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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Francesc Pelai Briz: entre la literatura i l'activisme patriòtic
Francesc Pelai Britz: entre la literatura i l'activisme patriòtic
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Baudelaire retrata en estos poemas el amor, la depravación del hombre, la desesperación y la muerte sentando las bases de la estética de la vanguardia simbolista que influyó en autores como Rilke, Rimbaud o Valéry. En esta edición, prologada y traducida por Carlos Pujol, se incluyen los seis poemas prohibidos quefiguraban en la primera edición de Las flores delmal y veinte poemas más del autor publicados a posteriori. «Baudelaire, que es aúnun romántico, es ya un simbolista, está siempre mostrándonos su corazón al desnudo, pero su verso va másallá de la anécdota personal para adquirir el misterioso valor de la palabra en sí. Se sueña a sí mismo con una pasión y un arte que convierten el sueño en poesía, en música significativa. Y detrás de los sueños,la fe y las palabras le hacen inmortal.»De laintroducción de Carlos Pujol
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Existen en las letras y las artes de Occidente algunos temas y motivos que sorprenden por la frecuencia de su aparición y por su persistencia a lo largo de los tiempos. Habría que decir, sin embargo, que sorprenden ante todo por su intensidad y por su fuerza simbólica, hasta el punto de que surgen en los contextos literarios y artísticos más diversos, sin excluir el arte y la literatura de las vanguardias. Uno de esos motivos es el vaso de agua, que desde Velázquez y Chardin hasta Iran do Espírito Santo o el fotógrafo Josef Sudek, pasando por Zurbarán, Juan Gris o Luis Fernández -y desde Wallace Stevens, Jorge Guillén o Francis Ponge hasta generaciones más jóvenes de poetas europeos y americanos-, han visto en la imagen del vaso de agua todo un cúmulo de valores y resonancias espirituales, intelectuales y sensibles. Este ensayo de Andrés Sánchez Robayna explora ese motivo y nos hace ver su significación, su diversidad y su profundidad como imagen.
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La poesía de Rainer Maria Rilke (1875-1926) es el resultado de su profundización en el yo y en el misterio del hombre. Rilke defiende que hay que cambiar la vida que captamos el mundo en pequeñas ondas y que debemos buscar los orígenes. Y esto le convier
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Este segundo poemario de Adrián Fauro supone la consolidación de una de las voces más frescas y divertidas del panorama contemporáneo. El autor se sirve de la nieve como epicentro de un aluvión de parpadeos, resonancias y referencias a la cultura musical que, pese a presentarse con apariencia desordenada, descubren una intimidad coherente, sencilla y sumamente entretenida. De la playa de Alicante al invierno Madrid, del gato de Lisa Simpson a un gato de carne y hueso, de una pokédex robada a una nevada de 1926, de odiar leer en público a desear la nube Kinton... Este libro traza recorridos transversales donde el factor común es la ternura. He aquí un alegato a favor del eclecticismo de quienes aman y en contra de la prepotencia en la poesía.
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Miscel·lània Jordi Bruguera, 1
Primer volum del recull de treballs en honor del filòleg Jordi Bruguera. En coedició amb l’Associació Internacional de Llengua i Literatura Catalanes.
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Ritsos, una de las mejores voces de la lírica europea, creó unos monólogos de excepcional sutileza, con los que consigue trasladar a nuestros días el pathos de la tragedia griega. Con Orestes continuamos la publicación de estos soliloquios dramáticos en versión de Selma Ancira.
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Seis años después de La canción del outsider (Premio Generación del 27), Fumando con mis muertos anuncia ya desde su título el protagonismo de una intensa meditación sobre el presente de un sujeto oético que, al tiempo que implica sustancialmente el análisis crítico de la realidad colectiva y el homenajea la poesía y a los poetas, desarrolla una compleja indagación en la memoria afectiva. Libro de múltiples matices, sus cinco secciones proponen la fusión de lo privado y lo colectivo que caracteriza toda la poesía de Álvaro Salvador. De una parte, temas como el ecologismo comprometido, la celebración urbana o la denuncia de la hipocresía del capitalismo. De otra, el retrato de una conciencia moral abrumada por la edad, pero atenta a la belleza y al deseo erótico, de la que el poeta extrae una irónica constatación del deterioro. En ese envejecer serenamente asumido se proyectan los desengaños, las diatribas, los sueños que componen uno de los libros más provocadores de Álvaro Salvador.
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Un extraordinario ensayo sobre literatura. Literatura Random Ho
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Panorames de poemes
Panorames de poemes, de Kenneth Patchem (9788472269989).Els petits poemes d'aquest recull recorden, per situar als qui no el teniu a les mans, les pàgines de «El rastre blau de les formigues», de Ponç Pons. Patchen fa una introspecció al seu dia a dia i hi plasma reflexions, situacions, sensacions generades, històries que reapareixen, detalls que fa sublims. El seu llenguatge, però, és molt més críptic, sintètic i al·legòric, i també trobem poemes sobre móns imaginats, que evolucionen paral·lelament al missatge que contenen.
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Un sabio dijo una vez: «Pocas cosas hipnotizan tanto en este mundo como una llama y como la luna, será porque no podemos cogerlas oporque nos iluminan en la penumbra».Realmente no sé si alguien dijo esta cita o me la acabo de inventar, pero deberían haber
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Miquel Ferrà, el poeta compromès
Entre el final de gener i el començament de febrer de 2011 es varen dur a terme les jornades d'estudi Miquel Ferrà, el poeta compromès, en el marc del 125è aniversari del naixement del més destacat escriptor i intel·lectual noucentista mallorquí.
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Amar es transformarse, transformar al otro y con ello al mundo que nosrodea. El amor es una forma de resistencia, un modo de plantar cara alas injusticias, es luchar por un mundo distinto, mejor. Y, en Mi chicarevolucionaria, Diego Ojeda lucha contra todo porque está enamoradodesde los dedos meñiques de los pies hasta el revés del alma. DiegoOjeda es sentimiento desbordante, es afecto desatado. Y precisamente esese desajuste entre la utopía del amor que vive en él y la realidad deeste país ?sumido en crisis y expoliado por sus propios gobernantes,abonado a corruptelas?, ese desfase entre su cariño sin barreras y estadesdemocracia, esta bancacracia en la que vivimos, lo que da lugar altono irónico e incendiario de algunos de los versos de este poemario.Las chicas revolucionaias andan sueltas, vuelan sin bragas y llevan enel bolso un libro de poemas.
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«Los dos coyotes», «El joven que quería casarse con tres hermanas», «El diluvio totonaco», «La bruja y el temazcal», «La Llorona», «El corazón de la muerta», «El hombre que se convirtió en zopilote», «Juan Turulete». A partir de una minuciosa investigación etnográfica y lingüística de los relatos de tradición oral más representativos de México, el narrador y poeta Fabio Morábito reúne y reescribe con criterios puramente literarios 125 cuentos populares provenientes de regiones que van desde Sonora y Chiapas, desde los tarahumaras hasta los chontales, y, más allá, hasta California y Nuevo México, para reaparecer más adelante en Veracruz y Querétaro. Acompañados de hermosas ilustraciones elaboradas por ocho ilustradores mexicanos, los relatos seleccionados ofrecen una visión sobre los temas ancestrales que han perdurado en la tradición de los pueblos mexicanos: la creación del mundo, la aparición del Sol y de la Luna o del primer hombre, así como historias protagonizadas por reyes, princesas, animales que hablan y llenas de transformaciones milagrosas y viajes llenos de peligros, donde el humor, la astucia y el mensaje aleccionador son los ingredientes principales. Cuentos que tras infinitas mutaciones a lo largo de los siglos, atravesando continentes, mudando de lengua, han venido a tomar morada en esta imprescindible antología, un libro bello, apátrida, migrante y mestizo, que es toda una metáfora de la esencia misma de la literatura y del alma humana.
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Tabernacle
Tabernacle aplega tres reculls de poemes que comparteixen el fet amorós i la transcendència mística: una vivència que ens manté enjòlit, com un sospir que s'obri a l'eternitat, una plenitud en la fusió retrobada, de manera que la vivència amorosa és un tema primari i essencial que entronca amb les manifestacions més antigues de la literatura. Així, el conjunt del llibre parteix del convenciment que l'amor és un dels elements centrals del dir poètic. De vegades com llampecs enlluernadors i de vegades com el llarg vessament dels rius a la mar, els seus poemes recorren, des de la trobada fulgurant de l'enamorament, avançant des del desig i la passió i el lliurament constant, el camí dels amants envers la fusió. L'amor com un repte fràgil subversiu que exigeix una permanent renovació des de la sensualitat i el compromís. Un corrent d'aigua fresca, talment la poesia es resol també en paraula viva.
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Obra completa de una de las figuras cumbres de la poesía española de todos los tiempos. Edición de Giovanni Caravaggi, catedrático emérito de la Universidad de Pavia Las Coplas de Jorge Manrique a la muerte de su padre son consideradas una de las cumbres de la poesía española. Tanto en ellas como en el conjunto de su obra es difícil saber qué admirar más: si la extraordinaria modernidad del idioma, la madurez de la versificación o la intensidad de los sentimientos e ideas sobre los que trata. Con una contención no exenta de emoción y una armonía y sencillez fruto de un gran trabajo de depuración, Manrique nos habla del dolor ante la muerte del ser querido y reflexiona sobre el sentido y la brevedad de la vida. El académico Giovanni Caravaggi, estudioso de Jorge Manrique y buen conocedor de la tradición lírica que lo precede, ha preparado la presente selección de sus poesías, dotándola de una cuidada anotación, un estudio introductorio con el contexto histórico y biográfico y unas actividades finales a modo de propuestas para trabajar el texto.
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«Los Veinte poemas son un libro doloroso y pastoril que contiene mis más atormentadas pasiones adolescentes, mezcladas con la naturaleza arrolladora del sur de mi patria. Es un libro de amor porque a pesar de su aguda melancolía está presente en él el goce de la existencia». Con estas palabras define Pablo Neruda este libro que el lector tiene en sus manos, aparecido en abril de 1924, cuando su autor tenía veinte años de edad. Han pasado desde entonces más de setenta años, los más prodigiosos setenta años de vida de un libro de poesía en nuestro siglo. ''Viente poemas de amor y una canción desesperada'' es la base de la fortuna literaria de Pablo Neruda. Mientras las vanguardias se extendían en el mundo artístico, Neruda se refugiaba en los crepúsculos para pasar de un modernismo en transformación a un neorromanticismo profundamente original. Su conexión con la sensibilidad adolescente y prorromántica ha puesto de manifiesto un poder de comunicación basado en su potencialidad creativa, en su facilidad para crear un breviario sentimental de sensaciones transmisibles y memorables. Como el propio Neruda dice: «Solo he cantado mi vida y el amor por algunas mujeres queridas, como quien comienza por saludar a gritos grandes la parte más cercana del mundo».¿A quién va dirigido el libro Veinte poemas de amor y una canción desesperada?Se trata de un poemario de amor dirigido a un público amplio, especialmente a aquellos interesados en la poesía del siglo XX en español y en la obra de Pablo Neruda. Su lenguaje, aunque perteneciente a la tradición literaria, es relativamente accesible, lo que lo hace atractivo tanto para lectores con experiencia como para aquellos que se inician en la poesía. La intensidad emocional de los poemas y la universalidad del tema del amor lo hacen relevante para personas de diversas edades y contextos. La obra, por su carácter introspectivo y la exploración de las emociones, puede conectar con lectores que buscan profundizar en sus propios sentimientos y experiencias amorosas.Temas que trata el libro Veinte poemas de amor y una canción desesperadaEl libro explora principalmente el tema del amor romántico en sus diversas facetas. No se centra en una única relación amorosa, sino que presenta una visión idealizada y poética del amor, combinando elementos físicos y emocionales. Algunos de los temas que se abordan son:La idealización del amor: Neruda crea una imagen de la amada que trasciende la realidad, mezclando rasgos de varias mujeres en una figura poética. El amor se presenta como una fuerza intensa y casi sobrenatural.La pasión y el deseo: Los poemas expresan con intensidad la pasión y el deseo físico, utilizando un lenguaje sensual y evocador.La melancolía y la desesperación: A medida que avanza el poemario, el tono se vuelve más sombrío, reflejando la fragilidad y el dolor inherentes al amor. La "canción desesperada" final resume esta faceta del sentimiento amoroso.La naturaleza como metáfora: Neruda utiliza con frecuencia imágenes de la naturaleza (pinos, olas, etc.) para expresar las emociones y sensaciones del amor, creando una atmósfera poética y evocadora.La experiencia personal: Aunque idealizado, el poemario se basa en experiencias amorosas reales del joven Neruda, lo que le otorga una autenticidad y una profundidad emocional particulares.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Veinte poemas de amor y una canción desesperadaAún no hay opiniones o críticas sobre Veinte poemas de amor y una canción desesperada disponibles para su inclusión en este resumen.
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Antonio Buero Vallejo, un clásico ya en la historia del teatro español, ha definido el propósito de suobra como «gafas para cegatos que quisieran ver». Apoyándose en la anécdota histórica que le sugiere un grabado del siglo XVIII –,la cruel humillación de una orquestina de músicos ciegos por parte de un empresario parisino–, teje en El concierto de San Ovidio una parábola que, en el momento de su escritura, podía ciertamente reflejar la experiencia colectiva de los españoles de la etapa franquista, pero que, rebasando con mucho aquella concreta circunstanciahistórica, por la fuerza universalizadora del arte, nos presenta la realidad profunda del momento actual.Profesor de la Universidad de Strathclyde en Glasgowy uno de los mejores conocedores de la ideología bueriana, David Johnston desvela en esta edición las múltiples dimensiones de una obra que, transmitiendo unagran lección moral de esperanza, constituye un ejemplo artístico de extraordinaria calidad.
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Antes de arrojarse por la ventana del cuarto piso de su edificio, la octogenaria Helene Engel tiene una última voluntad: entregar un misterioso manuscrito a uno de sus vecinos. Es lo único que escribió en vida, una confesión extraordinaria titulada Mine-Haha que narra la vida de una joven huérfana desde su nacimiento hasta la pubertad. Sus primeros años los pasa en un orfanato mixto, en el que los niños mayores se hacen cargo de los recién nacidos abandonados a las puertas del lugar, y más tarde en una institución exclusivamente para niñas en la que el modo de vida es rutinario y rígido: las jóvenes se dedican a la gimnasia, al teatro, a las artes y a la danza, pero en ningún caso se trata de una existencia idílica. Algo hay de inquietante entre los muros de ese hospicio: las jóvenes sufren un aislamiento absoluto y se ven sometidas a una disciplina física rigurosa por parte de sus maestras. Todo ello con el fin de protagonizar su peculiar debut una vez alcanzada la pubertad.
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George Bernard Shaw predicó con convicción que la controversia y la polémica (que abundaban en su teatro) eran un requisito previo para el progreso social, político y cultural. Fue defensor de muchas causas que en su época (y algunas aún hoy) parecían adelantadas a su tiempo: el vegetarianismo, la reforma del alfabeto... y también el sufragio femenino y la independencia de las mujeres. Vivió casi cien años y acabó convirtiéndose en el escritor inglés más prolífico de todos los tiempos. Murió en 1950, después de haber ganado el Nobel en 1925 y el Óscar por su participación en la redacción del guion de la adaptación cinematográfica de Pigmalión de 1938. Pigmalión satiriza el sistema de clases inglés y la artificiosidad con el que este dividía a las personas, a la vez que celebra el individualismo que es capaz de romper con esas cadenas, personificado en Liza, la florista protagonista. Shaw critica la rigidez de un sistema en el que la brecha entre los pobres y la alta sociedad no solo se debe a una cuestión económica, sino también a diferencias estructurales imposibles, en un principio, de sortear. El protagonista, Henry Higgins, un afamado y peculiar fonetista, se embarca en una apuesta y acoge a Liza para, a través de clases de fonética, poder hacerla pasar por una duquesa en una fiesta. Shaw reescribe así el mito latino recogido en las Metamorfosis de Ovidio: Higgins, un misógino irredento, será su peculiar Pigmalión, y Eliza Doolittle su Galatea.
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Injustamente olvidada a menudo, la poesía de Cervantes es una lectura imprescindibleLa obra poética de Cervantes ha sido generalmente muy poco conocida y apreciada. Sin embargo, la poesía llegó a ser una preocupación fundamental a lo largo de la trayectoria literaria del autor del Quijote, que durante los últimos diez años de su incierta vida dio pruebas asombrosas de su talento literario o poético. La presente antología obedece a una selección personal de José Manuel Caballero Bonald de las poesías publicadas sueltas y de las distribuidas profusamente por las novelas y obras teatrales de Cervantes. Una recopilación necesaria, pues, como se afirma en la introducción a la presente edición, «quien fundó la mejor prosa narrativa de su tiempo no pudo ser sino un poeta». La poesía cervantina tiene algo que mantiene en vilo la escritura, que la dota de una exquisita y elegante seducción. No estaría de más olvidarse de tantas miopías críticas a la hora de revisar el mundo poético cervantino, que sin duda reserva emociones y sorpresas de muy variada lección. Como pedía Cernuda ''defensor vehemente de la poesía de Cervantes'', «leamos ya sus versos con menos telarañas en los ojos».
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La herencia de Jaime Gil de Biedma (1929-1990) -observa Javier Alfaya en el prólogo a este volumen- se encuentra en el origen de la importante y controvertida corriente literaria conocida por el nombre de poesía de la experiencia, concepto que él mismo introdujo o ayudó a introducir en España. Esta Antología poética -preparada por Shirley Mangini González- permite apreciar desde principio a fin la trayectoria de una labor creadora caracterizada por la búsqueda de la perfección y que eleva la experiencia individual del escritor al nivel de significación de la vida de todos los hombres.
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Esta antología: Leonar Cohen, A mil besos de profundidad, celebra los cincuenta años de la obra musical y poética del bardo canadiense, recogiendo sus mejores canciones y poemas a lo largo del período que va desde su primer libro de poesía, Comparemo
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Parece que la tragedia fuera un asunto desfasado en la actualidad. Su profundidad ontológica y su elevada seriedad irritan a la sensibilidad posmoderna, y su tono demasiado solemne —propio de la más aristocrática de las formas artísticas— se presenta embebido de sacrificio, falso heroísmo y una nobleza de espíritu muy masculina. Pero si cierto posmodernismo es demasiado superficial para el género trágico, cierto posestructuralismo lo toma demasiado en serio. Para la izquierda, por su parte, la tragedia exhibe un aura desagradable de dioses, mitos y cultos cruentos, de culpa metafísica y destino inexorable. El presente libro no es un trabajo histórico sobre la tragedia, sino que aspira más bien a ser un estudio político. Parte de la convicción de que un materialismo genuino, opuesto tanto al relativismo historicista como al idealismo, ha de estar también atento a aquellos aspectos de la existencia que constituyen estructuras permanentes del ser genérico del hombre, entre las que se cuenta la realidad del sufrimiento. La lectura política que de la idea de lo trágico propone Terry Eagleton busca iluminar la aflicción y la desesperación, el abatimiento y la desdicha del hombre contemporáneo en la era del capitalismo tardío. Pues hay ideas teológicas que pueden ser políticamente valiosas. Como afirma el propio autor: «Aunque no sea exactamente un discurso metafísico, teológico o fundacional lo que la izquierda necesita, sería provechoso ampliar sus perspectivas teoréticas y extender el circuito estrecho y repetitivo de las preocupaciones que suelen absorberla. No deberían abandonarse esas preocupaciones, sino ahondar en su resonancia». Tal es la contribución que se intenta aquí, continuando la exploración, iniciada por el autor, de la «ideología de lo estético».
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Los poemas de Carlos Salem destilan amor, rabia, soledad, sexo. Escribe en negro, no en color pastel. El negro de la noche, donde se esconden miles de historias. Salem transmite los sentimientos más ocultos de las personas, envueltos en erotismo, muerte y
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Retablo Incompleto de la Pureza es el silencio que sucede al grito de horror, ese silencio que es sepulcro donde enterrar la culpa y el espanto. Un páramo habitado por un puñado de sombras que, asustadizas, ocultan el rostro y se esconden, avergonzadas de ser lo que son, mortificadas por la certeza de no poder ser jamás otra cosa. Dos autos profanos, dos cuerpos, forman este retablo: Muerte, resurrección y muerte y La mujer barbuda. Dos cuerpos anormales, deformes, monstruosos, geografía del castigo y los daños. Dos almas retorcidas por un infierno, condenadas por descubrir el espejo que otros taparon justo a tiempo para conjurar el miedo. Otros: los hombres que, despojados de toda paz, toda gloria y todo lo sagrado, le construyeron un altar a la superstición y sus artefactos.
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Una revelación sobre lo efímero y lo indestructible de la vida. Una celebración de la tierra y de todas las cosas que la habitan. Un diálogo entre el hombre y el ángel. Uno de los escalones más altos a los que hemos llegado para alcanzar nuestra completa humanidad. «Una tormenta sin nombre, un huracán del espíritu», así las definió Rilke. Las Elegías son uno de los poemas más traducidos a nuestra lengua, pero nunca por un escritor cuya importancia sea comparable a la de Juan Rulfo. No se trata de una traducción, sino de recreación, de una reescritura, de una nueva obra en sí misma. Este libro nos hará leer de forma muy distinta, por siempre, tanto la obra de Rulfo como la de Rilke, dos de los más grandes poetas de nuestro tiempo.
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Sangre en los estantes es el libro decabecera para todos los amantes de la novela negra de nuestro país. PacoCamarasa, uno de los mayores especialistas en la materia, ex librero ycomisario de BCNegra, nos plantea un libro ordenado, como buenlibrero, de la A a la Z, con la historia de este ya mítico géneroliterario, hoy en día tan de moda.El libro nos ofrece un recorridopor los grandes nombres del género, explicándonos sus mayoresaportaciones. También despliega un sinfín de anécdotas y desmenuza lasdiferencias dentro del género por países y culturas, las subcategoríasdentro de lo que denominamos novela negra y un sinfín de historias.Todo ello relatado con la sabiduría, la pasión y la proximidad quesolo Paco Camarasa tiene. Por este motivo es el más querido y reconocidoexperto en el género, y siempre consigue mover a los lectores.
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La cadena trófica es tal vez el primer libro con el que el lector logra aprender literatura riendo. O ríe y descubre que ha repasado la historia literaria hispanoamericana reciente. Un manual en forma de novela, o una novela en forma de manual,
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El nombre de Juan Ramón Jiménez (1881-1958) está indisolublemente ligado al título de Platero y yo, que no sólo es su obra más conocida, sino una delas más universales de las letras hispánicas. Y, a pesar de ello, cabe afirmar que Platero y yo hasido víctima de su éxito popular. El propio Juan Ramón protestaba en vida contra tanta lectura superficialaferrada al sentimentalismo fácil de la anécdota. Richard Cardwell, uno de los primeros especialistas enel gran andaluz universal, autor de una obra decisivasobre la formación modernista de Juan Ramón Jiménez,explica en la Introducción cuál ha sido la intenciónbásica de aquél y el objetivo que perseguía: la propagación de los grandes ideales de la pedagogía cultural del krausismo. La prosecución de esta guía, sin disminuir el encanto, amplía el interés de la lectura.Porque a la vez que se señalan todos los recursos delarte literario, se nos descubren las verdaderas raíces de la universalidad de un libro tan conmovedor y,en apariencia, tan sencillo.
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Elogiada en su día por la mejor crítica, desde Unamuno a E. Díez-Canedo, «Yerma» (1934) es, tal como la definiera el propio Federico García Lorca (1898-1936), «la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad» dentro de ese dramático juego universal en el que se mueven las criaturas lorquianas: la oposición entre las fuerzas de la vida, con su destino de libertad, y la opresión que sobre esas fuerzas se vuelca incluso hasta llegar a la muerte. A cargo de Mario Hernández, la presente edición de esta obra dramática fija su texto de forma escrupulosa y se enriquece con una serie de entrevistas con el poeta rescatadas de la prensa española de los años 1934 y 1935.
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Vent d'aram
Aquesta edició de Vent d?aram s?adreça als lectors que vulguin iniciar-se en l?obra de Joan Vinyoli, un dels autors imprescindibles de la nostra poesia contemporània. Acompanyada d?un estudi preliminar i d?uns complements didàctics, dóna les claus per aprofundir en la visió d?un autor que mai no va distingir entre vida i obra, i que es va lliurar incondicionalment a la creació poètica per satisfer els seus anhels i entrar «en la foscúria que germina». Vent d?aram és una obra de maduresa, que recull els grans temes de la lírica de Vinyoli: la natura, l?amor, la mort, el pas del temps, el record, la recerca vital, la soledat, el desig de transcendència, el poder de la paraula... A través de cada poema, Vinyoli ens proposa un viatge cap a les fondàries de l?existència, una reflexió sobre el seu sentit i unes disquisicions d?ordre moral. Estudi preliminar i complements didàctics a cura de Miquel Martín, escriptor i estudiós de l?obra de Vinyoli. Ha publicat diversos articles i estudis sobre el poeta i ha pres part en el II Simposi Internacional Joan Vinyoli. També n?ha divulgat l?obra a través de conferències, recitals comentats i rutes poètiques.
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Los mejores libros jamás escritos. «Tanta fuerza y virtud hay en amorosa mirada.Amar y odiar están fuera de nuestros poderes,pues nuestra voluntad se somete al destino.» Nacido en el mismo año que Shakespeare, Christopher Marlowe es uno de los dramaturgos más importantes de la literatura universal. Vivió en Londres einventó el teatro inglés: sin lugar a dudas, fue elescritor al que Shakespeare quiso superar. No obstante, la producción de Marlowe quedó interrumpida en 1593 tras una reyerta. Su muerte prematura plantea, todavía hoy, uno de los mayores «¿y si...?» de la historia de la literatura: ¿cuál habría sido su papel en latradición occidental? Esta edición reúne por primera vez en lengua española la obra completa de Christopher Marlowe, formada por las dos partes de Tamerlán el grande, El judío de Malta, Eduardo II y La trágica historia del doctor Faustus, en las míticas versiones de Aliocha Coll. A estos dramas se suman Dido, reina de Cartago y La masacre de París, en traducción métrica de Andrés Ehrenhaus,así como el poema largo Hero y Leandroy el más breve El pastor apasionado a su amor, vertidos al castellano por Andreu Jaume, quien también ha escrito el estudio introductorio y ha cuidado toda la edición.
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Los mejores libros jamás escritos Edición de José Rico Verdú, profesor de Literatura en la UNED Garcilaso de la Vega fue el gran renovador de la poesía española del siglo
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E.R.
Una jove aspirant a actriu es prepara per afrontar el seu debut a dalt de l'escenari. Per fer-ho, decideix entrevistar tres dives de l'escena teatral: la Glòria, una diva internacional, l'Assumpta, una estrella de la televisió i la Maria, una directora de doblatge, i descobreix en els seus records les grandeses i les misèries del món que tant la fascina, el teatre. Tota una metàfora de la vida.
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Antología bilingüe de 70 haikus inéditos de Chiyo, la escritora de haikus más importante de Japón. La poesía de Chiyo es, como afirmó un contemporáneo suyo, «pura, como jade blanco». La pureza de sentimientos humanos, tan bellamente expresados en sus haikus, combinada con la sensibilidad femenina y el espíritu de observación de Chiyo, que la llevaron a identificarse en poesía con tantas situaciones de la vida real, hacen que su arte continúe siendo aplicable siglos después a nuestro entorno cotidiano. Chiyo es la autora de haiku más destacada en los siglos XXVIII y XIX, una época en que la poesía japonesa era sobre todo un quehacer de hombres.
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