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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Una de las mayores tragedias de Shakespeare, la historia del mítico rey bretón Lear y de sus hijas. Penguin clásicos Penguin Clásicos
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Sis comèdies
Sis comèdies pretén fer un recorregut per la trajectòria dramatúrgica de Jordi Galceran, a partir de sis de les seves millors peces teatrals. El lector podrà resseguir la seva evolució des dels seus incicis fins a les seves darreres creacions: Dakota (1994), Paraules encadenades, Fuita (1994), El mètode Grönholm (2003), Carnaval (2005) i la inèdita Cancun (2007), que es va representar amb gran èxit el passat 2009, són les obres que componen aquesta antologia. Aquesta edició incorpora un pròleg a càrrec d'Enric Gallén, que ofereix al lector una mirada incisiva sobre els aspectes clau de l'obra del dramaturg.
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El humor de la farsa anima a los personajes de esta obra teatral. Tras la apariencia de un cuento de hadas, una bella infantina a punto de ser devorada por un dragón y un valiente príncipe que será su salvador, se esconden muchas referencias históricas
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Molt soroll per res
Comèdia romàntica, on la veritat i l'amor trionfen finalment sobre els enganys i els malentesos.
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Dentro de la producción dramática de Lope de Vega, esta comedia se enmarca en el llamado ciclo de senectute, comprendido entre 1627 y 1635. Setrata de un periodo convulso para el autor, quien, acosado por desgracias y enfermedades familiares, buscaba sin conseguirlo una relación de mecenazgo o un puesto en la corte. Uno de los rasgos más característicos de su producción de estos años es el cultivo de lamateria palatina, a la que pertenece La boba paralos otros y discreta para sí, una obra dotada deuna comicidad más mesurada que la de etapas anteriores y de una ambientación basada en los conflictos quesurgieron en el seno de la nobleza italiana por el ducado de Urbino, a principios del siglo XVI. En estedesdibujado ducado italiano, a medio camino entre lafantasía y la historia, vive nuestra protagonista, Diana, una joven audaz y criada en el campo que, tras descubrir que es hija natural del duque de Urbino, sefinge boba con el objetivo de reclamar el título de duquesa que le corresponde legítimamente. Para conseguirlo, tendrá que sortear las asechanzas de su prima Teodora, su rival en la carrera por el ducado, y actuar con astucia en una corte representada en la comediacomo un nido de cortesanos codiciosos e hipócritas.
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Martí, a les acaballes de la seua vida, es decideix a pintar el seu últim autoretrat. L’ autoretrat que tancarà la sèrie en què fa anys que treballa, i el més complex de tots, perquè en aquest quadre ha de reflectir tota la seua vida sense amagar-ne res: cal pintar els moments de llum i els de foscor, aquells que es vol recordar i aquells que normalment no s’ exposen mai.Autoretrat és una obra que incita a reflexionar sobre la dificultat de definir-se completament a un mateix, una obra que explora els límits de la identitat amb agilitat i intel·ligència.
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L'amor també és això és una obra de teatre jove, escrita per als joves, amb el seu llenguatge i sobre els seus problemes, perquè la seua realitat actual i quotidiana també és una aventura digna de ser reflectida per la literatura. O potser no és una aventura la vida a l'institut, a la discoteca, amb els pares, amb els amics i amigues…, i amb el teló de fons de l'amor i del sexe en el temps de la sida?
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Pol, un joven trans, visita la consulta de una psiquiatra de la Seguridad Social para que le diagnostiquen «disforia de género». Lo necesita para poder cambiar su identidad de género ante las instituciones del Estado y de la sociedad en la que vive, que aún lo ve y lo trata, a veces, como una mujer. A lo largo de la hora que dura la sesión, Pol no solo se enfrenta a la hipocresía de una sociedad supuestamente avanzada e igualitaria, sino que también dialoga con algunos de sus propios fantasmas y con sus mejores recuerdos.
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El epigrama comenzó siendo una inscripción en verso para conmemorar una muerte o una ofrenda y con el tiempo se convirtió en un género literario particularmente dinámico. Funerarios, votivos, eróticos, escópticos(satíricos), de adivinanza, de crítica literaria, descriptivos, narrativos, simposiacos, aritméticos, cristianos: la variedad de temas y motivos de los epigramas griegos es casi infinita. Cada epigrama es un pequeño universo que cuenta una historia completa en unpuñado de versos, a veces en apenas dos, y que llevaal límite las capacidades expresivas de la poesía. Esta antología del epigrama griego presenta un panoramacompleto del género, desde el siglo III a.C. hasta el siglo VI d.C., y muestra por qué el epigrama es unade las formas poéticas con mayor presencia en toda la literatura griega.
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Un enemigo del pueblo (9788468244631) es una edición de Rebeca Martín del clásico teatral de Ibsen. El libro pertenece a la colección Clásicos Universales de la editorial Vicens Vives. La obra de teatro de Henrik Ibsen, publicada el 28 de noviembre de 1882, es la historia del doctor Thomas Stockmann y de una ciudad cuyo balneario es la principal atracción turística y el motor de la economía local. El Dr. Stockmann descubre en el agua una bacteria contaminante y se propone advertir a los demás acerca del peligro. Pero esta decisión lo enfrenta a los poderosos de la ciudad, que temen perder el turismo y sus ganancias.
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Antón Paulovich Chejov es el gran analista de la vida social y política rusa en las últimas décadas del siglo XIX. Por sus más conocidas comedias: El tío Vaina, La Gaviota y El jardín de los Cerezos, constantemente representadas en los teatros del mundo, no es exagerado asegurar que puede clasificársele como creador del teatro contemporáneo.
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'' El caballero de Olmedo '' figura entre las obras perfectas de Lope de Vega. Historia, leyenda y literatura se han unido con singular maestría en este drama.La historia de un antiguo crimen cometido en el camino de Medina del Campo a Olmedo se convierte en leyenda y cristaliza en los versos de un cantarcillo popular que Lope recogen el momento culminante de la acción: '' Que de noche le mataron / al caballero, / la gala de Medina, / la flor de Olmedo '' . Tales elementos bastaron para construir una trágica intriga de amory celos, fundiendo leyenda popular y tradición cultay adaptándolo todo a la nueva fórmula teatral inventada por Lope. Así nació esta obra bellísima, colmadade intensa emoción lírica y patético dramatismo en laexpresión de angustiosas vivencias y miedos del hombre ante su destino.
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Mencionada apenas en los Evangelios, la figura de Salomé atrajo ya desde la Edad Media la imaginación de los artistas figurativos. Sin embargo, fue sobre todo a partir del siglo XIX, y especialmente en el último cuarto de este siglo y el primero del XX, cuando alcanzó un lugar preeminente en el imaginario artístico moderno como figura en la que confluyen belleza y maldad, esplendor y lujuria, así como esa exacerbación de los sentidos cuya búsqueda es tan propia de la época. Escrita originalmente en francés en 1891 durante un larga estancia en París, Oscar Wilde aunó en Salomé la visión clásica transmitida por Flaubert en obras como «Salambó» o «Herodías» con la mirada decadente llena de oros bizantinos del pintor Gustave Moreau, para alumbrar una obra magnífica en la que laten la violencia y la sexualidad. En su prólogo, Mauro Armiño da cumplida cuenta de los múltiples antecedentes y peripecias de esta polémica obra a lo largo del tiempo. La presente edición se acompaña de los dibujos realizados para la edición inglesa (1894) por Aubrey Beardsley. Traducción y prólogo de Mauro Armiño
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Los mejores libros jamás escritos Edición de Francisco Florit Durán, catedrático de Literatura Española de la Universidad de Murcia El burlador de Sevilla significa
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Els dos nobles cosins
Els dos nobles cosins, de la col·lecció Obres De William Shakespeare per a Llengua i literatura de Vicens Vives. Amb traducció i pròleg de Salvador Oliva.
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Un tramvia anomenat desig
Blanche DuBois, filla d?una família de rics terratinents d?un poble del sud dels Estats Units, arriba a un dels barris més degradats de Nova Orleans, on la seva germana petita viu miseriosament amb Stanley Kowalski, un rauxós immigrant polonès de maneres rudes i tracte bestial. Aquesta visita, que inicialment ha de durar pocs dies, es converteix en una bomba de rellotgeria que acaba esclatant de forma brutal, tot desemmascarant els deliris, les misèries, les mauleries dels personatges i, per extensió, la realitat més crua i els vicis més recòndits de bona part de la societat nord-americana.
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Pocas obras dramáticas se muestran tan vigentes hoy en día como La vida es sueño. Drama religioso o filosófico que, desde el absoluto seiscentista, urde sus raíces en los mitos orientales, la literalidad de su lección moral es capaz, sin embargo . de traducirse en lectura política (educación de príncipes) y en grito revolucionario. Pero, sobre todo, es pieza clave en la historia del conocimiento, del reconocimiento por parte del hombre de su conciencia de existir. Desde el mito de la caverna de Platón hasta la frontera de la modernidad que supone su proximidad en el tiempo y en las inquietudes a la filosofía cartesiana, La vida es sueño se constituye en un modelo de la duda metódica resuelta no a través de la seguridad del pensar, sino por medio de una peripecia trágica que desemboca en el absoluto moral. Por medio de una magnífica parábola literaria y de la grandiosidad de una puesta en escena que vislumbramos en la fuerza suasoria del discurso, Calderón muestra cómo sobre el error no se puede levantar el edificio de la verdad. Y que para la pasión, como todo lo humano, puede someterse a sistema.
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Cuba, años setenta y ochenta del siglo XX. Un joven alcanza la mayoría de edad en un momento crucial de la historia de su país. Dividido entre los ideales de su madre comunista y de su padre contrario al régimen ‒con el acuciante deseo de huir de la isla‒, busca encontrar su propia identidad en un mundo, tanto personal como colectivo, en crisis y convulso.Premio Nacional de Literatura en Cuba, Diez millones indaga, así, en su historia más reciente desde 1970, cuando Fidel Castro proclama «el año de la zafra» con el objetivo manifiesto de mejorar la situación económica del país. Un relato insólito y descarnado, construido con materiales de primerísima mano y por medio de un tejido de narraciones, diálogos, monólogos, donde se intenta lo más arriesgado en literatura: partir de uno mismo para hablar a otros, a todos, y arañar, sin concesiones, la costra de la vida cubana del último medio siglo. Una ficción que mira hacia atrás para mirar hacia delante.Completa el volumen, Discurso de agradecimiento, una suerte de continuación de Diez millones, un pase de cuentas a una vida provocado por el encierro durante la pandemia, la política y la vida, el tiempo y la memoria.«Celdrán apela a un lugar del yo hasta ahora inédito en la narrativa cubana». Reina María Rodríguez
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Así describía Federico García Lorca al personaje de esta obra. Cada jornada transcurre en una época distinta, desde fines del siglo pasado hasta los felices años veinte. Mientras el tiempo huye irremediablemente, son los otros los que hacen solterona a
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Valèria és l'encarregada de xutar el penal decisiu. La pressió i l'expectació són màximes. Tant que Valèria ja s'imagina coses. Cada vegada que es disposa a xutar, la interrompen: el pare que li dona consells, l'amiga que vol un selfie o el company que creu que ell ho pot fer millor. Que no saben com d'estressant és xutar un penal?
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El estreno de canción de cuna «fue para sus autores la aventura más emocionante de su carrera de dramaturgos», recordaba María Lejárraga en sus memorias. Idéntica emoción embargó al público que asistió a aquel estreno el 21 de febrero de 1911 en el madrileño teatro Lara y a los millones de espectadores que, durante décadas, la aplaudieron en los escenarios de todo el mundo, convirtiéndola en una de las comedias españolas más representadas del siglo XX. Tras los triunfos resonantes en el Civic Repertory Theatre de Broadway (Nueva York) y en el Studio des Champs-Élysées (París), fue presentada en 1936 en la Comédie Française como una de las escasas obras extranjeras contemporáneas que figuraban en su selecto repertorio. Mereció también cinco adaptaciones cinematográficas entre 1933 y 1993, y varias versiones televisivas. Hoy permanece alejada de los teatros, pero no ha perdido su encanto ni su fuerza de atracción. Una lectura moderna de la obra nos descubre nuevos valores en una comedia que sigue cautivándonos por su poesía, por el perfecto engranaje de sus escenas, por su belleza formal y por la sutil representación de un mundo complejo más allá de su apariencia sencilla, amable y optimista. «Canción de cuna fue un oasis. Allí, debajo de la fábula, había algo superior a la fábula misma». Emilia Pardo Bazán La obra maestra de María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra. María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874-Buenos Aires, 1974) y Gregorio Martínez Sierra (Madrid, 1881-1947) compartieron su producción literaria con la única firma del marido, incluso desde antes de casarse en 1900. Tras la muerte de Gregorio en 1947, ella adoptó el nombre literario de María Martínez Sierra, que ocasionalmente había utilizado anteriormente. Fueron dos protagonistas esenciales de la historia del Modernismo en España, creadores de revistas literarias (Helios, Renacimiento), novelas (La humilde verdad, Tú eres la paz, El amor catedrático), teatro (Teatro de ensueño, Canción de cuna, El reino de Dios, Triángulo), libretos de zarzuela (Las golondrinas), ópera (Margot, Jardín de Oriente) y ballet (El amor brujo, El sombrero de tres picos), y ensayos, con especial dedicación a la difusión del feminismo (Cartas a las mujeres de España, Feminismo, feminidad, Nuevas cartas a las mujeres). Gregorio Martínez Sierra fue, además, un destacado editor, empresario teatral de éxito y uno de los mejores directores de escena de su época, además de pionero de la industria cinematográfica en Hollywood. María Lejárraga, que comenzó su carrera siendo maestra, desarrolló una importantísima labor como traductora y, al margen de su prolífica dedicación a la literatura, fue feminista militante, fundadora de asociaciones de mujeres (Lyceum Club, Unión de las Mujeres de España, Asociación Femenina de Educación Cívica), diputada a Cortes durante la Segunda República y una de las plumas imprescindibles de la literatura del exilio de 1939. Juan Aguilera Sastre e Isabel Lizarraga Vizcarra son investigadores y estudiosos de la literatura española de la Edad de Plata. Han publicado conjuntamente varios trabajos, entre los que destacan De Madrid a Ginebra. El feminismo español y el VIII Congreso de la Alianza Internacional para el Sufragio de la Mujer (2010) y tres volúmenes sobre la labor periodística de Clara Campoamor: La forja de una feminista (2019), Del Foro al Parlamento (2021) y Clara Campoamor de viva voz (2021). Han dedicado numerosos estudios a la vida y obra de María Lejárraga, desde la pedagogía y la dramaturgia hasta el feminismo, la política o el exilio. Han editado los volúmenes Homenaje del Ateneo Riojano a María de la O Lejárraga (1995), María Martínez Sierra y la República: Ilusión y compromiso (2002), María Lejárraga, pedagoga: Cuentos breves y otros textos (2004), Ante la República: Conferencias y entrevistas (1931-1932) (2006), María Martínez Sierra: Feminismo y música (2008), Cómo sueñan los hombres a las mujeres (2009) y, en esta misma editorial, Tragedia de la perra vida y otras diversiones. Teatro del exilio [1939-1974] (2009), Viajes de una gota de agua (2018), Una mujer por caminos de España (2019), Epistolario del exilio. Cartas familiares [1939-1969] (2021), Cartas a las mujeres de España (2022), Gregorio y yo (2023) y Feminismo, feminidad (2023). Como novelista, Isabel Lizarraga ha convertido a la feminista riojana en protagonista de sus novelas Luz ajena (2020) y Cándida (2022).
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'El burlador de Sevilla'' es la primera obra en la que se desarrolla el mito de Don Juan, personaje universal del teatro en lengua castellana y uno de los más célebres, junto con la figura del Comendador, de toda nuestra literatura. Esta nueva edición, además de ofrecer un texto firmemente establecido a partir del cotejo de las ediciones facsímiles de la obra y de algunas otras variantes registradas en distintas representaciones, aclara el prolongado debate acerca de la autoría, que, tras una reciente serie de estudios basados en análisis objetivos y nuevas metodologías contrastables, apunta sin lugar a dudas al actor y dramaturgo Andrés de Claramonte, contemporáneo de otros autores de renombre como Tirso de Molina o Lope de Vega, a quienes largamente se han atribuido varias de sus obras.
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Una obra imprescindible de Shakespeare sobre la ambición, el poder y la traición en el marco fascinante de la antigua Roma. De regreso a Roma tras su exitosa campaña en España, Julio César se hace nombrar cónsul y dictador perpetuo. Es entonces cuando, en defensa de la República, Casio pone en marcha una conspiración para asesinarlo con ayuda del noble Bruto. Sin embargo, Marco Antonio volverá la opinión pública en contra de los conspiradores, en una jugada que llevará a los lectores a reflexionar sobre el honor, la ambición y la integridad. En el imprescindible prólogo escrito para nuestra edición, el novelista y experto en literatura inglesa Santiago Posteguillo destaca la plena vigencia de esta pieza en la que el ejercicio de la autoridad llama a los peores excesos políticos. Santiago Posteguillo ha dicho:«Todo el mundo debería leer la obra de teatro Julio César de Shakespeare, al menos, una vez en la vida».
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Troilus i Cressida
Es diu que Shakespeare va escriure Troilo i Crèsida en un moment en què la sàtira estava de moda al teatre isabelí i, per tant, en un intent de mostrar que era tan capaç d'escriure en aquesta vena com els seus contemporanis. Tot i això, aquesta obra no encaixa en les categories genèriques tradicionals, no permet determinar fàcilment la intenció de l'autor i fins i tot es presta a interpretacions ètiques enfrontades. La història d'amor de Troil i Crèsida és un afegit medieval a la història del setge de Troia que Homer va explicar a la seva Ilíada. Shakespeare combina dos arquetips literaris, la caiguda de Troia i la infidelitat de Crecida, juntament amb personatges clàssics com Helena, Aquil·les, Hèctor o Ulisses. S'hi enfronten els ideals amorosos i cavallerescos amb la dura realitat, i aquest contrast serveix a Shakespeare per desmitificar els herois i les glòries bèl·liques, qüestionar les veritats absolutes, relativitzar els valors i revelar, d'una manera gairebé existencialista, els límits de les aspiracions humanes. Més que cap altre drama de Shakespeare, Troilus i Cressida és un descobriment del segle XX, ja que les realitats que exposes i satiritza han sabut parlar en el nostre temps a un públic que està de tornada d'herois, guerres i il·lusions infundades.
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El presente volumen reúne dos obras maestras de Lope de Vega, El perro del hortelano y La dama boba. Edición de Ismael López Martín profesor de literatura y doctor en Estudios Filológicos y Lingüísticos por la Universidad de Extremadura. Lope Félix de Vega Carpio es uno de los dramaturgos más celebrados de la literatura universal. En España renovó la forma de hacer teatro a finales del siglo XVI y principios del XVII, creando una comedia nueva que cosechó los éxitos del público y del lector y sentó las bases del drama contemporáneo. La dama boba y El perro del hortelano son dos comedias de 1613 que pertenecen a lo que ha venido en llamarse «comedia urbana». Se trata de dos de las obras más conocidas del Fénix de los Ingenios, en las que se analiza el tema de amor, el del honor y el de las relaciones paternofiliales.La presente edición está a cargo de Ismael López Martín, profesor en el departamento de didáctica de las lenguas y de las ciencias humanas y sociales de la Universidad de Zaragoza y especialista en teatro español. Su estudio introductorio y el aparato de notas que ha diseñado constituyen una aportación fundamental. Edición de Ismael López Martín
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Quatres dels onze textos teatrals que Natalia Ginzburg va escriure entre 1965 -any que, empesa per un repte personal, va iniciar-se en la dramatúrgia-, i 1967. Amb un estudi introductori de la mateixa traductora, Meritxell Cucurell-Jorba, ens endinsem en una de les escriptores italianes més interessants del segle XX, comparada, en el cas del teatre, amb Beckett i Pinter. Com la seva narrativa, el teatre de Ginzburg retrata, punyent, una societat aferrada a les seves tradicions i que es resisteix a obrir-se a la nova realitat social.
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Rasi está muy contenta porque unos animales amigos suyos han ido al colegio para hacer algo muy especial. Pero todo se complica cuando aparece la gran enemiga de Rasi: la urraca Paca. ¿Qué busca esta urraca? ¿Y para qué se habrán acercado al colegio Rasi y el resto de animales?
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El tragaluz comienza como una obra de ciencia ficción. Dos investigadores pertenecientes a un futuro muy lejano se dedican a rescatar sucesos del pasado por medio de unos detectores electrónicos. Su propósito es divulgar la historia de hombres y mujeres que ya no existen para que nadie repita los errores que la humanidad cometió en otro tiempo. Los espectadores de El tragaluz presenciamos uno de los casos recuperados: el devenir de una familia española de la década de 1960 que ha quedado marcada por el horror de la guerra civil. Su vida está regida por el recuerdo de un traumático episodio del pasado que nunca cicatrizó del todo, y cuando la herida se reabre, estrella la tragedia. Amarga y desoladora, pero abierta al mismo tiempo a la esperanza, El tragaluz es una de las obras maestras de Antonio Buero Vallejo (1916-2000), quien nos muestra el presente desde la perspectiva futura con el sano propósito de arrojar luz sobre lo que somos. El dramaturgo se pregunta si es posible desentrañar el enigma de la personalidad humana, si hacen bien quienes se aíslan de todo porque detestan la sociedad en la que viven y si hay que olvidar los errores del pasado o es mejor recordarlos aunque nos duelan.Esta edición de El tragaluz ha sido elaborada por Jesé Ramón López, profesor de la Universidad Autónoma de Barcelona, y cuenta con una valiosa introducción que descifra las claves de la magistral tragedia de Buero, y con un apéndice de actividades que ayudará a los lectores a profundizar en el sentido de la obra.
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Restauración, publicada en 1991, abre el Teatro reunido de Eduardo Mendoza. A la inolvidable Mallenca de Restauración, que vive apartada de la ciudad y que una noche recibe tres inesperadas visitas, se unen en este volumen los pers
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Lectura prescriptiva de la materia de Literatura Universal de modalidad en el bachillerato en Cataluña. Promoción 2020-2022 y 2021-2023. La historia original del moro de Venecia, de Gianbattista Giraldi Cinthio (1565), sirvió a William Shakespeare para crear Otelo, la única de sus grandes tragedias basada en una obra de ficción. Contraviniendo la imagen isabelina del moro, Shakespeare invierte los papeles de los protagonistas y otorga al moro Otelo el carácter de hombre noble y aristocrático, mientras que reserva para el italiano Yago la perversidad y la hipocresía, desarrollando en él uno de los estudios más profundos del mal. Al final, el protagonista, como un auténtico héroe trágico, consciente de su degradación y de su pérdida, escribe su propio epitafio, con la angustia del héroe destrozado. Traducción y edición de Ángel-Luis Pujante, premio Nacional de Traducción.
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HAMLET, la obra más conocida de Shakespeare, es en realidad una pieza llena de lagunas e indefiniciones. Una obra enigmática y misteriosa, en la que cada personaje es un artista de la simulación. El propio Hamlet es un ser en continua transformación. En él caben la ceremoniosidad, la cortesía y la reflexión, junto a la pasión, la burla, el enigma o la posibilidad de la locura. En el castillo de Elsenor, en un ambiente que emana corrupción y desconfianza, claustrofóbico y hostil, se alternan escenas solemnes y reveses irónicos, al tiempo que se agita una corte de personajes cuyo sentido último será llevar a Hamlet a vencer su tensión interna y cumplir la venganza por la muerte de su padre. El magnífico estudio de Ángel-Luis Pujante que precede su traducción analiza el carácter incoherente e incierto de la tragedia y sitúa el atractivo de una obra tan compleja y rica en ese halo de misterio que suscita la duda, requiere la meditación y que la ha convertido en uno de los grandes mitos de Occidente.
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La filla del mar
La filla del mar és un dels drames més coneguts d'Àngel Guimerà, representat moltes vegades als nostres teatres. L'adaptem ara al còmic amb l'esperit juganer de les posades en escena contemporànies. La lectura mostra els vincles que la història de Guimerà encara té amb nosaltres: l'amor, la gelosia, les pressions de la comunitat cap a qui és diferent o ha arribat de fora, la por, les diferències de classe. Quim Noguero i Josemaría Casanovas n'han fet una versió àgil, actual, amb picades d'ullet al lector cap a d'altres obres de Guimerà, per tal de ser fidels alhora al text i al llegat del dramaturg. Un proemi de l'escriptor Màrius Serra, el making of de l'adaptador, Quim Noguero, i un epíleg del guionista Hernán Migoya acompanyen aquest còmic amb què encetem col·lecció.
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Doña Rosita la Soltera o El Lenguaje de las flores - Los sueños de miprima Aurelia
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Se trata de una comedia urbana cuya acción se desarrolla en Madrid, una ciudad que ofrece oportunidades para los caballeros o que llega a corromper a las damas. Por sus calles viven, transitan, aman y engañan losprotagonistas, con el consabido final feliz de ''cada oveja con su pareja''.
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A través de un ambicioso juego formal de planos de realidad, la obra transita por la oscuridad individual y de una comunidad y por su necesidad de construir monstruos.Una madrugada, aparentemente como tantas otras, Santi y Berta, incapaces de conciliar el sueño, se desvelan y mantienen una larga conversación. Alguna cosa les inquieta. Hace días. Semanas. Quizá mucho más tiempo. Un tiempo largo. Tiene que ver con el pasado, con quienes son hoy y con el pequeño pueblo que habitan. También con la reaparición en sus vidas de alguien que el pueblo bautizó como “el Monstruo” después de su desaparición hace casi dos décadas y de uno de los capítulos más oscuros y turbios ocurridos en ese lugar.
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José Luis Alonso de Santos es, sin duda, uno de los autores más representativos del nuevo teatro español. Después de una amplia experiencia en el teatro independiente, se incorporó al comercial obteniendo grandes éxitos refrendados luego en varias adaptaciones cinematográficas. Toda la crítica coincide en elogiar su facilidad para volcar en la vida escénica tanto el lirismo de sus recuerdos autobiográficos (El álbum familiar) como su visión tragicómica de los nuevos marginados (Bajarse al moro). La capacidad de observación, el sentido del humor y el lenguaje coloquial han convertido a esta última obra en un clásico, leído y representado en muchos países como testimonio de la nueva realidad del teatro español.
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.