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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Troilus i Cressida
Es diu que Shakespeare va escriure Troilo i Crèsida en un moment en què la sàtira estava de moda al teatre isabelí i, per tant, en un intent de mostrar que era tan capaç d'escriure en aquesta vena com els seus contemporanis. Tot i això, aquesta obra no encaixa en les categories genèriques tradicionals, no permet determinar fàcilment la intenció de l'autor i fins i tot es presta a interpretacions ètiques enfrontades. La història d'amor de Troil i Crèsida és un afegit medieval a la història del setge de Troia que Homer va explicar a la seva Ilíada. Shakespeare combina dos arquetips literaris, la caiguda de Troia i la infidelitat de Crecida, juntament amb personatges clàssics com Helena, Aquil·les, Hèctor o Ulisses. S'hi enfronten els ideals amorosos i cavallerescos amb la dura realitat, i aquest contrast serveix a Shakespeare per desmitificar els herois i les glòries bèl·liques, qüestionar les veritats absolutes, relativitzar els valors i revelar, d'una manera gairebé existencialista, els límits de les aspiracions humanes. Més que cap altre drama de Shakespeare, Troilus i Cressida és un descobriment del segle XX, ja que les realitats que exposes i satiritza han sabut parlar en el nostre temps a un públic que està de tornada d'herois, guerres i il·lusions infundades.
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Este lujoso estuche recoge la edición de Akal de la obra completa de Federico García Lorca bajo la dirección de Miguel García-Posada. En él se incluyen todas las obras de poesía, teatro y narrativa con las que el genial escritor malagueño ha deleitado a todos los públicos: mitificado, exaltado, idealizado y, a veces, en siniestra contrapartida, grave, indecentemente vilipendiado, encontrará aquí el lector la obra completa de un autor cuya popularidad inmensa no ha dañado jamás su calidad.
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Uno de los mayores dramaturgos europeos en unaedición magistral a cargo de Mauro Armiño. El presente volumen, primero de dos dedicados al teatro de Molière, reúne cinco de sus grandes comedias,estrenadas entre 1662 y 1668, cuando su compañía conquistó los escenarios de París. En La escuela de lasmujeres tuvo su primer gran éxito, con El Tartufo desató el escándalo, en Don Juan enriqueció un nuevo mito europeo, con El misántropo ofreció un agudo análisis de la necedad, y en Anfitrión parodió los entresijos de la corte. En conjunto, estas piezas geniales no solo exponen las flaquezas humanas, sino que castigan con el ridículo aquienes más a salvo se creen de ellas. Nuestraedición, a cargo de Mauro Armiño, uno de los mejorestraductores y críticos literarios de la actualidad,se completa con una espléndida introducción, notas explicativas y noticias sobre el contexto histórico-literariode las comedias.
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Antígona. Fedra. Una altra Fedra, si us plau
Aquest volum reuneix tres obres de Salvador Espriu, centrades en dues figures mítiques gregues que la tradició occidental sempre ha tingut presents: Antígona i Fedra. Com explica Carles Miralles en el pròleg que ha escrit expressament per a aquesta edició, en la seva Antígona (escrita el 1939 i reescrita entre 1963 i 1964), Espriu replanteja la tragèdia homònima de Sòfocles: 'La mítica guerra civil tebana s'hi convertia en rerefons de la guerra civil espanyola, des del punt de vista de Catalunya ja perduda tant políticament com culturalment'. El 1937, Espriu s'havia enfrontat per primera vegada al mite de Fedra, l'esposa del rei d'Atenes enamorada del seu fillastre Hipòlit, en una esplèndida peça narrativa, quaranta anys més tard, a petició de l'actriu Núria Espert, va escriure l'obra dramàtica Una altra Fedra, si us plau, en què, valent-se del recurs del teatre dins el teatre, dóna una visió distanciada i irònica del mite.
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Representada en casi un centenar de teatros en más de veinte países, donde ha cosechado un éxito inaudito, Terror aborda sin tapujos el abrumador problema ético al que se enfrenta el ser humano en situaciones límite, invitándonos a una reflexión profunda sobre el valor y el precio de la libertad. Cada vez que se produce un atentado terrorista en un país occidental, provocando un sentimiento general de pánico y estupor en la sociedad, surge inevitablemente un dilema difícil de resolver: ¿estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad individual en aras de la seguridad colectiva? ¿Cuál es el camino correcto para preservar la democracia? Como oficial de la Fuerza Aérea de Alemania, Lars Koch debe intervenir en una situación de emergencia: un terrorista ha secuestrado un avión de Lufthansa y pretende estrellarlo contra el Allianz Arena de Múnich, donde en ese momento setenta mil espectadores asisten a un partido de fútbol internacional entre las selecciones de Alemania e Inglaterra. Contraviniendo las órdenes de sus superiores, y consciente de la responsabilidad que deberá asumir por su terrible acto, Koch derriba el aparato para impedir la masacre en el estadio, causando la muerte de las ciento sesenta y cuatro personas que viajaban a bordo. Así pues, el juicio al que se somete al infortunado piloto es el núcleo de la primera obra teatral del célebre abogado criminalista alemán Ferdinand von Schirach. Con una trama sencilla pero contundente, el autor de superventas como Crímenes y Culpa nos conmina a tomar partido como miembros del jurado popular que deberá dictar una sentencia de tintes dramáticos y consecuencias inquietantes.La crítica ha dicho...«Terror es teatro en su máxima expresión.»The Sunday Times «Una historia tan compleja que seguirás pensando en ella mucho después de que se falle la suerte del acusado.»The Times «Von Schirach senutre del legado del drama clásico como un foro donde considerar los dilemas humanos más acuciantes.»Financial Times
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Dentro del monumental legado literario de Federico García Lorca (1898- 1936), el mismo que lo consolidó como un prosista de excepción y lo encumbró como uno delos poetas más relevantes del siglo xx, quizá sea ensu vertiente como dramaturgo donde logró llevar máslejos su visión trágica del mundo. El suyo es un teatro descarnado y poético, tradicional y moderno al mismo tiempo. Marcada a partes iguales por la eleganciadel teatro modernista y la aspereza del neopopularismo, la obra dramática de Lorca se desarrolla desde lasfarsas y las comedias de juventud, Mariana Pineda (1927) o La zapatera prodigiosa (1927), hasta las tragedias y los dramas de la madurez, Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) o La casa de Bernarda Alba (1936). Todas ellas obras fundamentales de la historia de la literatura española y firmadas por un autor según el cual: 'El teatro es la poesía que se levanta del libroy se hace humana.' El presente volumen recoge toda la producción teatral de Lorca así como textos inacabados, apéndices, versiones alternativas y canciones.
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El rei Joan
Estrenada probablement el 1596, El rei Joan reprèn la crònica monàrquica que Shakespeare havia iniciat en els principis de la seva carrera. Avui, un dels motius més poderosos de l'atracció que el drama, construït amb savi equilibri, exerceix sobre nosaltres, és la seva perspicaç descripció dels mecanismes de poder. Faltar a la paraula donada sembla la constant dels reis, afalagar per tenir temps d'esmolar l'arma és una actitud normal de la qual ni tan sols escapa un personatge com el Delfí de França, presentat amb els trets amables de la joventut i d'una endevinada generositat. Els ciutadans que deixen sentir la veu, o l'actitud dels quals ens és dibuixada, poden tenir de bell nou un perfil entenedor en una època com la nostra on els avenços tecnològics han tornat a posar el poder - sobretot el poder d'anorrear - en les mans d'uns pocs. L'exclamació que Shakespeare posa a la boca del bastard, «Món guillat! Reis guillats! Conveni estúpid!», sona amb una autenticitat que sobrepassa la del mateix personatge.
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'Barlaán y Josafat'' cuenta las peripecias de un santo, Josafat, quien, apoyado por su anciano maestro, abandona el culto a los dioses paganos para abrazar lafe cristiana. Auténtica vida de un santo que, sin embargo, nunca existió como tal, pues Josafat no es otroque Buda, cuya historia había viajado durante siglosdesde la India hasta Europa, cristianizándose en elproceso e integrándose entre los muchos relatos moralizantes que en la época servían a los creyentes de ejemplos de conducta y modelos de fe.
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Por primera vez se reúnen en un volumen las cinco obras que Pablo Remón ha escrito hasta la fecha para la compañía La_Abducción. En apenas cinco años, a partir de su debut en 2013, la trayectoria de Pablo Remón le ha llevado a ocupar un lugar destacado como autor dentro del panorama teatral en castellano. Cinco obras que pueden leerse casi como novelas que combinan lo cotidiano con lo extraordinario, el humor con la gravedad dramática, la Historia con las historias minúsculas. Así, un joven de provincias está convencido de que los extraterrestres han abducido a su padre, un guionista vende su alma a una productora de cine para cumplir su sueño, un político condenado por la Justicia regresa a su tierra para sacar en procesión al santo del pueblo, la intrahistoria de la familia de un general franquista sirve de pretexto para desmitificar la transición española. Y casi siempre, de fondo, la meseta como espacio y motivo narrativo, paisaje y estado de ánimo cada vez más vacíos, símbolo de un éxodo hoy casi olvidado. Obras, en definitiva, construidas sobre el deseo y la pulsión de continuar narrando para sacar a la luz lo que somos y lo que podríamos ser. Como dice el autor: «La mejor manera de contarnos, de explicarnos dónde estamos, como individuos y como sociedad, sigue siendo contar una (o mil) historias».
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Terra baixa. Edició 2017
El gran clàssic d'Àngel GuimeràAquest drama d'Àngel Guimerà, un dels més representats en l'escena catalana, planteja un conflicte universal. La present edició posa a l'abast del lector una documentada exposició per reflexionar sobre una situació social i humana d'ahir i d'avui.
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Considerada hoy como una de las comedias más atractivas y de mayor éxito en las tablas, Don Gil de las calzas verdes es uno de los testimonios más completos de lo que fue el virtuosismo técnico de Tirsode Molina. Nos hallamos ante un compendio de originales hallazgos formales, de un hábil sincretismo entrelo popular y lo culto, de cómo explotar al máximo los diferentes juegos de identidad asociados a la ropa,a la voz y al movimiento, de recursos teatrales diseñados para modular personajes hoy considerados clásicos, y de un sentido del humor que puede leersetambién como censura de ciertas prácticas sociales.Tirso de Molina es un creador excepcionalmente dotadopara la construcción de atmósferas y paisajes. En esta obra ofrece una visión de Madrid que revela una sorprendente familiaridad con el tejido urbano.
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La publicación de estas dos obras es el resultado de un proyecto impulsado por el Instituto de Estudios Ibsenianos de la Universidad de Oslo y financiado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Noruega, con el apoyo de NORLA para traducir de nuevo todo el teatro de Ibsen. En el caso de las dos obras que presentamos, la traducción es de Cristina Gómez Baggethun y es realmente novedosa. Por un lado, como señala Ignacio García May en su esclarecedor prólogo, “Casa de muñecas es una de las obras más famosas de la historia del teatro pero también de las más asediadas por los lugares comunes y la incomprensión”. Por otra parte, Solness, el constructor llevaba cincuenta años sin publicarse en España, y fue la primera obra escrita por Ibsen tras su regreso a Noruega después de veintisiete años de exilio. Se trata de una obra maestra absoluta, un texto titánico, y seguramente uno de los más personales jamás escritos por Ibsen. Transcurridos más de cien años desde su muerte, Ibsen es, después de Shakespeare, el autor más representado en el mundo. Su genialidad, que fue continuada poco después por Strindberg y Chéjov, puso, como señala García May, “patas arriba la forma entonces convencional de escribir teatro dejando a un lado la retórica declamatoria decimonónica para introducir en los personajes eso que, a partir de Stanislavski, se popularizaría en el lenguaje teatral como “el subtexto”, es decir, aquello que no se dice pero late bajo las palabras, sujetándolas o contradiciéndolas, pero en cualquier caso dotándolas de una riqueza de significados previamente desconocida.”
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'La vida es sueño'' no solo es la obra más popular de Calderón de la Barca, sino también una de las más significativas del movimiento barroco y del teatro español de todos los tiempos. Bajo la historia del desafortunado príncipe Segismundo, reside una obra inmortal que nos habla de temas filosóficos y trascendentales, de la lucha del libre albedrío contra el destino y de la razón contra el instinto. De la fugacidad y futilidad de la vida, del papel que representa el hombre en este mundo ilusorio, perdido entre sombras y sueños.
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Botí, El
El botí (Loot), 1967, ens fa viure les peripècies d'un taüt i els seus ocupants intermitents: el corresponent cadàver i el substanciós botí fruit de l'assalt a un banc. Completen el seguici funerari, i no precisament esperant rebre el condol, el fill que no lleva l'ull del fèretre, l'amic que l'ajuda, el pare que controla les corones, la infermera que procura per la salut espiritual dels pacients i el policia exemplar, gràcies al qual, finalment, qui no la fa, la paga.
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The authoritative edition of Macbeth from The Folger Shakespeare Library, the trusted and widely used Shakespeare series for students and general readers.In 1603, James VI of Scotland ascended the English throne, becoming James I of England. London was alive with an interest in all things Scottish, and Shakespeare turned to Scottish history for material. He found a spectacle of violence and stories of traitors advised by witches and wizards, echoing James’s belief in a connection between treason and witchcraft.In depicting a man who murders to become king, Macbeth teases us with huge questions. Is Macbeth tempted by fate, or by his or his wife’s ambition? Why does their success turn to ashes?Like other plays, Macbeth speaks to each generation. Its story was once seen as that of a hero who commits an evil act and pays an enormous price. Recently, it has been applied to nations that overreach themselves and to modern alienation. The line is blurred between Macbeth’s evil and his opponents’ good, and there are new attitudes toward both witchcraft and gender.
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Pol, un joven trans, visita la consulta de una psiquiatra de la Seguridad Social para que le diagnostiquen «disforia de género». Lo necesita para poder cambiar su identidad de género ante las instituciones del Estado y de la sociedad en la que vive, que aún lo ve y lo trata, a veces, como una mujer. A lo largo de la hora que dura la sesión, Pol no solo se enfrenta a la hipocresía de una sociedad supuestamente avanzada e igualitaria, sino que también dialoga con algunos de sus propios fantasmas y con sus mejores recuerdos.
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Los temas de la vida, como comedia en El gran teatro del mundo y como mercado en El gran mercado del mundo, aparecen como pretexto para componer un cuadro general de toda la vida humana. La formalírico-dramática y demás convenciones argumentales del auto sacramental prestan un simbolismo estructurala una materia teológica subyacente. El resultado esuna alegoría universal y trascendente, que alcanza, en la primera obra, una perfecta construcción con acento marcadamente filosófico, y, en la segunda, resonancias morales con la inclusión de elementos realistas,dentro de lo que cabe en un conjunto forzosamente simbólico. En las dos resalta la maestría de Calderón,escritor sin par en esta forma dramática.
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Dentro de la producción dramática de Lope de Vega, esta comedia se enmarca en el llamado ciclo de senectute, comprendido entre 1627 y 1635. Setrata de un periodo convulso para el autor, quien, acosado por desgracias y enfermedades familiares, buscaba sin conseguirlo una relación de mecenazgo o un puesto en la corte. Uno de los rasgos más característicos de su producción de estos años es el cultivo de lamateria palatina, a la que pertenece La boba paralos otros y discreta para sí, una obra dotada deuna comicidad más mesurada que la de etapas anteriores y de una ambientación basada en los conflictos quesurgieron en el seno de la nobleza italiana por el ducado de Urbino, a principios del siglo XVI. En estedesdibujado ducado italiano, a medio camino entre lafantasía y la historia, vive nuestra protagonista, Diana, una joven audaz y criada en el campo que, tras descubrir que es hija natural del duque de Urbino, sefinge boba con el objetivo de reclamar el título de duquesa que le corresponde legítimamente. Para conseguirlo, tendrá que sortear las asechanzas de su prima Teodora, su rival en la carrera por el ducado, y actuar con astucia en una corte representada en la comediacomo un nido de cortesanos codiciosos e hipócritas.
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El epigrama comenzó siendo una inscripción en verso para conmemorar una muerte o una ofrenda y con el tiempo se convirtió en un género literario particularmente dinámico. Funerarios, votivos, eróticos, escópticos(satíricos), de adivinanza, de crítica literaria, descriptivos, narrativos, simposiacos, aritméticos, cristianos: la variedad de temas y motivos de los epigramas griegos es casi infinita. Cada epigrama es un pequeño universo que cuenta una historia completa en unpuñado de versos, a veces en apenas dos, y que llevaal límite las capacidades expresivas de la poesía. Esta antología del epigrama griego presenta un panoramacompleto del género, desde el siglo III a.C. hasta el siglo VI d.C., y muestra por qué el epigrama es unade las formas poéticas con mayor presencia en toda la literatura griega.
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Los mejores libros jamás escritos Edición de Francisco Florit Durán, catedrático de Literatura Española de la Universidad de Murcia El burlador de Sevilla significa
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Publicada en 1882, Un enemigo del pueblo no hace más que refrendar la actualidad de Henrik Ibsen (1828-1906), uno de los fundadores indiscutibles del teatro moderno. Autor de sólidas convicciones éticas, rebelde al corsé de las tradiciones, las convenciones y las imposiciones sociales, políticamente incorrecto en su día igual que hoy, la obra toca el delicado punto de la auténtica representatividad de la democracia, sujeta en el mundo real a las presiones de los intereses políticos y económicos y de los variados instrumentos de que se sirven para perpetuar un poder que puede mudar su apariencia, pero que es siempre el mismo. Prólogo de Juan Antonio Garrido Ardila
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La producción teatral de William Shakespeare (1564-1616) puede dividirse en tres grandes grupos: comedias, dramas históricos y tragedias. La presente edición reúne las diez tragedias compuestas por el genio inglés desde 1590 hasta 1607 aproximadamente. La edición corre a cargo de Ángel-Luis Pujante, reconocido especialista en Shakespeare, y se incluyen dos traducciones inéditas: Tito Andrónico (de Salvador Oliva) y Timón de Atenas (de Ángel-Luis Pujante y Salvador Oliva).
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Pocos personajes del teatro universal han conseguido la popularidad de Don Juan, que, convertido en un mito universal, encarna muy diversas pasiones humanas y suscita problemas ideológicos de toda índole. Si en el folclore europeo se documentan tradiciones del convidado de ultratumba y tampoco faltan precedentes literarios del tipo del burlador de mujeres, es innegable que la figura concreta capaz de engendrar una larguísima descendencia en muchas literaturas y géneros es El burlador de Sevilla, que Tirso de Molina alumbró en una creación genial. Se ha convertido ya en tópica hablar de las imperfecciones de la comedia y de su ruda improvisación. En la edición de Ignacio Arellano, profesor de la Universidad de Navarra, el lector podrá encontrar un texto depurado en el minucioso cortejo de fuentes, un análisis de los complejos problemas de génesis y autoría, el resumen de las principales líneas interpretativas y, en fin, una demostración crítica de la espléndida eficacia escénica y poética de la obra.
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El teatro de Alfonso Sastre es un teatro de investigación y revelación y nunca de propaganda, un teatro rico en experiencias humanas y en sutileza poética
porque Sastre comprendió desde un principio que la fuerza dramática se consigue no por el dogma, sino por la revelación social y existencial, no dando soluciones panfletarias a problemas complejos, sino preguntándose acerca de dichos problemas. Escuadra hacia la muerte es, probablemente, su obra más emblemática. En una hipotética tercera guerra mundial, un escuadrón de cinco hombres son enviados de avanzadilla para informar de los ataques enemigos. Es la historia de un grupo de hombres enfrentados con el poder que Sastre convierte en una elocuente denuncia antimilitarista y donde los más esenciales conceptos humanos, como el miedo, la lealtad, la vida o la muerte, se unen para formar un mosaico de trágicas consecuencias. Por su parte, La mordaza, obra estrenada un año después, en 1954, trata encubiertamente el tema de la dictadura, la represión y la censura. El déspota Isaías Krappo asesina a quien fue víctima suya durante una guerra civil y, aunque su familia lo sabe, sólo su nuera rompe la mordaza del silencio, compuesta de miedo, respeto y fidelidad familiar. Isaías muere en prisión y eso alivia a sus hijos.
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Aunque más conocido como uno de los poetas más importantes del siglo XX, desde el comienzo de su carrera William Butler Yeats entendió que el valor de sus obras y su poesía era el mismo. En 1923, cuando aceptó el Premio Nobel de Literatura, Yeats sugirió que «quizás los comités ingleses nunca les hubieran enviado mi nombre si no hubiera escrito obras de teatro... si mi poesía lírica no hubiera tenido la calidad del habla practicada en el escenario». De hecho, el gran logro de Yeats en poesía no debería oscurecer sus impresionantes e innovadores logros como dramaturgo. Este libro reúne las obras en el orden final en el que Yeats planeó que se publicaran y permite a los lectores ver claramente, por primera vez, las formas en que evolucionaron las muy diferentes formas dramáticas de Yeats a lo largo de su vida, y apreciar completamente la importancia del teatro en la obra de este gran poeta moderno.
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El Jardí Dels Cirerers
En 1904, Anton Txèkhov va estrenar aquesta obra, la darrera de la seua trajectòria. Al cap d'un segle, Manuel Molins n'ha fet una versió que manté tota la força de l'original i l'acosta alhora al llenguatge i la sensibilitat dels nostres dies. Ens emocionarem davant d'aquesta història sobre la caiguda de l'aristocràcia russa i l'ascens de noves classes socials.
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Festa d'aniversari, La
Aquest volum recull dues obres mestres del Premi Nobel de Literatura Harold Pinter. Dos treballs que tracten sobre la lluita de poder i l'ambigüitat de la victòria o la derrota, temes que recorren bona part de l'obra pinteriana. La festa d'aniversari ha esdevingut, amb el temps, un dels treballs més emblemàtics de l'autor. Stanley Webber es refugia en una pensió a vora mar per a oblidar un passat fosc. Un dia arriben dos emissaris d'una organització tenebrosa i, aleshores, diversos interrogants atrapen el lector-espectador. De què fuig Stanley? Quina relació va tenir amb els sicaris? Per què vénen a buscar-lo? L'altra peça del volum, El porter, va constituir el primer èxit de Pinter. Aston rescata un vagabund d'una baralla i el convida a viure amb ell. Prompte el captaire maquina desfer-se d'Aston, malgrat la generositat del seu benefactor, a fi de guanyar-se el favor del germà ric, que és alhora el propietari de l'edifici on s'allotgen.
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José Luis Alonso de Santos encontró desde la primera representación teatral de Bajarse al moro la fortuna del éxito. Madrid, los años 80 y cuatro jóvenes como tantos constituyen el espacio, el tiempo y los protagonistas de la obra. Su fuente de inspiración, la realidad que le rodea, haciendo resaltar una serie de códigos circunstanciales que operan en el mundo cotidiano y que el autor considera relevantes y el público familiares. Con esta edición se pretende dejar constancia de algo que es fundamental en esta obra: su lenguaje caliente , la expresión de una forma de entender la vida.
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La filla del mar
La filla del mar és un dels drames més coneguts d'Àngel Guimerà, representat moltes vegades als nostres teatres. L'adaptem ara al còmic amb l'esperit juganer de les posades en escena contemporànies. La lectura mostra els vincles que la història de Guimerà encara té amb nosaltres: l'amor, la gelosia, les pressions de la comunitat cap a qui és diferent o ha arribat de fora, la por, les diferències de classe. Quim Noguero i Josemaría Casanovas n'han fet una versió àgil, actual, amb picades d'ullet al lector cap a d'altres obres de Guimerà, per tal de ser fidels alhora al text i al llegat del dramaturg. Un proemi de l'escriptor Màrius Serra, el making of de l'adaptador, Quim Noguero, i un epíleg del guionista Hernán Migoya acompanyen aquest còmic amb què encetem col·lecció.
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Con la presente edición del Teatro completo de César Vallejo, que permite, por primera vez, la consulta de la edición facsimilar y dactilográfica, realizamos un extenso recorrido que se inicia con Los topos y termina con La piedra cansada. En total son doce obras póstumas en las que las influencias de autores como Piscator, Eisenstein, Kirshon o Tairov van a ser decisivas a la hora de dar respuesta a una nueva concepción de los espacios escénicos, al igual que ya estaba operando desde su poesía ese «asalto al lenguaje», «el habla plural» que le convertiría en uno de los herederos de la universalidad.
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Teatre d'aficionats
Teatre d'aficionats aplega traduccions de comèdies sentimentals, escrits propis i monòlegs de Narcís Oller. Segons afirma Ramon Bacardit en el pròleg, la producción teatral de Narcís Oller respon als mateixos estímuls literaris que orientaren la seva pro
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Este volumen recoge las obras completas de una autora imprescindible, Sarah Kane. Blasted (Devastados), Skin (Skin, una película de 10 minutos), Phaedra’s Love (El amor de Fedra), Cleansed (Purificados), Crave (Ansia) y 4.48 Psychosis (4.48 Psicosis) fueron escritas a lo largo de los cinco últimos años de la autora, que se suicidó con tan solo 28 años. La obra de Sarah Kane pone en escena preocupaciones que apelan a lo más íntimo del ser humano. El universo temático de su obra abarca desde inquietudes metafísicas o el tratamiento de los grandes universales hasta cuestiones relativas a los estudios del trauma, la identidad o el propio proceso creativo y, aunque cada una de sus obras es, literalmente, un mundo, es posible reconocer en ellas, sin embargo, una serie de paisajes que se reiteran: la muerte, el amor, la enfermedad y la violencia.
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Anne Carson nos entrega no sólo una parodia que muestra un sentido ético y estético en su más elevada dimensión. La Guerra de Troya es el pretexto para urdir el texto, para bordarlo, abordarlo desde el origen de la palabra guerra y sus derivados: pelea, combate, batalla, lanza, muerte, violación, crimen, abandono, sinsentido, deshumanización, todo acto que navega en contra de lo que debería ser el último fin de nuestra existencia. No hemos sabido escuchar, no hemos sabido descifrar ni mucho menos cuestionarnos. La lucidez y erudición de Anne Carson nos llevan a navegar hacia un puerto en el que no sabemos si es la muerte misma la que nos espera o si es una niña violada o el infierno o una madre en su más ahogada desesperación. La palabra que no está sustentada en un texto tramado desde su raíz etimológica no tiene sentido en la concepción literaria de esta autora. Ella nos ha entregado las versiones más frescas y actuales de Safo, Catulo, Eurípides... para presentarnos en este innovador libro a una Helena de Troya, símbolo de la pérdida del sentido, del amor. Carson nos dice que bordamos el tapiz del mundo como ciegos, sumidos en una indiferencia lacerante que atropella otras vidas sin siquiera darnos cuenta. En nueve lecciones de historia, con sus concomitantes enseñanzas, la poeta desarrolla un pensamiento por asociaciones que entrega al lector con su usual dejo de ironía, y una indignación punzante. Muestra que hemos puesto en la guerra una obtusa forma de obtener la gloria, eso que llamamos poder, posesión, mancha, sangre, ceguera. Vivimos en la oscuridad navegando hacia la orilla donde se libra una guerra que no sabemos cómo se inició. Al hacerlo, obnubilamos el otro lado del dolor, es decir, la altísima belleza que todo dolor trascendido alcanza.
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Segundo tomo de las obras esenciales de Molière, uno de los mayores dramaturgos de la literatura europea, a cargo de Mauro Armiño El presentevolumen, con el que completamos nuestra selección delteatro de Molière, reúne cinco de sus grandes comedias, estrenadas entre 1668 y 1673, durante el último lustro de vida del autor. Jorge Dandín castigalossueños de ascenso social, El avaro ataca la codicia de la burguesía en el siglo xvii, El burgués gentilhombre satiriza los códigos huecos dela aristocracia, Las mujeres sabias pone el puntode mira en la pedantería, y El enfermo imaginario ironiza sobre los límites subjetivos de la salud.En estas piezas tardías, el inigualable comediógrafoamplía su registro hasta alcanzar por momentos el sentimiento trágico de la vida. Nuestra edición,a cargo de Mauro Armiño, uno de los grandes traductores y críticos literarios de la actualidad, se completa con notas explicativas y cuidadas noticias sobre el contexto histórico-literario de las comedias.
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La muerte de un viajante está unánimementeconsiderada la obra cumbre de Arthur Miller. La fuerza de la historia reside tanto en lo que cuenta como en la manera de contarlo. La obra nos relata las últimas veinticuatro horas en la vida de un viajante de sesenta y tres años llamado Willy Loman, con un magistral retrato de unos personajes que, siendo portavocesde una época, son por encima de todo únicos y singulares, en una atmósfera onírica, inquietante y emotiva.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva sobre todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituirla intensidad emocional ligada al teatro tradicionalpor el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este volumen, correspondiente al noveno de la serie que recoge su «Teatro completo», incluye dos obras escritas entre 1940 y 1943: '' La evitable ascensión de Arturo Ui '' (una sátira de Adolf Hitler) y '' Las visiones de Simone Machard '' . Traducción de Miguel Sáenz
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.