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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Aunque la mirada de Occidente permanece centrada actualmente en Ucrania, poco se conoce de su cultura, su poesía y su pintura. Los traductores Luis Gómez de Aranda y Olena Kúrchenko han realizado la primera antología bilingüe de la lírica de ese país, compilando poemas clásicos del realismo y romanticismo de los siglos XIX y XX junto a obra de escritores actuales, que publican y son leídos en el siglo XXI. El volumen se ilustra con pinturas de artistas plásticos de la colección del Museo Nacional de Arte de Ucrania. En la selección ha primado sobre todo la calidad de los creadores, unidos por el denominador común de la defensa de la nación ucraniana. La reivindicación de un país unido durante décadas a la Rusia soviética, que desde su independencia mira a Europa.
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Una mirada a los desastres de la guerra de Troya (y de todas las guerras) a través de la historia de amor de Aquiles y Patroclo. No estoy aquí para contar la guerra de Troya. Esta es la historia de mi carne, allí donde coincidieron la muerte y el amor.Tomando como punto de partida el canto XVI de la Ilíada, el dramaturgo Alberto Conejero, ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática en 2019, nos brinda una aproximación personal e íntima al poema de Homero, una nueva mirada vivida y contada desde un personaje secundario en el relato habitual, tan discutido como fascinante y misterioso: Patroclo, el «más amado» por Aquiles.En mitad de tanto fuego que enlaza diversas épocas y donde aparecen referencias y citas de, entre otros, Safo, Pedro Lemebel, Anne Carson o Luis Cernuda es un alegato antibelicista y una muestra más de la impotencia del arte ante la guerra, un oratorio por las víctimas que habla de conceptos como el poder, la pasión, la violencia o la patria.La obra es también un intento de contar la historia de otro modo, que es imaginar el futuro de otro modo. El rescate de una alegría posible. El canto de un personaje que aquí es, ante todo, carne enamorada y deseo. Un deseo libre y disidente.Porque yo no estoy aquí para hablar del «compañero devoto», ni «del más querido entre los soldados», yo estoy aquí para reventar los eufemismos, para hablar del amante insaciable.
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Vuelve el Miguel Gane más sensorial, emocional y generacional. Un poemario sobre la entrega, la maleabilidad y la resiliencia en el amor.Decir «Puedes hacerme todo lo que quieras» es una invitación al daño, sí, pero también puede ser un gesto de confianza ciega en alguien. O las dos cosas. Este libro habla de las personas que asesinan tu corazón, pero también de la capacidad que tenemos de ponernos en manos de otros, de confiarles todo lo que somos y tenemos.
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El teatro reunido de una de las escritoras más sagaces y punzantes de la literatura contemporánea. Este volumen reúne el teatro de Yasmina Reza, tanto las principales obras traducidas y estrenadas en español como una pieza inédita hasta ahora en nuestro idioma. En todas ellas deslumbra la capacidad de la autora para escrutar los comportamientos humanos, detectar las flaquezas, hurgar en las contradicciones...Tres amigos reunidos en torno a un cuadro que puede ser, según se mire, una obra maestra o una tomadura de pelo, dos matrimonios que se citan para resolver civilizadamente un incidente protagonizado por sus hijos, pero acaban perdiendo los papeles, cinco actores que ensayan una obra y confiesan sus dudas, una pareja que discute en el aparcamiento de un restaurante... Situaciones que pueden resultarnos familiares se van torciendo hasta mostrar en carne viva todo aquello que preferiríamos que continuara oculto.Con la fuerza de los diálogos y un humor inclemente, la autora nos obliga a mirarnos en el espejo para reconocer que la vida puede ser tan placentera como cruel. Pocos dramaturgos contemporáneos han sabido retratar el alma humana con la contundencia y lucidez de Yasmina Reza.
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En este poemario el autor indaga sobre la voz poética, la soledad y la consciencia de ser.Al margen de corrientes y modas, exiliado voluntario del bullicio del mundillo poético y su ruido, desde la publicación de su primer texto, Hipertelía (Biblioteca Atlántica, 1982), hasta el presente poemario, A la intemperie, Juan Planas Bennásar (Palma, 1956) ha venido construyendo, en total soledad, una obra extensa, sólida, coherente y de mucha calidad, al modo en que Rilke aconsejaba ser poeta: caminar hacia sí mismo y examinar las profundidades en que se origina la vida. La singularidad de este viaje nos ofrece una poesía más reflexiva que sentimental, más discursiva que anecdótica, altamente metafórica y desbordante en imágenes, una poesía siempre marcada por la tensión entre la consciencia de ser y el dolor de tal consciencia.
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Los reinos de allí reúne en el año de su centenario toda la poesía de Carlos Edmundo de Ory (1923-2010), una de las voces más altas y singulares de la lírica española contemporánea: setenta años de creatividad desbordante hecha palabra, desde sus primeras tentativas juveniles a la culminación expresiva de Melos melancolía, pasando por los numerosos poemarios y ciclos librescos que jalonan un itinerario poético marcado por la pasión imaginativa, la búsqueda estética y espiritual, la exuberancia verbal y una sana irreverencia. El resultado es una aventura creadora que no reconoce límites y que enlaza expresamente con las zonas más fértiles de la modernidad -el romanticismo anglo-germánico, el simbolismo visionario, las vanguardias históricas- en su afán por religar palabra y vida. Fruto de largos años de estudio, cotejo y revisión de esta obra, el poeta, profesor y ensayista Jaume Pont nos entrega en este volumen la edición definitiva de la poesía de Ory.
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Hay momentos en los que la poesía aborda los grandes temas, los excelsos sentimientos, y otros en los que los versos nos animan a reflexionar y a rastrear por experiencias más cotidianas, en lugares en los que, quizás, no se nos habría ocurrido a acercarnos. ''Lo que queda fuera'' es una reivindicación de la vida en las periferias, de la necesidad o el placer de vivir en los márgenes de una sociedad en la que la inmediatez y el consumo se han convertido en los grandes valores del día a día. Frente al miedo a ''quedarse fuera''(ese FOMO o Fear Of Missing Out que nos atenaza), está el placer de existir a otro ritmo. Manuel Rivas recoge en este libro (que fue galardonado con los Premios Follas Novas do Libro Galego y Premio da Crítica de Galicia) las palabras de aquellos que viven en ''tierra de nadie'', las voces de los seres y los paisajes que nunca estarán en el centro de la imagen, de la noticia. Combinando una poesía brillante y emotiva con las intervenciones visuales del propio autor, Lo que queda fuera es la obra de madurez de uno de los grandes escritores de las letras peninsulares contemporáneas.
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Según Lupe Gómez, cada poema es una risa, una lágrima de boxeo, un breve temblor de música. Los poemas siempre llegan desde lugares misteriosos, como si nuestras amistades más íntimas fuesen siempre países extranjeros, dulces lugares que amamos y desconocemos. Una divertida fiesta que duele y grita en la piel durísima de las manos. Es poesía sucia que también busca la máxima limpieza de la ebriedad. Nada más, nada menos. Publicado por primera vez en 1999, tres años después de que se autoeditara Pornografía, hoy se podría decir que Tus dedos en mi braga con regla, su segundo poemario, acaso el libro más provocador de Lupe Gómez, no solo conserva la fuerza poética sino también una extraordinaria belleza. Aquí encontraréis, por primera vez en castellano, algunos de los versos inolvidables de las últimas décadas, composición breves, mínimas, no exentas de humor, que nos revientan como los golpes de una boxeadora. Nunca tendréis en las manos otro libro tan violento y tan inocente. Lupe Gómez desarrolla una de las trayectorias más turbadoras de la poesía gallega contemporánea que conmocionan a miles de lectoras y lectores.
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Hay libros que son como piedras lanzadas desde los bordes de la poesía a ese lago profundo en donde la vida se refleja algunas veces. En ellos la infancia rebota, como un cartílago que se rompe y juega a enumerar las posibilidades de la muerte. En ellos todo es luz, la algarabía del infierno que se inunda bajo las cobijas y al que le crecen peces dentro del estómago. En Aguacero de plastilina, Edwin Martin se convierte en un pirómano que escribe con cenizas sobre las ondas que forma la tormenta que está por llegar. Hay fiebre y delirio. Un dos bajo la manga de quien le da forma al lenguaje mientras arriba Dios juega a los truenos. Hay libros que son como murciélagos que vuelan por las noches en busca de sangre y de jardines florecidos tras la niebla. Este libro son dos piedras que se besan. JOHN F. GALINDO
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El humor, la confesión y el homenaje son tres de los hilos con los que se tejen las historias que pueblan este conjunto de poemas. Festiva y también elegíaca, la voz de Víctor Muñoz cartografía tanto los territorios de su pasado como los de su intimidad, pues ambos son vasos comunicantes por donde circula en un viaje de ida y vuelta el trajín de las emociones. A través de la alquimia de la acción poética, Esta mayoría inválida de hombre intenta validar las insuficiencias que oprimen al ser humano en el baile de máscaras que es la vida.
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A través de la figura de Teresa de Ávila, Minerva Margarita Villarreal enuncia una poesía íntima y fervorosa, pero a la vez cercana y cotidiana. Las maneras del agua, obra ganadora del Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes 2016, combina poemas cortos con laude constantes donde lo divino cobra varias formas.
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Publicada por primera vez hace ocho años y completamente agotada, ''Hola, mi amor, yo soy tu lobo… y otros poemas de romanticismo feroz'', recoge los poemas de romanticismo feroz de Luis Alberto de Cuenca, incluida la canción ''Caperucita feroz'' que escribió para Javier Gurruchaga y la Orquesta Mondragón, cuyos dos primeros versos dan título al libro. Se trata de un romanticismo real y urbano que se sustenta en lo físico y, por lo tanto, suele ser más sincero y reconocible. En algunos poemas el aullido lobuno aún es de cachorro, en otros es ya el macho alfa de la manada quien se expresa. Miguel Ángel Martín, coautor de la selección, se ha encargado de ilustrarlos expresamente para esta edición, con un trazo de «línea clara» muy próximo al estilo poético de Luis Alberto. Ambos comparten similar mirada pop, mordaz e irónica, para enfrentarse al mundo. Este segunda edición ha sido actualizada con los últimos poemarios publicados por el autor.
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ESTE volumen reúne dos libros fundamentales de LouiseGlück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura2020: Figura descendente (1980) y El triunfo de Aquiles (1985). Si el primero de estos libros toma su título del lenguaje musical para referirse a una suertedeviaje órfico que, según la propia Louise Glück, podría definir toda su obra («mis poemas son verticales, aspiran y ahondan, no se expanden, no explican ni amplifican»), el segundo supone un hito en su trayectoriaal recurrir en mayor medida a la máscara de las figuras clásicas y bíblicas que constituirán el hilo vertebrador de sus libros posteriores. Ligados especialmente a la pérdida, a su miedo y reconocimiento (enel amor o en las relaciones familiares), los poemas aluden frecuentemente a un cuerpo que es identidad altiempo que una carga, en los que la experiencia del hambrey el despojamiento es equiparada por la autoracon suproceso de escritura. Un cuerpo que sabe, porotro lado, del riesgo y la fragilidad de permitirse amar aquello que es efímero («¿Por qué amar lo que vasa perder? / No hay nada más que amar»), de afrontarun deseoque es a la vez una promesa de unión y una condena alaislamiento
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Francisco López Serrano (Épila, Zaragoza, 1960) ha publicado los libros de poemas Ars Moriendi (1985), Un funesto deseo de luz (1990), La afable vecindad de la muerte (1997), La caricia de un sueño (2002), La sombra de Dios (2004), El último hombre sobre la tierra (2010), La rosa en ruinas (2015), Súplica para ser enterrado lejos del planeta tierra (2017), El extraño en que habito (2021) y Pentimento (2021). Allá donde el dolor y la muerte existen, la conciencia no es un don, es una burla. Bajo esta aciaga premisa, estos poemas indagan, a través de una suerte de humorismo místico o de misticismo humorístico, la razón y la sinrazón de esa burla, el lugar del ser en un universo despiadado, como parte de la escritura de un Dios que, como decía Pessoa, escribe torcido con renglones derechos. Brillantes expectativas póstumas es la proclamación de una rebeldía, la crónica de una mudanza y de una metamorfosis, la lucha desesperada de un ser por salir de su propia envoltura, de un malestar y de una disidencia con la realidad y con el mundo que ya tan solo aspiran a un transhumanismo emancipador.
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Decía Juan Ramón Jiménez en su libro Jardines lejanos (1904) que «para sentir los dolores / de las tardes, es preciso / tener en el corazón / fragilidades de lirio». Además de andaluz universal, el poeta de Moguer fue un maniático magnífico, poeta de la neurastenia y los poemas mágicos por conversión a dolientes. Así duele en Los ojos amarillos del mirlo lo frágil: «este jardín se muere con mi cuerpo / en una esquina rota». Jesús Pacheco (Murcia, 2000) revisita en este poemario —¿habremos ya de decir craftea?— el motivo clásico del jardín como espacio redondo de la intimidad, un motivo realmente interesante si tenemos en cuenta que este término del afecto es uno de los conceptos que mayores retornos y reválidas ha sufrido en los últimos tiempos. Igual que otros poetas que han pisado recientemente ese espacio icónico, como Juan Gallego Benot en Oración en el huerto (Hiperión, 2020) o Juanpe Sánchez López en Desde las gradas (Letraversal, 2021), Pacheco sitúa el cuerpo —los cuerpos—, deseantes y dolientes, en un límite comunicado pero con cierre, especialmente abonado para la observación y el cultivo de la tristeza.
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Con este poemario Javier Gilabert ha ganado el Premio de Poesía Internacional Blas de Otero y Angela Figuera 2022.En una realidad hiperdigitalizada, sobresaturada de información, vista la mayor parte del tiempo a través de pantallas, tan adictiva como fragmentaria, ¿es posible encontrar algo que aún nos sumerja en el asombro? Javier Gilabert, a lo largo de los poemas de su libro Todavía el asombro, parece enfrentarse a esta pregunta, pero no para buscar una respuesta llena de certeza, sino para mirar a su alrededor con un continuo descubrimiento. Y a través de esa visión, cercana y transparente, nos encontramos, como el poeta, deslumbrados de nuevo por el mundo y por el misterio de la existencia y de la propia creación poética. La poesía de Javier Gilabert es reencontrarse con lo que parecía ya perdido.
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En ''Alguien lleva una piedra escondida en la ropa'', último libro de José Carlos Rosales, la acción poética se sitúa en medio de un diluvio incesante, un diluvio que ha interrumpido demasiadas cosas y que va convirtiendo la urbe (¿imaginaria?) en “una marisma turbia” en la que la misma memoria de las cosas se vuelve húmeda. ''Alguien lleva una piedra escondida en la ropa'' es un poemario construido sobre tres ejes: uno, el de un grupo de personas que deambula en busca de una vía de escape, dos, el de aquel que se mueve llevando una piedra escondida, y tres, el de la naturaleza o sentido de ese equipaje pétreo. La piedra simboliza algo que nunca llega a explicitarse, tal vez el peso del pasado, tal vez el afán de futuro.
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Es una la muerte y a la vez es siempre otra, siempre nueva y distinta. En Dios en la ría hay dos muertes, una demoledora, inasumible desorden de lo existente, a la que sigue un duelo inarticulado, sin lenguaje, y otra sorprendentemente unificadora, como la llamada del amor. Solo la intuición poética permite atisbar lo que no se ve de frente, solo a través de la poesía puede expresarse lo inefable. Dios en la ría pone en palabras una lucha terrible, pero también emocionante y bella, por la armonía: por la vida.
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Vuelve el fenómeno más incendiario del mundo editorial: Bebi Fernández.Llega un esperadísimo nuevo libro de Bebi Fernández. Haciendo gala de su única e irreverente voz, la autora, una vez más, creará un universo único e inolvidable.
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La fotografía como poesía y su conversaciónDel dialogar sosegado surge la inquietud por la creación, de su oscura oquedad, como de la cavidad en la que se adentra la luz, asoma el logro en que la poética del lenguaje debe recabar. El alcance infinito de los conceptos que puede asumir una fotografía parte del origen de su creación, inicio que cada autoría suele para sí preservar, un saber que, tras consensuada complicidad, es deber arrebatarle porque de sus palabras se conforma un orden inmutable: el de su anterior sentir y posterior pensar. Sobre la creencia en este concebir, legado por María Zambrano, se asienta la fotografía como poesía.En cada día de la correspondencia se constata una reiterada convicción: que la teoría sobre la creación artística parte del soliloquio entre la autoría y su obra y, posteriormente, de compartir en conversación su vislumbre.
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Del amor líquido y otros bebedizos.Siete años de soledad en los que el héroe, pura entelequia, recibe la visita de los fantasmas del pasado -y de alguno venido del futuro-, sin tratar de ajustar cuentas, sino para tomar un traguito con ellos y verlos de nuevo desvanecerse, en un melodramático fundido a negro. Filme sin reproches ni moralejas, aunque sí con rachas de nostalgia. Y, a pesar de todo, celebración del perpetuo presente escurridizo.
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Reedició de la biografia de Carles Riba que Albert Manent va publicar l'any 1963, revisada i acompanyada d'una antologia de poemes de Riba seleccionats i comentats per Jaume Medina. Carles Riba és un dels noms referencials de la cultura del nostre país.
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El títol Línia sencera, línia trencada al·ludeix a una expressió present en el Yijing o Llibre dels canvis, el clàssic llibre oracular i d'endevinació xinès usat per encarar les vicissituds de la vida. En són símbols base els trigrames, formats per tres línies senceres o trencades. D'aquí parteix la suggestió d'una realitat formada per elements acabats i d'altres d'interromputs que es troba a la base del poemari més recent de Milo De Angelis. Considerat com una de les figures més rellevants i apreciades de la poesia, no només en italià, dels darrers decennis, el poeta milanès torna amb una obra que deixa una forta empremta de lectura, gràcies a la presència constant del record, en l'exploració d'una memòria que és íntimament personal i radicalment col·lectiva. En l'escenari d'una Milà perifèrica, grisa i ombrívola, gairebé sempre nocturna, el poeta vaga com un gos coniller buscant una veritat possible i enlluernadora. Amb una capacitat evocadora sorprenent, narra aparicions i encontres inesperats, en un temps de coordenades embogides, plasmades sobretot a través de les figures dels vençuts i dels aclaparats per la història. Circular i precís, sublim i tràgic, arravatat i dolçament melancòlic, Milo De Angelis ens ofereix en aquesta nova i admirable obra un nou testimoni de la saviesa, la valentia i la insubornable exigència de la seva escriptura poètica.
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A través de una poesía discursiva, el autor busca significados en la etapa de su vida en Atlanta. A partir de experiencias muy concretas, la poesía va fluyendo con observaciones culturales y existenciales que van tocando diversos temas: la naturaleza, los viajes, la ecología o las relaciones misteriosas entre el presente y el pasado, entre la época actual y la historia. La carpeta verde se suma a toda una poesía dedicada a viajes y estancias del escritor en distintas partes de Estados Unidos, con títulos como Poemas del mar en Carolina del Norte (2004), Media luna sobre Memphis (2019) o Postal (abrazos desde Miami) (2021).
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El terror sobrenatural e inexplicable se cruza con terrores cotidianos y mínimos, a veces imperceptibles, en este poemario perturbador que deslumbra por sus imágenes tan nítidas como siniestras, y cuyas brevísimas historias que cada poema encierra sobrepasan de largo el humor negro. Una incursión en lo macabro, en nuestras zonas oscuras que Angélica Liddell logra iluminar con la luz agitada de una vela. Poesía y verdad a vida y muerte.
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La antología poética de Alejandro Simón Partal, uno de los autores más relevantes del momento. Esta primera antología de la poesía de Simón Partal es una gran fiesta, una esperada rave en la arena, junto a la orilla, muy cerca del mar y de sus profundidades. Ese de anoche recoge la aventura vital de un poeta que vive de cara a la vida: las sábanas tendidas en un prado abierto, un grupode chicos que trabajan sus cuerpos en el paseo marítimo, el perro que persigue a las palomas sin intención de atraparlas, la nieve que cae sobre el campo y que exige un caminar de otra manera son algunas de las imágenes y escenarios de esta poesía orientada al milagro cercano de la existencia, versos que no explican el mundo, sino que se empapan de él. Con un fondo enigmático y sereno, la mirada de Partal es la mezcla perfecta de sabiduría y de avidez, de trascendencia y de instinto, de silencio y de hambre. « Delicada y cruda, antigua y novísima, lírica y prosaica, esta poesía nos habla del ardor del deseo, del amor que otorga sentidoy «ofrece desapego», de lo innecesario del acontecimiento, de cómo lo divino accede a manifestarse en el rojo de los tomates, y de la impotencia que a veces se esconde en las palabras. Mientras leemos estos poemas descarnados, conmovedores, sabemos ya que se quedarán por siempre a vivir con nosotros.»Piedad Bonnett Alejandro Simón Partal (Estepona, 1983). Escritor y poeta. Es doctor en Filología Hispánica. Ha publicado teatro, novela, ensayo y poesía.Con Una buena hora (Visor, 2019), su quinto libro de poemas, obtuvo el Premio Internacional de Poesía Hermanos Argensolay con La fuerza viva (Pre-Textos, 2017) el Arcipreste de Hita. Su obra dramática Resistencia y sumisión (Antígona, 2021) fue seleccionada por la Factoría Echegaray. Con La parcela (Caballode Troya, 2021) ganó el Premio Cálamo ''Otra mirada''. Ha trabajado en universidades de Francia y República Checa. Ese de anocherecoge una selección de su obra poética desde el año 2008, incluyendo los últimos inéditos. @simonpartal«Leo a Simón Partal para rascar la paz: con él salgo del after y llego al campo y respiro monte, árboles, tiempo, amor como fenómeno de la disponibilidad, amistad que me salva de la velocidad. Si pudiera, lo llevaría siempre en mi bolso: como esta antología, como un pintalabios con el que ponerme guapa solo para mí misma, cuando nadie me está mirando. Leo a Simón Partal para sentir en el cuerpo cómo crecen los rosales.» Lorena G. Maldonado, El Español
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El tiempo que nos hizo nos deshace.
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El polígrafo Marcelino Menéndez Pelayo (1856-1912), una de las inteligencias más asombrosas de la historia cultural española, publicó en 1908 estas Cien mejores poesías (líricas) de la lengua castellana. Obtuvo con dicha antología un enorme éxito editorial tanto en España como en el resto del mundo, pues el libro fue fruto de una coedición entre la firma española Victoriano Suárez y otras editoriales de Portugal, Francia, Bélgica, el Reino Unido y los Estados Unidos de América. Eso nos da una idea del prestigio que tenía en el ámbito del hispanismo universal cualquier cosa que surgiera de la pluma del estudioso santanderino. Hasta ocho ediciones de generosa tirada vieron la luz entre 1908 y 1919, cuatro de ellas en vida de su autor y cuatro póstumas. Don Marcelino incluía en su florilegio varios ítems de un mismo poeta, lo que supone que el número de autores representados en el libro no sean cien, sino muchos menos, dado que Fray Luis de León y Lope de Vega, por poner un ejemplo, figuran en la antología con ocho poemas cada uno. Antología mítica de uno de los mayores eruditos de nuestra literatura. Recoge poemas desde finales del siglo XIV hasta principios del XX, del Marqués de Santillana a Manuel del Palacio pasando por Jorge Manrique, Garcilaso de la Vega, Fray Luis de León, San Juan de la Cruz, Lope de Vega, Góngora, Quevedo, Calderón, Jovellanos, Duque de Rivas, Espronceda, Zorrilla, Gertrudis Gómez de Avellaneda y Bécquer, entre muchos otros. Marcelino Menéndez Pelayo nació en Santander en 1856 y falleció en la misma ciudad en 1912. Fue un niño prodigio y destacado erudito, filólogo, historiador, poeta, político y crítico literario español que se distinguió por su profundo conocimiento de la literatura española. Estudió en las universidades de Valladolid y de Barcelona (donde fue alumno del filólogo catalán Milá y Fontanals, a quien consideró siempre su maestro). A los veintiún años accedió a una cátedra de la Universidad de Madrid. Perteneció a la Real Academia Española desde 1880, a la de la Historia desde 1883, a la de Ciencias Morales y Políticas desde 1891 y a la de Bellas Artes de San Fernando desde 1901. Sus últimas palabras antes de morir dicen que fueron: «¡Con todo lo que me queda por leer!».
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Soc, de la meva pròpia religió, l'únic creient, l'únic sacerdot, l'únic pecador, l'únic devot, l'únic ateu. Sovint, assegut a la barra del meu temple, del qual en soc l'únic client, menjant una hòstia de patata fregida.
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Poeta del foc, psique russa, sibil·la: Tsvetàieva no admet cap etiqueta perquè en crea una de pròpia. No accepta lleis ni en l'escriptura ni en l'amor: per a ella, vida i literatura signifiquen la mateixa cosa -un apassionament lliure i fervorós. Els dos reculls de poemes que componen les Fites, publicats ara en català per primer cop, es van escriure entre 1916 i 1920: entre el darrer any de la Rússia tsarista, les revolucions de febrer i octubre del 1917, la precarietat immediatament posterior i la mort per desnutrició d'Irina, la segona filla de la poeta. Les Fites representen l'inici de la maduresa literària de Tsvetàieva, la seva entrada al panorama de recitals i el reconeixement per part de la crítica i dels companys de l'Edat de Plata: Akhmàtova, Pasternak, Mandelstam, Balmont... La poeta desplega un imaginari complex i personal, en el qual amor i amistat, maternitat i infantesa, ciutat i ruralia, tradició ortodoxa i màgia gitana, somnis i quotidianitat, i desig hi conviuen enllaçats pel vincle ancestral de la poesia i la música.
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Toda la obra reunida de un poeta imprescindible.«El descubrimiento de Miguel Casado me reconcilió de alguna manera con la poesía de mi propia generación.» Roberto Bolaño«Un meticuloso observador, que registra lo que contempla y no lo transforma, sino que lo desnuda.» Juan Antonio Masoliver, La Vanguardia«Miguel Casado representa esta corriente de afinación perceptiva y depuración formal, lo que le lleva a renunciar, en sus libros de madurez, a los chisporroteos metafóricos y a la evidencia rítmica.» Ángel Luis Prieto de Paula, Las moradas del verbo En un mundo saturado de discursos, donde los límites de lo virtual no son precisos, cunde la sensación de que la realidad se nos escapa, nos falta, y los días parecen discurrir en el seno de su carencia: el deseo de realidad es energía que aspira a poner la vida en tensión. Este volumen, Deseo de realidad, que reúne la obra poética de Miguel Casado desde 1986, recoge un proceso guiado por ese impulso, y también por un sentimiento de la lengua que trata de alcanzar -en un ver que es a la vez un pensar-lo concreto, lo particular, lo que está ahí. Los poemas de Miguel Casado fluyen como una conversación solitaria, persiguiendo en ese trance un sentido nuevo tan personal como político, un núcleo existencial. La palabra directa, las formas abiertas, el verso libre y el diverso montaje de cada uno de los libros (de la secuencia narrativa a la exploración del azar, del monólogo digresivo al mosaico sin estructura) componen, siempre en movimiento, una voz poética singular. Trazada con lentitud, al ritmo de su lógica interna, la poesía de Miguel Casado ofrece un mundo inconfundible, de una escritura firme y sin concesiones.
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Joaquín Calderón (Sevilla, 1975). Fue profesor de música y violín durante varios cursos en diversos conservatorios andaluces, hasta que decidió abandonar la docencia y dedicarse a la música en directo, la producción y un buen puñado de hobbies que le han permitido vivir si no holgada, sí, felizmente. Tiene en su haber cuatro discos en solitario como cantautor. Aficionado a la lectura y la escritura, ha publicado en Renacimiento los poemarios Soy como puedo (2018) y La vida editada (2019). El Viajero es su tercer libro de poemas.
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El ciclo de las estaciones se hace eterno en los poemas de Carlos Gabriel Montes, que, con la valentía que supone nadar contracorriente en nuestra época, nos presenta un poemario estructurado como una obra dramática que es el tiempo mismo, el transcurso de un año con sus cuatro estaciones. Un libro en el que la muerte se disfraza de aguacero cuando se asoma a los poemas y que recorre un misterio tan antiguo como la humanidad.
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Una de las mutaciones más interesantes de la poesía contemporánea tiene que ver con la sustitución del espacio público, de la dimensión social como lugar de mera denuncia. Alta y clara, sí, pero tibia, por más que sus lemas se presten a ser coreados. A la manifestación de las ideas compartidas le sucede el hueso carnoso de lo manifiesto, los cuerpos antes que las pancartas, cuerpos que suscriben lo dicho, que anuncian lo que en ellos se inscribe. Por ese camino de una nueva forma de centralidad política se pasea Laura Rodríguez Díaz (Sevilla, 1998), después de su debut en San Lázaro (Cántico, 2021). Esa ganancia no es nueva, de acuerdo —salen a relucir Olga Novo, Núria Martínez-Vernis, Miriam Reyes…—, pero sí ha repuntado al calor de la coyuntura histórica con aportaciones tan consolidadas en torno a este tema como las de Sara Torres o Luna Miguel. En ese surco de la enjundia hay que buscar a Laura Rodríguez, el de la infirmitas, que tiene su origen a pachas entre la frágil calidad de los materiales, no sea que se venga abajo el edificio, nuestro hábitat urbano, y la entredicha homeostasis, la promesa de un equilibrio del cuerpo (social) que depende cada vez de más y más factores. ¿Puede la poesía salir indemne de esta urgencia? Con «la violencia de una nube» nos viene la autora a decir en anuncio. Un poemario rematado, atemperado se podría decir también, por el poema Las niñas de plata, que en su propia libertad presentamos aquí, compartiendo un volumen.
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En este número 190, el Plural está dedicado a ''La biodiversidad en el conflicto capital-vida'', coordinado por Erika González, en el que colaboran José Luis Fdez. Casadevantes ''Kois'', Miguel Díaz-Carro, Marta Rivera-Ferré, Jaume Grau, Maritxu Ameigeiras y varios miembros de organizaciones ecologistas. En la sección El desorden global, Raphael Granvaud analiza la situación en Níger tras el golpe de Estado, Antoine Larrache entrevista a Jamel Bisset sobre la experiencia de una movilización medioambiental en Argelia, Rachida El Azzouzi conversa con Chowra Makareni sobre el ''estallido revolucionario feminista'' en Irán y las repercusiones que sigue teniendo en la crisis del régimen, y finalmene, Yan Shenkman describe los efectos que está teniendo en Armenia la injusta ocupación azerí de Nagorno-Karabaj. En Plural 2, Andy Durgan recuerda en el cincuentenario de su muerte la trayectoria y el legado de Joaquim Maurín durante el primer tercio del siglo XX. En Futuro anterior, Raúl Garrobo rememora el significado histórico del enfrentamiento entre la clase trabajadora
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Els ostatges és un recorregut per tot allò que ens construeix: La infantesa, la joventut, la família, l'amistat, la cultura, la llengua, el paissatge, la memòria, la mort, i finalment, per tots els nostres dubtes, llegats i aprenentatges. Un recorregut pels nostres ostatges i pels nostres captors. Yolanda Esteve Giner (Barcelona, 1970) es licenciada en Geografía e Historia por la Universidad de Barcelona. Máster en Gestión Cultural por la Universidad de Barcelona y Posgrado en Dirección de Organización y Recursos Humanos por UManresa-UAB. Ha trabajado siempre en el ámbito de la gestión cultural. Actualmente coordina los programas de literatura y conocimiento del Ayuntamiento de Manresa, donde destacan el festival literario Tocats de Lletra, el proyecto Cosmògraf y la plataforma digital Manresa Ciutat Àgora. Ha publicado: Perifèries (Premi de Poesia Creu Verda de Montblanc 2016), Intercity (XXXVIII Premi de poesia Senyoriu d'Ausiàs March 2017), Zero (18è Premi Literari Betúlia de Poesia Memorial Carme Guasch. Premi Ciutat de Badalona 2018), Els ostatges (Premi Francisco Brines de Poesia 2023).
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