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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Lenguaje código y lenguaje natural: este poemario transita por ambos rescatando los mimbres de lo social, la posibilidad misma de una sociedad otra, mejor.Lenguaje código o lenguaje natural, dos caras de un mismo artefacto (el lenguaje, con sus inevitables poesías) que revela en la doblez su profunda dependencia respecto a la voluntad e intenciones de los humanos que lo empuñan. Esta obra, el primer poemario publicado de Belén García Nieto, transitará entre escritos encarnados y textos maquínicos, sometidos unos y otros a las mismas violencias, pero agazapados, tensos, a la espera de saltar en rebelión contra quienes pretenden ser sus amos.
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Como Manuel Ávarez Torneiro sabía muy bien, el auténtico legado de un poeta no son las palabras rimbombantes ni las grandes arquitecturas estilísticas, sino el logro de fosilizar lo esencial y, gracias al lenguaje, dotarlo de eternidad. Y así lo hizo en ''Travesía del conocimiento'', su último libro de poemas en castellano. Una obra en la que los versos dialogan con su otra faceta creativa, la ilustración. Un doble reconocimiento para este consagrado autor, ya que no solo se rescata del olvido un poemario inédito de una voz referencial, sino que, por primera vez, se le otorga a su obra plástica una merecida atención.
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Poner nombre a revelaciones vespertinas, apagar incendios en el pecho, restañar heridas producidas por el mundo cuando este se quiebra, convertirse en nube, seguir oyendo la voz de los padres... de estas necesidades surge este Bestiario del deseo. Dividido en tres secciones, Bestiario, Deseo y Pecios, el de Juana Gallardo es un poemario de la sencillez y de lo efímero, tanto en la naturaleza como en la cultura. Numerosas son las referencias a autores y mitos, que se entrelazan con las de un mundo natural hacia el que la autora se muestra especialmente sensible: una naturaleza que es capaz de transformar en una sola noche ''su soledad en flores y el silencio en miles de riachuelos que nadie esperaba''. Si el campo es capaz de todo eso, dice, ¿cómo no vamos a ser capaces las personas de darle sentido a la vida y al mundo? Aunque ''la esperanza es pequeña'', como admite en un poema, es suficiente para contradecir al filósofo que sostuvo que, después de Auschwitz, no es posible la poesía. El convencimiento que transmite este poemario es ''que después de esta guerra/habrá poesía''. De cualquier guerra.
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Con Nieve, libro ganador del Premio Latinoamericano de poesía Ciro Mendía 2020, la poeta colombiana Ana María Bustamante empuña con el corazón la escarcha de la poesía, es decir, la emoción fría que se transforma en calor con el aliento de cada nueva lectura. Los poemas de Bustamante rescatan la emoción honda de la palabra sencilla, se esfuerzan por volver, como dice un poema, “a la secreta raíz que dibuja el pasado”, y logran su objetivo: convertirse en parte de nosotros, en parte de la poesía joven en español del siglo XXI. Si, como dice otro gran poema, “la risa es la voz de los muertos”, la poesía es la voz de los vivos, siempre, y la voz de Ana María Bustamante, consolidada ya, nos devuelve al placer de sentirnos revivir frente a un libro, frente a un poema, frente a un verso como un cristal de hielo, único, fugaz y eterno.
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En poemas que lidian con lo político, lo autobiográfico y lo filosófico, Javier Padilla usa el lenguaje como combustible de un furor poético que es a la misma vez netamente nicaragüense y completamente global y cosmopolita. Su poesía combina el legado de la poesía hispanoamericana, la lengua inglesa, y la cultura nicaragüense de la posguerra en un experimento radical que interroga los límites del lenguaje. Dodecadencias es una puesta en escena del trauma personal de la mano del trauma histórico, así como una celebración funérea de la locura y la decadencia contemporánea. En sus poemas, Padilla nos invita a reflexionar sobre la relación entre la poesía y la tecnología, a la vez que nos confronta con un poderoso desgarro lírico que se mueve entre lo mítico y lo antropológico.
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¿Cómo es la mujer soñada del poeta? ¿Cómo es la mujer compañera y madre?. Perán Elvira canta las mil facetas que es la mujer. Versos como triunfo de lo femenino.Si el rey sabio Salomón, supuesto autor del Cantar de los Cantares, hubiese sabido que Antonio Perán Elvira utilizaría sus textos para apoyar los poemas de este libro, habría saltado de gozo.Contiene este libro a todas las mujeres en una: la serena, la amorosa, la acogedora, la sensual, la ordenada, la hacendosa, la fragante, la activa, la femenina, la valiente, la abnegada, la soñadora, la sincera, la madura, la sencilla, la risueña y la desprendida... Todas reunidas en la mujer preferida, en la mujer universal.Pero mucho más al fondo, vas a encontrar, lector amigo, la mujer calidoscopio, la huésped de espacios infinitos, la que siempre llega antes, la que muestra la virtud innumerable en sus cabellos, la de la pasión que crece en rebeldía, la que huele a brisa y se lleva el mar cuando se aleja.
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Segon (i últim) volum de la primera antologia poètica en llengua catalana de la guerra dels Segadors (1640-1652). Una mostra de poesia barroca culta i popular, amb una alta càrrega política, en la guerra més trascendent de la història del nostre país. Durant la guerra, el vers fou una arma per als bàndols enfrontats, profrancesos i profelipistes, que van cantar victòries pròpies i derrotes alienes o van reflectir el clima del conflicte armat que es vivia al Principat. Els versos havien d'ajudar a vèncer, exacerbar els ànims i mobilitzar faccions. En aquest segon volum es recullen els poemes del gruix de la guerra (1642-1652), quan passada la primera efervescència, i després de la mort de Pau Claris, les perspectives de victòria per a Catalunya són cada cop més incertes. La majoria de composicions són anònimes i d'estils molt diversos, però també hi ha figures emblemàtiques de la literatura catalana barroca com Francesc Fontanella, que van immortalitzar un dels moments més rellevants de la història de Catalunya.
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Antes de la paloma, Noé envió al cuervo… él no volvió. Aquí está lo que vio en ese viaje. Un viaje poético a los rincones oscuros de la humanidad. Un vuelo, también, hacia la luz.«Así como en el cielo es, hasta cierto punto, una obra sombría y nada complaciente, cuyas reflexiones, en muchos casos, ofrecen un panorama desolador sobre la condición humana, no obstante, y aquí está la clave, en su lectura late, a pesar de —o a causa de— esa sombra de desconsuelo, un profundo vitalismo que, adoptando la forma de un ejercicio de resistencia, nos incita a apostar por otras maneras de entender la vida.» Del prólogo de Sergio R. Franco.Así como en la tierra manda el designio de la carne que os viste, en el cielo mando yo, pájaro negro tocado por el dedo del mito y de la historia. A deciros lo que nunca veis, yo vine. A deciros lo que siempre sois, yo vine.
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La dictadora es la obra del intraexilio, que describe la vecindad consuetudinaria entre las familias del destierro. Una convivencia que dio lugar a relaciones amistosas o a enemistades que tienen tanto o más que ver con el transcurrir ordinario que con las ideologías. Así, La dictadora recrea el conflicto generacional, intrafamiliar, del que fue testigo la autora, María José de Chopitea, entre (presuntamente) la intelectual Margarita Nelken, dibujada como «la dictadora», y su nieta Margarita Salas, a quien llamaban Cuqui, con quien vivía. Desavenencias entre ambas motivadas por el noviazgo de Cuqui con el hijo del dramaturgo Cipriano Rivas Cherif, quien fuera a su vez cuñado de Manuel Azaña. La familia Rivas Cherif-Azaña y la familia Nelken presentaban dos líneas políticas dispares, que ocasionaron posturas enfrentadas que se perpetuaron en el exilio incluso, cuando ambas familias, en México, vivieran en el mismo portal y la misma escalera. El conflicto familiar surge porque las nuevas generaciones no quieren heredar diferencias pasadas que les impidan vivir su día a día con desencuentros irreconciliables. María José de Chopitea, la narradora del intraexilio, describe en La dictadora el devenir humano, alejado de idealismos, de la comunidad desterrada. María José de Chopitea y Rossel. La escritora del intraexilio, fue una autora, editora y traductora española nacionalizada mexicana en 1946. Necesitamos romper el olvido y silencio en el que permanece su obra en nuestro país para mostrar la importancia testimonial de sus obras Lazos de infancia (1950), Sola (1959), Guieshuba. Jardín del Istmo (1960), La dictadora (1963), e In Memoriam (1965). Ella describe el devenir de la comunidad exiliada en su día a día: el amor, los excesos, las enemistades y la interacción cotidiana de los descendientes, ya mexicanos. Josebe Martínez es profesora titular en la Universidad del País Vasco. Ha sido profesora titular en California State University. Entre sus obras sobre exilio, además de numerosos artículos internacionales, cabe destacar Las intelectuales, de la Segunda República al exilio (2002, Premio Nacional de Investigación Isidra de Guzmán), Escritoras, guerra civil y memoria (2007), Las santas rojas: exceso y pasión en Clara Campoamor, Victoria Kent y Margarita Nelken (2008), la edición de Mada Carreño Los diablos sueltos (2019), la edición de las obras de Margarita Nelken La mujer ante las Cortes Constituyentes y Maternología y puericultura (2021).
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El cielo de abajo ofrece un mapa alternativo de la poesía femenina hispanoamericana en el empeño de repensar la noción de cuerpo-objeto que le ha sido tradicionalmente asignada, situando la fisicidad como un lugar determinante para la producción de sentido. María Alcantarilla recorre un itinerario singularísimo compuesto por trece autoras que, en su práctica totalidad, habían permanecido hasta ahora en una suerte de limbo con respecto al canon establecido, y cuya fortuna editorial dificultaba sensiblemente el acceso general a sus obras. Tal es el caso de la venezolana Hanni Ossott, la uruguaya Tatiana Oroño, la boliviana Blanca Wiethüchter, la panameña Diana Morán, la ecuatoriana Ileana Espinel o la mexicana Esther Seligson, entre otras, cuyas voces, desde la individualidad estética y expresiva que las caracteriza, se enhebran a lo largo de estas páginas a través de un mismo hilo de urdimbre que contrapone el discurso lógico de la razón al canto orgánico de la intuición poética. La selección, complementada por las fotografías de la antóloga, pretende así recuperar el papel de las mujeres como legítimas interlocutoras poéticas y sobreponerse a esa misoginia ancestral que durante siglos ha silenciado su imaginario, restaurando el espejo poliédrico de la poesía hispanoamericana contemporánea escrita desde y a través del cuerpo.
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Doña Irene, viuda y madre de Paquita, concierta el matrimonio de su hija con don Diego, un rico solterón. La aparición de don Carlos, sobrino de don Diego, vendrá a frustrar los planes de la viuda. Con este argumento, a primera vista tan simple, Moratín crea un alegato contra los métodos educativos de la época, y reivindica el derecho a una fe libre de fanatismos y supersticiones, a la par que aboga por la elección del amor, es decir, por los derechos del invididuo y, esencialmente, de la mujer. El sí de las niñas, comedia de crítica social, es considerada la obra maestra de Moratín. Con un tono bondadoso y un lenguaje tan cercano como preciso, Moratín creó una obra con la que empezó a poner las bases del teatro español contemporáneo. La colección Castalia Didáctica. Ahora, dentro del proceso de renovación de la editorial, presentamos una nueva edición, con nuevo diseño y formato.
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Poemario de la autora Aurora Gámez.Ondinas por la cinta de Möebius es un deslumbramiento, un canto al milagro que nos rodea, un viaje por paisajes mediterráneos o sierras insólitas y excepcionales como las Alpujarras o las sierras de Málaga o de las Nieves, donde habita la manzanilla junto al espliego, la amapola roja o los blancos arrayanes. Pero, también, es exaltación de la vida, del tiempo vivido y de la necesidad de retornar a los lugares antiguos de la infancia, para atrapar el instante infinito que habita en ellos, detenerlo y recuperar la llama que pervive en el corazón de sus ascuas: Sobrevivimos / al filo de los sueños / constituidos, versos de la autora que dialogan con aquellos otros de William Shakespeare, en boca de Próspero en el Epílogo de La Tempestad: Estamos hechos de la misma materia que los sueños y nuestra breve vida cierra su círculo con otro sueño.Acompaña al mensaje poético troncal una abisal reflexión acerca de la existencia y el paso del tiempo, sobre el misterio que se oculta en la materia (somos cenizas / y los mismos de siempre), una intensa indagación acerca de nuestra fugacidad y la sorpresa de nuestra insignificancia ante la magnificencia de las leyes que marcan el cosmos.
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La noche inclinada, obra de teatro escrita a principio de los años sesenta del siglo XX, está compuesta por tres jornadas y ahonda en los recovecos del alma de José Miguel Carrera -uno de los héroes más controvertidos de la independencia hispanoamericana- en el momento más difícil y atormentado de la vida, o sea cuando se encuentra cara a cara con la Muerte, a la que se entrega sin miedo y sin remordimientos, consciente de haberlo dado todo por su patria, honorándola siempre. Tras su fusilamiento, tocará a la Noche protegerle de la Envidia y de la Muerte y otorgarle la posibilidad de brillar para la eternidad. Sacar del inmerecido olvido la última obra teatral del escritor Ramón de la Serna y Espina significa abrirse a la posibilidad de abandonar las lecturas maniqueas de las guerras de independencia hispanoamericanas y capturar los más sutiles matices del alma humana con todas sus debilidades, de las que ni siquiera los héroes pueden escapar. Drama inédito sobre la guerra de independencia chilena, en el que los héroes sin miedo y sin tacha, dejan espacios a los miedos y a las debilidades de los seres humanos. Ramón de la Serna y Espina (Valparaíso, 1894-Santiago de Chile, 1969). Periodista, traductor, novelista y dramaturgo, fue un intelectual de su tiempo, poliédrico, ecléctico y políglota. Primer hijo de la escritora Concha Espina, Ramón de la Serna se formó entre España, Alemania e Inglaterra y empezó su carrera dando cuenta de la vida cultural del tiempo para periódicos influyentes, como El Sol y El Imparcial. Tradujo del alemán al español importantes ensayos y obras críticas, entre las que destacan Lope de Vega y su tiempo de Vossler y Tipos psicológicos de Jung, gracias a las que obtuvo el aprecio de José Ortega y Gasset. Su novela Chao publicada en 1933 se inscribe en el surco trazado por los prosistas de la Generación del 27. Tras su exilio voluntario en Chile en 1939, el escritor empezó su importante colaboración con el periódico El Mercurio -que duraría hasta su muerte- con el ABC y con la editorial Losada. Bajo el influjo del grupo universitario chileno Teatro Experimental, empezó a dedicarse a la redacción de obras teatrales en las que los verdaderos protagonistas son los valores que los seres humanos corren el riesgo de perder. Daniela Agrillo. Doctora en Estudios Literarios, Lingüísticos y Comparativos, ha escrito Ramón de la Serna y Espina. La torre invisible. Lleva años intentando sacar del olvido al desconocido autor hispano chileno, al que ha dedicado, además de la mencionada antología, artículos y ponencias en congresos nacionales e internacionales.
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Impurezas es una instantánea del herido, del denostado, del ser humano que ha perdido la última oportunidad en su existencia. Es el reflejo de lo que queremos ocultar, de lo clandestino, de lo que encubrimos en solitario para no destapar lo que nos avergüenza.Impurezas retrata aquella vez que fuimos furtivos, cuando en un desliz del prójimo nos aprovechamos de su debilidad. Y esa característica nos hace más humanos, más carnales, más terrenales y, por ende, más impuros. La impureza de la desesperación, del desamparo, de la muerte, de lo humano.Este texto surge como relato descriptivo de culpas complicadas de reconocer, de realidades que todos sabemos que existen, pero negamos su presencia.
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Introducción al límite ahonda en las costuras incómodas que van tejiendo la manera en la que el hombre suele definirse, generalmente por negación de lo ajeno. El sano y el enfermo. La obligatoriedad de aparentar felicidad o desamparo. La condición de cuidador o de atendido. La soledad frente al grupo de referencia. La orfandad y la familia. Lo que es bueno frente a lo que suele catalogarse de éticamente reprobable. El poemario se articula en cuatro partes a la contra de la propia naturaleza humana: de la muerte -física o mental- al nacimiento. Una suerte de viaje en el que el dolor ocupa un lugar preponderante, no como estado lastimero sino como estación de paso que le da sentido al trayecto. Donde hay descanso ha habido vigilia anteriormente. Por eso, en este libro, prima la observación por encima del resto de sentidos: vemos lo que somos y, en ese orden de cosas, también la proyección, junto al dolor, se erige como otro aspecto importante. ¿Cuánto del otro hay en mí o viceversa? ¿Cuánto de lo que detesto me es propio? Introducción al límite es un ensayo vital en el que también el lenguaje es decisivo. La forma en la que nos expresamos determina el modo en el que los otros nos conocen.
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Se reúnen aquí sus mejores versos: los insólitos e intangibles sonetos de Las Quimeras, fruto de su fecunda locura, sin precedentes en la literatura francesa, y una precisa selección del resto de sus poemas, desde el primero, que compusiera con apenas trece años, hasta el último, su “Epitafio”, escrito poco tiempo antes de aparecer ahorcado en una sórdida calleja del viejo París.
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LUIS MUÑOZ (Granada, 1966) es autor de Septiembre (1991), Manzanas amarillas (1995) –premio Ciudad de Córdoba–, El apetito (1998), Correspondencias (2001) –premio Generación del 27 y Ojo Crítico–, y Querido silencio (2006). Su obra hasta 2005 está incluida en el volumen Limpiar pescado. Poesía reunida. Dirigió, entre 1992 y 2002, la revista Hélice. Ha editado el volumen El lugar de la poesía (1994), y ha traducido, entre otros autores, a Giuseppe Ungaretti y una selección de poetas británicos de la llamada New Generation. Desde 2012 es profesor en la Universidad de Iowa, Estados Unidos, y vive entre Iowa City y Madrid. Su escritura explora lo irrepetible de cada cosa, la duración, el aislamiento, la falta, la transformación con los otros, la presión de la memoria, el origen como el lugar al que se vuelve y la potencialidad de las sensaciones que –por decirlo con palabras de André Gide– son de una “presencia infinita”. El intenso simbolismo de sus poemas se construye sobre una tupida red de conexiones horizontales y verticales. La poesía –ha señalado– “trapichea en esa frontera que puede separar lo lógico y lo realista de lo irracionalista y lo metafísico”. Vecindad es su sexto libro de poemas.
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Un nuevo libro de Ferran Fernández, con su ya clásica ironía que interpela a la inteligencia del público lector.Empezó a escribir para combatir la tristeza, ganó algunas batallas y logró sonreír de nuevo pero pronto volvió a estar triste porque solo sabía escribir contra la tristeza. Persigue la derrota una y otra vez con inquebrantable afán y siempre fracasa pero nunca se vanagloria de ello.
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La Antología de Spoon Raven remite a la conocida obra de Edgar Lee Masters, Spoon River Anthology, pero en estas páginas el lector ya no se enfrenta a las lápidas escritas de un cementerio o a una muchedumbre de muertos que le habla. Ahora escucha a un solo personaje, masculino y femenino a la vez, que se replantea la creación poética, invirtiendo el tiempo desde el futuro hacia el pasado, y mezclando la voz propia de su escritura con los diferentes estilos de grandes poetas. Dolan Mor piensa que ''hay que apretar la tuerca de la poesía hasta que se rompa y se pase de rosca'', por eso Antología de Spoon Raven es un libro a contracorriente en el que se juega magistralmente con la ficción y la realidad, con la irracionalidad y la ironía, con los campos magnéticos y los simulacros, con la originalidad de la literatura y el plagio. Como dice Néstor Díaz de Villegas en el prólogo, este libro es ''el testamento de un autor de culto''.
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En una oficina, una mujer sentada ante una máquina acumula jornadas enteras de trabajo, tensión en los hombros y un hilo de pensamientos, mientras sus manos se mueven mecánicamente sobre las teclas. Poco importa la ubicación o la fecha, la escena podría reproducirse una y otra vez, y ha quedado magistralmente retratada en la serie de poemas que Karen Brodine compone a partir de su labor como tipógrafa.
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Filósofo, ensayista y crítico de arte, Eugenio d'Ors (Barcelona, 1881-1954) ocupa un lugar destacado en la cultura española. Junto con Unamuno y Ortega, fue el pensador más representativo e influyente de su tiempo. Abordó diferentes géneros, desde la novela (La bien plantada, 1911), hasta el ensayo (Introducción a la filosofía, 1921), pasando por la crítica de arte (Tres horas en el Museo del Prado, 1923), la prosa poética (Oceanografía del tedio, 1916) y las notas breves, que recogió en su Glosario. Desde los inicios en La Veu de Catalunya, intercaló entre sus abundantes glosas algún poema y algunas series de aforismos, muchas de las cuales fueron recogidas en el volumen Gnómica (1941). Entre sus múltiples aportaciones cabe destacar la difusión de la estética moderna, que arranca de Baudelaire, y la incorporación del discurso fragmentario, al que Nietzsche otorgó carta de naturaleza.
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Necesito ropa, dijiste. Una blusa alegre, de color subido. Y fuimos a la tienda. La chica que nos llevó a los vestidores se llamaba Tula. Te queda rico, dijo, te queda de novela. Nos metimos las dos en esa caja, entrábamos apenas. Como no había asientos ni percheros te ofrecí mis brazos. Te sacaste el vestido, la campera, te sacaste la blusa, las hombreras, te sacaste el turbante, la remera, te sacaste el corpiño, la bolsita de mijo, te miraste al espejo y me miraste y yo vi tu pecho crudo, las costillas al aire, y después tu corazón como una piedra, fuerte y fatal como una piedra. «Desnuda en la tienda», de María Teresa Andruetto.
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Si romper con todo el liquen en la mitad del salto que no fue, con esa carencia, si traer al huevo la albúmina perdida, los ojos de una piedra que no toqué, de una casa que no me contenía, si escuchar con frío extremo las palabras sin dientes, la lenta actividad de lo arrancado (me quito los vendajes, no hay heridas, me sumerjo, palpo los bordes de una oscuridad solo rota), si quebrar la cáscara preservada en sucesivos inviernos de no mirar lo que se mueve, si todo estalla ahora con una explosión de claridad que me devuelve al cuerpo, al escritorio o cocina donde bato palabras sin romper su cáscara, aleteando en esta mantequilla sin forma ni pigmentos de voz, en esta espuma de bocas abiertas que cantan para mí, pero no me comen.
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Los árboles mueren cada otoño y los incendios son terribles, pero hay algo más esencial que renace y retorna. Quizá el bosque es un testimonio de nuestra estancia en el mundo, y por eso la poesía toma las formas de la lira y el arco, porque lo nuestro se mide entre las canciones (la belleza) y las flechas (la muerte).
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Aun formando parte de su mundo personal e intransferible, La ocasión y el homenaje es un libro singular en el itinerario de Felipe Benítez Reyes, que ofrece aquí una colección de poemas, de muy distintos tono e intención, en los que muestra su dominio de las formas y registros de las más diversas tradiciones literarias. Fruto de una lenta decantación que ha juntado piezas recientes con otras que se remontan muy atrás en el tiempo, el conjunto reúne poemas civiles de inspiración contemporánea como los dedicados a la destrucción de la Biblioteca de Sarajevo, el atentado de las Ramblas o el accidente nuclear de Fukushima, unos apócrifos, rebosantes de ingenio, de la legendaria Antología de Spoon River, delicadas muestras de arte menor y piezas muy representativas de su imaginario, caracterizado por una sugerente simbología que participa tanto de lo real como de lo onírico. Más allá de estas coordenadas, donde conviven las fábulas mágicas y las ciudades del sueño, otros poemas se presentan como homenajes o variaciones que convocan a autores como Pessoa, Antonio Machado, García Lorca, Claudio Rodríguez o Carlos Marzal. ''Poemas errabundos'', los ha llamado el autor, o libres de contexto, ''que finalmente se agrupan para estar menos solos... sin dejar de estarlo''.
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Esta antología es la primera en reunir, en un solo volumen, una parte de toda la producción poética pessoana, los versos ingleses y franceses, y los libros tan importantes como Rubaiyat y Cuadras entre otros, es una invitación a leer la poesía de Pessoa en toda su extensión, variedad y multiplicidad.
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Obra clau de Carson i guanyadora del prestigiós premio T. S. Eliot de poesia, La bellesa del marit es tradueix ara per primera vegada al català.La bellesa del marit. Un assaig narratiu en 29 tangos va ser la primera obra de Carson publicada a Espanya, i ara arriba finalment al lector catalanoparlant gràcies a la labor impecable de Núria Busquet Molist. En aquesta obra, Carson demostra el seu enginy per a idear gèneres híbrids prenent com a base, en aquesta ocasió, el vers lliure, l'assaig i el tango.El gènere musical és el component perfecte per a narrar la història d'un matrimoni que s'enfonsa -un tango, com el matrimoni, és una cosa que un ha de ballar fins al final, defensa la canadenca- i fer-ho de manera original, mordaç i il·luminadora, com si fos la primera vegada que la poesia -la d'avui i la de sempre- examina l'amor.
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Marialuz Albuja Bayas (Quito, Ecuador, 1972). Poeta y narradora. Es graduada en Estudios de la Cultura y Literatura Hispanoamericana. Ha publicado cinco libros de poesía y dos novelas. Su obra ha sido parcialmente traducida a varios idiomas. Ha recibido el premio Dámaso Alonso a la creación literaria (Madrid), y quedó finalista de la convocatoria iberoamericana José Santos Chocano (Perú). También ha escrito cuento y dramaturgia. Doble filo es un poemario compuesto de tres secciones: Autorretrato, Lengua y Arma, todas ellas 'de doble filo'. La voz poética se manifiesta con fuerza y autenticidad en cada sección, sin ser la misma y, sin embargo, manteniendo una unidad en el impulso que no decae y en la exploración del lenguaje que no se acomoda a fórmulas ni permanece estático. En 'Autorretrato', la voz dialoga con el símbolo materno. Estos textos nacieron de la escritura paralela de un monólogo teatral y en ellos se mezcla la poesía con la ficción narrativa. Los textos que integran 'Lengua' transitan por el proceso de creación de lugares, afectos, significados y significantes. Finalmente, 'Arma' cierra la obra con el riesgo que implica, en nuestros días, escribir sobre el amor sin decir lo que ya se ha dicho.
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Los poemas de Germain Droogenbroodt tienen una serena profundidad de significado y experiencia, una cualidad sin paragón en la poesía mundial contemporánea. Sólo Tagore, en la India, se acerca en la forma en que el poeta cosmopolita medita sobre las palabras. Además de poemas filosóficas, peculiar de su personalísima poesía, el poemario Reflexiones poéticas contiene también profundas reflexiones sobre el presente y el futuro del hombre. ''Sus poemas me fascinaron. Son profundos, originales, universales''. CLARIBEL ALEGRÍA, POETA NICARAGÜENSE ''Es muy interesante cómo la sencillez de su poesía abre caminos intensos y profundos. También me parece sumamente interesante su visión poética de la realidad, una realidad imantada por un pensamiento espiritual y superior''. ENRIQUE SOLINAS, POETA ARGENTINO ''Le agradezco por compartir sus encantadores pequeñas gemas brillantes de sabiduría espiritual''. R.K. SINGH, POETA HINDÚ
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El puente Roque González comunica las ciudades de Posadas, en Argentina, y Encarnación, en Paraguay. Forma parte del paisaje de quienes participaron en su construcción, de quienes lo contemplaron a ras de ciudad, y de quienes día a día -tiempo después- cruzan el río Paraná o se asoman por primera vez a él. Acaso Los años frente al puente sea entonces un libro de memoria: de la propia y de la ajena, de la que nos acompaña y de la que erige piedra a piedra, instante a instante, y también de la que se nos transmite en los recuerdos que escuchamos o en las historias que leemos. Pero este libro es también un río en el que desembocan afluentes como temas. La paternidad, y el aprendizaje de los hijos, pero también el de los padres. El papel de lo histórico en la vida cotidiana. El sentido de frontera: la pertenencia o no, el movimiento o no. La tensión entre la experiencia intelectual y la experiencia física, entre el pensamiento y la acción. Y sobre todo el humor, la posibilidad de afrontar lo que sucede desde la orilla luminosa. Andrés Barba ha escrito sobre un puente que sirve como metáfora, pero que es en esencia un objeto colectivo cargado por la mirada.
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Com els colors a la nit està format d'un seguit de textos en prosa, en general breus, cadascun dels quals és autònom de sentit respecte als altres, encara que tots junts formen una mena de biografia fragmentada i sempre incompleta d'un personatge que no necessàriament és l'autor. La tècnica compositiva és, doncs, la del retaule: diverses ''escenes'' de moments significats d'una vida, centrada sobretot en el que podríem anomenar ''la sensibilitat intel·lectual del protagonista''. El llibre que el lector té ara a les mans no pot ser res més que provisional, perquè queda obert a créixer en el futur.
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RECULL GUARDONAT AMB EL 47È PREMI DE POESIA MARIÀ MANENT Amb composicions poètiques sòlidament estructurades i riquesa lèxica, ret homenatge a la memòria del poeta i amic absent, Jacint Sala, així com evoca el pas del temps, el record i les incerteses de la vida a què es troba sotmès l'ésser humà en el seu esdevenir diari. La figura de Narcís, juntament amb altres personatges mitològics, permeten a l'autor fer un joc poètic entre el real i l'irreal, tot convidant el lector a endinsar-se en un univers literari simbòlic, tan suggeridor com carregat de missatges i evocacions que connecten la realitat amb els mons interiors.
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Una fábula sociofantástica y psicológica, una bellísima reflexión sobre la enfermedad y lo corrompido. El gran escritor mexicano Juan Villoro inició su andadura novelística en 1991 con El disparo de argón, que obtuvo el inmediato respaldo de la crítica y se tradujo al alemán y al francés. Dos temas articulan la sugerente trama de esta novela: la mirada y la ciudad. Un espacio definido les sirve de vínculo: la clínica oftalmológica del doctor Suárez, versión mexicana de la célebre Clínica Barraquer en Barcelona. Casa de los signos, el edificio levantado por Suárez pretende servir a la vista y a la visión, a la salud y las formas trascendentes que entran por los ojos. Pero este ideal ocurre en un México convulso, donde el tráfico de órganos es una activa variante de la economía informal. El sueño ha sido pervertido y Suárez no puede ser localizado, el gran profeta de la vista se ha vuelto invisible. Su discípulo Fernando Balmes debe buscar el hilo que lleve al maestro. Todo lo que pasa por sus ojos -la ciudad, la clínica, los otros- se somete al rigor del oftalmólogo hasta que algo nubla su horizonte: una mujer altera el cristal con que mira el mundo y una trama de sombras lo adentra en un país donde la urgencia no es curar los ojos sino venderlos.
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El filòsof grec Plató (514 aC-520 aC) se serveix del mite de la caverna (inclòs en La República) per comparar l'efecte de l'educació (παιδεία) i la manca d'aquesta en la nostra naturalesa. El professor de secundària, Carles Bosch, també l'usa per comprovar-ne l'efecte sobre un grup escollit d'alumnes a l'hora d'explicar-los l'ascens de les tendències extremistes que neguen la igualtat entre els sexes o la solidaritat en defensa del liberalisme salvatge, el populisme mentider, el masclisme o el desig d'un retorn a certes formes de feixisme. El professor observa i analitza les reaccions del grup d'elegits, les quals li donaran més d'una sorpresa. Es tracta d'una proposta teatral jove, crítica i divertida que ens fa pensar: hem eixit de la caverna platònica per mirar el sol o encara ens movem entre les seues ombres?
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Princesa estrábica busca es una colección de dieciséis poemas recopilados en el tiempo y que se revelan simultáneamente con el autor. Es un libro que nació como un juego entre amigos escritores, en la Medellín insensata de la década de los dos mil, mientras que un grupo de escritores noveles compartía el sueño de verse como autores publicados y felices. Princesa estrábica busca puede ser el nombre de una mujer que se establece en las entrelíneas de sus poemas: Hannah Achenbach, las prostitutas, las tías solteras, la misma princesa. Es una búsqueda constante de la verdad o un hallazgo en el nombre de otros, Calventoso, Espinal o un pingüino fracasado de apellido Peñuela. Este libro es el resultado de la necesidad de seguir observando a la vida, la vergüenza y la muerte más allá del mito del poeta snob, que logra verse claramente reflejado en las páginas que hoy son suyas, querido lector, y que en unos años recordaremos como ''cursilería pura, sin foreplay. Very, very easy sin que sea porno.''
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Alentada por una experiencia franciscana del vivir, la poesía de Víctor Herrero de Miguel se comprende a sí misma como la recepción gratuita de algo que, gratis también, ha de ser entregado. En línea con las poéticas de tradición clásica y compartiendo el asombro que muestra la palabra bíblica, ''Lo que busca la abeja'' constituye el intento de situarse en desnudez ante las criaturas -el ave, la flor, el agua de la lluvia- y, sobre todo, de explorar con humildad y contención la misteriosa hechura del ser humano, en cuyo fondo -ahí radica la confianza profunda del poeta- habita la bondad.
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