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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Tot va bé si acaba bé
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Hace no mucho tiempo fuimos dictadura, tierra de látigo y sangre. Un lugar donde la fuerza vestía uniformes, pistolas y sotanas. Pero este es un concepto difuso de la fortaleza.Porque la auténtica pertenecía a las madres que soportaban los abusos y sacaban adelante a su prole, o la de aquellas trabajadoras que pese a tener a un sistema político y religioso en contra seguían levantándose, o la de las vecinas que se apoyaban y desahogaban cuando no podían expresar su sentir en público… Eso sí era poderío.Así, esta obra se ubica en un vecindario de esa época grisácea.La Filo, La Maritxu, La Charo… siempre con el «La» delante, montan su pequeña revolución frente a la impunidad de un llamado a sí mismo «servidor de Dios». Un depredador sexual amparado y protegido por sus ropajes, y un sistema cómplice y discriminador que nunca quiso poner coto a este tipo de conductas.Con ellas lloras, empatizas y también ríes, porque el humor nunca falta en esta tragicomedia, incluso cuando suenan truenos y la lluvia golpea contra el tejado. Ellas te infunden una fuerza sobrehumana, la de aquellas que saben que algún día llegará su hora, y si no es de ellas, pues de la siguiente generación, y que su lucha nunca será en vano porque saben que siempre, después de la tormenta, vendrá la calma.
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Según la crítica, Tamerlán el Grande es la obra de Marlowe de más consistente intensidad y más generosos recursos poéticos. Se la señala como una creación de extraordinaria fuerza, concentrada en su protagonista, Timur el Cojo (del persa Timür-i lang), el último de los grandes conquistadores nómadas de Asia Central.Christopher Marlowe nació en 1564 en Canterbury –el mismo año que Shakespeare– y murió en 1593. Ya desde el estreno de Tamerlán el Grande en 1587, Marlowe consiguió triunfar en los escenarios londinenses. Su carrera como dramaturgo fue sumamente exitosa, y todas sus obras, representadas en exclusividad por la compañía Admiral’s Men, fueron muy aplaudidas.
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Cuatro piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg: El padre (1887), Los camaradas (1888), La señorita Julia (1888) y Acreedores (1888-1890).Impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de la singular lucidez del escritor, quien llegó a escribir al respecto: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro, donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”.
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Rinoceronte (1959) es la pieza más rica y densa de Eugène Ionesco (nacido Eugen Ionescu, Salatina, Rumanía 1909-París 1994). Sin abandonar el espíritu de innovación ni la comicidad de La cantante calva, Ionesco introduce un mito: todos los habitantes de una ciudad mutan paulatinamente en rinocerontes.El animal encarna el fanatismo que “desfigura a las personas, las deshumaniza”. Cuando solamente Berenguer resiste la marea de las bestias feroces, símbolos del totalitarismo, comprendemos que estamos frente a una reflexión sobre la historia. Mientras bestias inmundas correteen todavía en el planeta, siempre habrá héroes dispuestos a decir: “No capitulo”.
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En 1972, el joven director de teatrofrancésGeorgesWerlerfue a ver a MilanKundera a Praga y a suregresoconsiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatroJacques y su amo. Kundera la habíaescritodespués de la invasiónsoviética, cuandotodasu obra, pasada y futura, habíaquedadoborrada de las letraschecoslovacas. Jacques y su amo relata tres historias de amor que se entrecruzandurante el viaje que emprendenJacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye, tres historias que se entremezclanpolifónicamente, donde cada una es, a suvez, variación de la otra, y juntasconforman una comedia sobre los problemasexistenciales de la pasión amorosa.
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Jean Racine (1639-1699) es una de las altas personificaciones del genio francés, su obra es la más acrisolada y pura. Puede decirse que quien no aprecia a Racine no entiende íntimamente a Francia. La obra dramática de Racine se compone de once tragedias: La Tebaida (1664), Alejandro (1665), Andrómaca (1667), Británico (1669), Berenice (1670), Bayaceto (1672), Mitrídates (1673), Ifigenia (1674), Fedra (1677), Ester (1689) y Atalía (1691).
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Escaleras al techo (1945) es una obra peculiar y diferente, es al mismo tiempo una historia de amor, una comedia y un experimento con un toque de ciencia ficción.El cuaderno de Trigorin (1981) es una adaptación libre del clásico La gaviota, de Antón Chéjov, transformado por el genio de Tennessee Williams en un poderoso drama contemporáneo.Tennessee Williams nació el 26 de marzo de 1911, en Columbus, Mississippi, donde su abuelo era ministro episcopal, y murió el 25 de febrero de 1983, en Nueva York. Entre otras piezas fundamentales del drama psicológico contemporáneo, publicó también: El zoo de cristal (1944), Un tranvía llamado Deseo (1947), Verano y humo (1948), Lo que no se dice (1958) y Período de ajuste (1960).
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Lluïsa Cunillé
teatre reunit 2007/2017.les quinze peces que palega aquest voum son un amostra molt respresentativa del que ha estar l`escritura de Lluisa Cunillé durant els últims deu anys, amb una voluntat cada cop mes explicita de reflexoó critica sobre les obscurit
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Es esta la más famosa novela de Pirandello, y representa un momento decisivo en el desarrollo de su personalidad. Narra la historia de un tímido provinciano, Matías Pascal, que se aleja de su casa después de una de las habituales peleas con su mujer y su suegra y, en Montecarlo, gana una enorme cantidad de dinero. La lectura de una crónica periodística, que anuncia equivocadamente su muerte, lo empuja a intentar vivir una vida nueva. El difunto Matías Pascal llega a ser de esta manera el señor Adriano Meis, y va a establecerse a Roma. Pero Matías, finalmente, “muriendo” de nuevo, decide matar a Adriano y recobrar su antigua personalidad.
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Henrik Ibsen nació el 20 de marzo de 1828 en Skien, al sur de Cristianía, llamada hoy con su nombre más antiguo: Oslo. Alternó sus residencias en Noruega —su patria—, Alemania, Italia y, desde 1892, ya no se movió de Cristianía, donde murió en 1906. Hasta el final de su vida Ibsen marcó las llagas morales de su pueblo y de la humanidad, sin hacer caso de las voces contrarias. Desenmascaró a sus adversarios en Un enemigo del pueblo (1883), planteó la lucha entre la verdad y la mentira en El pato silvestre (1884), y la de los valores ciertos o aparentes en Casa de muñecas (1879), determinó las causas del tormento fisiológico y espiritual en Espectros (1881), en Hedda Gabler (1890) buceó en el abismo del alma femenina como foco de un problema general, debatió en La dama del mar (1888) el determinismo y el libre albedrío, formulando sugestiones novísimas, y deslumbró con la imaginación envolvente de Peer Gynt (1867), donde resuenan los ecos de las fantásticas leyendas nórdicas.
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“Comediante y mártir” llamó Sartre a Genet desde el título del libro que consagró a la personalidad más controvertida y elusiva de la literatura francesa contemporánea. Comediante y mártir porque apariencia y verdad, juego y trascendencia establecen en la obra y en la vida de Genet una relación insólita. Fue precisamente su vida desdichada lo que, en principio, recibió más atención: la obra (difundida clandestinamente en la posguerra) tuvo menos lectores que las crónicas periodísticas donde sus delitos se consignaban puntualmente. Hacia 1950, cuando Jean Genet (París, 1910-1986) decide abandonar la literatura, la editorial Gallimard emprende la publicación de todas sus obras, precedidas por el tomo donde Jean-Paul Sartre estudió el universo moral y novelesco del autor.
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Críticos e historiadores de la literatura francesa señalan entre las principales obras de Molière: La escuela de los maridos (1661), El misántropo (1666), que ridiculiza ciertos rasgos de la vida “de salón”, El avaro (1668), que dio vida al famoso personaje de Harpagón, Tartufo (1669), El burgués gentilhombre (1670) y El enfermo imaginario (1673), que apunta contra la víctima tradicional de la comedia popular, el médico.Jean-Baptiste Poquelin, conocido como Molière, nació en 1622 y murió en 1673, en París. Proveniente de una familia de burgueses acomodados, estudió con los jesuitas en el Colegio de Clermont y luego con Gassendi. Su afición al teatro se manifestó desde temprana edad, canalizándose a través de la triple actividad de actor, director (ya en 1642 formó la compañía del Illustre Théâtre) y autor (escribió treinta y una obras). Molière constituye, junto con Pierre Corneille y Jean Racine, el tríptico mayor del gran teatro francés, siendo el maestro indiscutido de la comedia de costumbres y caracteres.
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En el ciclo que forman El espíritu de la tierra (1895) y La caja de Pandora (1904) Frank Wedekind creó su heroína más famosa, Lulú, un ser de naturaleza vampiresca, la encarnación misma de la femineidad y el sexo, no una pecadora ni un mero producto de su medio social, sino la exaltación de la vida natural y el deseo.El dramaturgo alemán Frank Wedekind nació en Hanover (1864) y murió en Múnich (1918). Su tempestuosa obra fue precursora del expresionismo. Colaboró desde 1896 en la publicación satírico-política Simplicissimus. Sus contemporáneos dejaron numerosos testimonios de su electrizante personalidad.
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Con El cuidador Harold Pinter obtuvo en 1960 su primer éxito. Davies, el obsesivo “cuidador”, es una creación cómica clásica, y su ansiosa relación, su frágil equilibrio con los enigmáticos hermanos Aston y Mick es ya un mito en la dramaturgia del siglo XX.Sobre Los enanos —difundido por la BBC en diciembre de 1960—, expresó el propio autor: “Me gusta escribir para la radio, por la libertad que esto implica. Cuando escribí Los enanos, fui capaz de experimentar en la forma, una estructura móvil y flexible, más que cualquier otro medio”.El estreno de La colección ocurrió en la televisión inglesa en mayo de 1961. Su único acto explora provocativamente los manejos sexuales entre dos parejas del ramo del vestido.
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Pericles, príncipe de Tiro es la primera obra del ciclo final que culminaría con La tempestad, en el que reina el mundo de lo maravilloso propio de los libros de aventuras (romances) sobre el trasfondo de los mitos esenciales de la experiencia humana (nacimiento y muerte, amor y pérdida, sufrimiento y regeneración). El largo itinerario del protagonista confluye en la que, según T. S. Eliot, es la mejor escena de anagnórisis jamás escrita.
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Eugène Ionesco (Slatina, 1912 – París, 1994), de origen rumano, junto con Samuel Beckett, Arthur Adamov y Jean Genet, es considerado uno de los más notables renovadores del teatro francés.Teatro de situaciones, ilógico, inverosímil, pero poético, burlesco y apasionante, el teatro de Ionesco está alejado de toda digresión dramática y pretende más bien sorprender, algo que por cierto no es nada fácil.En sus obras, el lenguaje saca a la luz la ausencia de ideas que las palabras intentan ocultar y en la que los objetos desbordan a seres insignificantes que no son capaces de enfrentar y dominar al mundo material, poniendo así en evidencia el absurdo de la existencia y de las relaciones sociales.
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La danza de los muertos (1901), fiel reflejo de las obsesiones del autor (amor y matrimonio, vida-muerte, conflictos personales y padecimientos de conciencia). Las Obras de cámara: Tormenta, El solar quemado, La sonata de los fantasmas y El pelícano las escribió Strindberg en 1907 para el Teatro Íntimo, que fundó con el joven director A. Falck. Para él precisamente concibió estas audaces “obras de cámara” que desconcertaron a la crítica y al público, por tratarse de piezas en un solo acto, en las que quedan borrados los perfiles de sus dramatis personae.
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“Cierta vez, alguien preguntó a Roberto Arlt por qué escribía teatro. Él pensó un momento, como si se tratase de algo inusitado, de una pregunta inesperada, y luego, como si acabase de descubrirlo él mismo, respondió: ‘Es mi modo de plantearle problemas a la humanidad’. Y dado que los problemas suyos eran los del hombre en cualquier punto del universo, nada mejor para expresarlos que el teatro…”, apuntó Mirta Arlt sobre la producción dramática de su padre.En La fiesta del hierro (1940) todo es atroz, desde lo que ocurre hasta cómo ocurre. Su verdadero protagonista es el Baal Moloch, diabólico ídolo sediento de sangre humana. El desierto entra en la ciudad (1953) es la obra teatral póstuma de Arlt, publicada diez años después de su muerte.
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L'altre costat del mirall
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En El diablo y Dios (1951), el personaje central Goetz encarna magistralmente el mal, el mal absoluto, lleva así sus tropas deliberadamente a la muerte y descarga su responsabilidad en Dios. Y cuando aparentemente cambia, por una apuesta, pretendiendo hacer el bien, gana por medio de trampas. De hecho, Goetz no cree en Dios ni en el diablo, quiere lo absoluto, quiere ser uno u otro por ambición o afán de asombrar, pero sin que entre en juego ninguna creencia.En cuanto a Los secuestrados de Altona (1960), su acción ya no se basó en tiempos remotos, al contrario, se situó en días rigurosamente contemporáneos a su escritura, en la Alemania posnazi.Franz, uno de los que colaboraron con ese régimen, se niega a reconocer la derrota y vive enclaustrado, ajeno al tiempo transcurrido. “Pretendí que me encerraba —dice Franz en el último acto—, para no asistir a la agonía de Alemania, pero eso es falso. Yo deseé la muerte de mi país y me secuestré para no ser testigo de la resurrección”.
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Una de las obras más populares de Shakespeare a lo largo del tiempo, esta es, según Swinburne, su creación más lograda en el entrelazamiento de diversos hilos en la trama. La historia tradicional de una dama calumniada en su castidad se combina con la de un par impar que denuesta ingeniosamente el matrimonio, pero acaba en él, y con la bufonesca irrupción de unos guardias que amenazan con desbarrancar la solución, pero terminan trayéndola.
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Se incorpora a esta colección uno de los más importantes autores de la literatura dramática contemporánea. Jean Anouilh (1910-1987) pertenece a la corriente de renovación teatral que en su país surgió al término de la Segunda Guerra Mundial, y es uno de sus representantes más conspicuos. Su teatro, que incursiona preferentemente en la comedia, se caracteriza siempre por excepcionales cualidades de brillantez y frescura, encuadradas dentro de un marco de auténtica maestría de la estructura dramática y dominio de la situación escénica.
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Arthur Miller se casa con Marilyn Monroe en 1956. En 1957, el Congreso de los Estados Unidos lo condena por negarse a colaborar con el Comité de Actividades Antiamericanas que había emprendido una “caza de brujas” entre la intelectualidad norteamericana. En 1961, Miller se divorcia de Marilyn, y al año siguiente ella muere de una sobredosis de barbitúricos.Después de la caída, sin duda la obra dramática con más componentes autobiográficos de Miller, recoge e integra esos dos episodios cardinales en la vida del autor para desarrollar el duelo que se sostiene en la conciencia de un hombre entre su sentimiento de culpabilidad y su deseo de inocencia. La llaga de la conciencia —parece advertir el dramaturgo— convierte a la especie humana en un fardo de pesadumbre, pues toda consideración sobre sí misma la enfrenta con la desgracia de que es víctima (o verdugo), es decir la coloca delante de su propia aflicción.Miller escribió esta obra y la de Incidente en Vichy, con la que se completa el presente volumen, en los primeros años de la década de 1960, mientras vivía con su familia en el Chelsea Hotel de Nueva York, y ambas se estrenaron con éxito poco tiempo después. En Incidente en Vichy, un puñado de personajes —auténtico despliegue de arquetipos—, que se ven sorprendidos por la persecución nazi, coinciden en un puesto de detención en el Vichy del mariscal Pétain, en los tiempos de la ocupación alemana de Francia en la Segunda Guerra Mundial.Como un coro de voces orquestado con maestría, las distintas personalidades reflejan el mosaico humano ante hechos siniestros que nos afectan, dejando al descubierto la parte oscura, pero también los arranques luminosos del alma humana.
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Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887), impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez.El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”
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T. S. Eliot se atrevió a calificar como el mayor logro artístico de Shakespeare esta última de sus tragedias romanas, admirada también por Coleridge y Brecht, e inspirada en una historia (legendaria) narrada por Plutarco. Coriolano es un guerrero sobrehumano y un aristócrata radical e inhumano. Su inflexibilidad lo lleva a la tragedia, no sin amenazar la subsistencia de Roma. El conflicto entre patricios y plebeyos ha dado lugar a puestas en escena con muy diversas perspectivas ideológicas.
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En 1895 se estrena en el teatro St. James La importancia de llamarse Ernesto, la pieza más brillante de Oscar Wilde (1854-1900) y también la última. De ritmo vertiginoso y parlamentos agudos, la obra aparenta ser una comedia de enredos y costumbres, pero deja entrever, como es típico en el dramaturgo irlandés, un trasfondo dramático, de donde emerge el retrato de una sociedad falaz, prejuiciosa y de doble moral.Pero las convicciones quedan expuestas, y ya no podrán permanecer soterradas bajo los buenos modales, respuestas displicentes y perezosas costumbres. Vera o los nihilistas, primera pieza teatral de Wilde, se representó en agosto de 1883, en Nueva York, en el transcurso de su gira por los Estados Unidos.
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En el Horacio, representado en París en 1640, Pierre Corneille (1606-1684) evoca con apasionada elocuencia la grandeza de la antigua Roma.Poliucto se estrenó en París entre 1642 y 1643. Después de las tres obras maestras precedentes —El Cid, Horacio y Cinna—, Poliucto señala la cumbre de la ascensión dramática de Corneille.
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El zoo de vidre
Dos germans, Tom i Laura Wingfield, un baliga-balaga idealista i una noia apocada, conviuen en un pis de mala mort amb la mare, una dona manefla i possessiva que enyora la seva esplendorosa joventut, per bé que fa anys que el marit l'ha abandonada. El noi treballa en un trist magatzem, i la noia s'està a casa i dedica la major part del temps a la seva col·lecció de figuretes de vidre. L'arribada d'un possible pretendent per a la jove trastoca de sobte el dia a dia de la família i en destapa, alhora, la infelicitat més pregona. Només un talent fora mida com el de Tennessee Williams podia mostrar amb tanta exactitud, com fa en aquesta obra, la fragilitat dels éssers humans i la cara més llòbrega del somni americà.
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Aunque incomprendido en su tiempo, el teatro de Valle-Inclán es una creación genial su obra teatral lo convierte en uno de los mejores dramaturgos en lengua castellana del siglo xx. Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte agrupa cinco piezas que c
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.