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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Un libro poético que te atrapa en su profundidad.El artista Fito Conesa ha creado una ilustración en forma de partitura recreando una melodía compleja que refleja el ritmo y el sentido de los versos de Garcerá.Te hablaré, Egwyddor, de las plagas. A ti no te llamarán corrosión hedor ácido, van a relegarte al espacio enmohecido detrás de las bañeras. Si pueden, harán de ti una deidad del lodo dirán de quienes te soñamos que somos del lodo. Las plagas no dormitan en invierno pero temen al frío. Las plagas adoran el verano. Si no se muestran frente a ti en su fuerza es porque son erradicadas.¿Cuál fue nuestro fruto?
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Hay libros que llevan un reloj interior, una invitación a entrar en otro tiempo, eso sucede en Una clase de escritura, entramos en un tiempo extrañamente cotidiano, que suene solo / por dentro.Una escritura povera hecha con versos pequeños,pues cada palabra / se ve, / se toca, / se puede probar.Palabras que al bailar se convierten en materia, que pasan de materia a imagen, y luego vuelven a ser palabras, casi sin que nos demos cuenta, enun espacio, / que pueda ser una medida.Baile, deseo, es decir, aire. Aire de pensamiento que busca hacer un sentido-río hacia algún lugar. Avanzamos escuchando sonidos sencillos, conmovedoramente sencillos,hola, sí, ey, / ¿funciona?, no funciona, / probando uno, dos, tres…Y la forma, la estructura, la sintaxis, también aparentemente sencillas, hacen que ocurran ideas complejas, sombrías, desternillantes, ideas que te traspasan y te dan un poco la vuelta y que siempre dejan un hueco, algo imposible de rellenar. Ese hueco se alarga, como un túnel, se alarga y discurre poema a poema. ¿Habla el libro de ese hueco?estos apuntes / y notas sueltas / quiero que sean así: / que al pasar / a su lado, / distraída, / al menos ladren
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Si barroco es lo que se desborda afuera para enroscarse íntimo, ese movimiento es una estrategia para decirse a sí mismo. Ya nada se dice a sí mismo. El desborde del mundo –incluida la estrategia capitalista del despojo– fue tal que esa mismidad ya trae consigo varias vueltas de tuerca. Pero en la poesía de Reynaldo Jiménez sí: es un movimiento de desaparición para crear una intimidad completa. Claro que, avisado por Leibniz-Deleuze, hay un pliegue, una dobladura que es también aviso de salto: aquello permanece agazapado, latente, listo para el zarpazo –o menos bestia: para zarpar del puerto de Buenos Aires al siempre imposible Mar de Los Sargazos. Poesía que no amenace ya no recuerda que es poesía. No sólo que se defienda. Que amenace más allá de todo amén o así sea una memoria de un origen que nunca fue –se crea un origen tan ficticio en poesía que la materia salta feliz.Eduardo Milán
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El koyagire es un manuscrito de extraordinaria importancia en la historia de la escritura y la literatura japonesas, pues es uno delos mejores y más bellos modelos de kana renmen (escritura de más de dos caracteres seguidos), en el que se alcanza la máxi
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Una carta a la hija que nace, y nacen con ella los miedos y el peligro, y una carta a los hijos que no llegan a nacer, y su ausencia que nos acompaña. Una carta a la hija que nace, y nacen con ella los miedos y el peligro, y una carta a los hijos que no llegan a nacer, y su ausencia que nos acompaña. Lo cuenta Almudena Vidorreta: «Verás en cuanto salgas / adentro de la selva por mi herida / que conviene entrenarse en fortaleza, / león, marmota, avión y caramelo». Y nos advierte que la selva es el mundo, y que el cuerpo se transforma, se quiebra y fortalece, recoge las huellas de lo que ha sucedido, nos las muestra.La cicatriz de la selva contiene muchos libros posibles. Recorre lugares -Nueva York, La Habana, varias ciudades argentinas, Madrid- mientras la voz poética transita varias etapas de la maternidad. El nacimiento de la primera hija, la esperanza y también la conciencia de la fragilidad, la enfermedad, y luego los siguientes embarazos, el aborto espontáneo, el dolor yla sensación de que la vida no concede una pausa. La madre que empieza a ser madre, que aprende a serlo cuando ya lo es, y que refl exiona sobre cómo brindar cuidado y protección cuando ella misma también los necesita.De Almudena Vidorreta ya conocíamos su escritura elegante y precisa, pura imagen y pura música, consciente de la tradición en la que se integra, la de un idioma con sus dos orillas, y conocíamos también su apuesta por una poética que desde la intimidad nos explica el mundo, porque aunque vivamos diferente sentimos parecido. Y ahora nos entrega La cicatriz de la selva, capaz de la sonrisa como defensa, de la fascinación por lo que se descubre, a la vez de la crudeza. En estos poemas hay palabra y hay cuerpo. Hay miedo y vida, muerte y vida, lo que existe porque se nombra, lo que existe porque se empeñan la memoria y el poema. El mejor de sus libros: una obra valiente, estremecedora, sobre la maternidad, y sus sombras, y sus luces.
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Pilar Pardo vive en Jerez de la Frontera. Escribe desde siempre, y su encuentro con el poeta José Mateos fue decisivo para decidirse a publicar: Temporada de fresas (2009) y Mirador (2013) son sus dos libros de poemas hasta la fecha. También ha colaborado en revistas literarias y en antologías como Tu sangre en mis venas (2017) o Maternidad (2024), ambas en Renacimiento.Obediencia es el tercer libro de Pilar Pardo, como nueva incursión en los poemas concebidos como música hecha con palabras, canción que hace posible, a la vez, la exploración del mundo y de la naturaleza como vida compartida, y como reflejo del viaje hacia el interior de uno mismo y a sus espacios infinitos.''Un libro que inunda a quien lo lee de amor y silencio'' José Mateos.
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Ofici de ventades noves és un nou poemari que veu la llum en un temps de pandèmia, assedegat i exigu, entre veus de dolor i absència.
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Percy Bysshe Shelley (1792-1822) fue, junto con Coleridge, Wordsworth, Keats y Byron, uno de los cinco grandes autores del romanticismo inglés. Perteneciente a la segunda generación del movimiento, buscó, en la estela de Coleridge, una poesía que explotase al máximo el poder simbólico de la imaginación, abogando por el lenguaje sonoro y de gran fuerza literaria que situó algunas de sus composiciones entre los clásicos indiscutibles de la poesía europea. El ''Prometeo liberado'' (junto con ''Adonais'', la hermosísima elegía dedicada en su muerte a su rival estético, John Keats) supuso la más alta creación simbólica de Shelley. Escrito ante las ruinas romanas de Caracalla en 1819, se trata de un poema dramático dividido en cuatro actos, y constituye un alegato alegórico en favor de la libertad, que era para el poeta el principal valor del mundo y los seres humanos.
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L’obra de Hafez de Xiraz és universalment considerada com un dels cims de la poesia persa i, fins avui dia, els seus poemes són cantats i celebrats com a part essencial d’un llegat literari que ha exercit la seva influència fins a la nostra època de manera ininterrompuda.Hafez és, per damunt de tot, el tacte de la bellesa. La seva poesia aboca el lector a un món d’una delicadesa,d’una sensualitat i d’un misticisme difícilment igualables. Elements com el vi, la rosa, el vent, la vinatera, la taverna, el puput, el cérvol, la candela, la copa, l’amant, el rossinyol, el verger, el cor, el tirabuixó, les aromes, l’amada, el xiprer i la perla són algunes de les imatges que apareixen i desapareixen al llarg dels poemes de Hafez i que irradien una senzillesa i una complexitat encisadores, i evoquen una riquesa de matisos i un misteri vorer d’allò més inefable.L'edició d'aquest llibre, així com la versió catalana dels poemes de Hafez són a cura del també poeta Pere Suau.
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Publicada por primera vez en 1888, Azul inaugura una etapa en la poesía hispanoamericana marcada por la búsqueda de la perfección formal y la renovación del lenguaje.Se trata de uno de los títulos más reconocidos del escritor, periodista y diplomático nicaragüense Rubén Darío (1867-1916), considerado el poeta más importante del modernismo literario en la lengua española.Sus páginas comparten cuentos y poemas que nos transportan a un mundo que mezcla belleza y fantasía, princesas, pájaros, joyas, flores y música… con notas de primor, pero también de dolor y desencanto.Azul es un libro para disfrutar de la riqueza y de su magia, para ser leído y releído cada vez con más deleite.
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«Aquest poema és fet de la parla de la gent que viu i treballa al Dart. Durant els darrers dos anys he estat enregistrant converses amb gent que coneix el riu. He fet servir aquests enregistraments com a models de vida per esbossar-ne els personatges, entrelligant-ne les veus per fer un mapa sonor del riu, una línia cantada des de la deu fins al mar».Oswald es va proposar transformar la veu del riu Dart a l'anglès a través de la manera com parlen els seus veïns. L’idioma d’aquestes veus no oculta la font original, que pretén modelar a l’anglès. Els versos i els ritmes de la seva parla tenen la sintaxi del riu: tensen els límits de les frases angleses a mesura que s’acosten a la parla del Dart. La poeta és una traductora humana de patrons de so inhumans, i empeny el llenguatge cap als seus orígens onomatopoètics.
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Ediciones Xerais
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Los poetas de Resistencia exploran temas como el feminismo, la homosexualidad, las sociedades indígenas, la ecología, junto con protestas históricamente destacadas contra el imperialismo, las dictaduras y la desigualdad económica. Los poetas se aferran a su identidad y lugar de procedencia para hacer un retrato matizado y complejo del lenguaje en rebeldía. Por citar a unos pocos, aquí aparecen Pablo Neruda, Gioconda Belli, Ernesto Cardenal, Alfonsina Storni, Idea Vilariño, Roque Dalton o Rosario Castellanos, con traductores de la talla de Juan Felipe Herrera, Poeta laureado de los EE.UU.
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A través de un lenguaje oblicuo y plegado sobre sí mismo, La estúpida belleza de las deflagraciones se nos muestra como un libro que intenta poner en palabras fragmentosdel dolor de una existencia, consciente desde el principio de su abocamiento al fraca
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Gloria Fuertes nos enseña lo que hay que evitar: no discutir, no estar triste, conducir bien, cruzar bien la calle... y lo que hay que procurar: tener buen humor, ser generoso, amar a los demás... Disfruta de estos tiernos y simpáticos versos y de sus alegres ilustraciones.
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En este libro podrás leer las ideas más geniales de Gloria Fuertes sobre los animales, la Naturaleza, las profesiones, las partes del cuerpo... Todas son frases y reflexiones breves y muy locas, ¿quieres conocerlas?
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Tens a les teves mans paraules de vida, la vida que crea la Carme Raichs, una dona agramuntina-santboiana, capaç d'interpretar la quotidianitat i les petites coses i transformar-les en art. Dibuixa la realitat propera a través de mots i síl·labes plenes de passió i tendresa. Que contradictori, pensarà el lector o lectora que avui obre aquest llibre. Sí, la Carme parla de tot, no té por de res, no es calla res. I és per això que és una brillant escriptora, perquè descriu a la perfecció la tempesta i la bonança, l'envelliment i la infància, la nostàlgia i l'amor. Omple el paper blanc de lliçons de vida, d'un nosaltres, d'un tu i d'un mi, perquè en les seves lletres t'hi pots trobar, ens hi podem trobar, viatjant pel nostre interior, per la nostra ànima.
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Un corazón bajo la sotana cuenta, en forma de pseudo diario, la pasión breve pero culpable de un joven seminarista en vísperas de tomar los hábitos. Por su ironía mordazy el humor que se despliega en todo momento, este texto merece ser colocado al lado d
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Este es un poemario que tiene como eje central el Holocausto y los horrores de la Segunda Guerra Mundial. A través de versos que recorren el genocidio desde dentro, La estación de la ceniza explora la naturaleza humana y lo cotidiano en medio del caos. Las anécdotas sencillas, los paisajes desolados de una Polonia marcada por la muerte y la diversidad de voces que emergen de la tragedia, trazan un camino íntimo y humano. Lirismo alternativo, de tonalidad sombría y desgarradora, que eleva un canto épico a las víctimas del Holocausto.
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El acto de escribir desde la soledad, desde la incógnita, desde la presencia o ausencia de la pareja y ser amado, frente a un espejo que no está cubierto por ninguna sábana o cortina, frente a la piel que también reclama su espacio entre las palabras. Quizá se trate de un mecanismo de defensa, de enfrentar a la realidad y el mundo que nos rodea. Quizá, por el contrario, se trate de un mecanismo de defensa para enfrentarnos a uno de los oponentes más formidables que podemos encontrar: nosotros mismos. Carlos Augusto Torres parte de ese enfrentamiento, de colocarse como poeta, como ser humano, y asume el acto de escribir para poder enunciar y trasladar del papel sus inquietudes y tormentos, placeres y gozos. En Los poemas que siempre quise escribir, el lector acompañará al poeta y se hará parte de esa exploración y génesis: será, entonces, un ser que también se enfrente a lectura como espacio de crítica, como espacio visceral y querrá, seguramente, regresar a sus juegos de infancia, a la pareja, a la página en blanco. Podremos compartir entonces que “Escribo para recordarte, / para negarme a decir / que sí / que ahora sí te fuiste”.
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Según Calvino, la literatura tiene dos caras fundamentales: la continuidad de la vida y la indefectibilidad de la muerte. Los poemas que componen este libro no escapan a esa añosa tradición literaria, que es abordada partiendo de una serie de contradicciones y paradojas. La ambigüedad, los matices y las oposiciones de nuestro lenguaje, creencias, conocimiento y valores son elementos profundamente humanos en los que también residen dolores y placeres, culpas y redenciones.De acuerdo con una fórmula medieval, ex contradictione sequitur quodlibet (de una contradicción se sigue cualquier cosa). En consecuencia, en la lógica clásica las contradicciones no son aceptadas. La lógica paraconsistente, en cambio, renuncia a la validez general e incondicional del principio de no contradicción, por lo que ve a las contradicciones con ojos diversos. De allí toma su título este libro: Paraconsistencia.
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Aversions, per què? Són les pors vitals, que ens avisen de perills, que són beneficioses per a la nostra supervivència, punxes de roser que no acaben de sortir amagades sota capes de pell, que burxen i fan un mal suportable la majoria de dies. Hem creat uns meridians imaginaris des d'on ens agafem fort per fer alguns salts mortals i sentir l'enyor de la infantesa, per refugiar-nos en els espais eròtics... I segons com, l'aversió és una excusa per parlar d'una fília, de la mateixa manera que un verí té el seu propi antiverí, del qual no es pot deslligar. No sabem mai com ens llevarem. Fem això, passejar les nostres aversions i fal·leres pels carrers de cada dia, protegint cada gota de sang, escrutant la bellesa que ens arriba des de diferents direccions, com l'espigadella. I som aquí, amb una N majúscula de conductor novell a l'esquena, penjada com una llufa, i amb una entrada a la mà per assistir a la nostra pròpia tragèdia. Al capdavall, som com aquests tossuts que tornen sempre a la posició inicial, com aquestes boies de colors estridents, surant tot el dia sota el sol a pocs metres de la costa, salvavides estacats amb corda, per tornar dels somnis i del joc amorós, per agafar fort un pa sota el braç en el joc de caducitats del firmament. Perquè només un petit tall en l'afaitat del matí que faci brollar una petita gota ens activa, plens de soroll interior, per a la nova alerta, per a un nou dia d'aversions.
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«Esta poesía [...] sistemáticamente se nos aparece como escrita cuando ya todo ha pasado, y somos de algún modo meros espectadores de nuestra propia vida, espectadores concernidos, a los que aún afecta, y hasta estremece (Dices que no queda nada. / Mentira. Mira bien. / Mira mis manos: / tiemblan), pero lo hace ya desde otro lugar, desde un definitivo y decisivo fue que, sin embargo, no excluye, que hasta exige, la interpretación, la valoración, el poder todavía seguir hablando del futuro que ha pasado, / hablando del futuro qué ha pasado. Un lugar otro desde el que todo lo que cabe contemplar son, esencialmente, ruinas, pero sin olvidar nunca que toda ruina al fin es solo el séquito, / más duradero que él, de un resplandor». José Cereijo
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'Breviario de la luz'' es una propuesta lírica enraizada en la intimidad, en un ámbito de memoria y anhelo. Hecha de confianza, de sosiego, esta poesía susurra y exalta, es a medias celebración y a medias plegaria. Brota, en su hondura y delicadeza, como un agua clara que mana callada y expande, en su luz, el silencio y el temblor de las palabras esenciales. Esas palabras que hacen del yo un santuario exclusivo aunque nunca excluyente, porque brotan allí donde la soledad es contemplación y la revelación, entrega.
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LA FORTUNA DE SER FELIZ Mientras intento comenzar esta historia, no dejo de pensar en cuál debe ser su principio, por dónde coger esa hebra que me conduzca hasta hoy, hasta el día en que este proyecto acabe, pues, al fin y al cabo, lo único que pretendo es describir un sueño. Soy de esas personas a las que les ha tocado disfrutar una vida feliz, una vida en la que cada minuto ha significado algo importante, algo que me ha servido y me sirve para llenar este zurrón de esperanza, de optimismo, de sonrisas, de gratas sorpresas que me impulsan y me obligan a no dejarlo en un rincón olvidado, como si no hubiera ocurrido. Intento describir con mis versos una vida repleta de personas que me han ido ayudando a no perder de vista la senda que me había llevado hasta allí donde se encontraban para poder seguir adelante hacia donde otros esperaban con la misma intención de mostrarme la ruta que seguía y seguía. Pocas veces he echado la vista atrás para ver el polvo levantado, porque sé que éste, poco a poco, se asuela y el camino sigue con esos pocos que han decidido, de una forma u otra, ser compañeros de viaje.
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En mis sueños siempre tienes veinte años es una selección de poemas escritos por Kirmen Uribe durante los años 1999 y 2024 que incluye el libreto inédito de la ópera Saturraran, estrenada en el Teatro Arriaga de Bilbao en 2024, con música de Juan Carlos Pérez. Son composiciones diversas y de formas múltiples tales como el poema narrativo, el tanka japonés, la glosa o la canción, y que tratan temas como nuestra relación con la naturaleza, la diferencia, la fragilidad del amor y la amistad, la pérdida, la destrucción de las guerras, o las adicciones. Kirmen Uribe ha escrito cuatro novelas y dos poemarios. Sus libros están traducidos a más de veinte idiomas. Premio Nacional de Narrativa, Premio de la Crítica y Premio Eusko Ikaskuntza, sus poemas han aparecido en The New Yorker y The Paris Review, entre otros. En 2018 recibió la prestigiosa beca Cullman de escritura de la Biblioteca Pública de Nueva York, ciudad en la que reside y donde es profesor en el MFA de escritura creativa en español de la Universidad de Nueva York (NYU). «La poesía de Kirmen Uribe se ha hecho universal e íntima. Por eso nos habla del mundo, de los libros leídos, de las canciones escuchadas y de las pequeñas cosas de la vida». Luis García Montero
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Mucho hemos oído de hazañas, batallas y descubrimientos realizados por héroes, caballeros y genios. Pero, ¿qué hay de las mujeres que también cambiaron el mundo? Escritoras, científicas, pensadoras, exploradoras y hasta piratas cuya grandeza quedó en la sombra por el simple hecho de ser mujeres.En estos trece poemas, Raquel Díez Leal y Tamara Durán dan vida a figuras como Virginia Woolf, Ada Byron, María Moliner y Frida Kahlo, entre muchas otras, desvelando sus historias y logros. Una colección que ilumina sus voces olvidadas y silenciadas, para que todos conozcamos las hazañas de quienes también hicieron historia, aun desde el silencio.
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Espejo de emergencia es tu semejante, tu compañero ideal, tu cómplice, tu amigo, el que te comprende, el que te saca una sonrisa, aquel que te hace pensar glosando sobre lo cotidiano y sobre lo inefable, o te emociona sin recurrir a sensiblerías. Es un amigo alquimista que sabe combinar sus recursos para conseguir que, hablando de él, te veas reflejado, en una imagen a veces real, a veces distorsionada, humorística, irónica... Porque la poesía de Diego Alonso Cánovas versa sobre esas cosas que compartimos los humanos, y se ubica en un territorio nítido, poblado de luz, de claridad expresiva —línea clara, como diría Luis Alberto de Cuenca—, y salpicado de frescura y humor, que hace de su lectura un goce comunicativo al alcance de todos. Y con una cuidada métrica, donde predominan los versos heptasílabos, alejandrinos y endecasílabos, o los guiños a poemas clásicos.Diego Alonso Cánovas se ve como un adulto con alma de niño, un eterno buscador de algo que no sabe lo que es. Sensible, quizás, en exceso. A veces, este plus de sensibilidad puede ser un inconveniente para la vida cotidiana, pero, para la poesía, es imprescindible. Estos versos, además de darnos a conocer un poco a su autor, quizás nos ayuden a conocernos a nosotros mismos. Eso sería lo deseable.
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De inspiración becqueriana, rescatando al autor sevillano como maestro de la tradición moderna, este libro nos cuenta una historia de desamor, soledad y pérdida en dos actos: El canto de los azulejos y Pétalos al viento. Desde las voces dispares de sus protagonistas, Reinaldo de Fernández propone una obra híbrida, a medio camino entre la narrativa, el teatro y la poesía, donde se exploran las entrañas de todo lo que nos hace humanos: el primer amor, el camino hacia la construcción de la ilusión, la esperanza y la falta de ella.
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La figura y la obra de Alfonsina Storni han sido víctimas a menudo de mixtificaciones y malentendidos que se han ido alargando a lo largo de los años. Su tiempo nunca supo entender del todo a la mujer que fue Alfonsina Storni, del mismo modo que la crítica tampoco acertó nunca a situar su poesía en el contexto adecuado ni a comprender su potencial capacidad renovadora de la poesía americana, más allá del convencional uso de la métrica y la rima. Lo importante es que Alfonsina Storni ensanchó ampliamente los límites de lo que puede contarse o no puede contarse en un poema, ya que parece que nunca dejó de contar lo que realmente quería contar o cantar en un poema. Pocos poetas han sido, en ese sentido, tan salvajemente libres, tan afirmativos, tan dueños de sus temores, alegrías y obsesiones como lo fue Alfonsina Storni. Esta antología, prologada por Mª Ángeles Robles, poeta y estudiosa gaditana, pudiera ser que proponga unas nuevas líneas de lectura de la poesía de Alfonsina a los lectores del siglo XXI. A.L.
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El paraíso está en la tierra consta de veinticinco poemas que parece que están escritos fuera de este mundo, por alguien, el poeta, que no pertenece a él. Pero gracias a esto, paradójicamente, el lector puede sentir con fuerza el latir del que escribe, del que vive en ellos, que finalmente, por el arte de la literatura, de la lectura, puede constituir su propio latido. Muchos de estos poemas son de amor, pero todos, también estos, trascienden esta condición para alcanzar lo inaprehensible, lo que tal vez solo la literatura, la poesía, puede expresar. Eduardo Martínez Rico siente que escribió estos poemas en otra época de su vida y, aunque los reconoce plenamente, siente también que fue otro el que los compuso. Escritos en otras latitudes de su existencia, con un lenguaje diferente, seleccionados a lo largo de los años, El paraíso está en la tierra reúne lo que el escritor piensa que es lo mejor de su producción poética hasta la fecha.El prólogo es de Luis Alberto de Cuenca.
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Con Ceremonia de despedida, Marcelo Rioseco regresa a una escritura de orden metafísico, la cual sigue el hilo conductor de libros anteriores respecto a temáticas concernientes a la extranjería, donde se produce un desdoblamiento del hablante lírico por su condición de inmigrante radicado en Oklahoma, Estados Unidos. A partir de dicha irradiación surgen libros como La vida doméstica (2016) y Olivia en los suburbios (2020), por citar solo dos de sus últimas entregas. El poema que da inicio al volumen, es una clara muestra de ello y se titula, “También son extranjeros”. Allí escribe: “Para el desterrado no hay patria ni casa / ni forma de regresar. / Se ha caminado / demasiado y todas las ciudades se parecen”. Sin embargo, el poeta tiene un lugar en el mundo, y ese lugar es el lenguaje y Rioseco lo utiliza de manera maestra. Su país natal es la metáfora de lo que ya no se puede asir, y a la vez, se desmorona y linda con lo fantasmagórico, características propias de nuestra época. Por lo mismo, su obra es actual y nos podemos leer en ella. En “Regresar a la patria”, escribe: “Regresar a la patria, / arrastrando otro país a cuestas, sentados ahora alrededor de una mesa / rodeados de extranjeros”.La poesía de Marcelo Rioseco, en estas páginas, nos invita a reflexionar sobre la muerte, lo filial, dios y, finalmente, la existencia. Su mirada es incisiva y aguda, dejando en el lector más interrogantes que respuestas. Esto resulta singular, pues constituye, a fin de cuentas, el trasfondo de todo lo metafísico.
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Siguiendo las líneas de relación que van del dreck a las constelaciones (y viceversa), la poética de José Kozer se sitúa, muy a menudo, en un doble sendero: en ella se verifica, libro a libro, tanto el trayecto del residuo a la reliquia como el que va en sentido contrario. Se trata, en todo caso, más que de una apuesta que reivindica una suerte de «salvación a través de los residuos», de una apuesta ética (y religiosa) un poco más radical. Y es que, siguiendo los vaivenes entre disgregación y multiplicidad, y entregado a una intensificación sensorial casi mística («entre los pinos/ rodenos quizás /escuchando la/ circulación de/ la resina»), el poeta registra las capilarizadas geografías de su propia lengua, al tiempo que da cuenta de las intermitentes superposiciones y convergencias entre deshacimiento e identidad («Yo ya no soy yo llegué a casa»), convergencias en las que se afirman, en su cotidiano esplendor, la vida y la muerte que hay en las palabras.Michel Mendoza
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Entre mangos de Ataúlfo, de Raúl Chávez, nos invita a recorrer la carretera del deseo y los senderos intrincados de la memoria. Su escritura se bifurca al alternar el lirismo autobiográfico con técnicas de montaje documental. Esta poesía entrelaza recuerdos de la infancia con encuentros amorosos y las crisis sociales. La voz firme de Raúl Chávez revela que lo que ocurre en nuestra intimidad más profunda está inextricablemente ligado a la historia de los otros.MIJAÍL LAMAS
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Cómo lavar un corazón, premio T. S. Eliot de Poesía ‒considerado «el más codiciado de los premios de poesía» que se concede en Gran Bretaña‒ es el primer libro de Bhanu Kapil que se traduce al castellano. Andrew McMillan, poeta y miembro del jurado, dijo que «se trata de una obra única que ejemplifica cómo la poesía puede ponerse a prueba y rehacerse para dar cabida a verdades incómodas e irresolubles».Escritora británica de ascendencia india, en sus libros tanto si explora el racismo, la violencia o las experiencias de la diáspora, lo que emerge es una forma de decir lo que parece casi imposible de expresarse: «una literatura que no está hecha de literatura».En Cómo lavar un corazón ahonda a lo largo de cuarenta poemas ‒divididos en cinco partes‒ en las experiencias de una inmigrante acogida en la casa de una pareja de raza blanca, liberal y de clase media. En sintonía con la angustia, la ansiedad y las humillaciones que soporta una persona exiliada en situación precaria ‒el síndrome del «corazón roto»‒, Kapil explora cómo la hospitalidad puede rozar la hostilidad, y deja al descubierto la vacuidad de la inclusión y el cuidado. Cada poema refiere a un episodio, un acontecimiento, en la vida de la inmigrante, una respuesta emocional y tensa a un exceso o a la transgresión de su anfitriona.«¿Es poesía?» «No», respondió Kapil. «Es lo que desgasta el cuerpo mientras se escribe o se vive».
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El poemario propone una lectura de indicios, a base que avanzamos en los poemas entendemos que ha habido un accidente y leemos a la hija que mira a la madre y que mira el frío, el silencio, lo injusto de quedarse con quien no está, pero está y no deja continuar. La vida intentando hacerse paso desde el daño. El poema en murmullo, sin ruidos ni artificios dejando que el blanco señale, que el silencio lo haga. Un poemario que trabaja sobre temas como el duelo, la pérdida del padre, el dolor que nos señala como distintos y nos aparta.
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