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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El increíble debut poético del artista Zetazen.Todos sabemos si algo tiene alma o carece de ella. Y, al mismo tiempo, casi nunca somos capaces de explicar por qué. Sencillamente, lo entendemos. Y es maravilloso así. Al final de nuestras vidas solo prevalecerá aquí lo que hicimos cuando fue auténtico. En esa búsqueda nace mi espacio sagrado, donde casi siempre me encuentro solo, conmigo y lejos del ruido. Y, allí, nace esta obra. Manos frías. Un conjunto crudo y sin filtros de las creaciones más íntimas de Zetazen. Sumérgete entre sus poemas, reflexiones y letras inéditas, que trazan un viaje introspectivo y transformador del alma.
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En este libro se presenta la alianza de una palabra austera, cercana al minimalismo, con imágenes intensas y fulgurantes de la mejor tradición expresionista que dialogan con los mitos y la historia. El resultado es un libro casi testamentario, que mira al mundo con esperanza y convencimiento, sin deponer la voluntad utópica que tiene siempre la mejor poesía.
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Un elogi de la lectura, un itinerari a través de la narrativa catalana del present Jardins secrets. 99 llibres per tornar a llegir recull una selecció de les ressenyes que Ponç Puigdevall ha anat publicant a la premsa des del 1991 fins avui mateix, la gran majoria corregides i renovades de la mateixa manera que el pas del temps corregeix i renova tothom, i pretén defensar la bellesa d'un dels infinits itineraris que es poden traçar sobre el mapa de la narrativa catalana dels últims trenta anys. «En la tria dels títols és inevitable advertir-hi uns buits que es podran considerar clamorosos, però les absències més greus s'expliquen perquè m'he deixat endur pel criteri del meu gust particular -són uns llibres que m'han agradat i que admeten, em penso, la prova de la relectura-, amb l'esperança que un gust deixa de ser arbitrari no quan se'l considera correcte -¿i qui ho pot decidir, això?-, sinó quan se l'argumenta amb la màxima exactitud possible», escriu Puigdevall. «Llegir inspira uns somiejos que ajuden a ser d'una altra manera, i sempre produeix una sensació infantil d'estranyesa i enlluernament, com si de sobte s'entrés en una casa diferent de la pròpia i es topés amb l'atractiu misteriós de la raresa, amb extravagàncies personalíssimes, amb singularitats capritxoses», s'afirma en aquest inventari d'experiències de lector, unes notes sobre la literatura del present que no tenen cap voluntat de fundar un cànon i sí, en canvi, la il·lusió de despertar el desig de llegir. Jardins secrets és sobretot un elogi dels territoris inacabables de la lectura i recorda que cada lector, de fet, és un crític que fa créixer una altra pell per damunt de la que ha construït l'autor amb l'art de la seva escriptura. Ho va dir Armand Obiols en confessar el secret de la seva avidesa insaciable de lectures: «Llegeixo per crear-me. Sense les meves lectures jo seria un ésser molt distint de qui soc». Amb la fascinant contundència de la seva prosa, Julien Gracq deia el mateix d'una manera diferent: «és prou sabut que cada llibre no només s'alimenta dels materials que li ofereix la vida, sinó que també creix, misteriosament, sobre altres llibres».
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Expulsats de la terra on arribàrem després de la primera expulsió: on anirem ara?, dins quin clot?, davall quin pont?, damunt quin toll? Tornarem allà d'on ens expulsaren molt abans de la primera expulsió.
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José María Fonollosa no es tanto un poeta marginado por la época como un poeta que decide marginarse de una época con la que no comulga. Cantó a las ciudades que lo conocieron, como si el enjambre de calles fuera el silencioso testigo de su paso por el mundo: Barcelona, La Habana, Nueva York. Y su canto no habla de la agustiniana ciudad de dios, sino del ser humano: del hombre que no encuentra su lugar en el mundo y menos entre otros hombres. Es, en definitiva, la suya una voz libre y cercana, un poeta que dice lo que piensa y que ofrece en sus versos un retrato acerado y valiente de las fobias, las ilusiones y los fracasos del hombre contemporáneo. Su poesía es nuestra y, a la vez, universal y, sin embargo, el manuscrito de Ciudad del hombre, después de mucho tiempo en el olvido, se había publicado solo de manera incompleta
hasta hoy.Con esta edición, a cargo de José Ángel Cilleruelo, al fin se puede disfrutar de la obra original e íntegra que el autor escribió: 236 poemas con su orden y estructura. La presente edición le devuelve al autor, José María Fonollosa, y a sus lectores, la dignidad de una obra maestra que, tras dos décadas en el mercado, continuaba aún desconocida.
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Tenim entre les mans dos textos sobre la vocació i la fragilitat humana. Si en el primer l’autor proposa una reflexió sobre l’ofici d’actor i el paper del públic, en el segon tracta la qüestió del poder polític i l’ètica periodística. Pere Riera és un dels dramaturgs que ha irromput amb més força en l’escena catalana dels darrers anys. En aquest volum presentem la seva última obra, Infàmia (Premi de la Critica 2016), acompanyada de la primera que va escriure, Desclassificats.
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Inspirada en el mite d’Antígona, l’obra més cèlebre de Jean Anouilh subverteix els codis de la tragèdia homònima de Sòfocles. Abandona el lirisme majestuós i l’aura atàvica dels personatges per situar-los en una dimensió quotidiana i centrar-se en les seves pulsions internes. Escrita durant l’ocupació alemanya de França, la rebel·lia d’Antígona, enfrontada al seu oncle Creont, ha estat rebuda com una al·legoria de la resistència. Jean Anouilh (Bordeus, 1910 – Lausana, 1987) és probablement el dramaturg francès més representatiu de la seva generació. Fill d’un sastre i una violinista, cursa estudis secundaris a París i ben aviat comença a interessar-se pel teatre. Un vespre de 1928, meravellat per la representació de Siegfried de Jean Giraudoux, decideix consagrar-se a l’escriptura teatral i poc després abandona els estudis de dret que havia començat. Autor d’una prolífica producció dramàtica, autoclassifica les seves obres segons la gran diversitat de registres i tonalitats que van del pessimisme moral de les «peces negres» a l’humor i la fantasia de les «peces roses» passant pel domini de l’arquitectura teatral de les «peces brillants». També dirigeix algunes de les seves pròpies obres, és autor d’adaptacions teatrals i treballa com a guionista per al cinema i la televisió. El 1980 és el primer guardonat amb el Gran Premi del Teatre de l’Acadèmia francesa.
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Aceite y Sal es una obra literaria metáfora de un colmado, una despencilla, un hanut donde una acude a por un avío y quien dice un avío dice una historia. En el conjunto de relatos se refieren las vidas y el sentir donde germinan las letrillas del cante hondo.Aceite y Sal son ingredientes imprescindibles en un guiso. Son monedas de cambio que quitan el hambre. Sal en las heridas, aceite en las cicatrices. En aceite, antes que en pringue, y en sal Andalucía ha conservado el bagaje que no le cogía en la memoria. Puro Neovanguardismo andaluz, traiga usted pan y moje.Se trata del primer libro de la colección Un tiro al aire, un laboratorio de experimentación literaria, una ruptura de silencio, una válvula de escape a la cartografía de emociones que atraviesan lo cotidiano, un lugar donde se abre el aire para respirar. En esta colección, del revoleo de las alegrías cantadas por Camarón se abre un camino, una brecha por donde mirarnos las unas a las otras.
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''Un aura oscura de superstición y muerte rodea a esta obra, la más solemne y despiadada de las piezas canónicas de William Shakespeare.Un aura oscura de superstición y muerte rodea a esta obra, la más solemne y despiadada de las piezas canónicas de William Shakespeare. Se dice que desde su primera representación en el siglo xvii, la desgracia se hace presente en cada nueva puesta en escena, y este nefasto renombre forjó la tradición de jamás pronunciar su título dentro de un teatro, refiriéndose a ella solo como la tragedia escocesa.Con sus brujas, fantasmas y castillos perdidos en las brumas de la noche, sentó una influencia perdurable en el imaginario de las historias de terror fantástico y gótico. Su protagonista es, ante todo, el arquetipo del héroe convertido en villano. La sangrienta trayectoria de este guerrero escocés obsesionado por un infernal presagio de gloria, acompañado al asesinato por la caprichosa ambición de su esposa, dejó su huella en cada drama político y moral creado por la literatura, el cine y la televisión, desde El padrino hasta Juego de Tronos o Breaking bad.En continuidad con sus previos trabajos con Hamlet, El mercader de Venecia y Romeo y Julieta, la presente traducción de Carlos Gamerro, junto con sus notas y un completo estudio preliminar, traslada al español de América la música y la belleza de la mayor pluma de las letras inglesas.
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Aquest volum recull una selecció de peces de teatre jove, sorgides de la ploma d'alguns dels autors més significatius de la dramatúrgia alemanya contemporània: Qüestió d'honor, de Lutz Hübner (2005), Els boscos millors, de Martin Baltscheit (2010), Cap endins, d'Anja Hilling (2014) i El regne animal, de Jakob Nolte i Michel Decar (2014). L'amor, la sexualitat, la violència, els conflictes generacio-nals o la recerca de la identitat són alguns dels temes que trobem en aquests textos, que exploren múltiples formes d'expressió, llenguatges i estils per apropar-se a la realitat de les noves generacions. «Alemanya és un país de teatre i, com a tal, el teatre per a joves constitueix una branca plenament consolidada de la seva dramatúrgia. Tant és així que dins el panorama escènic actual el teatre destinat a aquesta franja de públic no només gaudeix d'un ampli reconeixement dins el sector i té una gran presència arreu del país, sinó que també mostra una riquesa i vitalitat extraordinàries i es renova constantment.» Del pròleg de Jordi Auseller
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La vida dels habitants de la petita localitat nord-americana de Grover's Corners transcorre com a qualsevol altre lloc del món: neixen, creixen, s'enamoren, es casen i moren. L'aparent senzillesa de la seva existència es converteix en un cant als petits esdeveniments quotidians i en una colpidora reflexió sobre la consciència de viure. Amb aquest text, Thornton Wilder construeix una obra coral i sobre el pas del temps, guardonada amb el Premi Pulitzer de Teatre l'any 1938.
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Eduardo Jordá hace balance de su itinerario en una antología que alterna 55 poemas y otros tantos relatos asociados.Bajo el título de ''Doce lunas'', un poema de la primera época de Eduardo Jordá que sirve para definir una vida de poesía, este volumen ofrece una antología personal en la que cada poema es acompañado por un relato homónimo donde el autor evoca el momento que hizo posible la escritura. No son comentarios ni análisis, sino relatos autónomos que iluminan la gestación del poema y ensanchan su sentido, al revelar la circunstancia de la que partió el poeta. ''Un poema ocurre, de repente, sin previo aviso. Vemos algo, o sentimos algo -sin que sepamos muy bien qué es-, y sabemos que ahí hay un poema, que se manifiesta en forma de revelación o epifanía'', escribe Jordá, convencido de que cada poema encierra su propia historia y de que esa historia merece ser contada en una especie de making of. Formada por 55 composiciones en verso y otros tantos relatos asociados, que ven aquí la luz por primera vez, la selección incluye varios poemas inéditos y otros que no han aparecido en volumen exento, sino en revistas y publicaciones sueltas. La relación no sigue un orden cronológico según la fecha de composición o publicación, sino que se estructura según su propia ''vida interior'', de acuerdo con el esquema de las doce lunas que da título al libro, dicho de otro modo, los poemas se han agrupado siguiendo la pauta de un ciclo -los meses del año, las fases de la vida- que ya se acerca al final. En realidad, podría decirse que Doce lunas es la autobiografía poética de un autor que no tiene ninguna intención de escribir una autobiografía.
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El sonido de las seis sílabas es un poema de largo aliento. Libro tejido en una suerte de puente abismal colgado entre la poesía y la filosofía. Poema que se mueve y piensa contra el marco de la gran escalada. Crítica a la mecanización del significado en la poesía (substituir la irracionalidad de la inspiración por las fórmulas lingüísticas). El bardo ha dejado su lugar al sátiro. Texto híbrido donde la poesía y la reflexión crítica se dan la mano de manera fresca y creativa.
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Teresa Garbí (Zaragoza, 1950). Estudió Filología Románica y cursó estudios de Bellas Artes. Trabajó en el Colegio Universitario de Huesca, en Institutos de Enseñanza Media y en la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia. Ha publicado, entre otros, los siguientes libros: Cinco (1988), La sombra y el pozo (1993), El pájaro solitario anida tras el muro (1997), Mujer y literatura (1997), El bosque de serbal (2001), Leonardo da Vinci: obstinado rigor (2009), Sakkara (Renacimiento, 2015) y El aire encendido (Renacimiento, 2022). De 2013 a 2018 dirigió la editorial digital Uno y Cero Ediciones.
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Smiley és una història d'amor en lletres majúscules. Una llegenda japonesa diu que quan dues persones estan destinades a estar juntes, un fil vermell invisible lligat al dit petit de la mà esquerra les uneix des del dia del seu naixement. Aquest fil no es pot trencar, i pot lligar-les per sempre, encara que siguin molt lluny l'una de l'altra i malgrat que puguin ser molt diferents. Aquest sembla el cas de l'Àlex i el Bruno, els protagonistes de la comèdia romàntica que ha emocionat milers d'espectadors arreu del món. Segurament no es fixarien mai l'un en l'altre, però un equívoc farà que el que ha començat com una cita qualsevol els acabi canviant la vida per sempre. Smiley és una història d'amor en lletres majúscules. Fa riure i emociona. Mostra les pors a les quals ens enfrontem quan ens enamorem i les contradiccions de les relacions afectives dins de la comunitat gai, marcades per l'influx de les noves tecnologies i les aplicacions de cites online. I, a la vegada, és una petita viquipèdia de l'ambient barceloní i un homenatge a les comèdies romàntiques de tota la vida, de Nora Ephron a Howard Hawks. Smiley és tot això i molt més, però per sobre de tot, és un cant a l'amor en totes les seves formes. Guillem Clua va estrenar Smiley, una història d'amor el 2012 a la diminuta Sala Flyhard de Barcelona. Interpretada per Ramon Pujol (Àlex) i Albert Triola (Bruno) i amb direcció de l'autor, l'obra va estar en cartell a diferents teatres de la ciutat i en gira per Catalunya gairebé tres anys. La benedicció del públic (d'allò més divers: parelles heterosexuals, grups d'àvies, famílies senceres...) va venir acompanyada de crítiques entusiastes i tota mena de reconeixements. Va fer temporada a Madrid i des d'aleshores ha voltat per tot el món en diverses produccions internacionals, de Santiago de Xile a Atenes, de Miami a Berlín, de Nàpols a Nova York. Les últimes ciutats on s'ha pogut veure són Brisbane (Austràlia) i Singapur. Smiley s'ha convertit així en un fenomen global, capaç de traslladar al mainstream una comèdia romàntica protagonitzada per dos homes, amb final feliç i petó de pel·lícula. Les relacions de parella, però, evolucionen. Algunes milloren i altres s'acaben... o es converteixen en tota una altra cosa. Què va ser de l'Àlex i el Bruno després d'aquell happy ending? Van aconseguir superar les seves diferènciesi formar una parella estable? Van ser monògams o van iniciar una relació oberta? Feliços o infeliços? Smiley, després de l'amor, estrenada a l'Aquitània Teatre el 2020, respon a totes aquestes preguntes i moltes més, perquè han canviat moltes coses des d'aquella primera cita del 2012. Barcelona ja no és la mateixa ciutat, i l'Àlex i el Bruno... tampoc: ara els preocupen la crisi dels quaranta, el matrimoni, el final de la joventut i la pèrdua de la innocència.Aquesta edició reuneix els textos de Smiley, una història d'amor i Smiley, després de l'amor. I qui ho sap, potser l'any 2030 ens tornem a trobar amb l'Àlex i el Bruno amb una tercera part que molts espectadors i lectors ja esperen amb impaciència.
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Sorteando todas las dificultades de un poeta dispuesto a compartir el sufrimiento con la humanidad, Javier Gutiérrez Lozano ha reelaborado la poética del compromiso para convertirla en un canto desesperado que reclama justicia. Este libro, cuya primera edición ha tenido lugar en Estados Unidos e Inglaterra, convierten al poeta mexicano en el más internacional de su generación. El lector va a encontrar en estos poemas la depravación de un mundo decadente consumido por la violencia. La poesía no puede más que levantarse y reivindicar la existencia del bien moral, cada día más desprestigiado. El atrevimiento de Gutiérrez Lozano no sólo muestra su valentía sino una asunción del sufrimiento ajeno de la que sólo son capaces los más grandes escritores. FERNANDO VALVERDE
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«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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La literatura de crims, unes històries que han seguit diversos camins al llarg dels anys, ha configurat un macrogènere que inclou tot tipus de subgèneres i corrents. En aquest primer volum, dedicat a l'època clàssica de la novel·la negra i policíaca -concretament des dels orígens fins a la dècada dels setanta del segle passat-, passem revista a diferents etiquetes: des de la novel·la d'enigma, els detectius de butaca, la policíaca metafísica, el cas de l'habitació tancada, el lladre de guant blanc i els genis del mal, la novel·la problema, però també la policíaca psicològica, el detectiu hard-boiled, la novel·la de delinqüents, la carcerària, la psicologia criminal i el noir, la procedimental, la novel·la d'espionatge, la novel·la crònica i el suspens i el thriller, entre algunes de les més destacades. Teniu a les mans un llibre que pretén aclarir l'evolució terminològica tan debatuda entre els afeccionats al gènere.
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Un gran libro de poesía inédita de Antonio Gala Antonio Gala dejó escritos, a lo largo de los años, unos poemas que ahora ven la luz a modo de homenaje póstumo a los grandes temas que siempre tuvo presentes en su literatura: el amor, el cuerpo, el placer y la muerte.Un libro imprescindible que nos descubre al poeta joven, lleno de espiritualidad, germen del gran autor cuyo legado permanecerá para siempre.
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Amalia Martínez Muñoz (Jaén, 1956) es escritora, pintora y profesora en la Universidad Politécnica de Valencia, donde ha impartido clases de Historia y Teoría del Arte. Es autora de numerosos ensayos y del libro de viajes Mundos extremos, con el que obtuvo el Premio de Narrativa Eurostars 2018. Los poemas de La aguja incandescente giran en torno al tiempo, entendido no como simple devenir, sino como relato, como construcción. Para la poeta, el tiempo es la suma de momentos que han encontrado asidero en lugares, en imágenes, en los objetos en los que permanece, es la aguja que teje el hilo que los ordena y los une creando la ilusión de continuidad, que los significa y los conduce hacia un destino, la aguja incandescente cuyo hilar todo lo crea y todo lo arrasa. «Despojados de todo / solo somos / tiempo / cuya duración ignoramos». Por eso, pensar sobre el tiempo es hacerlo sobre lo que nos constituye de forma más íntima. La memoria, la identidad, pero también la ciencia, la filosofía y el arte son, para la autora, relatos, tiempos engarzados con los que construimos el mundo que habitamos y la ilusión de eternidad.
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Perfecta aquella espera: la invisibilidad, perenne arpa de las ganas, grito de salvación que casi prefiero que no se oiga. ''Cuando hable el gato'' (fragmento) Cuando hable el gato es, después de varios años de dedicación a la novela -El tenista argentino (Pre-Textos, 2018), Discurso de boda (Libros Canto y Cuento, 2020), Elenco (Milenio, 2022)-, el regreso de Álvaro García a la poesía: una poesía con resplandor de tiempo único. Piezas breves completan y culminan el poema de largo aliento de la primera parte. Volando alto, tirando a matar en el simultaneísmo y en la emoción amorosa, vuelve en este libro el poeta del pensamiento y del fuego brujo de la imagen. *** ''Magistral, apasionante, invitación al goce de la lectura y a saber algo más de uno mismo dejándose llevar por su música''. (Túa Blesa, El Mundo). ''Reflexión e inspiración se dan la mano para lograr un libro mayor de nuestras letras''. (Álvaro Valverde, Cuadernos Hispanoamericanos). ''Certera sucesión dinámica de imágenes que emulan la presencia del mundo. El vértigo de lo épico recuperado por el sol vivo de lo lírico''. (Antonio Ortega, El País). Álvaro García (Málaga, 1965), ganador de los premios Hiperión y Loewe de poesía y Ciudad de Barbastro de novela, es doctor en Teoría Literaria, traductor de literatura inglesa y autor del ensayo Poesía sin estatua (Pre-Textos, 2005). Tras Intemperie (Pre-Textos, 1995) y Para lo que no existe (Pre-Tex-tos, 1999), publicó a lo largo de quince años la secuencia de poemas extensos que recorre Caída (Pre-Textos, 2002), El río de agua (Pre-Textos, 2005), Canción en blanco (Visor, 2012) y Ser sin sitio (Vandalia, 2014) y cuya versión íntegra final es El ciclo de la evaporación (Pre-Textos, 2016).
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Luis Alberto de Cuenca (Madrid, 1950) es Doctor en Filología Clásica desde 1976 y académico numerario de la Real Academia de la Historia desde 2010. Ha obtenido, entre otros premios, el de la Crítica por La caja de plata (1985), el Nacional de Poesía por Cuaderno de vacaciones (2014) y el Premio «Federico García Lorca» (2021) por la totalidad de su obra poética. Ha publicado en esta misma editorial Por fuertes y fronteras (1996), Sin miedo ni esperanza (2002), La vida en llamas (2006), El reino blanco (2010), seis ediciones de Los mundos y los días, recopilación de su poesía (1998, 1999, 2007, 2012, 2019 y 2021), Cuaderno de vacaciones, Bloc de otoño (2018) y Después del paraíso (2021). El secreto del Mago reúne treinta y cinco poemas escritos, en su gran mayoría, entre 2021 y 2022 y repartidos en cinco epígrafes: «Cuaderno de bitácora», «Oficio de difuntos», «Aristónico y otras antigüedades», «Por soleares» y «Creo en ti». Partiendo de un homenaje al ilusionismo que se refleja en el título del libro, los temas abordados en sus páginas fluctúan entre lo elegíaco y lo amoroso.
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Este libro contiene poemas que no merecen serlo: una lista de miedos, una charla íntima con un criminal, una madre que busca a su hijo en la arena, una balacera disfrazada de canción infantil, un suicidio televisado... Óscar Franco hace uso de pensamientos desorganizados al diseñar un laberinto que recupera nombres, apellidos y momentos infames que quedaron registrados en los libros, para describir una sociedad que emerge de la arena devorando al desprevenido: egoísta, caótica, violenta, impune.
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'Este libro de Danilo es una constante conversación, un diálogo permanente con el lector o lectora, un diálogo que nos va mostrando otras vidas: la de sus abuelos, sus hijas, recuerdos que no terminan, que se enlazan el uno con el otro, para ofrecernos esa biografía sentimental, poética, que comenzó buscando en un armario cosas olvidadas, que hacen surgir este libro-poema-cartas. Cosas que se encuentran, fotos que desencadenan un mar de historias, un mar de vidas.'' DR. HORACIO PEÑA
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Edición definitiva de dos obras fundamentales de Juan Ramón Jiménez, cumbres del poema en prosa en lengua españolaYa convertido en uno de los más destacados referentes del modernismo hispánico, el joven Juan Ramón compuso una ingente cantidad de textos en prosa que irá reservando en sus archivos. La aparición de Platero y yo en 1914 da buena cuenta de la calidad de estas prosas, escritas en su mayor parte durante su retiro en Moguer entre 1906 y 1912, pero no será este gran libro un logro único ni aislado. Nacen en paralelo dos extensos poemarios que titulará Baladas para después y Odas libres, conjunto este último que más tarde sumará a Odas castas bajo el genérico epígrafe Odas. Al cuidado de Soledad González Ródenas, el presente volumen supera las deficientes recopilaciones póstumas y ofrece una fidedigna organización de sus contenidos, que tiene en cuenta las indicaciones anotadas por el poeta para su edición y recupera un buen número de composiciones inéditas, ampliando el corpus hasta ahora conocido. Ambos libros suponen la más temprana e importante incursión de la lírica española en el debatido género del ''poema en prosa''. En ellos JRJ elude la melancolía decadentista y los tonos lúgubres de sus versos coetáneos para adentrarse en inflexiones que van de lo erótico a lo humorístico, pasando por lo coloquial, lo anecdótico o lo pictórico. Con estas breves y centelleantes prosas compondrá, además, una autobiografía lírica donde plasma sin cortapisas los devaneos -más carnales que sentimentales- que mantuvo con distintas mujeres, y a los que sólo puso fin su decisivo encuentro en 1913 con Zenobia.
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'El mes de febrero de 1922 fue propicio para la poesía de Rilke: en tres semanas frenéticas quedaron completados dos de los poemarios más importantes del siglo XX: las Elegías de Duino (publicadas recientemente en Abada) y Los sonetos a Orfeo, que surgieron en un arrebato de inspiración como consecuencia y culminación de aquéllas. Rilke se refiere a estos sonetos como un «don» o «regalo», y a esos días turbulentos de febrero como «una tormenta sin nombre, un huracán del espíritu». Se ofrece aquí el poemario y las notas de Rilke, en edición bilingüe a cargo de Juan Barja, junto con un cuidadoso y lúcido trabajo hermenéutico de Patxi Lanceros realizado por partida doble: un extenso estudio introductorio y unas esclarecedoras glosas interpretativas a cada uno de los sonetos.''
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Despois de ''Cantares gallegos'' (1863) e o remuíño que esta obra supuxo, Rosalía de Castro dá un paso decisivo no proceso de emerxencia do campo literario galego con ''Follas novas'' (1880). O seu lirismo intrasubxectivo e radical, lonxe do romanticismo convencional, a nova flexión realizada da alegoría nacional de Galicia e a renovada concepción estética e autónoma do feito literario acaban por selar o vigor da literatura en galego e testemuñan a apertura de horizontes do proxecto que Rosalía de Castro lideraba. Todo fai que ''Follas novas'' sexa considerada unha das grandes referencias da poesía galega de todos os tempos. Anxo Angueira, profesor da Universidade de Vigo, escritor e ensaísta, ademais dos seus estudos sobre Méndez Ferrín (''A espiral no espello. Bretaña, Esmeraldina e o sistema literario galego''), vén centrando as súas investigacións no Rexurdimento (Rosalía de Castro, Curros Enríquez e Fernández Morales) e nas súas orixes (o Padre Sarmiento). Esta edición crítica de ''Follas novas'' ofrece, ademais dun longo estudo introdutorio, un detallado repertorio de notas sobre os textos e pormenorizados comentarios de cada un dos poemas. Imaxe de cuberta: retrato de Modesto Brocos, Fundación Rosalía de Castro.
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América Trejo ha escrito un libro en el que el dolor se transparenta para dejarnos ver aquellas historias que lo provocaron. Como una voz conocida que nos susurra al oído, su poesía nos resulta familiar porque abre los armarios y las alacenas de la tristeza cotidiana. América recibió de su padre el amor por la poesía, un regalo más grande que la poesía misma. Tal vez por ello no hay un punto final en este libro, porque como la poeta escribe lo que nos atraviesa el pecho se queda para siempre. En Un medio de ti más un miedo de mí, el lector encontrará poemas llenos de sinceridad y dulzura escritos por quien ya sabe que el silencio a veces grita. Fernando Valverde
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Una novela (y otra breve, distinta y complementaria) sobre el esplendor y caída de la juventud, inevitable oda e inevitable elegía que se dan la mano. Jóvenes de los primeros setenta, estudiosos, promiscuos, aproblemáticos, pero plenos de la angustia y los excesos de la propia felicidad, que besa, come la boca y huye por un sendero oscuro. Gombrowicz dijo de la juventud que era ''la única fase aceptable de la vida humana''. El divino tesoro que se cae tan fácilmente por el abismo de los excesos, sí, pero más aún se cae por la cruel enemistad del Tiempo. El que huye y nada deja porque el dios joven pasa sin querer su cetro a otro. Realismo y lirismo. La prosa con sonido a verso y el mundo con aromas de libre sexo sin etiquetas, mientras la luz se torna el negro sol de la melancolía. Una novela apasionada y apasionante, atrapadora.
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Publicada por entregas en el periódico 'Niva' hace ciento veinte y cinco años, ''Resurrección'' (1899), además de última novela aparecida en vida de Lev Tolstói, es la tercera en ambición del escritor ruso, tras ''Guerra y paz'' (1869) y ''Anna Karénina'' (1877). Cumplidos los setenta años, Tolstói refleja su preocupación por la búsqueda de una sociedad más justa que corrigiese los privilegios de la aristocracia rusa sobre la población campesina, prácticamente esclavizada. Esa obsesión propia también la siente su protagonista, el joven príncipe Nejliúdov, quien asiste como miembro del jurado al juicio contra la que fuera un amor de juventud, Katia Máslova, que será condenada por envenenamiento a una cárcel siberiana. El remordimiento le llevará a cuestionarse las complejas relaciones de los poderosos con los más humildes y la incapacidad de estos para aceptar un cambio social en defensa de sus derecho
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La obra de Jaime Gil de Biedma (1929-1990) se considera fundamental dentro de la generación poética de los 50 y ocupa un lugar destacado en el panorama de la literatura española del siglo XX. Su poesía viene a ser la búsqueda y la invención de una identidad consciente del irreparable paso del tiempo, a la vez que se aferra, mitificándolos, a los fugaces instantes de felicidad y afirmación, tanto personal como social, que ese mismo tiempo depara.
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Esta antología poética es una celebración de la vida y de la naturaleza. Escrita con un estilo sencillo y cargada de un sentido espiritual cercano al Zen.En las diecisiete sílabas de un haiku el poeta versado es capaz de capturar el mágico destello de un instante, recrear el encanto evocador de un paisaje con apenas unos trazos y condensar la abrumadora sensación de impermanencia que en ocasiones impregna el corazón humano. Fidel Sendagorta se adentra en las sendas del haiku con la sencilla humildad que solo poseen los verdaderos maestros y nos ofrece un poemario que se articula en un diálogo sincero y profundo con la naturaleza, el paso del tiempo y la apreciación de la belleza. De estilo sencillo, natural, sutil y austero, el haiku se aleja de conceptos abstractos para centrarse en los detalles de lo sensible, dejando a un lado el ego del poeta para dar paso a la contemplación pura conocida como aware.
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Muere el mosquito, y canta la cigarra. Todo está en orden. * Salpica el tiempo en el borde del río. Niños jugando. * En el museo es un boceto más la mariposa. * Tañen a muerto, y vibra el crucifijo de la cocina. Estar ahora es una colección de haikus escritos entre 2017 y 2022. No del todo ortodoxos, son abiertamente bucólicos y personales. En ellos están los escenarios de la memoria, la conciencia de lo perdido y el paisaje interior del hombre que en su asombro e insignificancia algo tiene de sagrado. El poeta es por tanto poso en el presente de experiencias pasadas y cada haiku un silencioso instante de eternidad. Aitor Francos (Bilbao, España, 1986) es licenciado en Medicina por la Universidad del País Vasco, psiquiatra de profesión, ejerce en Madrid. Ha publicado los libros de poemas Igloo (2011), Un lugar en el que nunca he escrito (2013), Las dimensiones del teatro (2015), Filatelia (2017), Las gafas de Pessoa (2018), Un buzón en el desierto (2018), Memoria del adentro (2020), Parafernalia (2022) y Migas de sombra (2023).Tiene varios libros dedicados al género del aforismo: Fuera de plano (2016), Camas (2018), Aforo completo (2018), Tinta rápida (2020) y Quien escribe es otro (2022).Colabora de manera habitual en el suplemento Pérgola del periódico Bilbao.
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Una obra construida alrededor de una figura fascinante y monstruosa seducida por el poder.«Mi reino por un caballo», una de las citas más conocidas de Shakespeare, pertenece a Ricardo III. La obra, escrita probablemente en 1592, cuando el dramaturgo tenía veintiocho años, culmina su primera tetralogía de dramas históricos ingleses, iniciada con las tres partes de su Enrique VI. Su acción se centra en acontecimientos de los doce años del reinado de Eduardo IV y los dos del de Ricardo III, y cierra el ciclo dedicado a la Guerra de las Dos Rosas. Sin embargo, Ricardo III no es una mera continuación de la trilogía precedente. Apoyándose en un argumento muy estructurado, Shakespeare crea en ella su primer personaje memorable: un ser de gran magnetismo diabólico entregado a la conquista criminal del poder que ha llegado a convertirse en mito teatral y literario. Ángel-Luis Pujante, catedrático de Filología Inglesa de la Universidad de Murcia y traductor y estudioso de Shakespeare, nos ofrece en su introducción un estudio completo de los personajes de la obra y nos ayuda a comprender las diferentes fases de la acción.
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Lo queer supone una respuesta amplia a los roles de género tradicionales del universo heteropatriarcal. Como la literatura se alimenta de la identidad personal, la escritura queer refleja la experiencia autobiográfica y el pensamiento crítico del autor queer, nuevas vías que abren fugas al patriarcado global. Hoy en día, la poesía queer es relevante por su capacidad de devolverle al lenguaje una plasticidad extraordinaria, hace posible la reescritura de un relato establecido, violento, rígido y normativo, tanto social como íntimo, que deja fuera a todo sujeto considerado ajeno a los roles habituales de género. Esta antología está pensada como un libro polifónico, el camino mejor para abordar el deseo queer. Sin pretender esbozar un canon, queremos dejar constancia de varias propuestas que dan forma a un nuevo relato y registran la búsqueda de una nueva afectividad y de su libertad radical. De ahí, la selección de voces que ilustran la pluralidad del deseo tanto en la forma como en los contenidos, así como nuevas maneras de sensibilidad y disidencia sexual, sin olvidar la crítica social, la descolonización, el antirracismo, así como la inclusión de lenguas minorizadas. La presente compilación, realizada y prologada por Ángelo Néstore, incluye poemas de Héctor Aceves, Txus García, Berta García Faet, Pol Guasch, Laia López Manrique, Antón Lopo, Roberta Marrero, Juanpe Sánchez López, Sara Torres y Gabriela Wiener.
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'La lluvia es el llanto del desvelado''. Con esta sentencia, el poeta abre las puertas de un universo nocturno, desgarrado, compuesto por poemas y prosas que laten, que fluyen como ríos oscuros a lo largo de esta obra en la que se contempla el insomnio desde numerosas perspectivas, hermanadas todas ellas por la soledad. A través de metáforas, se va construyendo un mundo singularísimo en el que los besos no dados se transforman en gritos y el miedo en un gigante. Porque, desde el insomnio, la realidad adquiere tintes surrealistas y la conciencia del poeta despierta ''caliente como una bestia''. El poeta lanza su corazón a los leones y no cuenta ovejas, sino caballos crepusculares, y se niega a dormir para no despertar sin conocer el nombre del verdadero amor. Christian Zurita Estrella se sirve de multitud de imágenes sorprendentes para alumbrar con la linterna del lenguaje el paisaje interior del insomne. Juega con los signos de puntuación y con la disposición de los versos para lograr un ritmo intenso, creciente, que empuja al lector a avanzar inexorablemente por ese sueño o pesadilla dictada por la vigilia. Las numerosas referencias literarias, mitológicas y bíblicas, reflejan el amplio fondo de lecturas de un autor cuyo talento no queda desmentido por su juventud. Nos encontramos ante una obra que es temblor, sombra y latido que nos devora. MARINA CASADO
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