascendencia del sentido de la vida. Una poesía del exceso que nacía de su propia manera de andar por el mundo». Tereixa Constela,El País
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Escrius aquest poemari als temps morts de les feines que has anat tenint. Penses els poemes mentre el tupper s'escalfa al microones. Canvies de mètrica, de formes, no vols avorrir-te: fas poesia per a ascensors. Et preguntes si el vers t'apropa al món. Si més gent haurà escrit un email, una ressenya al Google maps o un comentari a un videotutorial del Youtube i també, com tu, ho haurà sentit com una pregària.
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Con la concesión del Premio Nobel en 1995 se reconocía una de las aventuras poéticas más arriesgadas y logradas del siglo xx: la de Seamus Heaney. Su extensa obra abordó el abandono de los enclaves rurales, la difícil adaptación a un entorno urbano cada vez más aséptico, y las presiones que la política (y la violencia) ejercen sobre el hombre contemporáneo. Heaney barajó durante años preparar una selección de sus poemas que fuese representativa de su extensísima obra. Murió sin rematar la selección, pero dejó indicaciones para orientar a sus descendientes. El resultado es 100 poemas, un viaje que va desde las impresionantes descripciones del campo irlandés hasta las últimas meditaciones inspiradas por la sabiduría acumulada durante una vida entera de observaciones y reflexión. Uno de los pocos poetas del siglo xx que merecen el adjetivo de «imprescindible».
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Pablo Neruda, el autor del siglo XX que mejor supo describir el amor, se libera de ataduras y nos entrega su poemario más libre, desnudo y sugerente. Neruda canta a su compañera y musa Matilde, pero también a la naturaleza de un país, Chile, del que tuvo que exiliarse y al que regresó poco antes de la publicación de este libro. El mar, la tierra y las diferentes fases del día evocan estados de ánimo y son los hilos conductores de esta extraordinaria declaración de amor. Una muestra del inabarcable talento de Neruda y una obra maestra de la lírica en lengua española.
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La vida és un vaivé constant d'anades i vingudes, de perdre's i trobar-se. De migrar. De trepitjar indrets aparentment senzills però que deixen rastre. De la mà de Mercè Duran, passejarem per un laberint fet de paraules d'una gran contundència expressiva i capacitat evocadora i traçarem camins fets de regalims, bòlids, volves i un foc rogent que ho inunda tot.
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Si la poesía es la resistencia, ¿qué pasa cuando la dictadura viene de la poesía misma? Bitácora de Amor o de Guerra plantea una respuesta a este interrogante.¿Qué ocurriría si, a diferencia de lo que plantea 1984 y Un mundo feliz y Black Mirror, el eje de un futuro distópico no girara en torno al dominio de una clase o potencia opresora, o de una tecnología que se sale de control, sino en torno a la disputa por la poesía?Bitácora de amor o de guerra es una apuesta innovadora y que refresca los tópicos poéticos contemporáneos con una historia de amor que se presenta en un contexto de caos social, generado por la pugna entre las distintas corrientes estéticas que se disputan el canon de la poesía mundial.Una reflexión sobre la poesía, sus temas, sus motivaciones, sus alcances, su pasado y su futuro, la pervivencia de clasicismos y de vanguardias, luego de cuya lectura, todos los amantes de la poesía terminarán, quieran o no, tomando partido. Y donde se responde a la pregunta: ¿qué pasará con la poesía después de la muerte de lo poético?«No falta quien en esto vea el fin del mundo otros, optimistas, el comienzo.»
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Obra poética completa recoge la producción lírica, tanto en verso como en prosa, de una de las figuras cruciales de la cultura occidental. En Charles Baudelaire, lejos de una escritura bucólica y pastoril en la que se ensalzan y elevan las pasiones más puras, el bien o la belleza, nos adentramos en una atmósfera en la que germinan y proliferan la desesperación y la depravación de la humanidad.Con su «ofensa moral», nuestro intempestivo autor desvela que en el pecho de la modernidad florece un corazón maldito. La voz de Baudelaire supone la confesión más rotunda de una vida incontestablemente humana en un nuevo mundo que surgía, de modo que sus escritos y su propia biografía, enredados e indiscernibles, devuelven a la superficie las profundas raíces de la modernidad.Cualquier intento de disociar esta ambigua relación entre época, œuvre y vie genera oscuridades que conducen a falsas interpretaciones del poète maudit y que distorsionan la esencia de la bohemia parisina, punto de inflexión de la futura vanguardia.
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Esta es la autobiografía inédita de Margarita Alexandre, española pionera en la dirección de cine durante la dictadura franquista y la Revolución cubana. Margarita dejó como testimonio de vida una decena de películas como actriz y otras tantas como productora, directora y guionista. Sin embargo, fue esta obra autobiográfica el fruto al que más tiempo dedicó. Desde que yo tengo memoria de ella, pasaba los días y las noches frente al ordenador, intentando sacar, ordenar y transmitir todas las vivencias que aquí se relatan. A pesar de las dudas que siempre mantuvo acerca de la validez de estos textos, hoy los presentamos aquí con la convicción de que el lector encontrará en ellos una valiosa experiencia de vida y una visión, cuyo ejemplo quizás lo mueva e incite a afrontar la vida y sus dificultades con plena libertad. MARGARITA ALEXANDRE (León, 1923-Madrid, 2015) fue una actriz, directora y productora de cine y teatro española. Hija de padre francés y madre portorriqueña, los primeros años de su vida transcurren en Madrid hasta el estallido de la Guerra Civil, momento en el que se ve obligada a refugiarse en Valencia junto a su madre y sus hermanas. Con dieciocho años consigue su primer papel como actriz en la película Tierra y cielo (1941). Durante el rodaje de Puebla de las mujeres (1952) conocerá al que será su pareja durante muchos años, el crítico de cine Rafael Torrecilla, con quien funda la productora cinematográfica Altamira Films. Juntos dirigirán y producirán las películas Cristo (1953), La ciudad perdida (1954) y La gata (1955), entre otras. En 1959 deciden marchar a México para unirse a la colonia cinematográfica de exiliados republicanos. País en el que no llegan a desembarcar, pues durante la espera de los visados en Nueva York, conocen al director mexicano Manuel Barbachano Ponce, a quien deciden acompañar a Cuba donde acaba de triunfar la Revolución de Fidel Castro. Lo que en principio iba a ser un viaje corto a la isla, terminó por alargarse más de quince años, durante los cuales Margarita trabajó para el recién fundado ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos) y el Teatro Musical de La Habana.
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Poemario de la reconocida autora Rita Dove¿Para qué apocalipsis son estas canciones? No para un único juicio final e irrevocable, sino para nuestros apocalipsis cotidianos: la repetición del error de los hombres, la injusticia, la enfermedad y, en palabras de la poeta, ‟la belleza y la miseria que ha sido la historia de los Estados Unidos”. Miseria, porque la llevamos escrita en los genes. Belleza, porque es a través del poema que sobrevivimos a aquella. Con mano maestra, Rita Dove nos lleva de elegía en elegía a recobrar a los eliminados por los siglos, a ponernos en pie para testificar la vida, y a decirnos que el camino de la miseria a la belleza es la esperanza, y que ésta se recorre entonando las lágrimas.Canciones para el apocalipsis es una banda sonora ideal para nuestro presente: atroz y sublime, con dolor y con futuro.
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Terrenal, tangible y vehemente, este poemario hablado en voz lírica, nos lleva a través de la desnudez de sus silencios por una vereda de pasiones y recuerdos, en los que cada palabra tiene su tiempo y su espacio. Estos garabatos emocionales nos llevarán a las visiones más íntimas de la autora en tres escenarios distintos: el más individualista, el de la soledad, el más intrínseco, el del miedo, y uno más consciente, el de sus paseos entre portales.
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Teniu a les mans una nova fita en la celebrada trajectòria poètica de Feliu Formosa. _El temps sofert_ conté dos llibres: el fulgor poètic de _Sovint el somni_ i la recomposició existencial dels _Haikus de convalescència_. D'una banda, una vintena de poemes lluminosos que són una festa de la imaginació literària i, de l'altra, una _suite_ de trenta-cinc haikus magistrals, amb el relat d'un conflicte moral carregat d'humanitat. Així, _El temps sofert_ esdevé, alhora, un sol llibre sobre la vida i sobre la capacitat ?o sobre la necessitat ineludible? de resistir. L'adjectiu 'sofert' autoritza dues hipòtesis, però sobretot posa al damunt de la taula la tercera opció: fer indissociables l'_haver sofert_ i el _ser sofert_. És la moral del coratge, però no la del coratge cec, sinó la de la valentia de qui gosa combatre per reconstruir ?sense autoenganys? una enteresa fràgil. Valentia, i bellesa.
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Eduard Olesti, una nova veu poètica que és tota una revelació. Premi Ausiàs March 2023.El jurat ha valorat especialment la força imaginativa dels poemes, el to vindicatiu del conjunt i la potència d'una veu poètica que no s'encalla en el que és privatiu d'un individu aïllat, sinó que assumeix a plena consciència una alta càrrega generacional.
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Una obra como la de Aleš Šteger muestra que su excepcionalidad reside en el haber hecho una opción de lenguaje en una época en que el lenguaje agoniza. Y es paradojalmente esa agonía del lenguaje la que le otorga a El libro de las cosas y los cuerpos su desvelada consistencia. Su contrapunto es el triunfo absoluto del idioma del capital, esto es, del publicitario donde ninguna palabra nombra lo que nombra ni ninguna frase dice lo que dice ni ninguna imagen muestra lo que muestra (…). Entiendo entonces como en un sueño que la poesía es la última forma que toma la bondad para evitar ser destrozada. Un segundo antes de ser triturados por las bombas o ahogados por el volcamiento de las balsas en el Mediterráneo o ser descuartizados como los 43 estudiantes de Ayotzinapa, la poesía ocupa por un instante toda la superficie de la tierra. Antes de morir un cuerpo se transforma en un poema, después muere. Creo que ese es uno de los significados de El libro de las cosas y los cuerpos. Lo que lo hace un libro esencial dentro de una obra esencial es que está escrito entre las palabras y el aliento que las va formando.
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Pedro López Lara (Madrid, 1963) realizó la carrera de Filología Hispánica, a cuyo término cursó los estudios de Doctorado. Ha publicado numerosos artículos y reseñas sobre temas literarios, así como manuales didácticos de Lengua y Literatura. En 2020 fue galardonado con el Premio Rafael Morales. El poemario premiado, Destiempo, se publicó en 2021, año en que obtuvo el Premio Ciudad de Alcalá de Poesía por la obra Museo (publicada en 2022). Ha sido asimismo finalista de los premios Ciudad de Badajoz, Hermanos Argensola, Tomás Morales, Lorenzo Gomis y Juan Ramón Jiménez. Y ha participado en las antologías Laberinto breve de la imaginación (2021) y Cerca de Hierro (2022). Otros poemarios suyos publicados son Meandros (2021), Dársena (2022), Escombros (2022), Filacterias (2023) e Iconos (2023).
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Narradora, ensayista, articulista, dramaturga... y poeta. Una antología —en edición ampliada— que reúne los mejores versos de Emilia Pardo Bazán.En uno de sus versos apelaba Emilia Pardo Bazán a «las frases frágiles que grabé un día», y a las que en otro día futuro regresará, si es que perviven, esas «frases frágiles» eran versos que fijaban un recuerdo, que atrapaban un instante para conservarlo cuando fallase la memoria. Sus poemas los abordaba Pardo Bazán desde la conciencia del tiempo, que marca nuestras biografías pero que siempre pasa, se nos escapa, nos convierte en otras personas bien distintas, también mirando hacia la realidad, y en la realidad caben la vida y el paisaje, la ciencia y la escritura misma.Las frases frágiles incluye poemas escritos fundamentalmente durante las primeras décadas de vida de Emilia Pardo Bazán, desde su adolescencia hasta el triunfo como novelista, y sobresale entre ellos una obra completa: Jaime, el poemario que dedicó a su hijo mayor, uno de los testimonios más honestos —y pioneros— sobre la maternidad de cuantos ofrece nuestra literatura.La nueva edición de esta antología presenta algunas incorporaciones con respecto a la anterior: no solo incluye más poemas, ensanchando la mirada cronológica y temática de la propuesta inicial, sino que añade un prólogo —a cargo de la escritora y editora Elena Medel, responsable de la selección— que sitúa la escritura poética de Emilia Pardo Bazán en su producción, y en el contexto de su tiempo. Una celebración de los textos menos conocidos de una de las grandes voces de la literatura europea de entresiglos.
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Dels poemes escrits entre el 2007 i el 2023Camp Pervers és fruit d'un dietari poètic de David Castillo que va del 2007 al 2023. S'hi recullen poemes dits en recitals i concerts o enregistrats a les xarxes, que mai no s'havien publicat en forma de llibre. Com si fossin notes d'un quadern de bitàcola d'un temps confús. Els poemes de Camp Pervers expressen la fi de moltes il·lusions i fan una aposta pel present com un antídot contra les envestides del temps. Castillo no defuig mai la cruesa en les referències al sexe, als sentiments més íntims o al món que ens envolta.
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Es un poema de amor si el lenguaje lo permitiera, si la persona que ama y escribe pudiera salirse de su espantosa manía de la exégesis, pero el mundo, que suena con su murmullo atiborrante de significados, anda disparando consignas y la contradicción consciente de estar y de ponerse frente al mundo se suple con la teatralidad, con el arte de vivir por encima del abismo, con volver a recuperar ese sencillo lenguaje en el intento de besarse. Elizabeth Duval nos da esa interpretación que surge en el instante mismo de ser consciente de querer con todo su aparataje, con todas sus contradicciones, porque la irreverencia también forma parte de los cuerpos que se reconocen, se hacen frágiles en el uno, se encuentran y empiezan a musitarse la línea delicada de atraer-retroceder ante el abismo. Quien lo probó, lo sabe.
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Con The basement tapes, cuyo título rinde homenaje al disco que Bob Dylan grabó en un sótano durante la convalecencia de un accidente de motocicleta, Jaime Rodríguez Z. traza un universo de referencias pop no exento de humor (como ya sucedía en su anterior poemario, Canción de Vic Morrow. Ed.Trea), esta vez anclado a un tiempo real y político, el Madrid de los años 10. “Y pensé que finalmente estaba ocurriendo aquello / la transformación / pero las voces / su sonido / para mí indistinguible / de lo oscuro. // Aquellos cuervos // ¿Qué hubiera sido / si llegábamos al entendimiento?”.
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Els poemes de Collins ens revelen allò que tenen d'extraordinari els petits moments banals i quotidians. Al llarg del llibre acompanyem el poeta a passejar un gos d'edat impossible, a prendre un te tot divagant sobre les màximes confucianes, a fer la llista de la compra amb la llista dels amics morts, a descobrir una aranya irlandesa o fins i tot a assistir al seu propi funeral. Com ja ens té acostumats, totes les epifanies i reflexions són plenes d'humor, enginy i saviesa i travessades d'una profunda consciència de la fugacitat i de la inevitable finitud de la vida.
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Claude Beausoleil (Montreal, 1948) és un dels noms més destacats de la nova poesia del Quebec -la posterior a la ruptura dels 70. És autor d'una trentena de llibres, entre els quals destaca _Gran hotel d'estrangers_, que ha estat traduït a diverses llengües. El motiu generador de la veu lírica de Beausoleil és la ciutat, que ell pren com a metàfora per experimentar el món i la solitud de l'home urbà: la verticalitat dels edificis, l'horitzontalitat dels carrers, la duresa de la nit, el menyspreu per l'altre, per l'estranger.... I li serveix, també, per explicar la situació cultural quebequesa i la seva singularitat.
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Athena Farrokhzad y Svetlana Cârstean se conocieron en 2012 durante un taller de traducción de poesía en Estocolmo. La afinidad personal y literaria que descubrieron entonces las llevó a traducirse mutuamente. Aunque con una peculiaridad: ni Cârstean sabe sueco ni Farrokhzad sabe rumano. Así, el proceso de traducción tuvo que convertirse en un nuevo proceso de creación conjunta.
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La poeta Marta Soliño ficha por Lunwerg para su tercera obra (la primera ilustrada): un libro que combina poesía, reflexiones y aforismos y que habla del amor propio, la necesidad del autocuidado y los pequeños placeres cotidianos. Siempre que estoy a punto de conocerme es un manifiesto a favor de los placeres sencillos, un acto de autoafirmación y el libro más profundo y personal de Marta Soliño (@maledimiele). Un poemario que incluye reflexiones y aforismos, en el que se muestra sin máscaras ni personajes. La vida en transición, caminar en dirección contraria, sentir el eco de algunas ausencias, pero también celebrar los sonidos, colores y momentos felices de cada día. Su caligrafía y las diferentes fotografías (algunas extraídas de su álbum personal) completan una obra coral y madura, como un diario que recupera la memoria familiar, danza con el paso del tiempo y propone disfrutar de la espera, el paisaje y las relaciones personales para recuperar la calidez de las cosas cotidianas.
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Premi Miquel de Palol 2023I mentrestant, anem a les palpentes,riu amunt on l’afrau guarda silenci:aquella veu callada que ens recordael ser del temps que passa sense treva.
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Cuando estamos en medio de la fiesta y han cortado el pastel, en lo más alto, pienso en que este momento no va a durarnos nada. Mientras el anfitrión reparte platos de una tarta grandísima, yo me detengo. Y miro a cada niño, a cada padre, y me veo a mí: nos veo, papá, nos veo. Me detengo a pensar en que hace un rato estábamos soplando tranquilos a las velas y ya nadie se acuerda, supongo que era esto el carpe diem. Otra parte de mí, como un desdoblamiento, me insiste en agarrar mi trozo de tarta y no pensar, entonces cojo la cuchara y muerdo un pedazo y cuando me doy cuenta han pasado diez años y escribo este poema. ''Quién lo diría'', de Félix Moyano. Félix Moyano (Córdoba, 1993) ha publicado Insostenible (II Premio Valparaíso de Poesía, Valparaíso Ediciones, 2017), Los amores autómatas (XXXIV Premio Andaluz de Poesía «Villa de Peligros», Diputación de Granada, 2019) y La deuda prometida (Accésit de la 75.ª edición del Premio Adonáis de Poesía, Rialp, 2022). Ha sido incluido en las antologías Algo se ha movido: 25 jóvenes poetas andaluces (Esdrújula, 2018), Piel Fina. Poesía joven española (Maremágnum, 2019), Antología de las mejores poesías de amor en lengua española (ed. Luis María Anson, 2020), Cuando dejó de llover: 50 poéticas recién cortadas (Sloper, 2021) y Prohibido fijar carteles: 30 poetas sin tierra (PUCE, 2022), entre otras.
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ÉS UNA REFLEXIÓ SOBRE LA VIDA, LA VIDA COM A VIATGE, COM A CAMÍ I COM A EXPERIÈNCIA ESPIRITUAL _Vell camí de l'esperit_ és un llibre de poemes que parla d'espiritualitat. D'una vivència espiritual: la vida. La vida com a experiència, la vida com a viatge, la vida com a camí. Per això, les coses viscudes no són purament fets (fets objectivables, que es poden fotografiar i enganxar en un àlbum), sinó que cada experiència ve matisada i ampliada per la llum de l'ànima. Sense aquesta llum, sense aquesta extensió intrínseca de l'ésser, l'experiència no seria completa. Cal la poesia per poder donar sentit ple a l'experiència vital. Així, la poesia no és només relat intel·lectualitzat, sinó un ritme, una música que mira més enllà de la matèria. I també és un llenguatge que engalza i lliga el visible i l'invisible, com un gran microscopi de l'ànima, i mira d'aportar sentit a la vida: al cos, a l'ésser i, en tant que suma de somnis i voluntats, a la nació completa.
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Existen zonas en las que la voz ajena y la voz interior coinciden. Es lo que viene explorando Canteli en sus últimos libros. El oído del poeta selecciona sus materiales: voces oídas aquí y allá, palabras leídas más allá, textos que circulan por tantas interfaces. A lo largo de un año, Canteli seleccionó algunas de esas voces, que resonaban con las suyas, y las anotó en el calendario. A lo largo del año, las fotografió y publicó. ¿Un diario de qué? Aparecen ahora remezcladas, amasadas por el oído propio, por la voz interior. Nuestro oído no puede distinguir las voces. A tal punto se confunden, día a día, lo exterior y lo interior. Lo más íntimo resulta ser lo más extraño. año* prosigue su recorrido con otros años, años duros, de pandemias y otros males, que se registran de manera compleja. Ni relato ni testimonio, más bien una voz íntima que se observa a sí misma como si de una tercera persona se tratara, que todo lo ve desde fuera, marcada por el deseo y el dolor. La voz de Canteli vuelve, aunque no es la misma de hace unos años. Se le escucha en las repeticiones que, como letanías, marcan un deseo que insiste, insiste.
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Un error, les fulles, l'udol és una mirada discreta al passat, als records, als fets que marquen una vida i s'acaben convertint en un udol mut que es va repetint amb treves o sense. També és la suma d'aquells detalls petits que s'escolen en el dia a dia i que s'acaben convertint en representacions sòlides del tot, en aquelles fulles que voleien sense ordre per anar omplint els buits, per equilibrar el pes dels errors i el balanç d'una globalitat que continua més enllà de qualsevol consideració pràctica o anímica que siguem capaços d'establir.
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José Luis López Bretones formula en este libro la necesidad de averiguarse, de conocerse, de dar respuesta a las preguntas de la vida y compartirlas con sus lectores.Ningún título podría definir mejor el espíritu de este libro: Otra vez la poesía, porque esta vuelve a nosotros queramos o no y ocupa de nuevo ese espacio que el autor creía deshabitado después de los veinte años transcurridos desde la publicación de su último poemario. La poesía regresa con poemas escritos durante ese largo período, y el poeta regresa también con los temas que siempre han hallado un lugar importante en su obra: la indagación en la palabra poética, el tiempo y cómo este afecta a la nuestra propia identidad, al amor o al modo en que percibimos la realidad que nos rodea.
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Mujer varada. La rebelión de la espera nos invita a un viaje íntimo a través de la complejidad de la vida.Mujer varada. La rebelión de la espera nos sumerge en la ambivalencia de nuestra identidad, desde los momentos de calma hasta los desafíos de la transformación y la adaptación. A través de poemas que nos hacen sentir como si estuviéramos en casa, en nuestra mente, nos enfrentamos a la vulnerabilidad emocional y, en esa debilidad, encontramos una inaudita fuerza ante las adversidades. Nos recuerda que somos parte de un tejido interconectado, donde la solidaridad y la acción colectiva son fundamentales para encontrar significado y pertenencia en un mundo en constante cambio y desafío.
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Este poemario constituye la crónica de Pedro Andreu desde el momento de su diagnóstico de Esclerosis Lateral Amiotrófica(ELA) hasta el punto de no retorno. Un puñado de versos de amor, dolor, memoria y muerte en los que emerge, sobre todas las cosas, el acto poético como forma de encarar y asumir la existencia. Andreu se enfrenta a su destino con sus armas y útiles más preciados: su lengua materna, su imaginación, su capacidad de trabajo, su conciencia, sus dotes de observación, su impresionante lucidez. Si en ocasiones anteriores Pedro nos transportó a mundos oníricos, lejanos o improbables fuera de la imaginación, con esta obra, escrita mientras miraba a la muerte de frente, nos descubre su entorno más real y desde allí nos conduce hasta el corazón frágil y frío de la más pura belleza.
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Jaime Siles (Valencia, 1951) es catedrático emérito de Filología Latina de la Universi¬dad de Valencia. Sus libros han merecido el Premio Ocnos (1973), el Premio de la Crí¬tica (1983), el Premio Loewe (1989), el Pre¬mio Generación del 27 (1998) y el Premio Jaime Gil de Biedma (2018). También ha recibido el Premio Teresa de Ávila (2003), el Premio de las Letras Valencianas (2004) y el Premio Andrés Bello (2017), estos tres por el conjunto de su obra. Este nuevo libro de Jaime Siles, Doble fon¬do, ahonda en la línea de su pensamiento y profundiza en su sistema de dicción, a los que añade e incorpora un abanico de núcleos temáticos, todos ellos interrelacionados entre sí, en torno a los que la poética existencial de su autor traza y teje una lúcida y rigurosa reflexión sobre el Ser del Tiempo, del Yo y del Poema, la na¬turaleza del signo, la reverberación de la memoria y los espectros de la identidad. Poesía, pues, de conocimiento, en la que los recursos del lenguaje son tensados hasta el máximo de sus posibilidades y en la que los límites entre poesía y filosofía, sin confundirse, se llegan a identificar.
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Jaime Ferrán (1928-2016) fue un poeta de la Generación del 50 y de la llamada Escuela de Barcelona. A partir de los años sesenta se va a vivir a Estados Unidos en donde será catedrático de Literatura Española en la Universidad de Siracusa. Mientras tú duermes, libro póstumo, mantiene una estrecha relación con Libro de horas (2008), poemario dedicado a Carmen, su difunta esposa. Pero en Mientras tú duermes el proceso del duelo es distinto. El autor se inventa una manera psicológica de estar con la amada: ella no está muerta, sino que simplemente duerme. De esta manera, puede contarle sus experiencias y vivencias, y hacer un repaso a la vida que tuvieron juntos.
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Premio Rubén Darío (Ciudad de Palma) de Poesía en Castellano 2023 a la obra Danzas de sombras, de Jesús Aguilar Marina.Poemario ganador del Premio Rubén Darío (Ciudad de Palma) en su edición de 2024Valoración del Jurado«Danzas de sombras es un poemario sólido, de estilo clásico, cuyo autor demuestra una honda cultura bien asimilada y una gran sensibilidad artística y filosófica. Es un libro con una personal interpretación de un mundo mito-poético y anécdotas históricas con referencias al antiguo Egipto y repleto de imágenes visionarias, que pone al servicio de la desolación y el desamparo existencial, pero también del brillo fugaz del amor».
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En este libro Benjamín Santiago presenta su experiencia como hombre trans en forma de versos lúcidos y conmovedores. El ''nombre muerto'' del título narra el renacer del joven autor, capaz de desafiar tabúes culturales con una fuerza poética luminosa y delicada. ''El libro de poemas de Benjamín ha tenido que esperar a que le salga a él la barba y le cambie la voz para salir al mundo. [...] Este libro empieza con una trenza dentro de una caja y termina dando un volantazo. Este libro es una pancarta gigante activista. Este libro es un manifiesto. Una terapia de grupo. Un manual. Un libro de instrucciones. Un diario. Pero también es un baño público, un agente de tráfico haciéndote una señal que no sabes si significa que quiere avances o te detengas. Este libro es un probador. Un bildungsroman, un poemario de aprendizaje''. [Del prólogo de Violeta Niebla]
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Un libro sobre el horror y los secretos inconfesables, por el que circulan todo tipo de personajes extremos: toda una Internacional de alcohólicos, pederastas y maltratadores. Pese a todo, ni la morbidez del tema ni la repulsión del juego deben distraernos de la sustancia: este libro es una auténtica hazaña poética, construida sobre la musicalidad, la digresión y el trabajo interminable de voces.
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En 1927, Lorca publica, en la mítica revista Litoral, su obra Canciones (1921-1924). Libro en el que recoge ochenta y nueve poemas agrupados bajo once apartados: Teorías, Nocturnos de la ventana, Canciones para niños, Andaluzas, Tres retratos con sombra, Juegos, Canciones de luna, Eros con bastón, Trasmundo, Amor y Canciones para terminar. Composiciones breves en forma de canción y romance, de acento popular y exaltación del folklore, todo un universo que anticipaba la publicación, un año más tarde, del Romancero gitano. Reproducimos aquí el ejemplar de esa primera edición conservado en el Legado Dámaso Alonso, con signatura BA IV-6-6-13, que custodia la Real Academia Española. El volumen, regalo de Federico García Lorca, lleva una dedicatoria autógrafa en la que se lee: «A mi querido amigo el gran poeta Dámaso Alonso de su compañerito Federico. Granada 1928. (¡Muera Erasmo!)» Contaba Dámaso Alonso, en entrevista a Soler Serrano, cómo Federico, a menudo, le ins taba: «Tienes que dedicarte completamente a la poesía y únicamente a la poesía y dejar ese Centro de Estudios Históricos que te está arruinando la vida, y en uno de sus dibujos [de las dedicatorias], aparece el Centro de Estudios Históricos con una reja como si fuera la prisión en donde se estaba consumiendo mi vida». Dámaso Alonso, en aquel 1928, preparaba para el Centro de Estudios Históricos, su edición de El Enquiridion de Erasmo y el ensayo El crepúsculo de Erasmo cuando recibió el ejemplar de las Canciones en la que García Lorca volvía a incidir en la idea anterior con una nueva dedicatoria que acababa en un contundente «(¡Muera Erasmo!)», esa exclamación plasmaba de nuevo la idea de ruptura con la filología en favor de la poesía y la emoción.
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