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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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En «La hija del cazador» nos aguarda un mundo en claroscuro. La niña que es mujer, que se aleja de la casa y se adentra en el bosque. Que busca un universo nuevo e incierto a la vez. Que avanza en pos de la luz que advierte detrás de los árboles. El destino es el propio sendero. Allí las sombran huyen y a la vez acechan, aguarda la ceniza y aguardan las emociones nuevas que son, a su vez, trasunto de las emociones abandonadas. «Amar al padre. Respetar al padre. / Querer ser otra». Vivir y añorar la casa donde vive el pasado y edificar la casa del futuro con la frágil materia del presente. El libro de lo que huye y se ama y se sueña. De lo que vive y muere. De lo que nos contempla y nos da la espalda. Un poemario intenso, evocador, hecho de los temores y de las extrañezas de una realidad en tránsito
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Un volumen bilingüe, ilustrado y precioso de uno de los grandes poetas de la literatura catalana.El presente volumen reúne una nueva antología bilingüe de una de las más imponentes plumas en lengua catalana del siglo XX. Vicent Andrés Estellés aborda en Las postrimerías de Catulo y Exilio de Ovidio -conjunto de composiciones inspiradas y dedicadas a los poetas latinos cuyos nombres llevan- los temas que atraviesan toda su obra: la opresión (en todas sus aristas), la cotidianidad, el erotismo, el amor y la muerte.El trabajo de la artista plástica Laia Arqueros, además, ofrece un nuevo acercamiento a la poesía del poeta de Burjassot y embellece una edición bilingüe y única.
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Irene G. cierra algunas de sus heridas con este nuevo poemario, sin dejar de ser mujer rota que nada en su propia sangre templada, enfrentándose al duelo del abandono, de la pérdida, del descenso a las profundidades de la soledad, con la sed de una mujer que anhela matar el miedo, y una nueva vida hecha de pedacitos de vida. Con la experiencia de una poeta con oficio, la autora logra a través de su escritura sumergirse más y más hacia los fondos marinos, y conducir a quien lee entre las algas, dejándole la angustia propia de la falta de respiración, del silencio de las aguas. Sin embargo, deja un atisbo de luz hacia la superficie, porque la felicidad es una niña sin nombre, y la inquietud de las mariposas puede llegar a buscar refugio en las costillas de quien ha luchado con los puños y los dientes apretados. Las heridas de Irene G. escuecen por su crudeza, pero están hechas del mismo material que las de nuestras ausencias y nuestros fracasos. Por eso, nos invita a intuir el precipicio, a volar de memoria, a mirar a las flores para entender el amor y a esperar en la orilla para renacer con la siguiente ola. No habrá forma de resistirse a adentrarse en su mar.
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José María Álvarez (Cartagena, 1942) fue un destacado partícipe de la renovación de la poesía española llevada por el grupo de poetas llamado «novísimos» hacia 1970. Desaparecidos personal o literariamente la mayoría de ellos con el paso de los años, Álvarez es ahora el principal y casi único representante de esa tendencia y uno de los poetas mayores vivos. Desde El botín del mundo (1994) a Seek to know no more (2015), Álvarez ha ido publicando en la editorial Renacimiento, a lo largo de los últimos veinte años, seis nuevos libros de poemas y dos ediciones actualizadas de Museo de Cera. Reconocido por los lectores pero no por las instituciones más o menos relacionadas con la cultura de nuestro país, que ninguno de sus libros haya recibido, pese a sus altos méritos literarios, premios como el Nacional o el de la Crítica, dice mucho de la novedosa, creciente y complacida postración cultural de la España de hoy. Abelardo Linares
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Un poemari que mostra des dels primers versos un bondomini del ritme i de l'expressió. L'obra combina poemes magnífics i definidors d'una poètica molt personal: amor filial i amor al país, a la terra.
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La profesora Claudia Pérez Espinoza ha enseñado Foucault en la universidad toda su vida profesional. En este monólogo, que constituye su mejor clase, debe enfrentarse al pensador francés para sobrevivir un día más. ¿Sus armas? ¡La obra completa de Foucault! La paz del claustro fue profanada y Pérez Espinoza es el chivo expiatorio de una ordalía contemporánea: un hecho vergonzante dentro del aula la llevó hasta el límite, del ridículo al juicio público. Y desde ahí, desde el fondo del fondo, toma la palabra y encarna un conmovedor testimonio, que también es una forma de pasar al ataque. Sobre las inquietudes de lo contemporáneo, teoría y crítica no han parado de ofrecer explicaciones. Andrea Garrote renuncia al comentario. Pundonor es una obra de arte, el único artefacto al que confiar nuestro lenguaje cuando estamos a la intemperie
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Pedro López Martínez nació en Moratalla (Murcia) en 1967. Además de Luz en la nada, ha editado los poemarios Imágenes de archivo (1993), El otoño de los tristes (1995), Necedarius, viceversas, etc. (1999) y, también en Renacimiento, Libro ciudad (2006, XXIII Premio de Poesía Vicente Gaos), así como el volumen de relatos La sonrisa del ahorcado (2013).
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Combate espiritual de Gorazd Kocijančič es un libro que escapa a cualquier tipo de convención. Representa un viaje espiritual hacia lo más profundo del ser humano, la indagación del mundo contemporáneo asolado por la dubitación, la pérdida de la fe, del misterio. La poesía es una manera de enfrentar estas pérdidas a través de la comunión con los otros, la naturaleza, y nosotros mismos. Por encima de todo, la obra muestra que no alcanzan las palabras a nombrar el misterio, lo inabarcable representado en «la llamada», eso que no podemos o no sabemos explicar. Un aliento épico, actual con tintes clásicos, atraviesa gran parte de los poemas y es el lector quien ha de encontrar los escolios, comentarios que nos aclaran el poema y que, a diferencia de la función que tenían en la Antigüedad, pasan a ocupar un primer plano, una centralidad que abre paso al camino del poema, una dialéctica que en algunas ocasiones puede parecer una contradicción, una ambigüedad con su enigma que es el poema contemporáneo. «Esta vez, su dios es el dios de los sueños, y es la palabra que pronuncia cuando todo ya ha pasado». Marija Švajncer
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Por la acera del viento es el primer libro de Marisa Calero, catedrática de lingüística y poeta. Los poemas radiografían algunas situaciones cotidianas, siempre con un juego rítmico donde encaja el pensamiento, entre heptasílabos y endecasílabos. Hábilmente nos inserta en su música con unos finales que encadenan modos de sentir en cierta forma filosóficos. Toda una lección de ética desde la mirada poética de la mujer observadora que desde el propio sentimiento añade una fina capa de ironía despertando complicidades, algo muy difícil en poesía.
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El poeta Julio Herranz selecciona 50 poemas de toda su obra poética para conmemorar sus 50 años de residencia en la isla de Ibiza.
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Ramón Bascuñana (Alicante, 1963). Licenciado en Geografía e Historia. Ha publicado Hasta ya no más nunca (1999), Quedan las palabras (2000), Tal vez como si nunca (2001), Los días del tiempo (2002), Liturgia de la profanación (2002), Retrato de poeta con familia al fondo (2003), Ángel de luz caído (2005), Vera Efigies (2005), Las avenidas de la muerte (2005), Impostura (2006), La piel del alma (2006), Donde nunca ya nadie (2008), El gesto del escriba (Antología, 2009), El centro de la sombra (2014), Cincuenta por ciento (2014), El humo de los versos (2016), Desnuda luz de la melancolía (2016), Cuaderno de preposiciones (2017), 6seis6 (2018), El dueño del fracaso (2019), Artículos de primera necesidad (2020), Voz en Over (2023), Anotaciones a pie de página (2023).
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Nuevo poemario de la autora Bella OriaDías en tránsito es un viaje interior, un recorrido hacia lo más profundo del propio ser, un camino lleno de incertidumbre y miedo donde poner por escrito lo que sucede a cada momento es la condición para encontrarse de nuevo.Este libro se compone de dos partes. La primera, El dolor viene ahora tiene origen en un sueño lúcido, en el que después de la marcha consciente de un ser querido el narrador de la historia hace una pausa y avisa al protagonista de la llegada del dolor a su vida. Estas páginas son el resultado de amasar las ausencias, reconocer el torbellino de emociones y ponerles nombre cuando toca volver a casa y cuando toca marcharse. La segunda parte, El momento era aquel se adentra en una historia de amor incipiente, su devenir natural es la consecuencia de un momento vital que no se corresponde con las expectativas puestas en el otro.
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Darío Jaramillo nació en Santa Rosa de Osos (Antioquia, Colombia) en 1947. Ha publicado siete libros de poesía –Historias (1974), Tratado de retórica (Premio Nacional de Poesía, 1978), Poemas de amor(1986), Del ojo a la lengua (ilustraciones para diez grabados de Juan Antonio Roda, 1995), Cantar por cantar (Pre-Textos, 2001), Gatos (Pre-Textos, 2005) y Cuadernos de música (Pre-Textos, 2008)–. Ha sido editor de varias antologías y compilaciones con sus prólogos, y de su poesía se han hecho tres reediciones completas –77 poemas (Universidad Nacional, 1987), 127 poemas (2000) y Libros de poemas (2003)– y cuatro selecciones parciales –Antología poética (1991), Cuánto silencio debajo de esta luna (1992), Razones del ausente (1998) y Aunque es de noche (Pre-Textos, 2000)–. También ha publicado el libro en prosa Guía para viajeros (1991), un texto autobiográfico, Historia de una pasión (Pre-Textos, 2006), y seis novelas: La muerte de Alec(1983), Cartas cruzadas (1993), Memorias de un hombre feliz (1999), El juego del afiler (Pre-Textos, 2002), Novela con fantasma (Pre-Textos, 2004) y La voz interior (Pre-Textos, 2006). En 2009, Pre-Textos editó su ensayo La poesía en la canción popular latinoamericana, dedicado a la expresión poética en los géneros musicales del tango, el bolero y la ranchera.
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Without (Sin), empezó a ser gestado durante la enfermedad y el tratamiento al que, por motivo de la misma,fue sometida la poeta y esposa de Donald Hall, JaneKenyon. El libro se abre con un poema que nos presenta el estado de crudeza referido a la enfermedad, hospitalización, tratamientos... que impregna toda la primera parte del libro, todo en un estado narrativo detono plano como si se tratara de un sufrimiento a distancia. El eje o mitad de la obra viene marcado por el poema Without que da título al libro: un texto degran carga emotiva y surrealista, escrito sin signosde puntuación, con imágenes impactantes propias deun ejercicio de enajenación mental. La segunda mitad, también con elementos narrativos, son poemas epistolares, cartas escritas por el autor a su esposa muerta, sabiendo lo imposible del destino de esa correspondencia y escritos con una sencillez, una sinceridady angustia que nos aturde. Acaba el poemario con “Hierbajos y peonías”, un poema en el que la intensidademocional, la congoja, la rabia y el desconsuelo quesobrevuelan toda la obra se apaciguan en un tono melancólico de dolor aceptado que hace de este poema unode los más intensos del libro.
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Una obra como la de Aleš Šteger muestra que su excepcionalidad reside en el haber hecho una opción de lenguaje en una época en que el lenguaje agoniza. Y es paradojalmente esa agonía del lenguaje la que le otorga a El libro de las cosas y los cuerpos su desvelada consistencia. Su contrapunto es el triunfo absoluto del idioma del capital, esto es, del publicitario donde ninguna palabra nombra lo que nombra ni ninguna frase dice lo que dice ni ninguna imagen muestra lo que muestra (…). Entiendo entonces como en un sueño que la poesía es la última forma que toma la bondad para evitar ser destrozada. Un segundo antes de ser triturados por las bombas o ahogados por el volcamiento de las balsas en el Mediterráneo o ser descuartizados como los 43 estudiantes de Ayotzinapa, la poesía ocupa por un instante toda la superficie de la tierra. Antes de morir un cuerpo se transforma en un poema, después muere. Creo que ese es uno de los significados de El libro de las cosas y los cuerpos. Lo que lo hace un libro esencial dentro de una obra esencial es que está escrito entre las palabras y el aliento que las va formando.
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Una edición exclusiva de los dos libros más emblemáticos sobre la historia de MadridUna edición única de dos libros fundamentales de nuestra historia y que suponen un hito de la literatura de investigación. Madrid, un emocionante relato, personal y literario, sobre la historia de esta ciudad desde sus inicios hasta hoy, celebrado por la crítica, los lectores y los libreros, que lo galardonaron con el Premio de Las Librerías Recomiendan 2021 al mejor libro de no ficción, y Madrid 1945, una reconstrucción reveladora del asalto que conmocionó a la España de la posguerra, un testimonio literario, fotográfico y documental sin igual de una época.
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Mario Meléndez es chileno, pero ha vivido en Méxicoe Italia. Tiene apellido de poeta neoclásico y, sin embargo, el carcaj de su poesía contiene flechas modernísimas que apuntan al corazón del siglo XXI. La belleza que habita en sus versos es diferente, acaso única. Está hecha de sorpresas, de juegos de lenguaje máso menos sofisticados (dependiendo del objetivo que se plantea en cada verso). Es la suya una poesía muy panamericana, muy telúrica, pero a la vez muy delicadamente surrealista. Sus poemas son como un cuadro de Magritte que se hubiera pintado allá en lo alto de lacordillera andina, en un nido de cóndores.
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Carne triste no es sólo un poemario brillante, sino un peculiar manifiesto generacional donde la cultura digital y la intimidad intransferible trabajan juntas para fabricar un calor sencillo y efectivo, capaz de fundir Pokémon y París en un mismo fruto rutilante. Aquí conviven Annie Ernaux y La Manga del Mar Menor, la purpurina y el ajedrez, los horrocrux y las pérdidas definitivas, el verano del 2000 y los fantasmas. Encabezado por un maravilloso prólogo de Aida González Rossi y Sofía Crespo Madrid, en cuya estructura resuenan las mismas influencias que configuran y articulan el tono general de los poemas, este libro es un brillante sucesor de los anteriores trabajos del autor y, con él, Pablo Baleriola se consolida como una de las voces poéticas más potentes y necesarias de su generación.
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Poemario ganador del XXV Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía.
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Una de las mejores voces actuales de la actual poesía joven en España.
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Sus Oceánicas son de la estirpe de las Oceánidas, como también lo son de las brujas, las hadas, las náyades, las ondinas y otras diosas marginales huyendo de la estructura de un panteón, construyendo periferias amorosas contra daños milenarios. Con una insaciable sed que la conecta a las profundas cantoras de la voluptuosidad como Alfonsina Storni, Delmira Agustini, y como tantas otras radicales marginales como Rosalía de Castro amando la indómita naturaleza de las hijas del mar.Sobre María Ovelar, orbita la solidaria reescritura feminista de los cuentos infantiles desvelando el relato interesado, tanático, atravesado por la condenación del deseo. Sus Oceánicas, sin embargo, leen a Diótima entre líneas de la Historia. Han desaprendido para poder aprehender. Sus Oceánicas son irremediablemente exiliadas en la ciudad de las damas y Christine de Pizan las observa como la buena tejedora psicoanalítica y surrealista de Remedios Varo.María Ovelar es esa loca soñando hipersexualizada, atenazada por el mundo, por la culpa, esa que se confiesa en el texto y que padece mientras procura construir su identidad a tientas. Y frente al inmenso mal provocado por los desastres humanos, se aferra sin embargo a la esperanza, como una bella criatura vitalista.
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Del laberinto en el que estuvo sumida la Castilla del siglo XV surgió otro, ahora en verso, que Juan de Mena presentó en 1444 al entonces monarca Juan II como un plan de acción política para la reforma del reino. Ese ''Laberinto de Fortuna'' constituye una pieza mayor en el canon de la literatura española, que se mueve entre las últimas inercias medievales y un primer Renacimiento propiamente hispánico. Mena lo concibió con una conciencia humanística y una decisiva dimensión experimental. En su afán por imitar la epopeya clásica, diseñó una lengua poética que se alejaba del uso común para dotar al castellano de una dignidad pareja a la del latín. Su éxito fue enorme y se mantuvo en el tiempo, como muestran los numerosos manuscritos en los que la obra nos ha llegado, los comentarios de Hernán Núñez o el Brocense o su presencia, aún viva, en la polémica gongorina. Esta edición crítica y modernizada pretende ofrecer una lectura clara y accesible de ese ''Laberinto'', que se presenta como un desafío sugestivo y extraordinario para los lectores del siglo XXI.
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Recoge ''Luz violenta'' una antología de la obra poética escrita por Jesús Urceloy durante los últimos veintitrés años. Su particular visión del mundo desde su pasión por la música y la poesía, un esfuerzo por la cotidianidad donde la razón da sentido a la vida construyendo la memoria. Aquí se ve la evolución del poeta, desde sus primeros poemarios, pasando por los de madurez, de mayor contenido épico y elegíaco, hasta su obra más reciente, donde juega más abiertamente con la experimentación. En todos ellos el denominador común es la preocupación formal por modelar los versos hasta obtener la mayor expresividad y el reconocimiento a la literatura y los poetas que le han dejado huella.
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La voz de su autora, la joven Idoia Fradejas, está llena de frescura y expresa una visión del mundo repleta de esperanza incluso después de la pérdida, del dolor y del olvido.
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Es este un libro insólito, escrito y reescrito durante veinticinco años, por el que atraviesa el fin del pasado siglo XX, el principio de este, y las tres últimas crisis socioeconómicas, incluida la inesperada pandemia. Un libro sin concesiones, ni a las modas poéticas del momento, con una constante referencia filosófica y literaria trasversal y cosmopolita, ni al lenguaje fragmentario que ahora está en boga, más bien al contrario, con una elaboración constante del poema y el lenguaje lleno de sugerencias y niveles de lectura, ni en temas, siendo el de la libertad, sin etiquetas ni estereotipos, el más importante de todos. Musa Insumisa pendula en el mismo concepto de libertad humana, si esta es posible, decantándose por la libertad cervantina, que estriba en comprometerse con un mundo lleno de gigantes que son molinos de viento, y donde la palabra poética y la imaginación resultan la única y mínima parcela de libertad real que pueden conquistar los seres humanos. La reflexión sobre la naturaleza misma del hombre, y si está en nosotros llegar a ser mínimamente libres, frente a la voz civilizadora y a la vez domesticadora de la gran ciudad, de la urbe. Figuras arquetípicas, mitológicas, heroicas, en una megápolis, Madrid, en este caso, pero que puede ser cualquier gran ciudad, que reta como las sirenas a los seres humanos a encontrar su voz o a perderla en el asfalto. Conceptos como el de patria, frontera, nacionalidad, que son llevados a la introspección más íntima, y convertirlos en meditación sobre la necesidad de pertenencia e identidad como grupo, como sociedad, como especie.
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Aquest volum reuneix tres poemes llargs escrits entre 1979 i 1985 pel gran poeta avantguardista José Coronel Urtecho, motivats per l'influx de la victòria revolucionària a Nicaragua. No volverá el pasado -primer retorn a la poesia després de més de vint anys de silenci-, Paneles de infierno -descripció dantesca dels governs dictatorials de la família Somoza- i Conversación con Carlos -narració d'un únic encontre amb Carlos Fonseca Amador, un dels fundadors del Frente Sandinista de Liberación Nacional-, es despleguen en enunciacions narratives sense ornaments retòrics, sense metàfores ineptes i amb decidida parcialitat envers aquells que pateixen la història.
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Este poemario constituye la crónica de Pedro Andreu desde el momento de su diagnóstico de Esclerosis Lateral Amiotrófica(ELA) hasta el punto de no retorno. Un puñado de versos de amor, dolor, memoria y muerte en los que emerge, sobre todas las cosas, el acto poético como forma de encarar y asumir la existencia. Andreu se enfrenta a su destino con sus armas y útiles más preciados: su lengua materna, su imaginación, su capacidad de trabajo, su conciencia, sus dotes de observación, su impresionante lucidez. Si en ocasiones anteriores Pedro nos transportó a mundos oníricos, lejanos o improbables fuera de la imaginación, con esta obra, escrita mientras miraba a la muerte de frente, nos descubre su entorno más real y desde allí nos conduce hasta el corazón frágil y frío de la más pura belleza.
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Escriure un poema és una manera de mantenir-se viu, i de no anar passant les hores sense cap consciència, perquè vol dir reviure amb intensitat alguns moments, fixar-los en imatges i, possiblement, trobar un sentit més enllà de la contingència immediata. De fet, significa mantenir-se amb els sentits desperts per poder captar l'instant. Tal com diu Winifred Holtby a The Land of Green Ginger, «T'has de mantenir viu mentre vius». Captaire continua i tanca la «història» d'amor -autèntica en tant que viscuda, imaginada en tant que creada a partir de diferents experiències- iniciada en el primer llibre de poemes de Stefano M. Cingolani, Ho veig per la veu, com si fos una novel·la en versos. Amb un ànim diferent, amb diferents situacions i amb una diferent perspectiva, en què es viu i es percep aquesta «història» fins que s'esgota. Com diu Jaume C. Pons Alorda al pròleg, «és un bell i colpidor poemari molt treballat tècnicament i semàntica, un dietari filosòfic o una novel·la fragmentada, La gran bellesa».
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Con su primer poemario, El amor y otras cosas, el poeta guatemalteco Rony Ortiz-Andrade nos presenta una lírica construida a partir de los recuerdos, memorias hechas poetas a fuego lento, con la serenidad del que conoce la importancia del amor y del pasado para la construcción del futuro.
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La elegía, cuando se sostiene en la verdad poética, pertenece al género del canto, no cabe en ella la vana queja, sino el lamento pronunciado desde el vuelo del amor desposeído. Estas odas de invierno de David Pujante son eso, un canto de amor a la vida desde una conciencia crepuscular: un homenaje y una herida abierta, palabras apasionadas. (Vicente Gallego)
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La tensión entre persona y personaje, entre verdad y ficción?La vida es un juego de máscaras, un juego de representaciones, en el que los seres humanos son, a sabiendas o no, actores que desempeñan un papel que nada o poco tiene que ver con la verdad de su yo profundo.?Considerado, junto con Seis personajes en busca de autor, una de las cumbres de la obra teatral de Pirandello, Enrique IV aborda el sentido y alcance de la locura, y la compleja e inextricable relación entre personaje y persona, ficción y verdad.
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Decía Emil Cioran que la expresión nos descarga del peso de nosotros mismos: la escritura es una liberación donde cada cual se cura de la vida como puede. Este libro se presenta así como un esfuerzo aparentemente inútil: cruzar la distancia que el amor, por muchas circunstancias, a veces no puede salvar. Sus poemas se asemejan, pues, a esos cabos impotentes, vencidos en la madera del muelle. Las páginas de este poemario se construyen sobre una de las formas que el amor adopta en nuestra tradición poética desde Garcilaso a Pedro Salinas: el vano, no como pérdida o carencia, sino como memoria frecuentada y espacio de encuentro. Más allá del amor lamentado, sus versos tratan de alcanzar el anhelo que permanece en el alma del hueso. Cada poema es acompañado de una imagen que unas veces ha sido estímulo y otras reflexión. Algunos textos llevan una breve, pero esencial, respuesta musical: composiciones del propio autor que actúan como un eco que prolonga el verso en una discreta resonancia, muda -si el lector así lo desea-, o cauce irracional para su interpretación. Por ello, tanto la música como estos versos tratan de ofrecer al lector un silencio introspectivo donde se eleva y resuena el poema, quizá de modo efímero, pero siempre más allá de su encarnadura en la palabra. Un libro donde el poema recorre caminos de ida y vuelta entre la música y la palabra: surge así la poesía a través de una voz personal con una identidad muy especial. Juan José Pastor Comín (Cuenca, 1974) es Catedrático de Universidad del área de Música en la Universidad de Castilla-La Mancha. Premio Nacional Extraordinario Fin de Carrera (MEC) y Premio Extraordinario de Contrapunto y Fuga (2001), ha sido profesor visitante en la Sorbonne, Paris-IV, Texas A&M University, University of Nottingham y Ruprecht-Karls-Universität de Heidelberg. Posee tres tramos de investigación y uno de transferencia, y ha sido investigador principal de cuatro proyectos del Plan Nacional y cuatro autonómicos. Sus publicaciones han sido reconocidas por su enfoque interdisciplinar sobre las relaciones entre Música y Literatura, desde el Siglo de Oro hasta nuestros días. Ha coordinado siete grupos de investigación de distintas universidades y del CSIC en el proyecto Música, literatura y poder en la España moderna: estudios interdisciplinares, del programa estatal Redes de Investigación, y desarrolla un proyecto Prueba de Concepto. Entre sus libros académicos destacan Cervantes: Música y Poesía (2007), Loco, trovador y cortesano. Bases materiales de la expresión musical en Cervantes (2009), Cinco viajes musicales por la literatura de la España moderna (1496-1645) (2019), Y la música se hizo verbo... Imágenes poéticas de Beethoven (2021), Escrito en el margen: Música, Literatura y Pensamiento (2023) o Pace non trovo. Historia de la interpretación musical de Petrarca (2024).
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Los versos de Miguel Ventura salen al paso de las inquietudes, más que encararlas con ligereza, son más de final incierto que de clara clausura, más de planetas retorcidos que de constelaciones zodiacales. El suyo es un aliento de bocetos humanos, por el que transcurren animales oscuros (lechuzas, perros, serpientes, lobos, cuervos, alacranes), el rastro de un humor de hechura elegante, y la belleza de lo desencajado. De intuición visionaria, hace de lo inmenso un territorio sostenido por la fragilidad de un único pétalo: el sustantivo de su apellido. Imposible no entregarse con fascinación a su poesía. (Esther Peñas)Pétalo para construir lo inmenso, de Miguel Ventura, es una suerte de invocación literaria a los misterios que rodean al hombre en su relación existencial con lo trascendental y lo cotidiano. Poemas plagados de referencias animistas, númenes e imágenes telúricas conforman una especie de oración profana, de búsqueda incesante del sentido de las cosas. Pócimas breves de alto contenido alquímico. La experiencia humana del asombro, su epopeya vital en la búsqueda de la verdad, los designios de su destino vistos desde un punto de vista no estrictamente filosófico sino poético.
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Hay dos categorías de seres humanos habitando el sueño de la Literatura: los elegidos y los farsantes. Luis Antonio de Villena comparte con diez o doce escritores españoles de todo un siglo la fortuna de contarse entre los primeros. Hay también dos rangos de Poetas: los que encarnan el más alto de los Destinos y aquellos cuyas páginas son tan ramplonas como sus vidas. Luis Antonio de Villena luce entre los primeros junto a cuatro o cinco poetas españoles contemporáneos más. Por último, se conocen dos estilos de vivir: las existencias que ennoblecen su hora, y las despreciables. Luis Antonio de Villena comparte con otros dos poetas españoles actuales la extraordinaria representación (y defensa) del en extinción primero de los modos. JOSÉ MARÍA ÁLVAREZ La poesía de Luis Antonio de Villena es una de las más profundas y vitales experiencias, de gran poeta ya, sobre el absoluto de la Belleza y sobre la vida intensa que se funda en ella y en su nostalgia. Una poesía honda, sensual (muy sensual) y de plena voz propia. JOSÉ OLIVIO JIMÉNEZ
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El único estudio sobre las trobairitz anterior al siglo xx es una monografía alemana de 1880. No es sino cien años después cuando se convierten de nuevo en objeto de investigación estas mujeres aristócratas de los siglos xii y xiii que dieron la vuelta al concepto masculino del amor cortés. En él, la mujer, ya fuera campesina o dama de alcurnia, aceptaba al galán como sirviente, siendo ella una figura pasiva. Por el contrario, en sus poemas, las trobairitz son sujetos, son ellas las amadoras, las que eligen, las que sufren, también, de adoradas pasan a ser adoradoras. Estas trobairitz iniciaron el debate sobre la igualdad intelectual entre mujeres y hombres, y se dieron a conocer como creadoras, tanto en el sur de Francia, como en el norte de Italia, Cataluña y Navarra, es decir, en la Occitania y la Provenza. En este libro, Clara Janés reúne y traduce los poemas encontrados de no más de 20 trovadoras (frente a los más de 400 trovadores), que, sin embargo, «se encuentran entre las voces más exquisitas de la lírica cortés», según la estudiosa Magda Bogin.
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Les pressions que rep Gabriela Duarte per a delatar la ubicació del seu marit Rodrigo Duarte, ferm detractor de la dictadura al Brasil, són cada vegada més violentes. Gabriela no en sap res, o no en vol dir res. Per amor es pot fer qualsevol cosa, però què passa quan l'amor flaqueja?Una història en què s'encaren les conviccions polítiques i l'amor. Complots, subterfugis, passions i traïcions converteixen Clandestins en una obra àgil i captivadora en què ningú és qui sembla ser.
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