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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Mar i cel
Mar i cel (1888) és la tragèdia en vers més destacada de l'obra de Guimerà. Representa el moment culminant de la tràgedia en vers de temàtica històrica de Guimerà, que a partir d'aquest moment es decanta cap a un teatre de caràcter realista i naturalista. L'obra narra l'amor impossible d'una cristiana captiva, Blanca, i el pirata morisc que l'ha capturat, Saïd. La societat els ha col·locat en mons oposats i irreconciliables, però ells s'hi rebel·len i opten per seguir la seva passió, costi el que costi. Introducció, edició, notes i proposta didàctica de Sergi Marí.Sergi Marí (Maó, 1962) és economista, actor i dramaturg. Ha publicat diversos contes infantils i és membre de la companyia de teatre La Clota i de l'Associació de Contacontes i Rondallaires de Menorca. Estudia direcció escènica a l'Institut del Teatre de Barcelona.¿A quién va dirigido el libro ?Mar i cel de Àngel Guimerà, en esta edición, se dirige a un público amplio interesado en la literatura catalana, el teatro clásico y las tragedias románticas. Su lenguaje, aunque escrito en verso, es accesible para lectores con un nivel medio de catalán. La inclusión de una introducción, notas y propuesta didáctica lo convierte en una obra útil para estudiantes de literatura catalana o para aquellos que deseen profundizar en la obra de Guimerà. La edición también puede atraer a lectores interesados en la historia y las relaciones interpersonales en contextos de conflicto social y religioso.Temas que trata el libro Mar i cel explora diversos temas de manera entrelazada:Amor imposible: La obra se centra en la relación prohibida entre Blanca, una cristiana cautiva, y Said, un pirata musulmán. Este amor se presenta como un desafío a las convenciones sociales y religiosas de la época. El conflicto interno de los personajes, debatiéndose entre su pasión y las imposiciones sociales, es un elemento central de la trama.Conflicto religioso y cultural: La obra refleja el choque entre dos mundos irreconciliables: el mundo cristiano y el mundo musulmán. Las diferencias religiosas y culturales se presentan como un obstáculo insuperable para el amor entre los protagonistas. La obra no solo presenta este conflicto, sino que también lo utiliza para explorar la complejidad de la identidad y la pertenencia.Venganza y perdón: Said, el pirata, busca venganza contra los cristianos por la expulsión de los moriscos. Sin embargo, su encuentro con Blanca le lleva a cuestionar sus creencias y a considerar el perdón. Este tema añade una capa de complejidad moral a la historia de amor.Libertad y opresión: Los personajes se encuentran oprimidos por las circunstancias sociales y políticas de su tiempo. Su búsqueda de libertad se manifiesta tanto en su lucha por su amor como en su resistencia a las estructuras de poder. La obra explora la naturaleza de la libertad individual frente a las fuerzas sociales que intentan controlarla.La condición humana: Más allá de los temas específicos, la obra explora la condición humana en su universalidad. El amor, el odio, la venganza, el perdón, la libertad y la opresión son temas que trascienden las barreras culturales y temporales, resonando con la experiencia humana a lo largo de la historia.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Aún no hay opiniones o críticas sobre Mar i cel disponibles para su inclusión en este resumen.
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Només una vegada
En Pau és novel.lista i l'Eva, editora. Són parella des de fa anys. Un dia ell li va pegar, i una amiga va denunciar l'agressió. Només va ser una vegada. Ara cap dels dos té ganes de parlar-ne, però no tindran més remei que fer una teràpia obligatòria a
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El futur
El futur. La noia jove coneix l'home estranger. Podria no haver passat, però passa. L'home estranger fuig del seu passat. La noia jove fuig del seu futur. L'home estranger vol anar a Estocolm per trobar-se amb algú, però hi ha problemes. De burocràcia. I de fronteres. L'home elegant assaja un discurs. La dona sueca parla en futur. La noia jove s'acaba de treure el carnet de conduir i vol fer alguna cosa perquè el seu pare s'enfadi de veritat. I justament fa tres dies que l'home elegant s'ha comprat un cotxe nou.Tota aquesta història podria no haver passat, però passa. Ha passat. Passarà. El futur és aquella cosa que, quan arriba, deixa d'existir. Es pot fugir d'allò que encara no existeix? Existeix la síndrome d'Estocolm?
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Ricardo Bastid comenzó a escribir una obra de teatro tras su llegada a Buenos Aires en 1957, pero enseguida se concentró en un tríptico sobre guerra, posguerra y exilio compuesto por el relato Contramina, la novela testimonial Puerta del Sol y la novela de artista Los años enterrados. La censura que sufrieron estas narraciones lo llevó además a participar en debates transatlánticos sobre libertad de expresión y posibilismo teatral. Cuando retomó el proyecto dramático en 1965-1966, su forma de entender la creación y el sistema literario era ya muy distinta. El resultado de todo ello es una tragedia ambientada durante la II Guerra Mundial en un país ocupado por las tropas alemanas. A lo largo de tres actos, varias personas recluidas en el sótano de una casa aldeana se ven forzadas a confrontar sus relatos personales para ofrecer una confesión o una delación a los miembros de la Gestapo, quienes amenazan con fusilar al resto de rehenes del pueblo antes de la medianoche. A través del espacio y el tiempo escénico, Mientras sale la luna continúa aquella alegoría de la existencia como inhumación colectiva con nuevas reflexiones sobre la violencia y la espiritualidad contemporáneas. Drama ambientado en la II Guerra Mundial. Un alegato humanista contra los totalitarismos y la represión. Ricardo Bastid (Valencia, 1919-Buenos Aires, 1966) descubre muy pronto el compromiso político y la creación artística. Todavía adolescente, combate como voluntario republicano en la Guerra Civil y, tras la derrota, se oculta de la persecución policial en casas de familiares. A mediados de los años cuarenta participa de la movilización estudiantil madrileña, lo cual se traduce en casi tres años de prisión junto a compañeros del antifranquismo. Al recibir la libertad condicional, retoma su carrera de pintor y frecuenta las tertulias de Lisboa y Sésamo. Una nueva detención desemboca primero en una huida hacia París el verano de 1956 y meses más tarde en el definitivo desembarco en Buenos Aires. Allí compagina trabajos estables en las editoriales Losada, Fabril y Códex con otras colaboraciones puntuales como conferenciante, periodista o traductor, al mismo tiempo que desarrolla su obra plástica y literaria, de la que solo trascendió su novela Puerta del Sol. Uno de sus manuscritos inéditos, el de la novela Los años enterrados, ha sido recuperado para la colección Biblioteca del Exilio de la editorial Renacimiento en 2021. Pablo Allepuz. Investiga las relaciones entre arte y autobiografía en la España contemporánea. Es doctor en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Óscar Chaves. Investiga la incidencia de la violencia política en la cultura visual de la España contemporánea. Es doctor en Historia por la Universidad Complutense de Madrid.
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«Hay cosas encerradas detrás de los muros que no pueden cambiar porque nadie las oye». Una novia no acude a su boda. Una campesina no logra quedarse embarazada. Una viuda impone a sus cinco hijas su riguroso luto. Las mujeres que protagonizan estos dramas rurales buscan a la luz de la luna un arroyo en la tierra árida del matrimonio, la maternidad y la viudedad, pero solo desentierran violencia, soledad y silencio. La Trilogía rural de Federico García Lorca, compuesta por Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) y La casa de Bernarda Alba (1936), es uno de los mayores hitos de la literatura española. En las miradas que ha ilustrado Javi Cohen para esta edición brilla como en las propias obras la pasión, la venganza, la culpa, la desesperación y, por encima de todo, la represión de la mujer en la España rural de principios del siglo XX. «Lorca es un pozo sin fondo». - Ian Gibson
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Sergi Belbel es uno de los dramaturgos contemporáneos más importantes en catalán y español. En su teatro predominan la parodia, el humor negro y lo cómico, aunque siempre ahonda en las relaciones interpersonales y en los problemas cotidianos de la gente. Belbel es capaz de presentar situaciones extremas con una naturalidad asombrosa a partir de una sucesión de escenas con un alto valor artístico y llenas de suspense. Varias de sus obras han sido llevadas al cine por el director Ventura Pons y, recientemente, Si no te hubiese conocido ha tenido una versión en formato de serie gracias a DiagonalTV, TV3 y Netflix. En El tiempo de Planck, miembros de una familia afrontan la futura muerte de su padre, cada uno a su manera. En Forasteros (melodrama familiar en dos tiempos), vemos a madres, padres e hijos que luchan por mantener la memoria de sus parientes ausentes. En Móvil (comedia telefónica digital, madres e hijos, durante un atentado terrorista, se enfrascan en enredos por intentar comunicarse unos con otros. En la Toscana cuenta la historia de una pareja que compone un paraíso falso alrededor del recuerdo de unas vacaciones absolutamente ideales. En Fuera de juego conocemos a personajes que, ante un momento de crisis económica, deberán tomar caminos inesperados. En Si no te hubiese conocido (fantasía romántica cuántica en once escenas y un epílogo), después de la pérdida de su familia, el protagonista viaja a un universo paralelo para poder darle a su familia un destino diferente. Las rosas de la vida (gamberradas para dos actrices, dos actores y un perro) nos presenta personajes que divagan al conversar, que discuten cosas sin razón y que ríen y lloran sin motivo aparente.
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A classic of 20th-century theatre, Ariel Dorfman's Death and the Maiden ran for a year in the West End, was a hit on Broadway and was filmed by Roman Polanski starring Ben Kingsley and Sigourney Weaver.A woman seeks revenge when the man she believes to have been her torturer happens to re-enter her life.Death and the Maiden was given a first reading at the Institute for Contemporary Art in London in November 1990. After a workshop production staged in Santiago, Chile, in March 1991, the play had its world premiere at the Royal Court Upstairs, London, in July 1991, transferring to the Main Stage at the Royal Court in October.The play then transferred to the West End, at the Duke of York's Theatre, in February 1992.Death and the Maiden won the 1992 Olivier Award for Best New Play.
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Este número doble dedicado al teatro rinde tributo a la figura de Federico García Lorca y a su poemario Poeta en Nueva York. Dramaturgo y obra son la metáfora perfecta, la imagen en la que sintetizar la relación de lo hispano, las artes escénicas y la Gran Manzana. Los autores invitados a este especial son dramaturgos y tienen en común, además de la lengua y su amor por el teatro, a Poeta en Nueva York como parte de su acervo cultural. Todos ellos tienen un lugar asignado dentro de las diez partes en que se divide la obra original, de la que reinterpretan imágenes, temáticas o poemas. Así, el lector encontrará, en estas páginas, géneros dispares: escenas, narraciones, prosas poéticas, apuntes, ensayos breves, fragmentos de obras. Al igual que García Lorca representó en él la ciudad moderna y sus conflictos: capitalismo, explotación, sexualidad, negritud, discriminación y deshumanización, en estas páginas se representa una metrópolis en tiempos posmodernos. Páginas incómodas que, cien años después, repiten temas y argumentos e invitan a la reflexión y al cambio.
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La rebelión del pueblo de Fuente Ovejuna ante los excesos de Fernán Gómez, comendador de Calatrava, aparece mencionada en varias crónicas históricas. Lope de Vega se inspiró en una de ellas para crear su conocidísima y celebradísima obra teatral, que tenía como trasfondo político las luchas de la nobleza por un poder que había iniciado la transición de un régimen feudal atomizado a la implantación de una monarquía más sólida.En manos de Lope, el texto cobra una complejidad y un interés excepcional, en el que lo literario trasciende lo ideológico y en el que son fundamentales los debates sobre el orden establecido, la honra, el sentimiento de comunidad y el amor.
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La desaparició de Wendy
La desaparició de Wendy. Una companyia de teatre està a punt de començar la representació infantil de l'obra Peter Pan, però un problema amb els decorats els obliga a fer un canvi sobtat de repertori i distorsionar una mica l'argument.
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Mientras limpian una de las habitaciones de un prestigioso hotel de cinco estrellas, dos mujeres recuerdan tres disparatadas historias que se desarrollaron en esa habitación, donde los protagonistas son tres mujeres de 'vida alegre' y -sus parejas- tres hombres con sus propios problemas. En tono de humor, se van desvelando los caracteres de cada uno de los personajes, sus deseos y sus necesidades, que parecen muy alejados del lugar donde se desarrollan los hechos. Con diálogos fluidos y la maestría literaria de Juan José Alonso Millán, la lectura de esta obra -una de sus más aplaudidas y reconocidas- es una garantía de diversión, en la que al lector le será muy difícil contener la risa.
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Con un estilo ágil y desenfadado, diálogos rápidos ygran conocimiento de la carpintería teatral, nos cuenta cómo Lope de Vega desveló en La Dorotea su apasionada relación juvenil con Elena Osorio, su gran amor.En Lope y sus Doroteas, Lope, ya cláerigo, redacta estas memorias con su hija —llamada «sobrina»—, Antoñita, por la que bebe los vientos. Pero la niña, enamorada de un Tenorio real, se le subleva. Lope tendrá a su lado a su «más que ama de llaves», Lorenza Sánchez.En la obra hay amor y desamor, celestineos y conquistas…, y el inevitable relevo generacional. En escenaestán desde el emergente Calderón hasta el teatrero Felipe IV. Mucha vis comica, y una excelente introducción al mundo final de Lope.
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Else & Henry es una obra sobre el amor entre dos personas que va más allá de los límites de la muerte. Else, el amor de su vida, ruega a Henry que acabe con su dolor, precipitando su muerte. ¿Lo hará Henry? ¿Lo harías tú?
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EL SÍ DE LAS NIÑAS, comedia de crítica social, es considerada la obra maestra de Moratín. Doña Irene, viuda y madre de Paquita, concierta el matrimonio de su hija con don Diego, un rico solterón. La aparición de don Carlos, sobrino de don Diego, vendrá a frustrar los planes de la viuda.
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Cuando deje de llover es la historia de cuatro generaciones de una misma saga familiar que se mueve por Europa y Australia entre 1959 y 2039. Es un potente drama que viaja al corazón de los lazos familiares y muestra una inmensa empatía hacia el ser humano y su complejidad, con sorprendentes toques de humor, poesía yesperanza. Las cosas que sé que son verdad presentaa Bob y Fran, una pareja que ha trabajado duramente toda su vida para ofrecer a sus hijos las oportunidades que ellos nunca tuvieron. Ahora que sus hijos tienen su propia vida es el momento de relajarse y disfrutar. Pero el cambio de las estaciones del año, como metáfora de las transformaciones que ocurren en la vida, traerá verdades ocultas que nos harán cuestionarnossi quizás en las familias el amor que se da es excesivo.
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«El alcalde de Zalamea» es una de las obras más populares de Calderón de la Barca y contiene todos los grandes ingredientes de la literatura universal: venganza, pasión, crimen, honor, orgullo, justicia, lucha de clases... Esta universalidad unida a la maestría en la dramatización es lo que hace de esta obra publicada en 1651 un clásico imprescindible, un texto sorprendentemente actual pese a haber sido escrito hace más de tres siglos.
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Juan Ignacio y José Ángel son dos cuarentones, dos «perdedores» que ven cómo su vida se desliza entre el sofá y el televisor— Hasta que deciden «ponerse las pilas». En ese mismo momento, la cosa se descontrola y todo salta por los aires, desencadenando una gozosa comedia sobre lo absurdo del éxito: una inigualable parodia sobre el esfuerzo, salpimentada por un gran desbarajuste con multitud de sorpresas e invitados inesperados (el fontanero del Titanic, Grace Kelly, Hitler, Manson, Chuck Norris...). Presentamos ahora una adaptación —para que la lectura sea más ágil— del texto que fue llevado al teatro por Pánico Escénico (la compañía de Álex de la Iglesia) y Elemental Films, con la participación de Enrique Martínez (Juan Ignacio) y de Manuel Tallafé (José Ángel). Este texto, que ya ocupa un lugar especial entre los absurdos más desopilantes, está condenado a convertirse en un clásico del humor.
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Como sucede casi siempre en las comedias de Lope de Vega, Yo me entiendo tiene como tema el amor entre jóvenes. En un pueblo de Florencia, dos hermanas, Belisa y Florela, aman al mismo joven, Carlos. Este quiere a Belisa, pero la acusa de haber despertado el amor de Alejandro, el duque de la ciudad, un hombre que solo persigue el placer. Los celos desencadenan la acción de la obra y un final sorprendente.La atribución de esta comedia extraviada a Lope de Vega ha seguido un tortuoso camino hasta que por fin el profesor Donald McGrady, tras un largo proceso de investigación que atestigua en su prólogo, ha conseguido despejar las dudas sobre su autoría. Un hallazgo filológico indiscutible que se suma a la lista de obras recuperadas de Lope y que supone una celebración de primer nivel para las letras españolas.
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Tras haber obtenido en mayo de 1635 la licencia para la Parte XXI, el 21 de junio Lope la obtuvo para la Ventidós parte perfeta, que no llegaría a ver publicada, pues murió el 25 de agosto. No sabemos si fue el mismo dramaturgo quien escogió los textos allí reunidos, la duda se impone a la vista del caso de Amor, pleito y desafío, bajo cuyo título se publica por error Ganar amigos, de Juan Ruiz de Alarcón. Todas las piezas que integran el volumen fueron compuestas entre 1615 y 1631, y es llamativa la ausencia de tragedias y tragicomedias, así como la preponderancia de comedias palatinas, alguna de ellas con ribetes historiales (La primera información, La mayor vitoria, La carbonera, El labrador venturoso, Amor, pleito y desafío, Nadie se conoce), y de comedias urbanas (Amar sin saber a quién, No son todos ruiseñores, Amar, servir y esperar, Quien todo lo quiere). La docena de obras se completa con dos comedias de tema religioso, una hagiográfica (La vida de san Pedro Nolasco) y otra bíblica (Los trabajos de Jacob).
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En este sexto volumen del Teatro Caníbal Completo, de Morales Lomas, se pueden encontrar las siguientes obras: La plaza del caníbal, Boca a boca, Juegos caníbales, La familia, El hospital, El banco espiritual, La visita, Prohibido fumar, El lagarto, La funeraria y Relajación. Un conjunto de obras que, como señala el catedrático de Literatura Española Francisco Gutiérrez Carbajo, apelan a los temas universales de la vida, como el amor, el humor, la muerte , siempre tratados con gran originalidad, tino y sabiduría, y en las que el proceder de Morales Lomas, como el de los buenos maestros, es comparable al de los antiguos orífices. Va puliendo minuciosa y detalladamente sus piezas para que funcionen como un perfecto mecanismo de relojería. Nada lo deja a la improvisación. Son obras que entran de lleno en el ser humano, en sus contradicciones, en su irrelevancia, en sus miserias y en su sabiduría para mostrar nuestra esencia como seres humanos en una sociedad siempre motivo para ser criticada y constante objeto de atención por el dramaturgo giennense.
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Sergi Belbel es uno de los dramaturgos contemporáneos más importantes en catalán y español. En su teatro predominan la parodia, el humor negro y lo cómico, aunque siempre ahonda en las relaciones interpersonales y en los problemas cotidianos de la gente. Belbel es capaz de presentar situaciones extremas con una naturalidad asombrosa a partir de una sucesión de escenas con un alto valor artístico y llenas de suspense. Varias de sus obras han sido llevadas al cine por el director Ventura Pons y, recientemente, Si no te hubiese conocido ha tenido una versión en formato de serie gracias a DiagonalTV, TV3 y Netflix. En Calidoscopios y faros de hoy, se desarrollan las vidas y los pensamientos de André Gide y Virginia Woolf, y de una pareja actual que, en principio, poco tiene que ver con ellos. Elsa Schneider nos muestra las historias trágicas de tres mujeres acosadas por problemas familiares que se tornan insostenibles. Tàlem (lecho conyugal) desnuda las relaciones entre parejas incapaces de entablar acercamiento alguno. En Caricias, presenciamos la ausencia total de relaciones interpersonales y una búsqueda desesperada por hallar un poco de afecto en una gran ciudad que puede ser cualquiera. En Después de la lluvia, la rutina y las insatisfacciones de varios trabajadores adictos a la nicotina los pondrán al filo de la desgracia. Morir (un instante antes de morir) expone las diferentes formas de morir de manera imprevista o de evitar la muerte. En La sangre, observamos la marginación y la descomposición social de los individuos a través de un secuestro político.
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Lo fingido verdadero es en su primer acto un drama histórico sobre el ascenso del emperador Diocleciano, una comedia de capa y espada en el segundo, y se cierra como una comedia de santos que va mucho más allá de la mera pieza hagiográfica. Esta sorprendente mezcla de géneros teatrales se convierte en manos de Lope una sólida obra que casi es una puesta en práctica de la declaración teórica que es el Arte nuevo de hacer comedias.Poco leída en su época, Lo fingido verdadero es hoy una obra celebrada por la crítica, entre otras razones, por su unidad temática a pesar de su diversidad expositiva, por la complejidad del personaje de Ginés, y, sobre todo, por su cuidada construcción del mecanismo del teatro dentro del teatro, que bascula entre la ficción y la realidad.
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Marta Buchaca siempre explora la ambivalencia entre el drama y la comedia describiendo e intercalando las intensas emociones de los momentos trágicos de nuestra vida con los sucesos más hilarantes. Temas como el suicidio son tratados con humor en «Litus», donde un joven está más preocupado por la ruptura con su pareja que por el trágico final de su amigo, «Rita», donde dos hermanos se plantean la necesidad de abandonar lo que tanto aman, «Kramig», que retrata el día a día de una pareja que está esperando un bebé, «Losers», una comedia romántica sobre el descubrimiento del amor, «Playoff», una tragicomedia que transcurre en un vestuario de un equipo de fútbol femenino, y «¿Cuánto me queda?», una comedia en la que un hombre al que solo le queda un mes de vida quiere asegurarse de que su mujer sea feliz cuando él muera. «Solo una vez» es la obra que quizá explora con mayor seriedad, y sin tanto humor, el maltrato que sufre una mujer por parte de su pareja.
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Mantener los textos en su integridad no es respetarlos, sino lastrarlos con el peso del tiempo, pero alterarlos sustancialmente y hacerlos irreconocibles es una práctica que debe ser declarada. Pasar un texto nuevo como una simple adaptación del original de otro autor es inadecuado. Todos los escritores se inspiran unos en otros. Pedro Víllora nos presenta en este libro algunas adaptaciones que son deudoras de la pragmática, cada una responde a necesidades diferentes que han exigido soluciones y procedimientos distintos. Desde el «Auto de los Reyes Magos» hasta Lope de Vega y Calderón de la Barca, desde Molière hasta Ibsen pasando por Pardo Bazán, Musset, Maupassant o Lovecraft, el autor nos introduce en un mundo de reescrituras demostrando que es uno de los principales artífices en nuestro país en este ámbito.
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L'home de l'aigua
L'home de l'aigua (1958) és la història d'un home bo que lluita amb la terra i la natura amb què conviu i estima, com ho fa també amb els seus veïns i les seues supersticions. L'entrada en escena d'un personatge femení amb certs aires de misteri hi introdueix l'amor i el conflicte. Una trama d'ara i de sempre que és capaç de captivar-nos per la seua humanitat.
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Entreacte(s)
Hem convocat vint-i-cinc signatures per celebrar el bon moment de la dramatúrgia catalana d'aquest primer quart del segle XXI. A partir de la iniciativa de la revista Entreacte, recuperem un format sovint oblidat com és el del teatre breu i recollim les peces que han escrit expressament per a l'ocasió algunes de les veus més destacades de la cartellera actual juntament amb una obra de Josep Maria Benet i Jornet, que tanca el volum a tall d'homenatge. El conjunt dels textos, plantejats amb plena llibertat temàtica i d'estil, constitueix un retrat heterogeni que fa d'aquest llibre un compendi únic de dramatúrgia catalana contemporània.
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Mozart i Salieri i les Petites tregèdies
Durant la tardor de 1830 el poeta A. S. Puixkin es va veure confinat en la propietat familiar de Bóldino, al sud-est de Nijni Novgorod, quan es dirigia a Moscou, on l'esperava la seva promesa i on hi havia tancada l'entrada per quarantena degut a una epidèmia de pesta. Aquella tardor a Bóldino va resultar extraordinàriament productiva. Entre altres obres, allà va néixer un cicle de quatre miniatures teatrals, conegudes com a «petites tragèdies»: Mozart i Salieri, El convidat de pedra, El festí en temps de pesta i El cavaller avar. Es tracta de quatre obres de contingut filosòfic i psicològic entorn de tipus literaris universals, en diàleg amb les versions europees anteriors sobre el tema corresponent, el fil conductor és l'anàlisi d'una passió i l'enfrontament entre una figura paterna i una de filial. L'enveja com a pulsió que acaba empenyent a l'assassinat, l'amor que provoca el trencament de les normes de comportament ètic imposades per la societat, la rebel·lió, l'instint del risc, la provocació sacrilega, i l'avarícia que provoca la confrontació entre pare i fill... Són les passions que suren a les pàgines d'aquestes petites tragèdies>> Més enllà de morals, filosofies i interpretacions, convidem el lector que es deixi seduir per l'elegància, la lleugeresa, el laconisme i la profunditat de reflexió que s'amaga al fons de les escenes i paraules aparentment més simples. Que, en definitiva, es deixi seduir per Puixkin.
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Scaramouche
El musical Scaramouche és una comèdia com el moviment de les espases, àgil i ràpida. Aquest espectacle ha estat concebut com una obra que vol reivindicar la cultura i l'entreteniment. Ambientat dins el context de la Revolució Francesa, ens farà reflexiona
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Lucrecia Borja
Lucrècia Borja és una de les obres més representatives del teatre didàctic de Victor Hugo i ha passat a la posteritat com un dels textos que més han ajudat a nodrir la llegenda negra dels Borja, la família valenciana més poderosa del Renaixement. La vida de Lucrècia va estar envoltada d'històries fosques, matrimonis de conveniència i traïcions, que han contribuït a fer més gran el mite dels Borja. Un drama colpit per l'amor, la traïció i la mort en el marc d'una Itàlia renaixentista dominada pel poder del papa Alexandre VI.
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Friedrich Schiller comenzó a escribir ''Los bandidos'' cuando apenas tenía diecisiete años y era alumno de la Academia Superior Militar. Esta institución, máxima expresión de un absolutismo ilustrado en su versión más represiva, acogía en su seno a los jóvenes más capacitados del reino, rigurosamente seleccionados para ser formados en carreras técnicas y administrativas, con el fin de crear una reserva de talentos destinados a trabajar en los más altos puestos del estado. Los incidentes que se produjeron durante el estreno de la obra y la insostenible situación que le creo al autor llevaron a Schiller a dar el amargo paso del autoexilio y abocaron, sin embargo, a ''Los bandidos'' a una carrera teatral imparable. ''Los bandidos'' se inscribe en las tendencias dramatúrgicas de la Ilustración y del ''Sturm und Drang'', con un lenguaje provocativo y en ocasiones soez. Pero también tiene muchos rasgos extemporáneos que están en claro contraste con esas dos tendencias: la falta de naturalidad y espontaneidad, el patetismo que a veces roza el ridículo, rasgos escénicos regresivos que combinados con las más radicales manifestaciones fundamentan y configuran el rango extraordinario de esta historia de dos hermanos enemigos y antagónicos, unidos, sin embargo, por el enfrentamiento con el padre.
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Presentamos una edición de «El burlador de Sevilla y convidado de piedra», de Tirso de Molina, un gran clásico del teatro del siglo de oro español, en que aparece el mito de don Juan. Tal como apunta la profesora Lola Esteva de Llobet, la autora del estudio introductorio de esta edición, «uno de los grandes aciertos del teatro de Tirso es la creación de caracteres y de perfiles psicológicos en la configuración de los personajes, consiguiendo una variada galería de caracteres individuales [...]. Respecto a don Juan, Tirso se muestra inmisericorde, no obstante, la popularidad y desfachatez del libertino sevillano le convierten en mito».
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Maria Rosa
Maria Rosa (1894) és un drama social i amorós, ambientat en la classe obrera, que forma part del cicle més reeixit d'Àngel Guimerà, al costat de Terra baixa i La filla del mar. És una obra determinant d'Àngel Guimerà en la creació d'un model dramàtic propi i, alhora, és el drama que arrodoneix la seva aproximació al realisme. Hi trobem una síntesi entre la visió realista / naturalista, que reforça la sensació de «veritat», i la dimensió tràgica, que accentua el caràcter simbòlic dels protagonistes i dels elements que els envolten. La pervivència de Maria Rosa en l'escena constata la seva consideració d'obra clàssica i canònica del teatre català. Aquesta edició voldria assajar una lectura aprofundida de l'obra donant protagonisme als aspectes més relacionats amb el llenguatge teatral. Conté una introducció, notes i una proposta didàctica a cura del professor Anton Carbonell.Anton Carbonell és catedràtic i professor de llengua catalana i literatura a l'institut Castellar, de Castellar del Vallès. Ha publicat diversos manuals de literatura catalana (Mirada, per a primer de batxillerat, és l'últim) i edicions d'obres d'Àngel Guimerà (Maria Rosa, Terra baixa, Mar i cel) i de Josep Maria Benet i Jornet (El somni de Bagdad).
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Abans que arribi l'alemany
A Júlia li han diagnosticat la malaltia d'Alzheimer. La imminència del desenvolupament de la malaltia, com també les reaccions de la seva família i coneguts, la conduiran, després del terrabastall emocional que suposa una notícia com aquesta, a prendre una sèrie de decisions imprescindibles per a viure plenament el temps de consciència que li resti. Un text molt vitalista que transmet un bri d'esperança davant la irreversibilitat i que ens parla de la identitat, de la valentia i del coratge.
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La sang de les promeses
Identitat, exili, desarrelament, memòria, recerca dels orígens, responsabilitat i violència marquen amb ferro roent l’obra de Mouawad. La sang de les promeses ens parla de l’instant en què ens adonem que aquell sentiment sobre el qual ens hem construït és una mentida. I ens demana què som, quant d’horror som capaços de patir i infligir, i si hi ha esperança malgrat el dolor. La sang de les promeses ens condueix a una catarsi a partir del mite i dels drames del nostre temps.
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Estem fins als...!
Com a resultat d'aquesta intensa activitat teatral naix Estem fins als...!, una obra protagonitzada per adolescents que mira contínuament amb ull crític el món dels adults. S'hi creuen les vides de joves mancats d'afecte i comprensió en una edat crítica. Els veiem viure els seus amors, els seus somnis, el seu malestar, la marginació i l'anonimat, les il·lusions i els temors. Però tot això en clau de comèdia, que facilita la digestió del seu drama i ofereix al lector alternatives davant del desànim.
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El castigo sin venganza se ha convertido con pleno derecho en un clásico esencial de nuestro teatro.Inspirada en un caso real, El castigo sin venganza es una pieza trágica sobre el amor, el honor y el peso de las convenciones sociales. El duque de Ferrara, acostumbrado a llevar una vida disoluta, contrae matrimonio con Casandra a la que no tarda en abandonar para seguir con sus correrías nocturnas. Mientras, entre la joven esposa y Federico, el hijo bastardo del duque, va creciendo el amor que los arrastrará a un inexorable destino.Empeñado en que nadie le discutiera su trono como el mejor autor teatral de la época, un sexagenario Lope de Vega puso todo su empeño en dotar a esta obra de una gran riqueza temática, rítmica y formal centrada en sus tres personajes protagonistas. El resultado es un de las mejores tragedias del teatro europeo.
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.