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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Fermín Herrero realiza una pausa en su esfuerzo por afilar el verso, por adelgazar la poesía, en esta mirada al pasado que ha terminado por titular Fuera de encuadre. Sin romper del todo con su estilo sincopado, a veces como un tajo en la tierra, ni apartarse de su devoción temática por lo que podría denominarse la cultura del campo, en este retorno a la infancia y juventud no faltan claves de la cultura pop, como la música, el cine o la televisión. Su obsesión por la levedad del ser, por lo efímero de la vida, su desgarrada tristeza se atempera aquí gracias a la memoria: el descubrimiento de los primeros síntomas del amor, de una felicidad hecha cenizas. Con este poemario, el primero que publica después de haber obtenido el Premio Nacional de la Crítica, reafirma su madurez creativa y su esfuerzo constante por indagar en nuevos caminos creativos.
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De la Biblioteca breve de literatura inútil de ItaloSvevo, arriba por fin a nuestros anaqueles el Breve diccionario de enfermedades (y necedades) literarias,enespléndida traducción de José Brown y una inopinada,apócrifa y foruncular Apendicitis hispánica a cargode la célebre hispanista Hilaria Schwarzenegger. Aciago fue el día en que Marco Rossari, famoso bibliófiloforense y diestro destripador —con un historial despiadadamente herético y no menos sacrílego—, decidiódescribir alfabéticamente los males que afligen a laliteratura de su país y del universo mundo. El resultado, temerario lector, es el proscrito volumen cuyacontracubierta ahora mismo está leyendo usted. No sehaga ilusiones porque este diccionario es una sanguinaria escabechina: las vacas sagradas (de Dickens a Eco pasando por Calvino, Ginsberg, Céline, Camilleri oFosterWallace) mueren como moscas y ni siquiera se salvan las alegorías, los puntos suspensivos o las anáforas.Insistimos: el ilustre doctor procede a una carnicería salvaje con la mejor de las intenciones terapéuticas, pero con estremecedoras consecuencias históricas.Cuando nada es sagrado, cuando hasta Goytisolo, Marsé, Benet, Ferlosio o Marías (hacinados todos entan hispanófilo apéndice) caen del santoral y se parten la crisma, nuestra fe se derrumba.
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«Pequeño Azul y Pequeño Amarillo» (1959), «Nadarín» (1963), «Frederick» (1967)... el proceso creativo de libros tan emblemáticosen la historia de la LiteraturaInfantil y Juvenil están narrados en primera personapor su autor en «Entre mundos». La autobiografía deLeoLionni es un delicioso y apasionante relato de las memoriasde uno de los artistas más polifacéticos ydecisivos del siglo XX: diseñador, pintor, ilustrador, escultor, ceramista. Treinta y cinco añosde labor creativa y más de treinta libros abarcan un valioso legadodel que han disfrutado -y seguirán disfrutando-muchasgeneraciones de niñas y niños en todo el mundo.
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Que Quemar la casa llegue justo después de la primeranovela (en prosa poética) de Lara Losada (Toledo, 1993), Un poco de tu leche (ediciones en el mar, terceraedición: febrero 2021), no es algo casual, sino lacontinuación de una reivindicación y un dolor que seenfrenta a ese «vínculo paterno» que es dictadura y obstruye cualquier concepto de hogar posible. Lara Losadarompe la «política del silencio» que ensucia la habitación en la que lleva demasiados años atrapada, siendo esa «res inmóvil de mejillas doradas» que ahorasealza con una voz poética propia tremendamente honestay valiente. Quemar la casa es el primer poemario–pese a ser su cuarto publicado– adulto de esa Lara«mujersalvaje (…) / mezclada con polvos de oro» quelucha,biográfica y políticamente, por deshacerse detantos gritos y de un hogar en el que no se reconocepara hacer volar por los aires la casa, el cuerpo y el lenguaje porque «nosotras, capaces de la misma guerra (…) /elegimos habitar otra historia». Esta es esaotra historia, un golpe de Estado en la genealogía familiar para ser capaz de pronunciar: «creo que te mereces todoel daño que pueda devolverte». No más «perra amaestrada» y sí todo «un cuerpo que refleja luz»que es libre para desear y amar. «¿Qué palabras podrían /hacernos arder?», se pregunta la autora. Éstas, justo estas.
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Fina García Marruz (La Habana, 1923) es una de las voces cimeras de la poesía cubana del siglo XX. Miembro del mítico grupo Orígenes, encabezado por Lezama Lima, García Marruz es autora, entre otros, de los poemarios Las miradas perdidas (1951), Visitaciones (1970) y Habana del Centro (1997). Sobre el segundo escribía el también origenista Eliseo Diego: “En este libro [...] se encuentran algunos de los poemas de más apasionada belleza que se hayan compuesto en lengua española desde que asomó el mil novecientos”. Es también una excelente ensayista y una de las máximas conocedoras de la obra de José Martí. Parte de su pensamiento poético y de su crítica literaria han sido recogidos en tres volúmenes: Hablar de la poesía, Ensayos y Temas martianos (publicado junto a Cintio Vitier). Escritora casi secreta, su obra sólo ha comenzado a divulgarse fuera de Cuba en los últimos años. Fina García Marruz ha sido nominada a los Premios Cervantes y Juan Rulfo y en 2007 recibió en Chile el Premio Pablo Neruda de Poesía Hispanoamericana.
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Poco antes de la invasión nazi de París y de emprender viaje hacia el exilio, Rachel Bespaloff comenzó a escribir De la Ilíada, un ensayo cautivador y penetrante, que ella definió como su modo de encarar la guerra: «Donde la historia muestra murallas y fronteras, la poesía descubre, más allá de los conflictos, la misteriosa predestinación que hace dignos el uno del otro a los adversarios llamados a un encuentro inexorable. Por eso Homero pide reparación únicamente a la poesía, la cual extrae de la belleza reconquistada el secreto de la justicia vetado a la historia. Solo ella restituye al mundo oscurecido la dignidad ofuscada por el orgullo de los vencedores y el silencio de los vencidos.»
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«Somos dos espíritus gemelos. Aquí está la prueba: siete años sin vernos y hemos coincidido en todo como si hubiéramos estado hablando diariamente. Genial, genial Salvador Dalí.»Federico García Lorca hablando en 1935 con Josep Palau Fabre Lorca-Dalí. El amor que no pudo ser, nos brinda una inédita y sorprendente visión de la entrañable amistad que unió a dos colosos del siglo XX. Amistad que el propio Dalí calificó, poco antes de morir, de «trágica».Ian Gibson traza en este libro un magistral y sutil estudio de una relación que fue origen de una creatividad arrolladora, con decisivas consecuencias para la obra -y la vida- de ambos amigos. Y, después del asesinato del poeta, motivo, hasta la muerte del pintor, de reflexión y acuciante nostalgia. «Adiós, tequiero mucho, algún día volveremos a vernos, ¡qué bien lo pasaremos!»Salvador Dalí, carta a Federico García Lorca
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Desde La balada de Gilgamesh a La Ilíada, pasando por los versos de Petrarca o Keats, Emily Dickinson o Rilke, escribir amores imposibles es uno de los motores de la poesía universal. En este libro se catalogan unos cuantos de estos amores imposibles que, en realidad, no son otra cosa que alegorías de las relaciones humanas. Es el adjetivo Óimposible el que acaba fagocitando al sustantivo Óamores, que es como decir que es la vida adjetiva la que se impone a la vía sustantiva. Ironía (y autoironía), humor, gratitud, ternura, desencanto, miedo, gozo y la enseñanza de que, hagamos lo que hagamos, nunca conoceremos a la otra persona por muy cercana y querida que sea.
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Una obra de teatro en la que dos mujeres intentan huir de sí mismas durante las horas que contiene una noche.La fiesta es aún peor de lo que esperaban, así que tanto Leyre como Diana abandonan pronto el reencuentro de su antigua promoción del instituto, al que ni siquiera saben por qué han acudido. Apenas se conocieron en esos años pero, hartas de la explosión de nostalgia noventera, ambas encuentran en la necesidad de compartir taxi una excusa para no dar por terminada la noche.Sin rumbo ni intenciones fijas, acaban deambulando en busca de algún deus ex machina que les permita creer que el presente no está tan lejos del futuro idílico que les prometieron y que, a sus cuarenta y algo, se les sigue escapando.Escrita a pie de escena a partir de un taller con sus intérpretes, Esta sí tenemos que bailarla de Nando López es una obra de teatro tragicómica y canalla en la que dos mujeres intentan huir de sí mismas durante las horas que contiene una noche. Una comedia ácida llena de ritmo —de fondo resuena el eco de las canciones de Raffaella Carrà—, diálogos punzantes y momentos que van de lo íntimo a lo explosivo. Un viaje a través de bares y carreteras cinéfilas en el que sus dos protagonistas comparten madrugada a vueltas con sus dudas y sus ganas de vivirlo —y bebérselo— todo.
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Elx, Alacant, Santa Pola, Guardamar, Londres, París o Brussel·les: ciutats per on ens passegem amb Terra tremolosa de mi. Raboses, grills, ànecs, cignes i corrals: bestioles que escoltem. L'autor ens dóna una visió de la seua vida quotidiana amb sonets, cobles trobadoresques, haikus, quartets, lais, cançons populars o versos lliures.
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Con sensibilidad, conocimiento y voluntad de comprensión de la gran tragedia de la Guerra Civil española, este iluminador ensayo reconstruye la participación de los padres de varios escritores que lucharon como soldados en la contienda, abordando unas relaciones paternofiliales que comprenden tanto la admiración personal y la afinidad temperamental, como el desapego afectivo y el conflicto ideológico. José Jurado Morales indaga en los recuerdos que los hijos guardan de sus padres y de los relatos que estos les contaron sobre sus vivencias en las trincheras de uno u otro bando. El libro habla de padres e hijos, de guerra y poesía, de España y sus escritores, de pasado y presente, de memoria colectiva e identidad personal, a partir de los recuerdos familiares de Joan Margarit, Jane Durán, Jorge Urrutia, Jacobo Cortines, Miguel d'Ors, Pere Rovira, Andrés Trapiello, Antonio Jiménez Millán y Julio Llamazares. Nueve poetas que se han servido de los relatos heredados para indagar en sus orígenes, poniendo de manifiesto la profunda huella de un conflicto cuyas consecuencias no han dejado de proyectarse en la vida contemporánea.
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Publicado en 1977, Cuaderno de cuatro años es el último gran libro de Eugenio Montale. Profundizando en la línea que había abierto con Diario del 71 e del 72, Montale alcanza aquí su escritura más espontánea, improvisada al hilo del presente. A pesar de la distancia estilística que se establece frente a sus primeros libros, más crípticos y formales, los poemas del Cuaderno no renuncian al misterio: bajo su apariencia de sencillez, encontramos frases aplazadas, conexiones intangibles y palabras que resuenan en múltiples direcciones. A través de la ironía y la maestría rítmica, captan el instante en voz baja, casi sin literatura. En buena medida, Montale escribe ya como si se despidiese, pero convencido de que ese adiós tampoco importa demasiado. Ni siquiera la concesión del Premio Nobel en 1975 parece dejar rastro en estos poemas, que oscilan entre la serenidad, la emoción y una discreta pero incisiva crítica a su época. Una de las obras más singulares de un autor fundamental para entender la poesía italiana contemporánea.
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«¿Es esto la felicidad?», nos hemos preguntado todos en alguna ocasión al contemplar nuestra vida. La poesía de Miguel d'Ors se adentra en el misterio de la felicidad para descubrir la verdad de esa inquietud que nunca nos abandona. Leyendo a d'Ors descubrimos lo perdidos que todavía nos encontramos en medio de nuestro espectacular conocimiento y meditamos sobre los «kilómetros de nada» que nuestro corazón recorre buscando la elusiva felicidad. Su empeño en encontrar la verdad y aceptar su incomodidad es la primera parada en este viaje poético. Miguel d'Ors echa por tierra refugios fáciles y conceptos asumidos para indagar en la infelicidad que sale a flote cuando no es posible ser uno con la vida, cuando no la entendemos o no nos gusta. Rodeados de misterio, las preguntas abren camino, y ninguna poesía del panorama contemporáneo español está tan llena de preguntas como la de d'Ors. Su poesía nos dirige a una forma inesperada de ver la felicidad, como un rincón que hay que frecuentar, saliendo de lo que parece el centro de la vida. Poema a poema, nos acercamos al amor, a la rutina, a los escapes con los que soñamos, que no son necesariamente lo que se asume que son. La felicidad para d'Ors consiste, en parte, en tener «a la espalda la nostalgia/ y delante el misterio», tanto el que nos empuja a explorar la verdad, como el que reconforta, anima y transforma. Los dos nos encaminan hacia algo más grande y más bello. Y qué placer viajar con d'Ors por esta poesía de engañosa ligereza, llena de calidez y de humor, que no pasará de moda ni perderá significado. Ana Eire
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Màrcia i Ramon fa ja 5 anys que cuiden Mirko, el nen bosnià que han adoptat, però hi ha alguna cosa en Mirko que no està del tot bé, al seu voltant no paren de passar coses estranyes, situacions pràcticament miraculoses: caminar sobre les aigües, multiplicació de pots de Nocilla... Però és relament Mirko un nen que fa prodigis? El diàleg de la jove parella sobre el Mirko desenvoluparà en una obra d'un humor descarnat i satíric. Un humor que s'hi barreja amb la crítica social però sense cap tipus d'intenció moral o moralitzadora. Carn humana és una de les obres més divertides i punyents dels últims anys que ha merescut el Premi Palanca i Roca de Teatre 2022.
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El silbido vulnerable del jilguero me despierta, a veces, desde la ventana de la habitación. Y, como las gotas condensadas, empiezo a deslizarme por la memoria. Viajo otra vez a la tierra que habité, ahora curtida por el presente, y recuerdo todas las heridas existentes. Creo que fue en ese instante cuando empecé a escribir. O había sido antes, no sé. La memoria a veces es confusa. A veces, sin embargo, no escucho su silbido y hablo con el silencio, que me recuerda las ausencias que no vuelan. Entonces, les escribo y dejo que vuelen sobre el papel.Este poemario va dedicado a todos aquellos silencios que nos forman como individuos, como sociedad. Hay que habitarse a uno mismo, conocerse y encontrar la chispa. Aquello que te salve y te haga creer, sentir, resistir. Hay que amar, por encima de todo, a la vida. Para todos a los que los silencios ahogan, pesan e incluso asustan, estas páginas buscan resistir a la tristeza, encontrar el silbido y volver a volar.
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Ya lo decía Marcel Proust: «el verdadero viaje de descubrimiento consiste no en buscar nuevos paisajes, sino en mirar con nuevos ojos». Este libro nos habla de un gesto interior, de unos instantes de detenimiento y atención gratuita, incluso en medio de nuestros afanes, para poner la mirada en aquello que desconocemos. Para conseguirlo, el autor ha seleccionado cuidadosamente aforismos, citas y palabras transparentes y luminosas, fruto de la mirada poética de autores clásicos y pilares de la literatura hispánica, que iluminan y proporcionan profundidad a nuestra propia mirada. Y ocurrirá así que percibiendo algo más de la realidad, se nos revelará algo más de nosotros mismos.
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Los poemas de Una vida de pueblo (2009), de Louise Glück, Premio Nobel de Literatura 2020, se suceden en forma de breves relatos y monólogos que giran en torno a los ritmos de la vida diaria de unos habitantes cuya existencia se ve definida por el lugar en que nacieron. Anclados en una aldea anónima italiana, el escenario no es, sin embargo, el idílico entorno de las églogas clásicas o el tópico paisaje de acuarela que la sencillez del estilo de la autora parecería evocar —,poco más que montañas, ríos, campos, sol, olivos y unos pocos adjetivos—,, sino un lugar cruel que «mata sin ningún motivo a la gente, / solo por no perder la costumbre». Atrapadas en la dicotomía de quedarse y envejecer o marcharse y mirar siempre atrás, la polifonía de voces de diferentes generaciones compone así una suerte de palimpsesto que es también una lente a través de la cual mirar reflexivamente la infancia y sus secretos, la adolescencia y sus ambigüedades, la madurez y sus engaños, la vejez y las certidumbres de la tumba. A medio camino entre lo que podría haber escrito Robert Frost si hubiera sido un poeta confesional y una Antología de Spoon River sin moralismos, Una vida de pueblo supone el punto final a la fórmula de poemas-secuencia que la autora empezó a ensayar sobre todo en El iris silvestre (1992) y que encuentra aquí uno de sus mejores logros.
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IOANA GRUIA (Bucarest, 1978) es autora de El sol en la fruta (Premio Andalucía Joven de Poesía, 2011) y de las novelas La vendedora de tiempo (2013) y El expediente Albertina (Premio Tiflos, 2016). Su último libro de poesía publicado es Carrusel (Premio Emilio Alarcos, 2016). «Ahora que la realidad virtual sustituye en los ojos de los consumidores a la experiencia de carne y hueso de los seres humanos, Ioana Gruia nos recuerda que no hay nada más rotundo que un cuerpo. Lo hace desde la conciencia de su cuerpo de mujer, apoyándose en el arte (Hopper, Virginia Woolf, Jacques Brel, los poetas), en sus recuerdos de infancia y en la pulsión de vida que suponen el erotismo y la maternidad. Solo nos compromete de verdad aquello que podemos tocar con nuestras manos. Aunque el cuerpo nos recuerda su cercanía con la animalidad, la poesía ilumina y enciende el cuerpo para descubrir los caminos de la subjetividad, la profunda intensidad de la carne y lo ligero, la intimidad del mundo, esa frontera entre lo privado y lo público que habita la mujer que se mira y nos mira desde una ventana. Este libro está escrito con todo el cuerpo, porque con todo el cuerpo se escucha la realidad. La palabra de esta poeta española nacida en Rumanía es limpia, meditativa y honesta. Su verdad forma parte de nuestra verdad». LUIS GARCÍA MONTERO
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'El zoo de cristal'' es una declaración de intenciones. El teatro no puede ni debe ser una sucesión de diálogos y acotaciones. Una pieza dramática es la obra de arte más completa, pues en ella intervienen los más variados lenguajes. La pieza, más allá de valoraciones caducas, es un prodigio de teatro plástico. Por su parte, ''Un tranvía llamado Deseo'' es un clásico de la dramaturgia occidental. Como todo clásico, nunca ha tenido más vigencia que en estos momentos. Cuando Blanche le pide a su hermana Stella que no se quede atrás con las bestias y afirma que Stanley no puede ser la ''solución'', habla en nombre de una humanidad asediada por la brutalidad, la intolerancia, los atavismos y la mediocridad más ramplona, es decir, habla en nombre de todos nosotros.
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En la víspera de la festividad de Purim, el enemigo ha entrado en el gueto ...un gueto que no se nombra, como tampoco se nombra la naturaleza del enemigo... y ha amenazado a los líderes de la comunidad judía: si en veinticuatro horas no se entregan diez voluntarios para ser ejecutados en la horca, para «vengar» así la muerte de los diez hijos de Amán ...el villano de la historia de Purim, que celebra el triunfo de los judíos de Persia contra un genocidio potencial hace unos dos mil cuatrocientos años..., acabarán con toda la comunidad. Durante la noche, el rabino consulta en busca de una respuesta al dilema con varios rabinos legendarios del pasado, con el Rambam, con Rashi, con el Gaón de Vilna... y con el Baal Shem Tov, místico del siglo XVIII y fundador del jasidismo, quien le canta un 'nigún'. Un 'nigún' es una melodía alegre sin palabras a la que se le atribuye el poder de romper las cadenas del mal. ¿Qué ocurrirá al amanecer? 'Historia de un nigún' es un conmovedor relato poético, una joya escondida en la extensa producción de Elie Wiesel, Premio Nobel de la Paz, que trata sobre la historia, la inmortalidad y el poder de la música, y que está inspirado en acontecimientos reales sucedidos durante la Segunda Guerra Mundial. Incluye una introducción de su hijo, Elisha Wiesel, y las magníficas ilustraciones del galardonado Mark Podwal.
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Adónde fue a parar la niña de la chaqueta roja. Miro una y otra vez la foto que desde hace años no se retira de mi corazón y las preguntas sobrevuelan insistentes. Qué habrá sido de la niña de la fotografía, refugiada a sus pocos años,… ¿De qué dolorido lugar del mundo llegaba… Qué tragedias habían contemplado sus ojos?Susana Falcón tiene ideología, elige bando cuando bandos hay, no engaña a quien la lee. En este libro la autora crea poesía de dramas muy cercanos y recientes como la pandemia, los sin techo o los migrantes… La autora reposa su mirada en mujeres maltratadas que han hecho historia, en niños y adolescentes que huyen sin saber muy bien adónde. (Del prólogo de Anna Bosch)
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De qué hablamos cuando hablamos de amor · Antología apropiacionista reúne a 50 autoras y autores de distintos campos artísticos para configurar un proyecto coral que gira en torno al apropiacionismo como recurso creativo, enfocándolo siempre desde el amor y la admiración. Siguiendo con las herramientas conceptuales marcados por Raymond Carver, que en su momento cimentó su discurso con la obra de Antón Chéjov, cada autor/a se apropia de un/a autor/a diferente hacia el que siente especial predilección, y reformula cuatro fragmentos extraídos de su obra en clave de poema breve. Lo que aquí se presenta, en definitiva, es un amplio compendio de extractos que, apartados de su contexto original y expuestos ahora de manera autónoma, tienen la oportunidad de manifestarse libremente en un nuevo escenario, respaldados por una nueva autoría y con una nueva forma. En el amplio abanico que compone la antología pueden encontrarse artistas plásticas apropiándose de escritores, poetas apropiándose de teóricos del arte, novelistas apropiándose de chefs y un largo etcétera. A nombres que hoy son absolutas eminencias en sus campos, como Kurt Vonnegut, Ursula K. Le Guin o Virginia Woolf, se suman referencias mucho más contemporáneas, como Sabina Urraca, Bo Burnham o Gordom Ramsay.
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Esta obra ayudará de manera gráfica y sencilla a comprender los principales aspectos de la trama, aclarar las partes más confusas y disfrutar de las más divertidas. Esta guía para lectores intrépidos permitirá profundizar en su estructura interna y conocer las referencias literarias y musicales que Joyce utilizó para construir su novela ''Ulises''.
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'Familia, infancia y juventud'' resulta una buena manera de adentrarse de lleno en Baroja y su mundo literario. Un viaje retrospectivo de don Pío a los años de las inquietudes y zozobras juveniles que determinaron su carácter y vocación. Y el retrato de una ''extraña'' familia de difícil acomodo en la sociedad de la época.
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Un corte transversal por la poesía en lengua alemana desde el año 2000 hasta ahora: la presente edición bilingüe reúne poemas de veintisiete autoras y autores de todas las generaciones de Alemania, Austria, Suiza y Rumanía. Capacidad de reflexión y juego experimental, rigor formal y deconstrucción del verso, exploración de mundos y poesía de la naturaleza se fecundan mutuamente en el ámbito poético más fértil de Europa en la actualidad.
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Una revelación sobre lo efímero y lo indestructible de la vida. Una celebración de la tierra y de todas las cosas que la habitan. Un diálogo entre el hombre y el ángel. Uno de los escalones más altos a los que hemos llegado para alcanzar nuestra completa humanidad. «Una tormenta sin nombre, un huracán del espíritu», así las definió Rilke. Las Elegías son uno de los poemas más traducidos a nuestra lengua, pero nunca por un escritor cuya importancia sea comparable a la de Juan Rulfo. No se trata de una traducción, sino de recreación, de una reescritura, de una nueva obra en sí misma. Este libro nos hará leer de forma muy distinta, por siempre, tanto la obra de Rulfo como la de Rilke, dos de los más grandes poetas de nuestro tiempo.
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Hombre de existencia y apariencia discretas, Claudio Rodríguez (1934-1999) es sin duda uno de los más extraordinarios poetas españoles de la segunda mitad del siglo XX. En esta antología se recogen los poemas más significativos de su corta, pero excelsa obra -''Don de la ebriedad'' (1953), ''Conjuros'' (1958), ''Alianza y condena'' (1965), ''El vuelo de la celebración'' (1976) y ''Casi una leyenda'' (1991)-, incluidos los 34 que, según indicó el autor, deberían figurar siempre en una antología de su obra. La introducción de Philip Silver, amigo personal del poeta y uno de los máximos conocedores de su obra, ilumina sus ejes básicos y proporciona un contexto inmejorable para la lectura.
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Explica la poeta Julieta Valero en el epílogo de Esta ira que las mujeres estamos «desentrenadas para mostrar la ira». «Entonces» -se pregunta- «¿cómo decir, cómo articular una ira que no responde estrictamente a los hombres, sino a la vida misma, a su designio duro? ¿Y cómo ser capaz de hacer de su objeto precisamente a las hermanas, a las mujeres?» A esta dificilísima prueba del lenguaje se enfrenta María García Zambrano en su nuevo poemario. Una obra potente que reclama el derecho a expresar la ira y el dolor censurado de las maternidades no hegemónicas. Como antídoto a la ira, Zambrano recurre al principio budista de que todo está en continuo cambio, que atraviesa la obra como un bálsamo y alcanza su máximo poder sanador en la cuarta y última parte: un canto esperanzador a la belleza que podemos encontrar incluso en los lugares más dolorosos.
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Estas ''Diez lecciones sobre los clásicos'' provienen de una propuesta que el autor recibió en su día de la RSI, la Radiotelevisión Suiza en lengua italiana. Esta propuesta daba a Piero Boitani la posibilidad de ''decir lo que pensaba de mis amadas lecturas antiguas y explicárselo a un público no académico, sino general'', no forzosamente conocedor de esos textos. Volcadas con maestría de la radio al papel, el resultado, óptimo y encandilador, nos proporciona un recorrido lleno de sabiduría y amenidad, y pródigo en estimulantes sugerencias, por los principales jalones de la antigüedad grecolatina, lo que equivale decir de nuestra cultura. Desde la ''Ilíada'' y la ''Odisea'' hasta las ''Metamorfosis'' de Ovidio, pasando por los presocráticos o ''la aparición del pensamiento'', el nacimiento del teatro, de la historia, de la filosofía..., sus páginas, a través de la sabia y sutil mirada del autor, vienen a proporcionar un compendio maravilloso de esos clásicos ''infinitamente futuros'' que levantaron y a la postre acabaron estableciendo las bases del mundo occidental.
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Del autor de La insoportable levedad del ser. Un encuentro nos da a conocer a un Kundera, en cierto modo, inédito. En efecto, aunque el autor reflexione sobre sus «viejos temas existenciales y estéticos», lo cierto es que en este apasionado -y apasionante- «encuentro» con algunas obras maestras de la literatura, la música y la pintura, el escritor checo aborda cuestiones hasta ahora poco o nada transitadas en sus libros anteriores. Así, explora lo que la novela puede explicar sobre el ser humano, e indaga asimismo en las repercusiones, no siempre negativas, que el exilio tiene para el creador. También desentraña el papel de la memoria ante las tragedias del siglo xx y habla de la lucha desesperada del verdadero artista por asumir lo mejor de la tradición de su arte. «Un ensayo deslumbrante, escrito con la misma aleación de emoción y reflexión que las grandes novelas de Kundera.» Alain Finkielkraut
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La furia es la poderosa nueva propuesta de una poeta profunda, original, que destaca en el ámbito de la poesía actual en castellano. En la misma aborda desde una perspectiva luminosa el sentimiento amoroso: «La furia es un nudo que en agua caliente se deshace. Hay una distancia exacta entre el horizonte y lo vivido: ahí lo escrito. Todo lo que se expande es poema. La furia es quietud y movimiento. El amor se va de quien lo destruye. El amor perdura para aquel que lo nombra y lo sostiene».
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Aquí us les deixo [les meves bèsties]. Cadascú que en jutgi la versemblança, però no em busqueu. Jo ja no en vull saber res més. Al cap del temps, el que n'he après pel camí, amb el que em quedo, és amb el plaer de la recerca i de constatar que, en la impossibilitat de poder pensar i saber-ho tot, hi ha l'amplada i el formidable espai infinit, d'expansió de la nostra ment. Bon viatge. Laia Prat Garcia (Barcelona, 1982) és antropòloga de formació i treballa com a professora. També dinamitza tallers d'escriptura per a totes les edats, a biblioteques i escoles, i escriu narrativa i poesia. L'any 2015 va rebre el Premi Ciutat d'Igualada Joan Llacuna de Poesia pel seu primer poemari, Al revers del tapís (Viena, 2016), i el 2017 va rebre el Premi Sant Narcís de Girona pel recull de contes Coses que passen (Curbet Edicions, 2017). També ha format part de Bones confitures, la primera antologia de microrelat en català, a càrrec de Jordi Masó (Témenos, 2019). El 2022, aquest Bestiari ha estat reconegut amb el Premi de Poesia Ventura Ametller. Actualment viu a Sant Quirze del Vallès.
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Mientras consideraba su mortalidad, Franz Wright encontró una nueva euforia y claridad en la página, entregando para nuestro examen el ''yo'' defectuoso pero arrodillado en gratitud en el que se había convertido. Desde ''Entries of the Cell'', el largo poema central que detalla la soledad del alma soltera, hasta breves poemas narrativos en prosa y letras tradicionales, Wright se deleita en el poder compensatorio del lenguaje, observando los faros diurnos que siguen a un coche fúnebre, o el viento, ''bendiciendo uno por uno los capullos sin luz del regreso inadvertido del melocotonero doblado hacia atrás''.
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Soseki desgrana sus ideas sobre el ser humano, el progreso y el futuro de la nación japonesa en un alegato a favor de la independencia personal, de la libertad y de la tolerancia que puede ser considerado una afirmación de valores humanistas de significado universal.''Mi individualismo y otros ensayos'' reivindica la figura de Soseki como mediador entre culturas, como conciliador entre Oriente y Occidente, como ejemplo de que, más allá del conflicto, los puntos en común universales en todas las culturas son las bases necesarias sobre las que construir el mutuo entendimiento y el autoconocimiento.Por vez primera se publican en castellano, cuatro de los ensayos más representativos de Soseki, una antología de breves textos basados en reflexiones privadas y conferencias públicas.
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«Hablar del mundo es proponer un mundo.» Con esta frase se abría la edición original (1997) de este Poesíay poder, una obra de autoría colectiva que marcó unantes y un después en las formas de entender y estudiar los vínculos de lo poético con lo político. Tomando por referente a combatir una sociedad adormecida yun panorama cultural de cooptación e institucionalización de poéticas amables tras caretas de rebeldía, elcolectivo Alicia Bajo Cero propuso «una renovada función crítica en las fuerzas características de la comunicación y la cultura, cuyo impulso revolucionario podría propiciar la transformación de y por otros órdenes de la realidad social». La edición original desapareció de la circulación hace años, pero este texto se consolidó como referente para un amplio grupo de poetas.
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Un libro imprescindible para los amantes de los árboles y de la poesía. Más de setenta poemas de escritores como Federico García Lorca, Pablo Neruda, Wislawa Szymborska, Rafael Alberti, Camilo José Cela, Gioconda Belli, Fernando Pessoa, Walt Whitman y muchos más. Leticia Ruifernández nos lleva de viaje alrededor del mundo para mostrarnos los árboles de cada uno de los países a través de la mirada de las y los poetas.
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