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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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En Como si nada hubiera sucedido, se recogen aquí losdos últimos libros de Francisco Brines, El otoño delas rosas (1986) y La última costa (1995), junto a seis poemas inéditos. El lector encuentra en este volumen la meditación de una voz agradecida a la sensualidad y al amor, pero que se acerca con lucidez a la penúltima etapa de su existir. La luz convertida en lucidez provoca un vitalismo inseparable de la conciencia, una conciencia del tiempo. Se trata del cumplimiento de un mundo propio que mantiene su unidad, mientrasse matiza con el paso de los años. El camino abiertopor Las brasas (1960) encuentra aquí su sentido final».
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Patrick Kavanagh (Inniskeen, 1904-Dublín, 1967) es uno de los principales poetas irlandeses del siglo XX. De origen campesino, su poesía se desarrolla entre oposiciones que marcaron su experiencia biográfica: de un lado, el amor por el campo y el rechazo a las restricciones vitales que impone. De otro, su inclinación por la mística y la denuncia de las opresivas estructuras católicas de la época. Atraído por la poesía de T.S. Eliot -el primer libro que, ya adulto, tomó prestado en una biblioteca fue La tierra baldía- y de W.H. Auden, a quien consideraba el mejor poeta inglés del siglo XX, su obra se apartó de la imagen idílica y esencialista de Irlanda que habían creado los autores del movimiento simbolista, como W.B. Yeats. Ese rechazo abrió el camino para una poesía hecha sobre la dureza de lo rural, que transformaba la genealogía literaria y política del país, de ahí partirían poetas posteriores como Seamus Heaney -que ha escrito excelentes páginas sobre Kavanagh-, Derek Mahon o Paul Muldoon. Su obra, no muy extensa, incluye dos novelas autobiográficas -The Green Fool (1938), Tarry Flynn (1948)- y cinco libros de poemas, entre los que destaca el poema-libro The Great Hunger (1942), considerado como una de las obras centrales de la poesía irlandesa moderna.Fruela Fernández (Langreo, Asturias - 1982) ha publicado una plaquette, Círculos (KRK: 2001), y diversas traducciones de Marie Luise Kaschnitz, Edoardo Sanguineti, Hugo von Hofmannsthal o Ezra Pound. Aparece en numerosas antologías de poesía reciente, como La lógica de Orfeo, Veinticinco poetas españoles jóvenes, Última poesía española, Poesía en Mutación o La inteligencia y el hacha. Coordina el festival Cosmopoética junto a Carlos Pardo y Juan Antonio Bernier.
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Después de disfrutar de una vida de lujos como funcionario en la corte del emperador Xizong, el poeta chino Si Kongtu se retiró a las faldas del monte Hua para escribir Las veinticuatro categorías de la poesía. Considerada una obra fundamental en la estética literaria china, busca capturar, a través de la contemplación de la naturaleza, el Tao, el principio que rige el orden del universo. Tres siglos más tarde, en Francia, el monje Bernardo de Claraval se propuso convertir los monasterios cistercienses que había fundado en una casa sublime para quienes, tras experimentar las inclemencias del mundo, decidieran retirarse de él. El Paraíso claustral de Carlos Aganzo nace de una inmensa admiración por estos dos pensadores y de una reflexión propia sobre su (nuestra) presencia en el mundo. Un hilo de pensamiento del que el autor tira poco a poco en busca de sus propios aprendizajes, y que nos deja máximas luminosas y esperanzadoras de nuestra relación con el mundo que habitamos y, a la vez, nos habita.
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Fumar en una bañera no tendría nada particularmente interesante salvo si lo hacemos con alguien más, y justo eso es lo que ocurre en este libro: dos amigas se dan un baño juntas, se relajan y se fuman un cigarro mientras se expresan sus confidencias ante la perplejidad y la reconstrucción emocional a las que se ven abocadas tras salir ambas de una larga relación. Un libro que nos habla de ese tipo de complicidad que solo es posible entre dos mujeres que se encuentran en el mismo punto de partida, regalándose una a la otra su compañía, su desahogo, sus risas, su libertad reencontrada... Fumar en la bañera nos habla de amistad, de optimismo, de amor, de intimidad y de la voluntad de ser feliz en cualquier caso. Escrito con un género mixto que combina poemas, reflexiones y prosa breve, este diálogo entre las escritoras Esmeralda Berbel y Rut Muñoz se convierte sin pretenderlo en un testimonio vital que hace alarde de la mejor literatura escrita a cuatro manos. Una escritura alentada por el sentido del humor y una sensibilidad profundamente femenina que derribará muchos prejuicios de cualquier lector o lectora, con un extraordinario dominio de los sentidos del lenguaje.
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Tant de gust de conèixer-la, senyora Víctor Català
Caterina Albert i Paradís, que signava les seves obres amb el pseudònim «Víctor Català», és una de les figures més representatives de la literatura catalana de tots els temps. Et convidem, lector, a descobrir la personalitat d’una escriptora que, malgrat els prejudicis de la seva època, va saber trobar la manera d’expressar-se amb llibertat. També podràs gaudir d’una petita mostra de les joies que va crear: narracions, poesies i adagis. I, sobretot, podràs adonar-te del gran valor de la seva novel·la, Solitud.
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Alphonse de Lamartine (1790-1869) se encuentra en una situación privilegiada en los manuales de historia de la literatura francesa,por lo menos en cuanto a referente, al tratarse del reconocido y consciente iniciador de la poesía romántica en su idioma.
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Ángel fieramente humano adensa tanta sabiduría extraída de toda la historia de nuestra poesía más alta que se ha constituído en un hito. Prólogo de Lorenzo Oliván.Cuando en 1950 se publican los poemas de Ángel fieramente humano, Dámaso Alonso escribe: «Este poeta tiene un extraordinario dominio de su palabra. Su verso es áspero, pero no por otra cosa, sino porque se corresponde con el derrumbamiento en huida». Poco después, irá entregando libros fundamentales como Ancia, Pido la paz y la palabra y, de manera póstuma, Hojas de Madrid con La galerna.Blas de Otero es sin duda uno de los poetas más importantes de la segunda mitad del siglo XX.Esta edición de Ángel fieramente humano, segunda entrega de la Biblioteca Blas de Otero auspiciada por la Fundación del poeta, se corresponde rigurosamente con la primera publicada por Ínsula en Madrid.
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El perímetre de la llum
Amb aquest poemari Jordi Ibáñez clou la seva trilogia sobre el coneixement.
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Alcaide ha dedicado toda su obra poética a la indagación sobre el sentido del amor en la sociedad contemporánea. La pareja es una especie siempre en peligro...Mala land es a la vez la confirmación de todo lo anterior y un punto de inflexión. Lo que el propio autor ha llamado el paso de “los enemigos exteriores del amor” a los más temibles “enemigos interiores”: la rutina, la falta de tiempo, el paso de este, la familia...Con un estilo directo y descarnado lleno de sutiles referencias culturales (desde la omnipresente Biblia hasta la canción de autor), el poeta ya no es aquel joven que defendía su amor como solitario y anacrónico caballero frente a todo. Por la cota de malla se cuelan las dudas, las hiedras del tedio y ve más enemigos dentro que fuera.Mala land es también la crónica de la vuelta a la ciudad que lo vio crecer, una reconquista imaginaria de la mujer que quizás nunca perdió pero que tal vez pierda en el siguiente libro.
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Primer día de clase. Hace ocho semanas que Behno ha visto a los demás. Se puso enferma antesde las vacaciones y no pudo ir de viaje con ellos.Han pasado muchas cosas, sus amigas han conocidogente nueva y tienen historias que contarle.En cambio Beh ha estado en casa. En realidadhay más, pero sus amigas no lo saben. En la ciudadhay un cuarto de paredes azules, una niñacon manguitos y muchos lugares que Beh fotografiarádurante la tarde y a los que les falta algo.Pero en casa, una postal la espera en el buzón, yhay alguien que la llamará por su nombre completoantes de irse a dormir.
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La materia fabulosa en torno a Bernardo del Carpio, así como a la historia de su padre, el conde de Saldaña, gozó durante los siglos de oro de una gran difusión popular, ya fuera por medio de la tupida red de romances que glosaban sus peripecias o de los géneros épico y dramático. Las dos comedias que reunimos en este volumen, ''La mocedad de Bernardo del Carpio'' y ''El casamiento en la muerte'', atribuidas a Lope de Vega con distintos grados de fiabilidad, se cuentan entre las más importantes de este último género, tanto por su calidad literaria como por el alto grado de difusión que alcanzaron entre espectadores y lectores.
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La mezcla de lo serio y lo cómico constituye uno de los puntales característicos de la comedia española que bien supo anotar Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias. Una combinación que traspasaba los límites del drama escrito para conformar la médula de lafunción teatral desde el siglo xvi hasta el xix, donde en alternancia con la obra principal ?una obra seria? se incluían piezas breves ?obras cómicas? entre jornada y jornada. En este ensayo, el autor nos acercaa la cultura teatral peninsular desde la perspectivaburlesca. El estudio diacrónico de la parodia en laliteratura dramática española de los siglos xviii, xix y principios del xx es, pues, el objeto de análisisy estudio de este capítulo de la historia del teatroen España, cuyo compendio encontramos en el Manolo (1769), de Ramón de la Cruz, y La venganza de don Mendo (1919), de Pedro Muñoz Seca, que abren y cierran dicho ciclo. De carcajadas, complicidad con el auditorio, excelencia artística y diálogo con los clásicos ?un diálogo de broma? es de lo que trata este libro. Habla de esta forma de entender los escenarios, desde la modestia de unos textos humildes cuya única pretensión era hacer reír al espectador con lo que antes lohabía hecho llorar. Porque era ahí, en esos contrastes entre lo alto y lo bajo, en esas caricaturas del teatro grande, hipérboles llenas de bobos, simples, graciosos, pícaros, gitanos, ridículos antihéroes ?gentes siempre marginales?, donde se refugiaba una parte de la esencia misma de la tradición escénica peninsular, tan presente desde sus mismos orígenes celestinescos. Finalmente, este libro se propone como un ensayode catálogo abierto, que se acompaña de una cronología que atiende no solo a los grandes movimientos literarios de estas dos centurias, sino también a las importantes transformaciones en el sistema de producciónque sufre el espectáculo dramático en ambos siglos ysu epígono hasta las primeras décadas del xx, esto es, la fractura de los dogmas neoclásicos, la apariciónde la burguesía como público y el teatro por horas.
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Su primer libro reúne 43+1 poemas escritos en los dos últimos años que abarcan, no obstante, aspectos pertinaces de la vida del autor desde mucho más atrás, algunos que rememora con el deleite del niño que fue y otros que quisiera borrar de un balazo.El autor se abandona al placer agridulce de mezclar algunas porciones importantes –la familia de origen, su lugar en el mundo, el devenir de enfrentarse, erguirse y respirar–, cada una de las cuales tiene una tonalidad distinta. Lo hace ordenadamente y sin poder evitarlo, ofreciendo un guiño táctico al lector, una lógica de lectura. A lo largo del recorrido se suceden pérdida, refugio y dolor como marcas visibles.
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February ha ido tramando una obra que explora el deseo, el erotismo, la identidad queer, el duelo, la homofobia y la enfermedad mental: temas que en su poéticase resignifican desde una nueva perspectiva, revelando inesperados pliegues y matices. La presente antología recoge piezas de todos los libros de February y nos ofrece un recorrido por la obra de una de las voces jóvenes ...
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La añoranza es la propia vida que vuelve imparable.Este libro trae una visión gozosa del recuerdo, cuandolos días han perdido el calor del instante y el fríode los días pasados se hace carne en la nostalgia delverso.
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El estreno de canción de cuna «fue para sus autores la aventura más emocionante de su carrera de dramaturgos», recordaba María Lejárraga en sus memorias. Idéntica emoción embargó al público que asistió a aquel estreno el 21 de febrero de 1911 en el madrileño teatro Lara y a los millones de espectadores que, durante décadas, la aplaudieron en los escenarios de todo el mundo, convirtiéndola en una de las comedias españolas más representadas del siglo XX. Tras los triunfos resonantes en el Civic Repertory Theatre de Broadway (Nueva York) y en el Studio des Champs-Élysées (París), fue presentada en 1936 en la Comédie Française como una de las escasas obras extranjeras contemporáneas que figuraban en su selecto repertorio. Mereció también cinco adaptaciones cinematográficas entre 1933 y 1993, y varias versiones televisivas. Hoy permanece alejada de los teatros, pero no ha perdido su encanto ni su fuerza de atracción. Una lectura moderna de la obra nos descubre nuevos valores en una comedia que sigue cautivándonos por su poesía, por el perfecto engranaje de sus escenas, por su belleza formal y por la sutil representación de un mundo complejo más allá de su apariencia sencilla, amable y optimista. «Canción de cuna fue un oasis. Allí, debajo de la fábula, había algo superior a la fábula misma». Emilia Pardo Bazán La obra maestra de María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra. María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874-Buenos Aires, 1974) y Gregorio Martínez Sierra (Madrid, 1881-1947) compartieron su producción literaria con la única firma del marido, incluso desde antes de casarse en 1900. Tras la muerte de Gregorio en 1947, ella adoptó el nombre literario de María Martínez Sierra, que ocasionalmente había utilizado anteriormente. Fueron dos protagonistas esenciales de la historia del Modernismo en España, creadores de revistas literarias (Helios, Renacimiento), novelas (La humilde verdad, Tú eres la paz, El amor catedrático), teatro (Teatro de ensueño, Canción de cuna, El reino de Dios, Triángulo), libretos de zarzuela (Las golondrinas), ópera (Margot, Jardín de Oriente) y ballet (El amor brujo, El sombrero de tres picos), y ensayos, con especial dedicación a la difusión del feminismo (Cartas a las mujeres de España, Feminismo, feminidad, Nuevas cartas a las mujeres). Gregorio Martínez Sierra fue, además, un destacado editor, empresario teatral de éxito y uno de los mejores directores de escena de su época, además de pionero de la industria cinematográfica en Hollywood. María Lejárraga, que comenzó su carrera siendo maestra, desarrolló una importantísima labor como traductora y, al margen de su prolífica dedicación a la literatura, fue feminista militante, fundadora de asociaciones de mujeres (Lyceum Club, Unión de las Mujeres de España, Asociación Femenina de Educación Cívica), diputada a Cortes durante la Segunda República y una de las plumas imprescindibles de la literatura del exilio de 1939. Juan Aguilera Sastre e Isabel Lizarraga Vizcarra son investigadores y estudiosos de la literatura española de la Edad de Plata. Han publicado conjuntamente varios trabajos, entre los que destacan De Madrid a Ginebra. El feminismo español y el VIII Congreso de la Alianza Internacional para el Sufragio de la Mujer (2010) y tres volúmenes sobre la labor periodística de Clara Campoamor: La forja de una feminista (2019), Del Foro al Parlamento (2021) y Clara Campoamor de viva voz (2021). Han dedicado numerosos estudios a la vida y obra de María Lejárraga, desde la pedagogía y la dramaturgia hasta el feminismo, la política o el exilio. Han editado los volúmenes Homenaje del Ateneo Riojano a María de la O Lejárraga (1995), María Martínez Sierra y la República: Ilusión y compromiso (2002), María Lejárraga, pedagoga: Cuentos breves y otros textos (2004), Ante la República: Conferencias y entrevistas (1931-1932) (2006), María Martínez Sierra: Feminismo y música (2008), Cómo sueñan los hombres a las mujeres (2009) y, en esta misma editorial, Tragedia de la perra vida y otras diversiones. Teatro del exilio [1939-1974] (2009), Viajes de una gota de agua (2018), Una mujer por caminos de España (2019), Epistolario del exilio. Cartas familiares [1939-1969] (2021), Cartas a las mujeres de España (2022), Gregorio y yo (2023) y Feminismo, feminidad (2023). Como novelista, Isabel Lizarraga ha convertido a la feminista riojana en protagonista de sus novelas Luz ajena (2020) y Cándida (2022).
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En su nuevo poemario, la joven poeta sevillana María Domínguez del Castillo (1997) explora la tensión entre ficción y verdad.En su nuevo poemario, la joven poeta sevillana María Domínguez del Castillo (1997) explora la tensión entre ficción y verdad, las (im)posibilidades comunicativas del lenguaje, interesándose tanto por lo que este puede lograr como por lo que no. Todas las historias son la misma historia la del amor y el dolor, la historia del hueco. Este libro contiene una colección polifónica de tradiciones diversas, voces que la poeta convoca mediante el exceso acuático y la concisión, la ambigüedad, la sugerencia, el doble sentido de la palabra. El título evoca los versos de la poeta canadiense Anne Carson, que sobrevuela todo el poemario: «hay aguas que nos ahogan. Otras aguas no». Cuando ciertas aguas no llegan a ahogarnos, hay que aprender a vivir con o en ellas.
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Un instante prolongado en el tiempo, un inicio que se transforma en su propio fin, notas a pie de página como mensajes en una botella lanzada al vacío de un futuro imaginario, cuatro minutos y treinta y tres segundos, puertas que se abren y nos acogen, música que se transmuta en silencio. Los poemas que se recogen en este libro presentan una polifonía de voces y formas, en las que el mundo de lo fugaz cohabita con la perpetua mirada de un universo en continua expansión.
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Marina está sola en medio del mar a bordo del Peter Pan. Acostumbrada a viajar en el asiento de copiloto y a no decidir ni el rumbo ni las maniobras de su propia vida, realiza una travesía hacia Tánger con el fin de cumplir el último deseo de su pareja. Pero Óscar ya no está aquí para guiarla y el viaje se convertirá en una auténtica odisea. Los sueños recuperados, la lucha contra los elementos, la pelea por la libertad y el recuerdo de Óscar hacen a El síndrome del copiloto heredera del espíritu de El viejo y el mar, La Odisea, Cinco horas con Mario y Magnolias de acero en su reverso más luminoso. Adaptación teatral libre de la novela Mujeres que compran flores «Una historia que llega. Todo es tan cercano, tan auténtico que duele. Un recordatorio de lo mucho que podemos conseguir si nos arriesgamos. Una lectura para recordar». Papel en blanco «Se trata de una historia emotiva y tremendamente sentimental, con un texto plagado de frases hermosas, motivantes y reflexivas». Regina Sotorrío, Diario Sur «Una emocionante adaptación del best seller Mujeres que compran flores». Revista Godot
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Flors i carboni
'I la fusta del vers / amb el tèrmit del viure!'' Així acaba Flors i carboni, el catorzè llibre de poemes de Josep M. Sala-Valldaura (Gironella, 1947). D'alguna manera,aquesta conclusió en resumeix els camins i els encreuaments: la creació i la perdurabilitat (''la fusta'') i la destrucció i la fugacitat (''el tèrmit''), les paraules (''el vers'') i l'existència (''el viure''), amb l'admiració final que és al mateix temps una queixa. Perquè el viatge metafòric del llibre ressegueix el breu temps de la florida i el llarg procés de la carbonització, l'aire i l'humus, el jardí sovint enyorat i la selva contaminada de la ciutat del viure.
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Esta edición de la poesía completa de Francisco Urondo conmemora los treinta años de la muerte del poeta, víctima de la represión de la última dictadura militar, el 17 de junio de 1976. Urondo había empezado en la década del cincuenta un camino irreversible en la palabra con sus primeros y deslumbrantes versos y continuó escribiendo poesía aun en medio del peligro y la persecución, como lo testimonia su inconcluso y parcialmente perdido Cuentos de batalla. Todo cuanto hizo estuvo vinculado con los avatares políticos de la Argentina y supo responder a cada desafío.Urondo era fundamental hallar la palabra justa, en tanto justeza y justicia, y el intento equivalía a encontrar un sentido que justificara la vida. Equivale a distinguir algo que en varios poemas menciona: lo que vale la pena.
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Desde que hace veinte años viajó a Guinea Conakry para trabajar con los desplazados por la guerra en la frontera liberiana, Gonzalo Sánchez-Terán ha sido testigo del dolor de los campamentos de refugiados africanos. Esa experiencia se refleja en los versos de Y corrí cual si el mal tuviera lindes, tributo a millones de mujeres y hombres que yerran por el planeta desposeídos de derechos, en busca de seguridad. La mayoría de los poemas de este libro, fruto de ''cuanto observé en las estrofas de la Tierra'', fueron escritos en lugares en conflicto y recogen tanto la rabia y la desesperación del autor, como su fe en la razón y el alma del ser humano.
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Asturiano de ascendencia, aunque nacido en Madrid (1969), donde cursó estudios de Derecho y de Filología Hispánica, Adolfo Cueto se dio a conocer poéticamente con la aparición de Diario mundo (2000). Tras un largo período de silencio editorial, sólo interrumpido por la aparición del cuadernillo bilingüe 7 poemas (2007), ha publicado Palabras subterráneas (Renacimiento, 2010), Dragados y construcciones (2011) y Diverso.es (2014), fruto del trabajo de casi una década de escritura. Recibió diversos galardones literarios, entre los que destacan el Premio Emilio Alarcos, el Ciudad de Burgos, o el Manuel Alcántara de poesía y ha sido traducido parcialmente al inglés, portugués y árabe. Habitar una casa en la era de Acuario es un libro póstumo que el autor dejó preparado justo antes de su fallecimiento (Madrid, 2016).
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Hoy, que el mundo se precipita, de nuevo, hacia un futuro incierto, es preciso que rescatemos el amor por la cultura y su soporte: los libros, como el antídoto que necesita nuestra sociedad contemporánea frente al derrumbe moral global que se nos viene encima, tal y como afirmara Voltaire: “Todo el mundo conocido, con excepción de las naciones salvajes, es gobernado por los libros”. También, Federico García Lorca señalaba esta misma senda, en el discurso que pronunciaba en Fuente Vaqueros, en el año 1931, con motivo de la inauguración de la biblioteca de su pueblo natal: “No solo de pan vive el hombre. Yo, si tuviera hambre y estuviera desvalido en la calle no pediría un pan, sino que pediría medio pan y un libro”.Y este es el milagro al que nos convoca Inmaculada García Haro, con la entrega de su poemario Los perfiles del frío, un texto donde el lector va a encontrar una armoniosa simbiosis entre los dos elementos básicos de todo buen libro de poemas: fondo y forma.Los perfiles del frío ha sido constituido por su autora desde cuatro ángulos: Poda de invierno, Tocata y fuga, Extraño viaje y Palabra y tiempo, cuatro partes, cuatro visiones que consolidan un discurso unitario.Aquí va a encontrar el lector un conjunto de veintisiete espléndidos poemas que desgranan, como si se tratara de un caleidoscopio imaginario, una especie de bitácora fragmentada en palabras para recomponer, a través de la memoria, el hilván de los momentos de toda una vida.
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Víctor Botas (1945-1994) fue, además de novelista y abogado, uno de los grandes poetas de su generación. Fue autor de una extensa producción, que se desarrolló en menos de veinte años. En ella se cuentan novelas como Rosa rosae (Renacimiento, 2015), un satírico roman à clef de ambientación romana. La parte más conocida de su obra es su poesía, caracterizada por su empleo del lenguaje cotidiano, su retranca asturiana y su reutilización de voces, moldes y máscaras de origen latino. Esta antología recoge algunos de sus mejores versos, procedentes tanto de su obra canónica (Retórica, Historia antigua, Las rosas de Babilonia...) como de las partes menos conocidas de su poesía.
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A través de una poesía discursiva, el autor busca significados en la etapa de su vida en Atlanta. A partir de experiencias muy concretas, la poesía va fluyendo con observaciones culturales y existenciales que van tocando diversos temas: la naturaleza, los viajes, la ecología o las relaciones misteriosas entre el presente y el pasado, entre la época actual y la historia. La carpeta verde se suma a toda una poesía dedicada a viajes y estancias del escritor en distintas partes de Estados Unidos, con títulos como Poemas del mar en Carolina del Norte (2004), Media luna sobre Memphis (2019) o Postal (abrazos desde Miami) (2021).
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Versions teatrals
El teatre culte en català va tenir un desplegament singular a Menorca entre la segona meitat del segle XVIII i la primera del segle XIX. Aquest volum presenta les traduccions teatrals que va dur terme el gramàtic, poeta i prosista maonès Antoni Febrer i Cardona.
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El amor como refugio, como protección de quien aspiró a la felicidad con el telón de fondo de una ciudad derruida, derrotada, que, a pesar de todo, busca la luz...Se tiende a vincular la experiencia amorosa con la felicidad, con un tiempo luminoso, con una realidad acogedora, apacible. Pero muchas más veces de lo habitual ''incluso en pleno siglo XXI'', el amor se construye, se vive, se goza o se sufre en escenarios especialmente duros, hostiles. Cenizas en los labios es la crónica de una intensa experiencia amorosa vivida en los más duros años de nuestra posguerra por una mujer, ''niña de la guerra'', hija de la derrota: ''Años 40. No hubo / ninguna luz entre la pétrea niebla, / tan sólo la esperanza / de que el amor vendría a protegerme''. Angelina Gatell, con este libro, nos muestra la plenitud de su saber poético, de su intuición, de su capacidad para aunar una alta ambición lingüística con la recreación de un mundo gris, cruel, en blanco y negro., en el que la humillación, la falta de horizontes y la demolición de los sueños de un mundo mejor se atemperan con la experiencia amorosa.
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La figura del intelectual, cineasta y escritor italiano Pier Paolo Pasolini (1922–1975) está fatal e irremediablemente ligada a Roma. El poeta civil más importante de Italia —según Alberto Moravia— llega a la capital en 1950 acompañado de su madre al tener que huir de su Friuli natal.Romanas serán sus primeras películas, Accattone (1961), Mamma Roma (1962), La ricota (1963) y Pajaritos y pajarracos (1966), romanas serán sus novelas Chavales del arroyo (1955) y Una vida violenta (1959), y romanos sus poemarios Las cenizas de Gramsci (1957), La religión de mi tiempo (1961) y Poesía en forma de rosa (1964). En muchas de sus obras Roma es la propia protagonista: Pasolini cartografía obsesivamente su geografía y da testimonio de la vida del subproletariado que habita sus márgenes. La Roma de Pasolini no es la Roma de los biempensantes ni de los turistas, sino la Roma del extrarradio, de la pobreza, la Roma de los tugurios, muladares y terraplenes entre solares, regatos y ruinas. Es la Roma de la miseria de la posguerra y la del milagro económico de los sesenta criticado por el autor al final de su vida.Maravillosa y mísera ciudad recoge casi todos los poemas de tema romano de Pasolini, y con ellos recoge también la contradicción intrínseca de una ciudad que, en palabras del poeta, es «macabro desconsuelo y alucinada alegría». Con el mismo espíritu andariego con el que Pasolini recorre incansable, a pie o en tranvía, las calles y los barrios de la ciudad, esta edición ofrece unas «Notas a pie de Roma», una especie de glosario literario-guía de viaje que deambula con erudición y deleite por la historia y la geografía de la periferia romana y su relación con Pasolini. Cierran el volumen dos breves ensayos escritos para la ocasión, donde el arquitecto Francesco Careri y el poeta Franco Buffoni reflexionan, desde su propia experiencia con la ciudad, sobre el vínculo entre Pasolini, Roma y la poesía.
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Inteligente, sabio, ocurrente, divertido, emocionante, acribillado del mejor wit isabelino-jacobino y del mejor ingenio quevedesco, con Marcial y el licenciado Tomé de Burguillos en la trastienda del estilo, con la cultura popular envenenándolo todo y mezclándose con la gran cultura en un cóctel inolvidable...Eso es lo que destila el Cancionero moral de un poeta menor, que es una especie de laboratorio alquímico que convierte en belleza métrica la sustancia lingüística que se introduce en cada redoma, en cada alambique, hasta que surge oro del plomo, cristal de la materia amorfa, espíritu de la materia.López Sandoval se ha sacado de la chistera una colección de sonetos que, como los de Lorca, no se limitan a repetir los tópicos inherentes a este tipo de composición en los últimos siglos, sino que se atreven a vulnerar estructuras consabidas para abrir nuevos cauces al rey de los constructos líricos, y lo consiguen plenamente.
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Para entrar en esta antología de toda la obra publicada de Enrique Fierro, es preciso poner en suspenso convenciones ciertas y aceptar que los nuevos territorios del diálogo y de la imaginación que propone exigen otra disposición lectora. De inmediato, se evidencia su invitación amable, plena de humor, a una actitud poética mutante dentro de un marco formal arriesgado y continuo en sus variaciones. Se descubre, de paso, una escritura que no le teme al silencio sino que, resuelta, lo incorpora.
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Luis Escavy, que hasta la fecha había publicado solodos plaquetes en su ciudad natal, debuta con un primer libro sorprendente, lleno de matices, que viene avalado por haber sido finalista del prestigioso premioAdonáis en su 74 edición de 2020.
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Haizea vuelve a casa de su madre para las vacaciones de verano, el 10 de julio de 1997. Justo en el momento en el que se abrazan efusivas, los informativos anuncian que ETA acaba de secuestrar a Miguel Ángel Blanco. De aquí en adelante, las cuarenta y ocho horas del secuestro se narran desde la televisión y por la ventana de una casa común, a través de los pequeños conflictos entre una madre que ha criado en soledad a una hija furiosa con el mundo. El acontecimiento trágico irá dinamitando los reproches, provocará a las dos en soledad y sacará a relucir sus mayores temores, esos que solo se confiesan con la muerte llamando a la ventana. El país entero movilizándose hará que ambas decidan, silenciosamente, aceptar todo y dejar el miedo aparte. El acontecimiento histórico del secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, queda cristalizado a través de la relación materno-filial. Un texto que propone mirar a los acontecimientos sociales y políticos desde la vulnerabilidad, nombrando cómo nos afectan irremediablemente, antes que buscar un enemigo al que hacerle culpable de nuestro dolor íntimo.
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'Biblioteca con jardín'' es el título que cierra la tetralogía poética iniciada en el año 2011 con Las voces encendidas, y que incluye además los poemarios Lasflautas de los bárbaros (2012) y En la región de Nod(2014). En este libro, toma la palabra la concienciaque denuncia la traición del ser humano a sí mismo,y que anuncia una nueva caída de la civilización frente a la barbarie, provocada por la pérdida de los valores de nuestra cultura grecolatina. Una corriente dedecadencia, individual y colectiva, que desemboca enla crisis profunda de nuestros días.
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Obrir el llibre d'Elvira és entrar en aquesta primera llum, primerenca, imaginària, sensitiva, i passejar pel seu vol de paraules, dansar als Di-Versos poemes d'aquest llibre… Creu en la força de la paraula, vola, diu, creix i creu-te, sigues somiadora de tu, ofereix-te a tu mateixa, ella alça la veu per obrir-la, que la poesia serveixi per caminar, per obrir un altre camí, per salvar el que calgui salvar. També juga amb les paraules, amb els versos, amb el desdoblament i la rima, juga i et fa riure, somriure, entrar i sortir de la metàfora, del símbol i també de la cançó, hi ha poemes extensos i poemes breus, poemes per reflexionar i poemes per cantar. Tot per al silenci i per a la veu viva i alegre. Pots triar. Esmeralda Berbel
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“Olvida las balas, después de este libro, me he quedado sin munición”, escribe Sonia Vera en su particularCatarsis, con la que logra desprenderse del miedo sin dejar espacio al rencor. En sus páginas vamos a encontrar la historia de un desengaño amoroso que consiguió volar una ciudad por los aires y convertirla en ruinas, aunque también quede un resquicio luminoso para el amor de una madre y el agradecimiento a quienessiempre están ahí. Es una explosión de sentimientos,con la que hacer historia y dejarla ahí para siempresin temor a olvidarla. “No podía marcharme sin dejártela. Pasa, ya no tengo miedo”.
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