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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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NUEVO FORMATO DE COLECCIÓNSi bien en el folclore europeo se documentan tradiciones y leyendas entorno al convidado de ultratumba y el culto a los muertos, y tampocofaltan precedentes literarios del burlador de mujeres, es innegable queTirso de Molina logró transformar todos esos elementos en uno de losmitos más fascinantes, perennes y universales de la humanidad: el de donJuan.Lo que hasta entonces había sido simple leyenda, se convierte en lapluma del genial fraile en pura indignación sobre el sexo y el espíritude rebeldía. Así, en EL BURLADOR DE SEVILLA Tirso condensa ya todos lossentidos que irá adquiriendo con el tiempo el mito donjuanesco: elrebelde social, el seductor, la mujer enamorada, el hombre enfrentado aDios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural y con lamuerte. Una obra que aún hoy hace llorar, reír y temblar a cualquierlector, a cualquier espectado
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Bajo el título La gracia que no quiso darme el cieloencontramos una antología poética de Miguel de Cervantes. A lo largo de más de treinta años el autor del Quijote cultivó con asiduidad la creación poética, aunque en su momento se le negó el pan y la sal en estaactividad por parte de algunos grandes autores áureos. Al parecer, el propio poeta no tenía un buen concepto de sus obras líricas, como indica el título del presente volumen, refiriéndose aquí a la inspiración que necesita el creador de poemas y que, según él, no le fue siempre concedida. En contrapartida, escribió numerosos poemas a lo largo de su vida con amorosa tenacidad e indudables aciertos. Por eso, este libro puede ser un descubrimiento sorprendente para el lectorinteresado en la poesía de la Edad de Oro, es decir,para el lector atraído por la buena poesía de cualquier época en su multiforme variedad temática y métrica.
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La realidad está hecha de pequeñas esquirlas y en Nombrar la herida Javier Bozalongo las hace visibles con una naturalidad y una crudeza admirables. Retorcer el lenguaje para que esa realidad salga a flote no es una tarea sencilla, sin embargo, Bozalongo nos conduce de la mano y nos insta a caminar a través de las vidas de más de una quincena de mujeres cuyos destinos, además de dolorosos, resultan admirables por la humanidad con la que el autor nos las presenta. A veces no es preciso añadir leña al fuego / para que el humo cubra el cielo del futuro, casi nos grita Mathilde. Y es precisamente ese humo el que Nombrar la herida pretende disipar. Y lo consigue. Porque en muchas ocasiones, si no somos capaces de desenredar los nudos del presente, se hace necesaria una voz que los encarne. Una voz que, a su vez, resucite el silencio y nos devuelva a todos la memoria.
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Los dos poetas que inician esta nueva colección Tándem, Raquel Lanseros y Antonio Praena, comparten amistad, cariño, una exigencia estética insobornable y un verdadero compromiso con el ser humano y el tiempo que les ha tocado vivir.Comparten también sus raíces, ambos son andaluces y nacieron el mismo año: Praena, Purullena, Granada, 1973 y Lanseros, Jerez de la Frontera, Cádiz, 1973, e iniciaron su carrera literaria con un accésit del Premio Adonáis en años consecutivos: Lanseros en el 2005 y Praena en el 2006. Y más coincidencias, los dos obtuvieron el Premio de la Crítica andaluza en años sucesivos: Antonio Praena en 2018 y Raquel Lanseros en 2019.
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LUIS García Montero nació en Granada, en 1958. Es catedrático de Literatura Española en la Universidad de Granada. Entre sus libros de poemas destacan El jardín extranjero (1983), Diario cómplice (1987), Las flores del frío (1991), Habitaciones separadas (1994), Completamente viernes (1998), La intimidad de la serpiente (2003) y Un invierno propio (2011). Por Vista cansada (2008) recibió el Premio Nacional de la Crítica. Es también Premio Nacional de Literatura (1994). El Gremio de Libreros de Madrid le concedió el Premio al Mejor Libro del Año (2009) por su novela Mañana no será los que Dios quiera. La poesía de García Montero es un bien que se comparte, y tal cosa no es un resultado fortuito sino un designio de principio. Así es como se unifican en un solo y gran poeta ese poeta político que debe tanto a Alberti (a quien homenajea una composición de este libro), con el poeta elegiaco y memorioso (albacea de Gil de Biedma, también celebrado en ‘Jaime’), con el poeta travieso que oscila entre Villon y Woody Allen (pasando por Lope de Vega) y con el poeta erótico capaz de escribir algo tan intenso como ‘La legitimidad del sol nevado’, que es una defensa e ilustración de la mo noga mia elegida, aunque quizá no tan explícita como ese madrigal aforístico envidiable que sólo dice “Nadie besa dos veces/ a la misma mujer” (‘Mi futuro y Heráclito’). En Vista cansada, el lector de García Montero sigue encontrando muchas veces esos versos que se yerguen decididos y retadores, casi lapidarios, y al lado, la habilidad del poeta-narrador que conoce comonadie el secreto del montaje emocional. JOSÉ-CARLOS MAINER
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Mi padre cuenta monedas es un libro complejo y valiente, en el que su autora, Angélica Morales es capaz de reflejar toda la soledad, la angustia, la indiferencia, para «masticar de nuevo los recuerdos» y aprender a «sacar la basura del pecho». Kafka escribió que «la literatura debe de ser un hacha para el mar congelado en nosotros». La literatura de Angélica Morales sin duda lo es, percute con fuerza en algún lugar de nuestra conciencia hasta romper el hielo de la indiferencia y hacernos cómplices y testigos de esta representación de la realidad teatralizada y poetizada.
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Los poemas de Markel Hernández analizan la deriva de la sociedad Occidental a través del prisma de las referencias culturales que nos rodean y abruman. La convivencia con el terrorismo se concilia con la convivencia con el arte y los fantasmas propios. Restos arqueológicos canta los placeres, el tedio y las lacras de la vida moderna con una voz milenaria y mediterránea. Aquí los habitantes de Granada se beben a Federico García Lorca sin saberlo, estallan las bombas en un Bilbao imposible que sin embargo existió y el sexo entre hombres amenaza con llevar a la humanidad al borde de la extinción. El plástico será nuestra nueva biología, los restos arqueológicos del futuro están enterrados en estas páginas.
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Yolanda Pantin (Caracas, 1954) es poeta ensayista, editora y autora de libros para niños. Estudió Letras en la Universidad CatólicaAndrés Bello.En 2021 ganó elPremio Internacional de Poesía García Lorca de laciudad de Granada.
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Cinètica
Cinètica és el seu poemari més expansiu, tant en continent com en contigut.
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Todo este espacio es una revisitación de lo que entendemos por realidad donde impera esa necesidad de encontrar nuevas expresiones, nuevas formas de vida, nuevos descubrimientos. El libro indaga en la necesidad de mirar con otros ojos una realidad que ya no encaja en las antiguas definiciones. En estos tiempos que vivimos somos testigos de una clara aceleración del cambio. El concepto que teníamos de seguridad, de todo aquello que percibíamos como sólido, se ha transmutado, empezando por la misma naturaleza -esa evolución permanente donde de una semilla nace un fruto y donde las especies también evolucionan-. Lo que ayer nos parecía inamovible hoy se tambalea. La fragilidad del hombre como especie, la fragilidad del propio planeta, aparece en primer plano. El viejo lenguaje ya no sirve para nombrar la nueva realidad. Así, desde esta evolución permanente, la poeta abre un nuevo «espacio mental» y mira con ojos esperanzadores múltiples realidades mientras se termina de configurar lo nuevo que está por llegar.
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Katunaric casi nunca con su poema está lejado de la realidad y ahora simplemente buceó al tiempo real, igual aquel de presente como aquel arquetípico, al tiempo pasado corriente y el tiempo inusual de hoy. (...) La poesía es la creación, la producción. El poeta Drazen Katunaric encuentra su hilo de Ariadna, lo que hace mucho tiempo era tan sólo un destello corto, indicio de la imagen en la cual se originó la confianza en el poema - y será el poema, terminada en aquel momento cuando la forman el tiempo y la experiencia, cuando tropismos en el limbo del olvido se entrelazan con el sentido nuevo y encontrado que antes le hacía falta.
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En 1926, el poeta y pintor José Moreno Villa conoció en la Residencia de Estudiantes a una joven universitaria neoyorquina que cambió su vida para siempre e inspiró los versos de su más célebre libro de poemas, Jacinta la pelirroja (1929). Nunca llegó a desvelar la verdadera identidad de su musa, por lo que durante mucho tiempo sólo se sabía de ella que había venido a Madrid para asistir a los cursos para extranjeros que se celebraban en verano en la Residencia (donde Moreno Villa vivió entre 1917 y 1936, ejerciendo un papel fundamental como tutor informal de los jóvenes residentes), que pronto nació entre los dos un apasionado romance que en pocas semanas los llevó a trazar planes de matrimonio, y que, tras un viaje a Nueva York para que la familia de ella conociera al futuro marido, se fraguó la ruptura definitiva de la pareja. En este libro Christopher Maurer relata la vida y fortuna de aquella misteriosa mujer cuyo nombre real era Florence Ruth Louchheim, ardiente defensora del arte moderno que acabaría enfrentándose con su clase social y poniendo su dinero al servicio de la pintura. La tumultuosa relación del malagueño con Florence, su visita a Nueva York y el choque con el pragmatismo norteamericano marcaron un antes y un después en la vida del artista que se refleja en sus producciones pictóricas y literarias posteriores, realizadas tanto desde Madrid como, a partir de su exilio por la guerra civil, desde México, adonde finalmente se trasladó a vivir, tras pasar unos meses en Estados Unidos, y donde volvió a encontrarse con Florence.
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Pedro López Lara (Madrid, 1963) realizó la carrera de Filología Hispánica, a cuyo término cursó los estudios de Doctorado. Ha publicado numerosos artículos y reseñas sobre temas literarios, así como manuales didácticos de Lengua y Literatura. En 2020 fue galardonado con el Premio Rafael Morales. El poemario premiado, Destiempo, se publicó en 2021, año en que obtuvo el Premio Ciudad de Alcalá de Poesía por la obra Museo (publicada en 2022). Ha sido asimismo finalista de los premios Ciudad de Badajoz, Hermanos Argensola, Tomás Morales, Lorenzo Gomis y Juan Ramón Jiménez. Y ha participado en las antologías Laberinto breve de la imaginación (2021) y Cerca de Hierro (2022). Otros poemarios suyos publicados son Meandros (2021), Dársena (2022), Escombros (2022), Filacterias (2023) e Iconos (2023).
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Al borde del borde es un libro introspectivo que transita por lugares que hemos recorrido en algún momento de nuestras vidas: la contemplación de la naturaleza, las posibilidades e imposibilidades del amor, la velocidad implacable del tiempo, la muerte presente y la que se avecina. Con un lenguaje conciso y claro, y el uso de recursos líricos no exentos de humor e ironía, Rebeca Geffin nos hace partícipes de su proceso reflexivo. A través de los textos en este libro la poeta lleva al lector de la mano por un viaje íntimo donde el fulgor del camino es compartido por todos.
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En 2006, Luis Alberto de Cuenca obtuvo el Premio Ciudad de Melilla por La vida en llamas, en donde se decanta claramente por el clasicismo poético, por la cultura como salvación ante el dolor que asola al mundo. La serenidad de su anterior poemario, Sin miedo ni esperanza, no se desmorona, pero tiembla ante la realidad del lugar común y la estupidez, pesadillas que llevan a la desolación y la tristeza. De nuevo la cultura popular se codea con los clásicos, a los que invita a acercarse como una forma de divertimento, como vía de escape ante la amenaza de la muerte o la desesperanza. La salvación vendrá por el humor y el amor, reflejado en la sección final del libro, «El jardín de Alicia», donde el dolor se cura en unos brazos cómplices.
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Los buenos poemas, igual que las buenas canciones, ponen palabras a lo que sentimos cuando nos reconocemos. Somos iguales y en la intimidad de otros nos vemos a nosotros mismos. Pero hay que estar muy atentos. No es fácil captarlo. Es un juego de espejos. El poeta se mira, y nos enseña lo que ve, y nosotros lo miramos y, si hay suerte, nos vemos. Lo importante es el principio y el final. Si el poeta no se ve al mirarse, nosotros tampoco nos veremos al mirarlo. Ramón Martínez sabe mirarse y por eso podemos vernos. Conoce este juego y lo domina. No es un juego trivial, le va la vida en ello. No es un juego nuevo, pero nos gusta jugarlo. Y, además, le da otra vuelta de tuerca. En su mecanismo de espejos las canciones-poema que lo inspiraron traen nuevos poemas-canciones que invitan al lector a quedarse con él en instantes que quizás no habíamos visto, o no queríamos, o no sabíamos ver. El autor viaja por sus noches de insomnio, teme más a sus dudas que a casi nada, se hunde en la carne de los cuerpos enredados, se cuestiona el tiempo y pasea por el filo de lo que le duele. Y en tiempos de urgencias y de superficie es de agradecer que Ramón decida mirarse de frente, lejos de la prisa, por donde anda el silencio, como él nos dice. Ahí es donde mejor resuenan las buenas canciones y, sobre todo, los buenos poemas en los que al verlo, nos vemos. JUAN ALBERTO MARTÍNEZ, CANTANTE DE ''NIÑOS MUTANTES''
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Luis Alberto de Cuenca reúne los poemas elegidos por el propio autor para ser leídos durante un encuentro distendido y cómplice con el también poeta Antonio Marín Albalate.El conjunto de poemas de este volumen dibuja un paisaje de versos construidos durante años y ofrece al lector una panorámica íntima (por la vocación con la que nace el encuentro que origina esta selección) y única (por la oportunidad de disfrutar del visionado de dicha lectura gracias al DVD que acompaña este libro).Tienen ustedes en sus manos, queridos lectores, un testimonio magnífico que les permitirá leer y escuchar a uno de los poetas españoles más importantes del momento: Luis Alberto de Cuenca. Disfrútenlo.
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El silbido vulnerable del jilguero me despierta, a veces, desde la ventana de la habitación. Y, como las gotas condensadas, empiezo a deslizarme por la memoria. Viajo otra vez a la tierra que habité, ahora curtida por el presente, y recuerdo todas las heridas existentes. Creo que fue en ese instante cuando empecé a escribir. O había sido antes, no sé. La memoria a veces es confusa. A veces, sin embargo, no escucho su silbido y hablo con el silencio, que me recuerda las ausencias que no vuelan. Entonces, les escribo y dejo que vuelen sobre el papel.Este poemario va dedicado a todos aquellos silencios que nos forman como individuos, como sociedad. Hay que habitarse a uno mismo, conocerse y encontrar la chispa. Aquello que te salve y te haga creer, sentir, resistir. Hay que amar, por encima de todo, a la vida. Para todos a los que los silencios ahogan, pesan e incluso asustan, estas páginas buscan resistir a la tristeza, encontrar el silbido y volver a volar.
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A principios del siglo XXI, una virulenta epidemia provocada por el bioterrorismo ha dividido al mundo en dos comunidades: la de los nox, seres de la noche, eternamente jóvenes, inteligentes, fuertes y sanos, y la de los curios, aquellas personas que sobrevivieron a la pandemia, pero que siguen siendo vulnerables al virus, y que ahora viven en guetos. En una de estas aldeas aisladas hace años asesinaron a un nox y, desde entonces, sus habitantes han sufrido un embargo que por fin va a concluir. Lamentablemente, con el restablecimiento de las relaciones entre nox y curios, regresan los prejuicios y los viejos rencores. Tomohiro Maekawa ha sido galardonado con un gran número de premios, tales como el Premio Yomiuri o el Kinokuniya y algunas de sus historias han llegado a la gran pantalla.
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Paco de Lucía duerme en su habitación infantil con su hermano Pepe. De repente, entra el Levante y se lo lleva volando en un viaje iniciático que le permitirá conocer a Camarón de la Isla, Enrique Morente y Carmen Linares, con quienes visita a un peculiar Mago de Oz que les permita conocerse a sí mismos y fundar las bases del Nuevo Flamenco. A lo largo de este sendero de baldosas amarillas recorrido por bulerías y tangos se enfrentarán a pruebas que medirán su valor, su fortaleza y su amistad, con la Bruja Buena del Sur mirando y velando por ellos a lo largo de todo el camino. ¿Te animas a conocer Flamenkoz?
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Sorprende la fuerza y ambición de este libro original y potente tanto en el manejo de las formas poéticas como en su mensaje: la infamia es mucha y sus hilos finos como los de una tela de araña. El juego intertextual que sustenta este peculiar tapiz de palabras impone una revisión: deshacer y desenmascarar el mito de Aracne y Atenea para llevarnos desde la tradicional y naturalizada rivalidad entre mujeres a la amistad, a la sororidad cómplice. Con la misma lucidez reflexiona sobre un mundo fragmentado y roto como el nuestro. Así lo vemos, por ejemplo, en la sección «Capulina» con el impresionante poema titulado «Europa», valiente denuncia de un mundo en ruinas: guerras sin fin, explotación laboral incluso de niños, inmigración, violencia de género, ataques a la democracia o al medioambiente, extrema pobreza y riqueza extrema. Al igual que Eliot en La tierra baldía denunciaba las graves fracturas de su tiempo en los años 20 del siglo pasado, Gerardo Rodríguez Salas quiere poner, un siglo más tarde, el dedo en la llaga para denunciar las nuestras, la ruina material y moral de nuestro tiempo. Pero también, sin duda, para no perder la esperanza en que aprendamos a hilar de otra manera, para mantener el sueño de una sociedad que sea capaz de oponer la empatía, la sororidad y la igualdad al caos que hoy nos domina y nos espanta. ÁNGELES MORA
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Luis Cernuda (Sevilla, 1902-Ciudad de México, 1963) está considerado como uno de los poetas más imprescindible de la Generación del 27, fi gura estelar en la poesía contemporánea y una de sus voces más atractivas. Su influencia entre los poetas de las últimas generaciones es considerable y de ascenso incesante. Ya desde sus primeros poemas demostró su rechazo y hostilidad con la sociedad, con los valores establecidos, y contra cualquier tipo de represiones y prohibiciones. Su disconformidad le encaminó a oponerse con cierto radicalismo en contra de la hipocresía y de la ausencia de sensibilidad, en busca de un paraíso perdido en el que prevalecieran el amor y la belleza, la poesía y la libertad sexual, una realidad alejada de aquel mundanal ruido y un deseo solo alcanzable en los sueños. Contra esa sociedad burguesa escribe violentos ataques mientras busca una armonía espiritual que no alcanza, basada en los mitos, y sobre todo en el Amor y la Belleza. Provisto de un gran talento versificador y de una originalidad asombrosa. Para esta edición definitiva de la Poesía completa de Luis Cernuda hemos seguido la establecida por Derek Harris y Luis Maristany, con la ayuda de Ángel Yanguas Cernuda, con algunas modificaciones y adiciones. La obra de Cernuda es una exploración de sí mismo, una orgullosa afirmación, al fi n de cuentas no desprovista de humildad de su irreductible diferencia. Él mismo lo dijo: ''Yo solo he tratado, como todo hombre, de hallar mi verdad, la mía, que no será la mejor ni peor que la de otros sino solo diferente''. La obra de Cernuda es un camino hacia nosotros mismos. En esto radica su valor moral. Pues aparte de ser un alto poeta - o, más bien: por serlo- , Cernuda es uno de los poquísimos moralistas que ha dado España, en el sentido en que Nietzsche es el gran moralista de la Europa moderna y, como él decía, ''su primer psicólogo''. La poesía de Cernuda es una crítica de nuestros valores y creencias, en ella destrucción y creación son inseparables, pues aquello que afirma implica la disolución de lo que la sociedad tiene por justo, sagrado o inmutable. Como la de Pessoa, su obra es una subversión y su fecundidad espiritual consiste, precisamente, en que pone a prueba los sistemas de la moral colectiva. Su hostilidad ante el cristianismo no es menor que su repugnancia ante las utopías políticas». Octavio Paz «La poesía de Cernuda, tanto en verso como en prosa, documenta el proceso difícil y paulatino que conduce al descubrimiento de que lo que da validez a la vida no son los ideales que se buscan sino la experiencia confl ictiva provocada por los sucesivos fracasos de aquellos ideales. La búsqueda del acorde místico, en todas sus manifestaciones variadas, lleva al poeta a un acontecimiento cada vez más profundo de sí mismo, al conocimiento de la verdad del hombre interior, y a la decisión de guardar fidelidad a este». Derek Harris.
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Después de tres años podemos, por fin, leer el nuevo poemario de Andrea Abello, dueña de una escritura exquisita, exótica, fantabulosa, y que sigue demostrando con su nueva obra que la poesía puede renovarse desde el género de la narrativa fantástica, al son de los mundos de Michael Ende.¿De dónde surge la escritura de Andrea Abello? Esta pregunta incluye el asombro —cuánto necesitaba, quizá sin saberlo, leer estos poemas— y esconde la trampa, porque en cierto modo le niega vínculos con quienes le preceden.elena medelEn Duende, Andrea Abello propone un amor como aquel de Platero y yo: la ternura infantil hacia un animal […] Duende, el personaje, no es ni masculino ni femenino, porque tampoco es reptil ni mamífero, ni humano, es lo puramente otro y lo puramente proteico, como el lenguaje efervescente del libro.juan andrés garcía román
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Mar de viento podría ser la continuación del primer poemario de la autora. El viento sopla a su alrededor y trae los recuerdos, las vivencias. Algunas de esas vidas se enmarcan en la posguerra española o en la propia Guerra Civil donde la poeta busca a sus abuelos desconocidos. Otras veces las imágenes le llevan a su infancia en unas calles de Barcelona todavía sin asfaltar. También es una brisa de juventud la que transporta a la autora a sus recuerdos de adolescencia, a una ciudad que nace como su primer amor, en un mar que remueve todas las emociones y no está nunca quieto. El mar está aún cercano, el viento sopla directamente sobre el área de los recuerdos, sobre el pasado inmediato. Provoca un oleaje irregular, de periodos cortos, generando espuma en la cresta de las olas, una espuma que salpica los versos. No es todavía un mar de fondo. Y un ancla aferra a la poeta a la tierra, la salva del peso de la nostalgia, de las ráfagas del tiempo: su pasión por la poesía, a la que dedica buena parte de sus poemas.
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Hay dos categorías de seres humanos habitando el sueño de la Literatura: los elegidos y los farsantes. Luis Antonio de Villena comparte con diez o doce escritores españoles de todo un siglo la fortuna de contarse entre los primeros. Hay también dos rangos de Poetas: los que encarnan el más alto de los Destinos y aquellos cuyas páginas son tan ramplonas como sus vidas. Luis Antonio de Villena luce entre los primeros junto a cuatro o cinco poetas españoles contemporáneos más. Por último, se conocen dos estilos de vivir: las existencias que ennoblecen su hora, y las despreciables. Luis Antonio de Villena comparte con otros dos poetas españoles actuales la extraordinaria representación (y defensa) del en extinción primero de los modos. JOSÉ MARÍA ÁLVAREZ La poesía de Luis Antonio de Villena es una de las más profundas y vitales experiencias, de gran poeta ya, sobre el absoluto de la Belleza y sobre la vida intensa que se funda en ella y en su nostalgia. Una poesía honda, sensual (muy sensual) y de plena voz propia. JOSÉ OLIVIO JIMÉNEZ
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El único estudio sobre las trobairitz anterior al siglo xx es una monografía alemana de 1880. No es sino cien años después cuando se convierten de nuevo en objeto de investigación estas mujeres aristócratas de los siglos xii y xiii que dieron la vuelta al concepto masculino del amor cortés. En él, la mujer, ya fuera campesina o dama de alcurnia, aceptaba al galán como sirviente, siendo ella una figura pasiva. Por el contrario, en sus poemas, las trobairitz son sujetos, son ellas las amadoras, las que eligen, las que sufren, también, de adoradas pasan a ser adoradoras. Estas trobairitz iniciaron el debate sobre la igualdad intelectual entre mujeres y hombres, y se dieron a conocer como creadoras, tanto en el sur de Francia, como en el norte de Italia, Cataluña y Navarra, es decir, en la Occitania y la Provenza. En este libro, Clara Janés reúne y traduce los poemas encontrados de no más de 20 trovadoras (frente a los más de 400 trovadores), que, sin embargo, «se encuentran entre las voces más exquisitas de la lírica cortés», según la estudiosa Magda Bogin.
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William González, desde sus jóvenes 22 años, ha escrito un libro-volcán, un homenaje al fuego de la rebelión un libro-lago con el agua de tantas lágrimas como las que mojaron la tierra de su patria en esa rebelión de abril a quien le dedica estos versos.
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Yo, que soy el mayor, dejé de serlo. El pequeño en el talle y el mediano me gana en estatura -les termino la ropa-, y nos recuerdo que el mediano se fue de casa antes, que compró coche antes, que va a ser en primavera padre (ya lo ha sido). Yo acumulo mi colección de dudas y de libros y labro mis palabras y lo que pude ser y tal vez nunca a sílabas contadas lentamente, mientras la luz lluviosa, abril, norteña. Y hoy soy solo el más viejo de los tres. «Hermanos», de Rodrigo Olay. Rodrigo Olay (Noreña, Asturias, 1989) es profesor de la Universidad de Oviedo. Ha publicado los libros de poemas Cerrar los ojos para verte (Oviedo, Universos, 2011, Premio Asturias Joven y Premio de la Crítica de Asturias), La víspera (Sevilla, Isla de Siltolá, 2014, Premio de la Crítica de Asturias), Saltar la hoguera (Madrid, Hiperión, 2019, Premio Jaén) y Vieja escuela (Madrid, Rialp, 2021, accésit del Premio Adonáis). También es autor del cuaderno de haikus Lluvia fina (Sevilla, Los Papeles del Sitio, 2021). Colabora asiduamente con la revista Anáfora.
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En Todo cuanto me inspira(s) se esconden poemas íntimos en los que se funden el asombro por lo cotidiano yla necesidad inmediata de dar forma a lo que pesa por dentro: desamor, pérdida y ruptura. El poemario deBella Oria es un ejercicio para entenderse a uno mismo ante las contrariedades de la vida, el resultado deun proceso de aprendizaje donde la esperanza es un anhelo que se esconde tímido entre la dureza de sus versos.
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El mundo de los vivos atrapa como si tuviese una eficacia narrativa pero lo hace renovándonos desde dentro con su lectura, como la mejor poesía. Solleiro no tenía claro que volviese a publicar una obra propia hasta que en el año 2017 debió seleccionar varios inéditos para una antología de poesía gallega y se encontró con lo poco que había escrito en los últimos años. La experiencia fue dolorosa y necesaria, tanto que unas semanas después había comenzado a escribir nuevo, aunque fuese como quien aprende a andar con una pierna ortopétida. El resultado es este conjunto de poemas que tienes entre las manos, escritos contra la significación excesiva y el riesgo de que las metáforas se devoren el mundo.
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Toda la obra reunida de un poeta imprescindible.«El descubrimiento de Miguel Casado me reconcilió de alguna manera con la poesía de mi propia generación.» Roberto Bolaño«Un meticuloso observador, que registra lo que contempla y no lo transforma, sino que lo desnuda.» Juan Antonio Masoliver, La Vanguardia«Miguel Casado representa esta corriente de afinación perceptiva y depuración formal, lo que le lleva a renunciar, en sus libros de madurez, a los chisporroteos metafóricos y a la evidencia rítmica.» Ángel Luis Prieto de Paula, Las moradas del verbo En un mundo saturado de discursos, donde los límites de lo virtual no son precisos, cunde la sensación de que la realidad se nos escapa, nos falta, y los días parecen discurrir en el seno de su carencia: el deseo de realidad es energía que aspira a poner la vida en tensión. Este volumen, Deseo de realidad, que reúne la obra poética de Miguel Casado desde 1986, recoge un proceso guiado por ese impulso, y también por un sentimiento de la lengua que trata de alcanzar -en un ver que es a la vez un pensar-lo concreto, lo particular, lo que está ahí. Los poemas de Miguel Casado fluyen como una conversación solitaria, persiguiendo en ese trance un sentido nuevo tan personal como político, un núcleo existencial. La palabra directa, las formas abiertas, el verso libre y el diverso montaje de cada uno de los libros (de la secuencia narrativa a la exploración del azar, del monólogo digresivo al mosaico sin estructura) componen, siempre en movimiento, una voz poética singular. Trazada con lentitud, al ritmo de su lógica interna, la poesía de Miguel Casado ofrece un mundo inconfundible, de una escritura firme y sin concesiones.
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Alice Dunbar-Nelson (1875-1935) pertenece a la primera generación de personas de color nacidas en libertad después de la Guerra Civil norteamericana. A menudo clasificada como poeta romántica y creadora de cuadros de costumbres que retratan la vida de la población criolla de la región de Nueva Orleans, es además una excepcional cronista de la experiencia de la mujer negra de su tiempo, cuyos intereses poéticos, dramáticos, periodísticos y novelísticos van más allá de las estampas tradicionales de la vida criolla. Esta edición reúne su novela corta, «Una ondina moderna», varios relatos y una selección de su poesía en versión bilingüe.
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Ritsos, una de las más grandes voces de la lírica europea, extrajo del caudal trágico griego una serie de monólogos de excepcional sutileza en los que cada palabra, surgida de un fondo lejanísimo, se traslada a nuestro tiempo con mágica ductilidad. Con el que hoy presentamos, dedicado a Áyax, continuamos la publicación de estos soliloquios dramáticos en versión de Selma Ancira.
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Clandestins (Una història de desamor)
Les pressions que rep Gabriela Duarte per a delatar la ubicació del seu marit Rodrigo Duarte, ferm detractor de la dictadura al Brasil, són cada vegada més violentes. Gabriela no en sap res, o no en vol dir res. Per amor es pot fer qualsevol cosa, però què passa quan l'amor flaqueja?Una història en què s'encaren les conviccions polítiques i l'amor. Complots, subterfugis, passions i traïcions converteixen Clandestins en una obra àgil i captivadora en què ningú és qui sembla ser.
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Durante una fría noche de marzo, Koharu confiesa a sus hijos que ha matado a su marido, un hombre maltratador que había convertido en un infierno la vida de los jóvenes. Quince años después, y tras haber cumplido su condena en prisión, la madre vuelve al hogar, a la empresa familiar: Taxis Inamaru. El reencuentro resulta difícil para todos: la felicidad por recuperar al ser querido no diluye por completo el rencor ni la culpa, ni puede hacer olvidar todos los años de ausencia.
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El amor y su sentimiento, el amor y la verdad, el amor y la muerte, el amor y su sufrimiento, esos son los temas fundamentales de “El rayo que no cesa”, el volumen que Miguel Hernández publicó en 1936 en la editorial Héroe. Inspirado posiblemente por el desengaño amoroso que el poeta sufrió tras una breve e intensa relación con la pintora Maruja Mallo, es un libro moderno, aunque muy influido aún por la poesía del siglo de oro. Las formas clásicas como el soneto, reviven en la modernidad que Miguel Hernández sabe construir partiendo de su intuición, de su clarividencia sobre todo lo que está ocurriendo en España. Testigo fiel, testigo dolorido, testigo tenaz de cuanto acontece en esos pueblos ansiosos de prosperidad y cultura que él tan bien conocía, y que visitó como representante de la República, de esa España profunda castigada por el rayo que no cesa. Visitante asimismo de una gran ciudad como Madrid, donde se echa de menos el refugio rural, el contacto con la naturaleza, la sencillez del trato con los vecinos. Miguel Hernández vivió a caballo entre dos mundos, no podía renunciar a ninguno, y fue testigo privilegiado de cuanto sucedió en nuestro país en la década de los años treinta.El libro incluye también la conocida “Elegía a Ramón Sijé”, uno de los poemas más estremecedores y sinceros de la lírica española, un poema que ha sido además inspiración para cantautores como Joan Manuel Serrat, que lo han convertido en un himno. En él, Miguel Hernández se duele de la muerte del que había sido desde la juventud su mejor amigo, fallecido a la temprana edad de 22 años.
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