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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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La edición definitiva de la obra poética de Nicanor Parra. El último apaga la luz es una amplia y cuidada selección de la obra de quien, según Harold Bloom, «es incuestionablemente uno de los mejores poetas de Occidente». El libro abarca desde el inaugural Poemas y antipoemas -que se incluye íntegro- hasta los Discursos de sobremesa, pasando por Canciones rusas, Sermones y prédicas del Cristode Elqui, Lear, rey mendigo y Hojas de Parra -que por su centralidad en el proyecto antipoético también se incluye entero-, más algunos poemas dispersos como «Quédate con tu Borges» o el rap de «La Sagrada Familia». Seleccionados por Matías Rivas, los poemas que conforman esta obra selecta están pensados como el legado esencial de Nicanor Parra, una gran puerta de entrada para quienes no conozcan cabalmente la antipoesía y, a la vez, la mejor síntesis para quienes ya la admiran, la estudian o, simplemente, la leen con renovada pasión.Roberto Bolaño dijo...«Todo se lo debo a Parra» Del autor también se ha dicho...«Un poeta disidente en el fondo y la forma de la poesía, que no solo ha dejado un legado sugerente, rico, incluso humorístico a la historia de la poesía sudamericana sino que [...] ha renovado el discurso poético, lo cual no puede entenderse sino como un bien.»Ricardo Martínez, Paperblog.com Reseña:«[...] Su relación con el lenguaje, como se desprende de la lectura de su obra, está sostenida por la lucidez con que expresa, de manera lúdica, el sentido de la vida pero también su tragedia.»Diego Gándara, La Razón
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La poesía reunida de una gran poeta en lengua española, merecedora de los premios García Lorca de Poesía y del Reina Sofía 2016.
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«Mirar y pensar son dos cosas diferentes», dice Antonio Cabrera en este libro. Pero uno tiene la impresión de que toda su obra, la que ha escrito en prosa (El desapercibido) y la que ha escrito en verso (En la estación perpetua, Tierra en cielo, Piedras en el agua, Corteza de abedul) es un intento de unir ambas acciones. Antonio Cabrera discurre en estas páginas, nacidas sin prisa ni necesidad, por el tiempo (el año de la tierra, el minuto de la luz), como si fuera un lugar, lo mira como si fuera un paisaje. Así, espacio y tiempo, las dos coordenadas de la vida humana, adquieren un nueva dimensión, abarcable solo por la mirada del poeta o el discurso del filósofo, ahora devuelto al lector con un lenguaje luminoso y firme. Cabrera nos habla de cosas sencillas, cosas muchas veces vistas o sentidas (ver volar vencejos, colgar un cuadro, buscar espárragos o poner la lavadora), y no solo las renueva ante nuestros ojos sino que les da una dimensión distinta. Sus palabras nos incumben porque hablan de partes de nuestras vidas a las que nunca les hemos dedicado una fracción de pensamiento.
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Un libro sobre el horror y los secretos inconfesables, por el que circulan todo tipo de personajes extremos: toda una Internacional de alcohólicos, pederastas y maltratadores. Pese a todo, ni la morbidez del tema ni la repulsión del juego deben distraernos de la sustancia: este libro es una auténtica hazaña poética, construida sobre la musicalidad, la digresión y el trabajo interminable de voces.
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La elegía, cuando se sostiene en la verdad poética, pertenece al género del canto, no cabe en ella la vana queja, sino el lamento pronunciado desde el vuelo del amor desposeído. Estas odas de invierno de David Pujante son eso, un canto de amor a la vida desde una conciencia crepuscular: un homenaje y una herida abierta, palabras apasionadas. (Vicente Gallego)
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Un libro muy especial del gran poeta vasco Kepa Murua: homenaje a un amigo muerto.
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Relatos que reflejan el alma rusaDe Pushkin a Gorki, pasando por Dostoievski o Tolstói, esta edición ilustrada ofrece una cuidada selección de siete cuentos de los principales representantes de la narrativa rusa de finales del siglo xix y principios del xx, entre los que se incluyen obras maestras de lo absurdo como La nariz, de Gógol, o El cocodrilo, de Dostoievski. A través de sus páginas nos sumergimos en las nevadas, inhóspitas y frías tierras siberianas, perdiéndonos en ellas, como les ocurre a los protagonistas de El amo y el sirviente, de Tolstói, o tras una borrachera como en El sueño de Makar, de Korolenko. Tramas e historias deslumbrantes como las del calculador Hermann en La dama de picas, de Pushkin, o la de la joven Olga Ivanovna en Una mujer insustancial, de Chéjov, cuya vida contrasta con la fortaleza de una mujer humilde que da a luz a su hijo en medio del campo en Nace un hombre, de Gorki.Cuentos rusos clásicos muy poderosos, con un lenguaje propio (simbólico y literal) y una fuerza que te atrapa desde las primeras páginas, ilustrados con la delicadeza y la sensibilidad de Sara Morante.
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Decía Emil Cioran que la expresión nos descarga del peso de nosotros mismos: la escritura es una liberación donde cada cual se cura de la vida como puede. Este libro se presenta así como un esfuerzo aparentemente inútil: cruzar la distancia que el amor, por muchas circunstancias, a veces no puede salvar. Sus poemas se asemejan, pues, a esos cabos impotentes, vencidos en la madera del muelle. Las páginas de este poemario se construyen sobre una de las formas que el amor adopta en nuestra tradición poética desde Garcilaso a Pedro Salinas: el vano, no como pérdida o carencia, sino como memoria frecuentada y espacio de encuentro. Más allá del amor lamentado, sus versos tratan de alcanzar el anhelo que permanece en el alma del hueso. Cada poema es acompañado de una imagen que unas veces ha sido estímulo y otras reflexión. Algunos textos llevan una breve, pero esencial, respuesta musical: composiciones del propio autor que actúan como un eco que prolonga el verso en una discreta resonancia, muda -si el lector así lo desea-, o cauce irracional para su interpretación. Por ello, tanto la música como estos versos tratan de ofrecer al lector un silencio introspectivo donde se eleva y resuena el poema, quizá de modo efímero, pero siempre más allá de su encarnadura en la palabra. Un libro donde el poema recorre caminos de ida y vuelta entre la música y la palabra: surge así la poesía a través de una voz personal con una identidad muy especial. Juan José Pastor Comín (Cuenca, 1974) es Catedrático de Universidad del área de Música en la Universidad de Castilla-La Mancha. Premio Nacional Extraordinario Fin de Carrera (MEC) y Premio Extraordinario de Contrapunto y Fuga (2001), ha sido profesor visitante en la Sorbonne, Paris-IV, Texas A&M University, University of Nottingham y Ruprecht-Karls-Universität de Heidelberg. Posee tres tramos de investigación y uno de transferencia, y ha sido investigador principal de cuatro proyectos del Plan Nacional y cuatro autonómicos. Sus publicaciones han sido reconocidas por su enfoque interdisciplinar sobre las relaciones entre Música y Literatura, desde el Siglo de Oro hasta nuestros días. Ha coordinado siete grupos de investigación de distintas universidades y del CSIC en el proyecto Música, literatura y poder en la España moderna: estudios interdisciplinares, del programa estatal Redes de Investigación, y desarrolla un proyecto Prueba de Concepto. Entre sus libros académicos destacan Cervantes: Música y Poesía (2007), Loco, trovador y cortesano. Bases materiales de la expresión musical en Cervantes (2009), Cinco viajes musicales por la literatura de la España moderna (1496-1645) (2019), Y la música se hizo verbo... Imágenes poéticas de Beethoven (2021), Escrito en el margen: Música, Literatura y Pensamiento (2023) o Pace non trovo. Historia de la interpretación musical de Petrarca (2024).
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Los poetas presentados en esta antología son en su mayoría previos históricamente a Matsuo Basho, siendo algunos otros contemporáneos del insigne maestro, considerado no solo como el mejor poeta de haiku de Japón, sino también como el mejor poeta japonés de todos los tiempos. De los primeros, Basho recibió influencias para su creación literaria. Y en el caso de los segundos, las influencias fueron recíprocas, enriqueciéndose así todos mutuamente para elevar el haiku a su máxima expresión artística.El haiku es una forma de poesía tradicional japonesa de 17 sílabas organizadas en un esquema de tres versos (5-7-5). No tiene título ni rima pues pretende, con la máxima sencillez, transmitir una apreciación de la realidad espiritualizándola y elevándola por encima de su pequeña trascendencia.
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Rafael Adolfo Téllez (Palma del Río, Córdoba, 1957) es autor de los siguientes libros de poemas: Si no regresas junto al portón oscuro (1988), Quienes rondan la niebla (1993), Los adioses (1996), La rosa del mundo (1997), Muertes y maravillas (2004), Los pasos lejanos (2007), Los cantos de Joseph Uber (2011). «En sus poemas hay algo muy verdadero y hondo. La suya es una voz que no se parece a ninguna otra de la poesía española, ni ninguna otra se parece a la suya. Se dirían poemas escritos muy lejos de todo, en una especie de pueblo en ninguna parte […]. Es el poeta de las cosas pobres, de los cafés pueblerinos desoladores, de los pueblos muertos. Y a los muertos vuelve una y otra vez, buscándose entre ellos, y al no hallarse viene a la vida con su secreto, un poco desconcertado, sin comprender por qué no estaba ya entre ellos. Eso le vuelve un niño de la estirpe de Francis Jammes, de Van Gogh, de Gutiérrez Solana, líricos góticos». Andrés Trapiello
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Miembro cofundador de la revista Cántico (Córdoba, 1947-1949, 1954-1957), Pablo García Baena (Córdoba, 1921-2018) está considerado como uno de los poetas más destacados de la poesía española del siglo xx. Su vida puede dividirse en tres etapas: su juventud y años cordobeses (1921-1965), su estancia en la Costa del Sol (1965-2003) y su retorno definitivo a Córdoba (2003-2018). Es autor de una breve pero significativa obra resumida en Rumor oculto (1946), Mientras cantan los pájaros (1948), Antiguo muchacho (1950), Junio (1957), Óleo (1958), Almoneda (1971), Antes que el tiempo acabe (1978), Gozos para la Navidad de Vicente Núñez (1984), Fieles guirnaldas fugitivas (1990) y Los Campos Elíseos (2006), a la cual habría que añadir Claroscuro (2019), ahora en prensa. Su labor poética está recogida en numerosas antologías, así como en la Poesía completa (1940-2008) (2008). Entre los premios más importantes otorgados a lo largo de su vida figuran el Premio Príncipe de Asturias de las Letras y la Medalla de Oro de la Ciudad de Córdoba (1984), Hijo Predilecto de Andalucía (1988), Premio Internacional de Poesía Ciudad de Melilla (1989), Premio Andalucía de las Letras (1992), Medalla de Oro de la Provincia de Málaga (2004), Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2008) o el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca (2012). En 2017 la Junta de Andalucía lo declaró Autor del Año 2018. La publicación ahora de estos cuarenta y dos sonetos de Pablo García Baena suscita muchas consideraciones y preguntas, también tal vez la más importante: cómo fue cambiando si no la «ocasión» de su escritura, sí la variación que fue experimentando el poeta sobre la concepción, rechazo inicial y naturalidad posterior, el uso de una composición de tanto prestigio en las literaturas europeas y que han cultivado poetas a los que Pablo admiraba incondicionalmente, como Dante, Shakespeare, Garcilaso, Lope de Vega, Góngora, Rubén o Federico García Lorca.
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Con más de 1 millón de seguidores (medio millón de suscriptores en su canal de Youtube) Isasaweis es una de las autoras conmás impacto en redes sociales. Tras su anterior publicación con Frida Ediciones, De momentos, la autora nos sorprende con otro
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Mi fascinación por la Unión Soviética fue siempre más literaria que política, más por los rusos que por los sóviets, y más en la estela de Chéjov, Dostoyevski, y posteriormente Bulgákov, Mandelstam (Osip y Nadezdha) y Brodsky que de los adalides de una revolución que quiso crear un hombre nuevo a sangre y fuego, con estragos que ahora recuerda de forma tan certera como desgarradora Svetlana Aleixévich. Este Cuaderno ruso (con incrustaciones portuguesas) es una incursión en un pasado remoto, un viaje, una historia de amor y sus secuelas, que no han dejado de perseguirme con su aura de ironía y frustración, de palabras contra fantasías... políticas, sexuales, literarias. ALFONSO ARMADA
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Poetas en la España leal es una antología ''histórica'' de la poesía republicana española escrita durante los años de la guerra civil, una antología sobre cuyo valor literario ya se pronunció entonces el propio Luis Cernuda, buen conocedor sin duda de la premura y limitaciones con las que se preparó la misma: ''Pero esta breve selección está probablemente llamada a tener un eco histórico, aunque no tuviese cierto el puramente literario. Si por fatal destino no les salva su talento, a estos que hoy forman el volumen Poetas en la España leal, tal vez les salve en la memoria futura el recuerdo de la tempesad a través de la cual se alzaron sus voces, asombradas unas y otras confundidas''. Juzgue por sí mismo el lector del siglo XXI el valor literario de esta antología, sin duda ''histórica''.
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Un cuerpo virtual, hecho de imágenes, atraviesa un paisaje de dunas. En su soledad total, camina acompañado. Su «phantasmagoria» es la huella viva de lo que ya no está: gestos, espacios, amantes. De esas memorias, que exceden al ser que las custodia, surge esta obra sobre el deseo y la pérdida, sobre el sujeto que se construye recordando lo que una vez amó y ya no está presente. Sara Torres entrelaza lo teatral, lo narrativo y lo poético para mostrar la encarnación de una voz que incorpora en sí todas sus ausencias. Desde la abundancia y el exceso hasta la fragmentación del lenguaje, ''Phantasmagoria'' explora el dolor del cuerpo aislado y el funcionamiento de la mente en el recuerdo.
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De lo inútil es un reencuentro con el mundo, a partir de una minúscula certeza: hay una inteligencia que no es racional y que nos permite conocer desde el estremecimiento, desde la emoción. Detrás hay un reaprendizaje de los sentimientos y una apuesta por las palabras más precisas y transparentes. Desde una escritura íntima llena de símbolos personales y matices biográficos (en la que se adivinan discretamente las huellas de maestros como Mark Strand, Charles Simic, Omar Lara o Angel González), Julio Espinosa Guerra se asoma a ''lo elevado desde abajo'' y nos ofrece, según Dolan Mor, el libro más maduro, más inteligente, más vivencial y más enigmático que ha proyectado hasta ahora.
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Autobiografía lírica de un paseante compulsivo y solitario, quizás vencido antes de tiempo, cuyo deambular continuo por idénticas calles repetidas parece guiado por la oscura intuición de que no nos pertenece la felicidad. Si la realidad se asemeja a una farsa, tan solo queda, intacto, el refugio de los automatismos y los pequeños ritos cotidianos. En De mis soledades vengo ha querido Marcos Tramón compartir con nosotros, los lectores, la trama invisible de sus días, consciente de que toda vida puede caber en unas pocas sílabas. Marcos Tramón (Oviedo, 1971) ha publicado los libros de poemas Escombros (1996), Los días que te explican (2001), Desgana (2010) y Stricto sensu (2016). Es autor también del estudio bibliográfico Años, libros, vida. Ha sido incluido, entre otras, en las antologías La generación del 99, de José Luis García Martín, Poesia espanhola. Años 90, de Joaquim Manuel Magalhães, y Geometría y angustia. Poetas españoles en Nueva York, de Julio Neira. Colabora en revistas como Clarín o Anáfora.
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Li-Young Lee, poeta del silencio, creador que busca ensanchar su interioridad, muestra en El desnudo lo que Oriente da a la poesía actual: erotismo sin tocar la carne, habla sin decir palabra, luz que se abre a las más profundas reflexiones del lector. Lee no teme enfrentarse al tiempo: «En compañía, sueñas en muchos otros: / El tiempo que no tienes. / El tiempo que sobra. / Y el tiempo que toma». Es real. Toma años al poeta llegar a esta destilación del Yo, y medir qué requiere su escritura, qué de él, qué del cuerpo, qué del propio Tiempo.
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El cuerpo se cuenta y se canta, porque sentir la piel es un acontecimiento parecido a cruzar una ciudad o a tocar con las manos una idea. La hora de esta poesía sucede en el lugar del instinto y la meditación, del saber y del desear. Las certezas del cielo se ponen entre paréntesis porque hay fronteras que se crean para que la poesía las cruce y establezca su contrabando de memorias y de silencios.
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Fernando Villalón (Sevilla, 1881-Madrid, 1930), conde de Miraflores de los Ángeles, fue ganadero de toros bravos. Su ideal -criar toros tan temibles como aquellos que lidiaron Pedro Romero y Pepe-Hillo en los albores del siglo XIX- lo condujo a la ruina. Pero lo que perdió el ganadero, lo ganó el poeta. Durante tantos años de andanzas por tierras de Andalucía la Baja, marismas y orillas del Guadalquivir, sin olvidar las estancias en su amada Sevilla, Villalón almacenó en su memoria y sensibilidad paisajes, colores, perfumes, canciones, semblanzas, hasta que brotó la necesidad de convertir esas sensaciones e impresiones en poesía. En esta antología se reúne lo esencial de los tres libros que publicó (Andalucía la Baja, 1926, La Toriada, 1928, y Romances del 800, 1929) y una notable cantidad de poemas que permanecieron inéditos más de cincuenta años después de su muerte. Entre ellos, una extraordinaria cosmogonía, «Kaos», y poemas de cortes diversos: neopopulares, humorísticos, ecologistas, espirituales y hasta surrealistas. Los versos de Fernando Villalón, son «memorables», como justamente escribió Fernando Ortiz, tan cargados de fuerza poética que, después de leídos, acompañan y cautivan para siempre al lector.
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Aurora Saura Bacaicoa nació en Cartagena en junio de 1949 y residió hasta su adolescencia en Alicante. Estudió Filología Románica en la Universidad de Murcia y ha sido profesora de Lengua y Literatura hasta su jubilación. Ha publicado los siguientes libros de poemas: Las horas (1986), De qué árbol (1991), Retratos de interior (1998, reedición en 2014), Si tocamos la tierra (2012) y Mediterráneo en versos orientales -plaquette de haikus- (2015). Varios de sus poemas han sido recogidos en distintas antologías, las más recientes: Contra. Poesía ante la represión (2016) y Composición de lugar (2016). Ha participado frecuentemente en lecturas poéticas, coloquios y encuentros literarios. Ha colaborado también en revistas de la misma índole y en libros franceses para estudiantes de Español. Su lema podría ser, algo modificada, la famosa frase de Terencio: «Nada, humano o no, me es ajeno». En 'Avivar el fuego', se recoge una selección de libros anteriores: 'Las horas', 'De qué árbol', 'Retratos de interior', 'Si tocamos la tierra', y algunos poemas inéditos.
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Una petita antologia alada on tothom hi trobarà un poema inspirador, un vers reconfortant o una perspectiva sorprenent d’una de les figures més emblemàtiques de la nostra tradició: l’àngel. Verdaguer, Salvat-Papasseit, Parcerisas, Foix, Baudelaire, Comadira, Milosz, Yeats, Espriu, Rimbaud, Rilke... Àngels i poemes decinquanta poetes universals.
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Hay algo prodigioso en la poesía de Concepción de Estevarena: brillantes por su altura poética, sus versos nacen de la vocación inquebrantable de su autora frente a la prohibición expresa de su padre. Ante la adversidad, la escritura se le revela paradójicamente como un terreno seguro, donde la reflexión sobre el hecho poético es necesaria para encontrar la paz y para tomar impulso. Su equilibrio entre lo meditado y lo inevitable, su posicionamiento en los poemas de temática amorosa -que aborda desde una voz neutra-, su capacidad para sintetizar y reelaborar la estética del Romanticismo tardío y su extraordinaria calidad hacen de ella un raro ejemplo de nuestra poesía menos conocida y más valiosa.
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La poesía de Jorge Valdés es una poesía clara, de honda y sutilísima claridad, jamás amenazada por la impostación ni la obviedad. Sus poemas suelen apuntar a lo narrativo, son a menudo como una instantánea fotográfica o un videoclip, lo importante en ellos es la mirada, el punto de vista desde el que el poeta, implacable y cercano, va haciendo nacer la realidad de lo narrado. Muchos de los poemas de Jorge Valdés están escritos en endecasílabos blancos encabalgados, un poco a la manera de Leopardi, del mismo modo que, a menudo, sus finales de poema tienen la contundente rotundidad que encontramos en los finales de Jorge Luis Borges y otros muchos grandes poetas. Jorge Valdés es, en fin, un poeta elegiaco, pero también, quizás por eso mismo, un excelente poeta erótico. En él confluyen felizmente lo mejor de las tradiciones continentales americanas del siglo XX y la española, como podrán comprobarlo los lectores de esta antología. A. L.
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José María Moreno Carrascal (1951), poeta y traductor nacido en Ayerbe (Huesca). Sus poemarios Los jardines de hielo (2010) y Los reinos diminutos (2013) obtuvieron respectivamente el accésit al Premio de Poesía de la Fundación Ecoem y el XXVII Premio de Poesía Unicaja. Ha traducido al español a importantes poetas en lengua inglesa (Wallace Stevens, Charles Bukowski, V. Nabokov, John Updike, W. S. Merwin, Kay Ryan, o Joyce Carol Oates, entre otros) e italiana (Elda Merini). Actualmente reside en EE. UU. donde ejerce como profesor de lengua y literatura inglesa y de español. De su poesía se ha dicho que, a pesar de sus «variados registros y de su diversidad temática y de tono», posee «una coherencia estilística de fondo» que va de «el poema esencialmente meditativo y el apunte liviano, a la experiencia de vida y la experiencia literaria» (Felipe Benítez Reyes), y, en palabras de Luis García Montero, se trata de una poesía «serena, capaz de unir vitalidad y cultura».
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L'escriptora Mercè Amat i l'artista Goretti Pomé -totes dues, a més, professores- ens conviden a capbussar-nos en un diàleg on convergeixen la paraula poètica, la vibració pictòrica i la reflexió intel lectual. Les autores conversen sobre quatre fases que defineixen el procés creatiu (observació, interiorització, interpretació i expressió). I ho fan de manera molt personal i distesa des d'un marc de recerca espiritual compartit. Pintures, cartes i poemes, i dos textos finals sobre el sentit i l origen de la creació artística, conformen Art i Creació. Veus en diàleg. Una obra singular que reivindica el caràcter transformador i humanitzador de l'art i que ens convida a fer el camí de l autoconeixement cercant el que és essencial i esperançador.
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Este poemario es una búsqueda, un viaje para encontrar el sentido que los antiguos dieron a un símbolo universal y que representaron con la letra ípsilon Y . Los poemas quieren ser un acercamiento al misterio de la raíz común de las dos vías, que inevitablemente es la vida tras la muerte.
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La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud. Neronga se une al popular motociclista de acrobacias Evel Knievel para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles. Trifulca, rayos, navajazos, patadas voladoras, verso blanco pentámetro yámbico es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas como polizontes de un navío herrumbroso que cargaba una escenografía para una obra de Esquilo versión moderna (lo de siempre: un falo gigante recubierto de purpurina jugando con el estilo jónico) que se iba presentar en un festival internacional ahora anulado, como era de imaginar, por la guerra en la Bahía.
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Arquitectura del silencio construye eficazmente un viaje circular, tanto exterior como interior, por los territorios que han marcado el sufrimiento y la tragedia que desgarra el siglo XX.Alicia Aza, tan comprometida, tan europea y tan esencialista en su fondo y en su forma, centra su atencion en la imprescindible necesidad de rehumanizacion, de toma de conciencia de la verdad de la Historia (con mayusculas) para no repetir, una vez mas, los horrores del pasado.
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Stockholm és la història de tres personatges a la recerca del sentit d’una existència pertorbada abans de temps. Sven, Liv i Aud representen en si mateixos la causa i la conseqüència d’una síndrome que els donarà la possibilitat de redempció que la vida els ha negat. Ells necessiten un context d’eixes característiques per parlar de les seues pors, intimitats i somnis, sense negar la seua pròpia tragèdia i Stockholm és una ciutat generosa, representant del civisme més inquietant i capaç d’amagar tota la merda existent sota terra, per fer-la invisible. Estem davant d’una faula sinistra de com l’ésser humà pot esdevindre predador i víctima per tal de sobreviure a un món no apte per a fragilitats.
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La rica mitología germánica, que Wagner llevó a inmortales partituras, inspiran estos hermosos poemas de Alberto Blanco: una manera de aproximarse a los relatos épicos, a la música del alemán, pero también un gesto de agradecimiento a la obra del gigante, a la intensidad de los relatos heroicos y las aventuras que pueblan su obra.
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Ayuela de Valdavia. Palencia (1953). Estudió magisterio en la Esuela Universitaria Alberta Giménez para profundizar en el conocimiento de Pureza de María. En 1990 entró en el noviciado de Pureza de María. Ha estado destinada en Mallorca, Congo, Roma, Barcelona, Valencia, y actualmente vive en Bilbao. Su escritura es una forma de consuelo y también una invitación a ver en el mundo el misterio de lo divino.
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Única obra dramática del poeta, en forma de auto navideño en torno al nacimiento de Cristo. El desarrollo tiene lugar en Galilea, Belén, Nabatea y Egipto, con dos ángeles intérpretes que señalan, predicen o exaltan lo que va a ocurrir o está sucediendo. Fue estrenada en 1962 y obtuvo el premio Calderón de la Barca. El texto hace evocar el mejor teatro de Lope de Vega. La crítica ha dicho: «Nueva edición de la única obra dramática del poeta, en forma de auto navideño en torno al nacimiento de Cristo» Revista, OMNES.
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UN RECULL DE CONTES EN QUÈ NO HI FALTEN DOSIS D'IMAGINACIÓ NI DIVERTIDES AVENTURES Durant l'embaràs dels seus fills bessons, l'Anhel i l'Elna, la Rosaáva conèixer unes mares que havien de parir a l'octubre del 2019 i vanádecidir fer un grup de WhatsApp. Van anar seguint el contacte, senseáque la majoria es coneguessin personalment. Es van anar descobrintáa partir de l'embaràs, del part i del dia a dia dels xiquets, s'han ajudatái han compartit de tot, fet que ha generat un lligam preciós. Durant el confinament provocat per la pandèmia de la Covid-19,ál'autora va tenir la idea d'escriure aquests contes. Els protagonistesásón els membres del grup dels Octubrers durant el confinament: aápartir de la situació que ens ha tocat de viure, els Octubrers són elsáencarregats de dur a terme diverses missions i aventures. Cada conteáés una aventura protagonitzada pels petits Octubrers, són reptes queácal assolir i els joves protagonistes se les han d'empescar perquèáesápuguin acomplir. Hi ha moltes dosis d'imaginació, però també d'esperançaáperquè puguin créixer, malgrat tot, en un món millor.
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La poesía de Luis Suñén es una indagación en el yo, en la intimidad y en la relación de quien escribe con el mundo y con las cosas, con la naturaleza y el don, a través de una extensa e intensa tradición literaria plenamente asumida. La división de los textos de «Que nunca ha de tornar», como ya sucedía en «Volver y cantar» y «Noroeste», en poemas y canciones supone una suerte de doble mirada que es, en realidad, una sola. El autor es el mismo pero el personaje se multiplica, como su propia voz, esa que trata de medir el asombro y su revelación. La sucesión meramente cronológica de cada fragmento hace que su lectura sea como el detenerse en un instante que, como la vida misma, fue, pero que ya no volverá de igual manera. Aunque trate, sin hacerse demasiadas ilusiones, de permanecer vivo, sólo el tiempo necesario, en la lectura. Precisamente como «palabra esencial en el tiempo» definía la poesía Antonio Machado, de quien está tomado el título de este libro.
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Una carta salva la distancia entre dos cuerpos separados. En esa mediación se da el contacto, y esos dos puntos aislados se abren el uno al otro, se permean hasta desdibujarse y generar una nueva forma de relación con el espacio y la palabra. Todas las cosas que se van investiga el lenguaje de la pérdida y la forma en que el cuerpo se coloca frente a la despedida. La forma de la carta sirve para reconocer la dimensión porosa de los cuerpos, cuyo adentro y afuera se confunden en el gesto de escribirle a otro. Con un tono contenido pero certero, Laura Villar atraviesa los límites que señalan un cuerpo como propio, reconociendo en su escritura que el cuerpo es todo aquello que le pasa y lo que en él hace mella. Las cosas al pasar dejan su surco.
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