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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Premi Ciutat de València Eduard Escalante de Teatre.L’obra indaga en les conseqüències de la mort per a les persones que es queden, el buit que es queda quan algú desapareix i que difícilment es pot omplir. Una història subtil que t’obliga a seguir un rastre delicadíssim de pistes que ens guia a descobrir un final tan tendre com devastador.Un accident de moto en una carretera secundària és el pretext per t una reflexió sobre la mort: l’accidental o la volguda. Buit de mi és una obra àgil però profunda on hi abunden els sobreentesos i les frases a mig dir, una obra amb un rastre delicadíssim de pistes que ens porten a un final tan tendre com devastador.
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En hi ha dos personatges que s'atrauen i es repel·leixen, enfrontats en una per-manent guerra de sexes, però hi trobem també la lluita per la supervivència de dos éssers, l'un amb una ambició fora mida i l'altre amb una ànsia exa-cerbada de llibertat. En Una teoria sobre això es tracta la sempre difícil assumpció de la madure-sa. Daniel, el protagonista, és un cirurgià destacat, que té tots els condicionaments per a ser feliç, i, això no obstant, no ho és. La imminent mort del pare li fa reviure velles aspiracions. És el moment d'un balanç, en què no s'estalvia la cruesa ni la ironia.
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En 1917, un an après sa blessure, un an avant sa mort, dans son uniforme bleu horizon qu’il continuait de porter, le front entouré d’un bandeau, Guillaume Apollinaire était devenu un personnage qui aurait bien étonné l’Apollinaire du début du siècle. Il s’était donné à la guerre comme à la poésie, avec sa fougue habituelle. Mais le fantaisiste, le bohème, n’était pas plus désireux de s’effacer devant l’écrivain officiel que de lui disputer la place. Laissant le poète grave s’exprimer dans les strophes de Vital Impedere Amori, il écrivit l’opéra bouffe que voici: Casanova.Le poète ne prétendit pas transcrire un épisode réel de la vie de Casanova. Il se contenta de situer l’action – une folle aventure d’un soir de Carnaval – à Venise.
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Fray Luis de Granada hace en la Introducción del símbolo de la fe, escrita entre 1583 y 1585, uncompendio de lo que todo cristiano debe saber, a lamanera de los catecismos, a base de preguntas y respuestas. La originalidad del autor se encuentra en la extensa introducción donde explica los temas principalesde la doctrina católica, como pueden ser la creacióno la redención, destacando sus virtudes frente a losmovimientos heréticos que se vivían entonces.Cuán admirable cosa es que una pepita tan pequeñade una naranja tenga dentro de sí virtud para quedella nazca un árbol tan hermoso como es un naranjo,tan oloroso cuando está florido, y tan vistoso cuandoestácargado de fruto. Ni es menor maravilla que enun piñoncillo esté virtud para producir un tan grandeárbol como es un pino. Crece aún esta maravilla ?como el Salvador declara en el Evangelio? en el granicode mostaza, el cual, siendo tan pequeño, tiene virtud para que dél nazca un árbol tan grande que se puedan asentaren sus ramas las aves del aire. ¿Quién, pues, fue poderoso para poner en cosa tan pequeña virtudtan grande? Pues desta virtud que hay en las semillas se aprovecha el Apóstol para persuadir el misteriode la resurrección.
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El botí (Loot), 1967, ens fa viure les peripècies d'un taüt i els seus ocupants intermitents: el corresponent cadàver i el substanciós botí fruit de l'assalt a un banc. Completen el seguici funerari, i no precisament esperant rebre el condol, el fill que no lleva l'ull del fèretre, l'amic que l'ajuda, el pare que controla les corones, la infermera que procura per la salut espiritual dels pacients i el policia exemplar, gràcies al qual, finalment, qui no la fa, la paga.
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Durante una fría noche de marzo, Koharu confiesa a sus hijos que ha matado a su marido, un hombre maltratador que había convertido en un infierno la vida de los jóvenes. Quince años después, y tras haber cumplido su condena en prisión, la madre vuelve al hogar, a la empresa familiar: Taxis Inamaru. El reencuentro resulta difícil para todos: la felicidad por recuperar al ser querido no diluye por completo el rencor ni la culpa, ni puede hacer olvidar todos los años de ausencia.
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La mezcla de lo serio y lo cómico constituye uno de los puntales característicos de la comedia española que bien supo anotar Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias. Una combinación que traspasaba los límites del drama escrito para conformar la médula de lafunción teatral desde el siglo xvi hasta el xix, donde en alternancia con la obra principal ?una obra seria? se incluían piezas breves ?obras cómicas? entre jornada y jornada. En este ensayo, el autor nos acercaa la cultura teatral peninsular desde la perspectivaburlesca. El estudio diacrónico de la parodia en laliteratura dramática española de los siglos xviii, xix y principios del xx es, pues, el objeto de análisisy estudio de este capítulo de la historia del teatroen España, cuyo compendio encontramos en el Manolo (1769), de Ramón de la Cruz, y La venganza de don Mendo (1919), de Pedro Muñoz Seca, que abren y cierran dicho ciclo. De carcajadas, complicidad con el auditorio, excelencia artística y diálogo con los clásicos ?un diálogo de broma? es de lo que trata este libro. Habla de esta forma de entender los escenarios, desde la modestia de unos textos humildes cuya única pretensión era hacer reír al espectador con lo que antes lohabía hecho llorar. Porque era ahí, en esos contrastes entre lo alto y lo bajo, en esas caricaturas del teatro grande, hipérboles llenas de bobos, simples, graciosos, pícaros, gitanos, ridículos antihéroes ?gentes siempre marginales?, donde se refugiaba una parte de la esencia misma de la tradición escénica peninsular, tan presente desde sus mismos orígenes celestinescos. Finalmente, este libro se propone como un ensayode catálogo abierto, que se acompaña de una cronología que atiende no solo a los grandes movimientos literarios de estas dos centurias, sino también a las importantes transformaciones en el sistema de producciónque sufre el espectáculo dramático en ambos siglos ysu epígono hasta las primeras décadas del xx, esto es, la fractura de los dogmas neoclásicos, la apariciónde la burguesía como público y el teatro por horas.
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AMB PRÒLEG DE NÚRIA CADENES David Connery, periodista de la BBC, arriba a Barcelona per cobrir els atemptats criminals de Barcelona i Cambrils l'agost del 2017, però, en tenir notícia de tot el que es preparava per a l'1-O, s'hi queda per informar d'un fet tan insòlit com transcendent. D'aquesta manera coneix tot un seguit de personatges tant de la vida política (Carles Puigdemont, Oriol Junqueras...) com del periodisme (Pilarín del Pi...) i d'altres àmbits culturals, socials, populars o personals, gràcies als quals participa tant de l'eufòria i la voluntat democràtica d'independència pacífica de la majoria del poble com de les contradiccions i d'altres afers que li marcaran la vida per sempre. És per això que, en un acte d'amor a la societat que li ha fet viure tant i tan intensament en tan poc temps, decideix escriure una mena de nou _Homenatge a Catalunya_: el seu personal, vital i apassionat _Once upon a time in Catalonia_.
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Poeta de la emoción y elegante narrador de universos imaginarios, Rafael Pérez Estrada fue también un extraordinario y desconocido autor dramático. Desde sus inicios como escritor hasta sus últimas obras, su devoción por el teatro no conoció pausa. El presente volumen reúne todas las obras escritas durante treinta años, algunas fueron publicadas en cuidadas ediciones de bibliófilo tras su composición, pero otras han permanecido inéditas hasta el presente volumen, que se completa con la recopilación de entrevistas que dio el autor a lo largo de su vida. El Teatro completo de Rafael Pérez Estrada desvela la cara oculta del gran poeta malagueño. En el escenario de las treinta y tres obras que se representan en estas páginas -breves, ligeras y chispeantes, unas, otras, con un desarrollo y una complejidad sorprendentes- actúan múltiples personajes que evocan y encarnan un auténtico cosmos literario, sus sueños y querencias, también sus heridas y preocupaciones. Se alterna el lirismo poético de ciertas piezas, con la convicción moral de quien, a través de la sátira, busca enjuiciar el mundo que le rodea. Y en cada acto, cuadro y escena dramática, rebosa la imaginación que, como el propio autor la ha definido «Es un estado del espíritu que tiende especialmente a buscar el perfil distinto de las cosas y a sorprendernos». Este libro es una entrada para asistir desde la platea de las páginas, en primera fila, a la interpretación dramática que se representa sobre las tablas del escenario que la escritura crea en la imaginación de Rafael Pérez Estrada. Rafael Pérez Estrada (Málaga, 1934-2000) fue abogado, artista y escritor. Su obra literaria se desarrolla en todos los géneros -novela, relato, poesía, teatro, ensayo- y aun en un género poético personal, que reúne rasgos de todos y los trasciende, que le identifica y singulariza en la historia literaria del siglo XX. Tal como afirmó el profesor Manuel Alvar, resulta «Difícil encontrar un poeta con la vehemente imaginación de Rafael Pérez Estrada. Ni con su sensibilidad. Ni con su sentido de la ironía. Ni con la voluntad de aunar mundos opuestos». Su Obra Reunida recoge la escritura poética (Poesía, 1985-2000) y narrativa (Prosa, 1997-2002) a partir, en ambos casos, de su período más innovador y característico. El volumen inicial del conjunto (Teatro, 1970-1998) reúne toda la escritura dramática desde su inicio. José Ángel Cilleruelo (Barcelona, 1960), editor de este volumen, es escritor, traductor y crítico literario. Autor de seis novelas, tres libros de relatos, cinco volúmenes de diarios y una extensa obra poética cuya última publicación es De la mano (2023). Fue responsable de las antologías publicados en vida de Rafael Pérez Estrada El ladrón de atardeceres (1998) y Cosmología esencial (2000), y de varias recopilaciones y obras póstumas, como Crónica de la lluvia (2003), Bajo el cielo indeciso (2004) o Santuario, RPE antes de RPE (2022).
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¿Cómo nos relacionamos con la idea de progreso, de crecimiento, de autorrealización? Podría decirse que buena parte de las disputas, ilusiones, inquietudes y vacilaciones, que agujerean a los personajes de estascinco ficciones de Lucía Carballal, oscilan, cada cual a su manera, entre el imperativo de prosperar ?ya sea en el ámbito personal, social o profesional? y eldeseo, a veces la frustración, de quedarse atrás, fuera de este presente siempre tan veloz, en continuo movimiento. «Late algo prodigioso en la semilla de estas obras, en el reto que Lucía Carballal nos proponey que aceptamos: el realismo se toma como punto de partida, pero siempre ocurre algo sorprendente ?muchasveces casi inverosímil, otras tan solo inesperado? que lo quiebra. Aquí la verosimilitud no se derrumba, el pacto con quien mira ?y escucha, y lee? se mantiene, y esta confianza ?estos cimientos fortísimos? se debe a los personajes: tienen tanta piel que no te queda otra que creerles, confiar en la manera en la que tropiezan, tenderles la mano para que se incorporen [...]. Y en estas piezas todo resulta trascendente, todo importa, en varios sentidos: nada se deja al azar,cualquier detalle se ajusta en armonía ?incluso de texto en texto: qué reveladora la lectura página a página, el paseo de una historia a otra, misma ciudad demuchos personajes?». Elena Medel
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Max Estrella, un anciano poeta ciego, recorre las calles de un Madrid decadente acompañado por su fiel amigo don Latino de Hispalis. Max se enfrentará a la dureza de la vida en una ciudad donde abunda la miseria. En su camino, mantendrá conversaciones que revelarán las injusticias y contradicciones de la sociedad de principios del siglo XX.Una obra cumbre de la literatura española que inaugura el género del «esperpento», caracterizado por una representación deformada y grotesca de la realidad. Esta edición escolar, con análisis del profesor Jesús Peris Llorca, invita a los estudiantes a explorar el estilo único de Valle-Inclán y a comprender su incisiva crítica social.
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PREMI EDUARD ESCALANTE - XXXIV PREMIS CIUTAT DE VALÈNCIA Tot i que De Sukei a Naima pren com a referència l'episodi històric de l'expulsió dels moriscos el 1609, l'obra aborda diversos temes d'absoluta actualitat. A través de tres generacions d'una mateixa família -que es debat entre fugir i així conservar les arrels o bé integrar-se i mantenir la família unida-, transitarem per les terribles conseqüències i la injustícia que provoca la intolerància. Dos dones, Sukei i la filla Naima, representen dos opcions diferents per a donar veu al problema dels desplaçats i expulsats dels seus països, al desarrelament, a la integració dels immigrants... per a defendre, finalment, la vida sense odi.
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Us hem dit que sou febles, insegurs, apàtics. Us hem dit que res no us importa i que sou fràgils, que les generacions anteriors som millors. Molt millors.Una visita extraescolar a un museu acaba amb el llançament d'una beguda a un quadre. Alguns adolescents hi estan implicats. Potser ha estat un accident. Potser no. El quadre és el de Sant Jordi matant el drac. També apareix una princesa, però això no és tan important.Princeses, cavallers i dracs denuncia el tracte que es fa dels joves i de la suposada generació de vidre i posa el focus en la responsabilitat de les famílies en l'educació emocional dels adolescents.L'obra ha estat escrita per Guadalupe Sáez, escriptora teatral i guionista, i Jerónimo Cornelles, que compagina el seu treball com a autor juntament amb la direcció d'escena i la interpretació.
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Literatura Alianza
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Carles & Belisa és un retaule musical que evoca els preparatius, el desembarcament i l'estada a Mataró de la reina Elisabet Cristina de Brunsvic, esposa de l'arxiduc Carles d'Àustria, l'any 1708, en plena Guerra de Successió. La ciutat, que ignora que tres anys més tard s'haurà rendit al bàndol borbònic, ara es declara austriacista i es desfà per cuidar fins al darrer detall i fer-se digne de tan memorable visita.
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Anna i Lluís coincideixen a la sala d'espera d'un hospital després de més de vint anys sense veure's. És una situació incòmoda, perquè van estar molt enamorats durant l'època universitària, però no es van retrobar després del trencament. Aquesta comèdia amb tocs agredolços ens fa testimonis d'un gran distanciament entre ells, així com de certs ressentiments i retrets. Però en el fons, la parella no ha passat per les fases típiques del desamor: quedarà alguna espurna d'aquella passió?
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Con este libro dedicado a la comedia, iniciamos una serie de publicaciones que incluyen importantes obras de la dramaturgia española del siglo xix. Cada volumen se acompañará de un detallado estudio de los textos y los autores elegidos. La comedia burguesa, que mantuvo su prestigio durante décadas, fue el legado dramático de esta clase social. En ella predominaron temas como la política, el amor, el matrimonio, los amigos, la hipocresía, los celos, la opinión, el dinero... los cuales definían los intereses de una sociedad en transformación en un confuso siglo donde la modernidad mantenía una apasionante partida con la tradición. Se han seleccionado para esta edición cinco piezas, escritas, impresas y estrenadas en torno a los años treinta y cuarenta del siglo XIX, época en que el Romanticismo -el movimiento artístico, literario, filosófico y, en definitiva, cultural que determina la centuria- irrumpe definitivamente y triunfa en la escena española: Juan de Grimaldi y «La pata de cabra» (1829), Manuel Bretón de los Herreros y «Marcela, o ¿A cuál de los tres?» (1831), Manuel Eduardo de Gorostiza y «Contigo pan y cebolla» (1833), Tomás Rodríguez Rubí y «La rueda de la fortuna» (1843), y Ventura de la Vega y «El hombre de mundo» (1845). Estas obras nos permitirán apreciar la riqueza y la enorme potencialidad escénica de unas obras que forman parte de la tradición teatral, teatro «clásico» en el más amplio y completo sentido del término, y constituyen un eslabón imprescindible para comprender la evolución de la escena y los mecanismos de la comedia desde el siglo XVII hasta nuestros días.
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La historia de Jasón constituye una de las leyendas más fascinantes de la mitología griega. Este héroe emprende un viaje en barco hacia la lejana Cólquide, acompañado de sus fieles compañeros, los argonautas, llamados así por la nave que los lleva, Argo. Durante la travesía, se enfrentarán a asombrosos peligros para llegar a su verdadero destino: el vellocino de oro. Si en la versión clásica del mito la astucia y la resistencia se revelan claves para demostrar que sin lucha no hay recompensa, en esta divertida adaptación se suma otro elemento clave: el sentido del humor y una irónica mirada actual sobre la historia.
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Poseedor de una técnica consumada para la adaptación de obras clásicas, Alejandro Casona (1903-1965) presenta en EL CABALLERO DE LAS ESPUELAS DE ORO, una de sus últimas producciones, una visión de don Francisco de Quevedo, en la que lo histórico se entrevera de lirismo. Es tal la maestría del escritor, que textos quevidianos en prosa y verso se hacen vida dramática al servicio de una lección: la de que uno debe permanecer fiel a sí mismo, a una verdad. Cumpliendo la enseñanza, Casona permanece aquí fiel a su modo de hacer teatro, que conjuga de continuo fantasía y realidad como componentes inseparables de la vida. Buen ejemplo de ese quehacer ofrecen las cinco piezas de distintas épocas agrupadas bajo el título de RETABLO JOVIAL . Fueron escritas algunas de ellas para su representación en las Misiones pedagógicas que en los primeros años treinta recorrían los pueblos de España. De ahí que tanto esas como las después creadas en América, susciten aún eco de positiva respuesta popular.
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Además de haber publicado cuentos, novelas, poemas y ensayos, Gilbert Keith Chesterton también escribió teatro. Lo hizo a instancias de su buen amigo George Bernard Shaw, quien, después de insistirle mucho, logró convencerlo de que tenía algo que aportar al teatro inglés. En este volumen de Teatro completo se reúnen las únicas cuatro obras teatrales que Chesterton escribió: Magia (1913), El juicio del Dr. Johnson (1927), La sorpresa (1932), y el sainete navideño El pavo y el pavor (1930). En todas ellas se desarrollan de formas inesperadas algunas de las características fundamentales de su obra, como son su estilo paradójico, su antitradicionalismo acérrimo, su liberalismo radical y su capacidad de asombro. Sin duda, ningún género mejor que el del teatro para encarnar el espíritu de un autor que creía que tanto más contradictorias son las cosas cuanto más nos acercamos a la verdad. «Necesario, divertido, estimulante, a ratos perturbador y a ratos una pura majadería, este libro no solo completa el rompecabezas literario que representa G. K. Chesterton, sino que abruma con chispazos e ideas que atañen a la más inmediata actualidad política y religiosa. Increíble incluso para ser Chesterton». Jordi Gracia
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Aquest volum recull una selecció de peces de teatre jove, sorgides de la ploma d'alguns dels autors més significatius de la dramatúrgia alemanya contemporània: Qüestió d'honor, de Lutz Hübner (2005), Els boscos millors, de Martin Baltscheit (2010), Cap endins, d'Anja Hilling (2014) i El regne animal, de Jakob Nolte i Michel Decar (2014). L'amor, la sexualitat, la violència, els conflictes generacio-nals o la recerca de la identitat són alguns dels temes que trobem en aquests textos, que exploren múltiples formes d'expressió, llenguatges i estils per apropar-se a la realitat de les noves generacions. «Alemanya és un país de teatre i, com a tal, el teatre per a joves constitueix una branca plenament consolidada de la seva dramatúrgia. Tant és així que dins el panorama escènic actual el teatre destinat a aquesta franja de públic no només gaudeix d'un ampli reconeixement dins el sector i té una gran presència arreu del país, sinó que també mostra una riquesa i vitalitat extraordinàries i es renova constantment.» Del pròleg de Jordi Auseller
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Publicada en 1884 y representada por primera vez al año siguiente, «El pato salvaje» causó gran desconcierto entre el público en sus sucesivos estrenos por la presencia del animal en el escenario. Más allá de esta anécdota, sin embargo, la pieza se inserta en la misma línea de denuncia social que Henrik Ibsen (1828-1906) inició con «Casa de muñecas» en 1879 y prosiguió, entre otras, con «Un enemigo del pueblo» o «Hedda Gabler», todas ellas publicadas en esta colección. Centrada en la soledad del individuo frente a la sociedad y sus semejantes y en el conflicto entre realidad e ilusión, entre verdad y mentira (veta tan ricamente explotada en la literatura española desde el Quijote hasta Unamuno, Valle-Inclán o Buero Vallejo), «El pato salvaje» representa la cima del teatro de Ibsen por la ironía de su expresión, su simbolismo que la abre a multiplicidad de lecturas y la soberbia tensión dramática que la impregna. Prólogo y traducción de Juan Antonio Garrido Ardila
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En los últimos años, el de María de Zayas y Sotomayor se ha convertido en uno de los fenómenos más notables para los historiadores de la literatura y la cultura áurea, con una obra que ha pasado de observarse como una suerte de rareza a convertirse en lectura obligada en planes docentes de ambos lados del Atlántico. Antaño censurada por la violencia de sus obras y su retrato de ambientes opresivos y relaciones prohibidas, además de amenazada triplemente, como mujer, como creadora de tramas escabrosas y como autora de oculta identidad, hoy, sin embargo, son esas mismas coordenadas las que la llevan a aparecer continuamente en debates de actualidad innegable. ''La traición en la amistad'', cuya trama gira en torno a los amores de un grupo de jóvenes, y en particular en torno al deseo que tres mujeres sienten por uno de ellos, es un ejemplo destacado del legado de esta autora, que utiliza la literatura para satirizar y examinar las relaciones amorosas y de género en su tiempo.
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Dos escriptors passen dos dies a Teià, durant el festival Lletrescena, de literatura i dramatúrgia, entrant en contacte amb una comunitat, amb un paisatge. A posteriori, escriuen una ficció posant el poble com a escenari. A La cua del dromedari fabula una història a partir d'una pintura mural escrita en català i La Ventafocs de Teià és una història coral de personatges curiosos, amb les seves històries i desitjos amagats.
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¿Existe una lectura correcta de un texto clásico? Pienso que no, que justamente un clásico es aquel que permite infinitas lecturas, y que es por tanto inagotable. Volvemos a los clásicos porque nos siguen interpelando. Volvemos a Chéjov porque nos habla no tanto de allí (la Rusia prerrevolucionaria) y entonces (finales del siglo xix), como del aquí y el ahora. Cada lectura de un clásico es una nueva prueba, una nueva pregunta que se lanza al texto. Según lo que preguntes, según donde pongas el foco, contesta cosas distintas. Cada lectura que hacemos hoy de un clásico es una conversación con el texto original. Si es así, ¿por qué deberíamos preguntar a un texto solo de una manera? Mi acercamiento es doble. Dos miradas distintas, dos reflejos de mi interés y de mi amor por el Tío Vania original. Ahora pueden leerse aquí los dos acercamientos, las dos miradas sobre el clásico. Dos textos que a veces dialogan y otras se contradicen, que contienen fragmentos repetidos, ecos, que a veces permanecen muy cerca del original, y otras se alejan hasta que casi no queda rastro. Dos caminos entre tantos posibles.
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Màrcia i Ramon fa ja 5 anys que cuiden Mirko, el nen bosnià que han adoptat, però hi ha alguna cosa en Mirko que no està del tot bé, al seu voltant no paren de passar coses estranyes, situacions pràcticament miraculoses: caminar sobre les aigües, multiplicació de pots de Nocilla... Però és relament Mirko un nen que fa prodigis? El diàleg de la jove parella sobre el Mirko desenvoluparà en una obra d'un humor descarnat i satíric. Un humor que s'hi barreja amb la crítica social però sense cap tipus d'intenció moral o moralitzadora. Carn humana és una de les obres més divertides i punyents dels últims anys que ha merescut el Premi Palanca i Roca de Teatre 2022.
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DICIÓN REVISADA Y ACTUALIZADA Es la larga trayectoria literaria en la que se basa esta obra, donde se relata la historia legendaria de los amores del rey castellano Alfonso VIII, casado con Leonor de Inglaterra, con una hermosa judía de Toledo llamada Raquel. En ella delega el monarca el gobierno de sus reinos, y Raquel se verá inmersa en una trama político (y amorosa) que plantea muchos de los problemas de la época. Mal aconsejada por Rubén, el desgobierno y los desmanes darán lugar a una rebelión popular a favor del rey y en contra de la judía. Al fin, la razón triunfa y se impone al sentimiento: Alfonso rey vence al Alfonso hombre, que sufre por la pérdida de la mujer a la que ama... Estrenada en Madrid en 1778, en pleno auge de la tragedia neocláisca, cada una de las jornadas de Raquel ha sido concebida como una auténtica minicomedia, gracias a la brillante y peculiar forma de asumir la preceptiva, renovándola, y a la concepción de sus personajes, supuso la consolidación del género y es, sin lugar a dudas, la obra cumbre del teatro dieciochesco español Vicente García de la Huerta fue uno de los escritores más interesantes y casi nos atrevemos a decir más conmovedores del siglo XVIII por la entereza y el tesón con que defendió un ideal decadente contra los nuevos valores ideológicos -y estéticos- suscitados por una sociedad en transformación y dirigida por un gobierno absolutista.
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Secta tiene una finalidad clara y manifiesta: la escuela. Y una estructura íntimamente ligada a esta finalidad: los ejercicios y las jornadas.El cuaderno de ejercicios diarios que lo compone se despliega hacia la fundación de una escuela de técnica dramática, pero una escuela que: a) no es la escuela del artista, b) no es un lugar donde se aprende a actuar de la mano de maestros del arte de la interpretación, c) ni siquiera es un lugar, d) es una dimensión del saber, no un nexo en la transmisión del saber.Claudia Castellucci propone, así, un espacio colectivo pero no comunitario (es decir, no afectivo) destinado al desarrollo de un conocimiento agonístico (es decir, no pacificado) de la realidad, equidistante de cualquier tentación de carácter magisterial así como de esa tradición pasiva y apresurada que consiste en destilar con devoción un legado de la propia experiencia, y sobre todo atenta al mecanismo paradójico de la «secta»: un procedimiento acrítico estructuralmente destinado a producir las condiciones subjetivas de la acción. Incluso de la acción teatral.«Un viaje al mundo del conocimiento a través de una escritura cautivadora y trepidante. Un manual nada didáctico, lleno de sugerencias, donde también se pueden apuntar las propias reflexiones y anotar los resultados del viaje personal». Francesco Bove, «L'armadillo furioso»«Los estudios teatrales en el ámbito hispánico están de celebración, pues esta edición de Secta. Escuela de técnica dramática en lengua española abre un nuevo camino en la investigación en artes escénicas en el contexto hispánico y se integra de manera significativa como un eslabón más en la cadena de relaciones que la escuela establece, enriqueciendo así el panorama teatral actual». Belén Tortosa, del prólogo
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Mai havíem vist el Jordi Prat i Coll amb la franquesa i intimitat amb què se'ns mostra en aquest llibre que ara teniu a les mans. Aquest és un material difícil de classificar i sense rei que el governi. Podria ser un diari personal, un assaig, una carta fragmentada o un recull d'aforismes anòmals -per no fer-se mal- d'algú que cerca escriure alguna cosa a la vora de la vida que l'ajudi a guarir-se. És un quadern sense marcs, amb un ordre trencat que no nega la deriva, prenyat d'allò que és profund i superficial, tràgic i còmic, miserable i feliç.
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¿Qué es la patria? ¿Quiénes son los míos? ¿Cuáles son nuestras razones? ¿Por qué valen más que las de los otros? ¿Quién se beneficia de ese negocio? ¿Tengo el derecho de matar a alguien por defender un trozo de tela polvorienta cosida a un mástil? ¿Se puede volver después de atravesar esa línea? ¿Se puede volver? Esta obra de teatro cuestiona todas las narrativas identitarias que inflaman las pasiones hasta el delirio.
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La presente antología incluye: El rey Lear, Macbeth, La tempestad, El sueño de una noche de verano, Mucho ruido por nada y Ricardo II. En la poesía y el teatro de Shakespeare se unen felizmente el pensamiento y el vigor expresivo formando una rica gramática de las emociones. Sea en comedia, tragedia, tragicomedia o drama histórico, Shakespeare alcanza una fascinante variedad y crea personajes memorables como Macbeth, Hamlet o Falstaff, considerados como arquetipos inconfundibles de afectos y pasiones. Cuatro siglos después de su muerte, es el autor más estudiado, representado y traducido de la literatura universal, y su contemporáneo Ben Jonson ya predijo su permanencia al afirmar que su obra no era para una época, sino para todos los tiempos. «Nadie ha conseguido aún ser postshakespeareano.» Harold Bloom «En realidad, es Shakespeare quien nos ofrece un mapa de la mente. Es Shakespeare quien inventa la psicología freudiana. Freud encuentra la forma de traducirlo a un supuesto vocabulario analítico.» Harold Bloom
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Aunque más conocido como uno de los poetas más importantes del siglo XX, desde el comienzo de su carrera William Butler Yeats entendió que el valor de sus obras y su poesía era el mismo. En 1923, cuando aceptó el Premio Nobel de Literatura, Yeats sugirió que «quizás los comités ingleses nunca les hubieran enviado mi nombre si no hubiera escrito obras de teatro... si mi poesía lírica no hubiera tenido la calidad del habla practicada en el escenario». De hecho, el gran logro de Yeats en poesía no debería oscurecer sus impresionantes e innovadores logros como dramaturgo. Este libro reúne las obras en el orden final en el que Yeats planeó que se publicaran y permite a los lectores ver claramente, por primera vez, las formas en que evolucionaron las muy diferentes formas dramáticas de Yeats a lo largo de su vida, y apreciar completamente la importancia del teatro en la obra de este gran poeta moderno.
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Coriolano condensa de un modo extraordinario las características del Shakespeare universal.Coriolano, una de las obras más políticas de William Shakespeare, ha sugerido en el mundo contemporáneo interpretaciones antagónicas. Sin embargo, no es un teatro de ideas, sino de personajes y «caracteres». Es, quizá, la última tragedia de su autor y, como tal, refleja los rasgos más característicos del Shakespeare maduro y universal, al tiempo que manifiesta una singularidad en el plano estético e intelectual que la convierten en su obra más inquietante: T. S. Eliot la consideró, junto a Antonio y Cleopatra, su mejor logro artístico. Frente a la espiritualidad de Hamlet o Macbeth, Coriolano es una obra de acción que insiste en lo material, en lo más elemental de la historia: la lucha por la supervivencia o, incluso, la mera subsistencia. Ángel-Luis Pujante, uno de los mayores conocedores en España de la obra de Shakespeare, consigue mantener en su traducción el estilo austero y el lenguaje lleno de paradojas, antítesis y dilemas de Coriolano, mientras que analiza en la Introducción el carácter de esa singular tragedia.
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Cinco mujeres narran sus historias tras las rejas de sus respectivas jaulas, cinco mujeres del mundo árabe, pero que podrían provenir de cualquier lugar. Valientes, revelan sus cadenas, frustraciones e ira. Desde su posición de carcelero y confidente, el hombre las escucha y las provoca. Lama, la solterona, Zeina, la niqab, Hiba, la prostituta, Yara, la lesbiana, y Abeer, la gorda... se desnudan por completo. La crudeza de su lenguaje es proporcional a la intensidad de su sufrimiento.
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Más que una biografía del famoso boxeador, es un reflejo de la España franquista de finales de los 70, esa que ya aspiraba a ser europea. «No existe una biografía de Urtain, así que tuve que hacer mucho trabajo de documentación: hemeroteca, vídeos y recuerdos, muchas veces contradictorios, de quienes le conocieron. La historia que se conoce es la del hombre inocente, fortachón y sano, que es engañado por gente codiciosa que fabrica un mito para luego engañarle, robarle y abandonarle. Pero nosotros hemos intentado hacer una historia que esté más allá de la del juguete roto. Esta función habla de un hombre que fue dueño de sus actos y que fue consciente de su camino. Algo que convierte su historia en mucho más trágica».
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Jean-Louis Barrault (Le Vésinet, 1910 – París, 1994). Actor, mimo y director escénico francés. Después de completar sus estudios de Historia del Arte, ingresó al Théâtre de L´Atelier en 1931 siendo discípulo de Charles Dullin y completando su formación como actor con el estudio en profundidad del mimo y la pantomima bajo la supervisión de Étienne Decroux. En 1935 irrumpe en al panorama teatral francés con Alrededor de una madre, adaptación de El ruido y la furia de William Faulkner. Antonin Artaud se convierte en uno de sus más fervientes admiradores. En 1940, ya en la Comedie Francaise, conoce a Madeleine Renaud y junto con ella crean una compañía teatral de fama mundial. Incorporando un amplio repertorio que va desde Shakespeare, pasando por Feydau, Claudel e Ionesco, entre muchos otros dramaturgos. La amalgama de diversas formas de puestas en escena, le dio a la compañía un sello distintivo y un enorme éxito durante décadas en Europa y América Latina. Barrault también fue director del Odéon Théâtre en 1959 y del Théâtre des Nations en 1965. En 1967 dirige en el Metropolitan Opera de Nueva York las óperas Fausto, de Gounod y Carmen, de Bizet. Como actor también incursionó en el cine, destacando su trabajo en Los niños del paraíso, El día más largo y La noche de Varennes.
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.