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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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La voz de Derek Walcott representa como ninguna otra el sincretismo de los pueblos del Caribe. En Walcott la lengua inglesa se vuelve estrepitosamente mágica al mantener la gran tradición clásica incorporando el espectáculo de la vida en el Caribe. Es posible que desde García Lorca no haya existido un poeta como Derek Walcott.
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Este mundo de fuerza y violencia no es, no puede ser un mundo añorado o ensalzado en los versos de Julio Martínez Mesanza, que pasan por belicistas. Si nos detenemos un poco ante ellos, veremos, junto al desprecio de la especulación racionalista (que es, sobre todo, el desprecio por la soberbia humana, sus utopías, su orgullo y sus torres), veremos, digo, la terrible verdad de que esa ley de la fuerza y la materia no es la del vitalista que invoca la acción o la de un quijote caballeresco: esa ley preside estos versos no porque sea la suya, la de ellos, sino porque es la nuestra. Nuestro mundo tiene, de nuevo, la idea de la historia que corresponde a la muerte irremisible del individuo personal y al progreso de la especie: en suma, al triunfo de la materia. Y ese mundo de guerra al alma, en el que el alma se debate por obedecer sin que la maten -por ello- los desobedientes, ese mundo es el nuestro, el de hoy, nuestro dialogante y relativo mundo, con su cultura y todo. E. A. R.
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¿De qué manera observamos el mundo? Sobre la actitud con la que nos enfrentamos a él ha escrito María Martínez Bautista este libro acerca del paso del tiempo, la felicidad, la belleza, y etcétera. Porque en este etcétera caben esas experiencias tan arraigadas en nuestro día a día que quizá, en el recuento, nos pasen desapercibidas. Pero ''Galgos'' las subraya con una escritura precisa y limpia, de una música bella, profundísima. Es este un poemario con un fuerte sentido de la tradición, y a la vez una voz ya propia, diferente a las que se escuchan hoy entre sus coetáneos, y un poemario de claroscuros, también, delicado en la elección de la palabra y fiero en los temas que aborda. Luminosos en su decir, melancólicos en la forma en la que laten, mucho cuidado: estos poemas muerden.
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Con la concisión que la palabra poética le otorga, el autor explora los territorios europeos, cuna de grandes civilizaciones, pero también temibles escenarios de barbaries. Bellos, aterradores y contradictorios, siempre en busca de sí mismos, siempre en disputa, estos paisajes son los protagonistas de un poemario que no pretende ser un libro de viajes al uso, sino una respuesta muy personal al sentido del devenir histórico.
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L'efímer i l'etern, la quotidianitat i l'afany de perpetuació, la fugacitat i la infinitud, la vida i la mort. Sobre la llum excelsa, algunes paradoxes que observa el poeta. La magnitud del no-res, la vigília del somni, el brogit i la fúria, incerta glòria. Però, a més a més, allò que s'hi juga el poeta. El discerniment de la fi, un firmament de lleugeresa, els treballs perduts, mirall trencat, l'escac i mat. Mentrestant, l'èpica d'una gesta, cants de sirena, la pols va fent camí i la impuresa, al descobert.
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ESTE ES UN POEMARIO QUE DARÁ MUCHO QUE HABLAR. Rosana Acquaroni nos ofrece La casa grande, su sexto poemario, un retorno a ese bancal de tierra removida que es la infancia. Una infancia marcada por un secreto familiar y atravesada por la presencia/ausencia de una madre, víctima de una época siniestra y tenebrosa como fueron la posguerra y la dictadura. La casa grande se convierte, así, en escenario vivo donde ir recuperando, a través de la mirada de una niña, sensaciones, vivencias, desencuentros, no como un ejercicio de nostalgia sino de denuncia. Un espacio poético donde no se descuida la preocupación por el lenguaje, pero que es capaz de desalojarnos, de dejar a la intemperie nuestras más íntimas renuncias.
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Descubrí que un aforismo mío extraordinario («Intentaba ser un hombre serio, pero la alegría se lo impedía») lo había escrito Ramón Eder. Mi buena memoria había sido mala: me hizo creer que lo que recordé se me ocurrió. Cuando me descubrí, quedé avergonzado, aunque fuera un homenaje definitivo a quien había admirado en reseñas y recomendaciones. Siendo, además, el único aforismo ajeno que se coló en mi libro, se destacaba el carácter único del autor. Con todo, esas circunstancias atenuantes no extinguían mi bochorno. Hasta ahora. He dado con la eximente. A Ramón Eder (Lumbier, 1952), la alegría no le impide en absoluto la seriedad. Mi plagio involuntario fue un acto de justicia (a lo Robin Hood) porque ese aforismo sólo me retrata a mí. Obsérvese cómo sus ironías no renuncian jamás a la efervescencia, pero tampoco al fervor. Hay un contentamiento del mundo que es a la vez conocimiento, y viceversa. Son muchos los méritos de esta obra, y los he ido enumerando en otros lugares, pero mi subconsciente cayó en el más asombroso: la felicidad y la hondura conviven indisolublemente aquí. Enrique García-Máiquez Los Premios Euskadi de Literatura 2019 han concedido a Ramón Eder por 'Palmeras Solitarias' el galardón de literatura en castellano. Ramón Eder (Lumbier, Navarra, 1952) es un aforista singular y, sin duda, necesario. Estudió filosofía en la Universidad de Vincennes (París), y no ha mostrado el menor interés por los géneros literarios mejor vendidos, como la novela o el ensayo. Cuando se decanta por alguno de los géneros históricos, como la poesía lírica (Axaxaxas mlö, 1985, Lágrimas de cocodrilo, 1988) o el relato breve (La mitad es más que el todo, 1998), no oculta su actitud irónica y su ánimo ciertamente humorístico. Durante los últimos años cultiva preferentemente, y con innegable fortuna, el género aforístico. En la colección «A la mínima» de Renacimiento ha publicado La vida ondulante (2012), Aire de comedia (2015) e Ironías (2016),
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'Duerme sobre mi espinazo'' articula un eros poético revisando los usos del amor en nuestros días. Con esta obra Montserrat Fernández confía al lector su experiencia de encuentro y pérdida de un amante, buscando su complicidad a través de imágenes intensas y referencias a lo cotidiano que trascienden los ritos ordinarios y los convierten en símbolos de emociones profundas. A lo largo del poemario hallamos ecos de Alejandra Pizarnik, de los juegos de palabras de Cortázar y de la inquietud de Pedro Salinas, entre otros referentes que convierten al discurso en una rica reflexión estética de la poesía amorosa contemporánea, conformando con ello un juego de intertextualidad que sitúa a la obra dentro de la mejor tradición de la poesía amatoria en nuestra lengua.
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Inèdit fins ara al nostre país, Edward Hirsch (Chicago, 1950) és un dels poetes nord-americans més reconeguts de l'actualitat. Atent al valor comunicatiu de la poesia, amic de l'expressió cenyida i essencial, reflexiona sobre la seva pròpia condició humana (il·lustrada, urbana i jueva), sense deixar mai de convertir les vivències en situacions generals que obren al lector la porta a la reflexió sobre si mateix, com si cada poema fos una pausa per pensar una mica. Aquest tret estilístic aparentment simple -la indagació en la quotidianitat de la vida moderna- assoleix tanmateix altes fites de torbament, un desfici quasi filosòfic o religiós que intensifiquen els imprevistos i els arcans d'una existència inaprehensible i plena de matisos. De factura impecable i profunditat extraordinària, la seva poesia traça un itinerari que va de l'hostilitat del destí i els elements exteriors al goig més gran i elemental. L'antologia que teniu a les mans, que recorre el corpus anterior a Gabriel (2014) i pren com a base The living fire (2010), mostra l'obra d'Edward Hirsch per primer cop traduïda al català. Edward Hirsch és una de les figures cabdals de la poesia nord-americana dels nostres dies. Nascut a Chicago el 1950, ha estat professor a la Universitat Estatal Wayne i a la Universitat de Houston, col·laborador en diaris i revistes -cal destacar, per la seva popularitat, els articles setmanals sobre poesia a The Washington Post Book World del 2002 al 2005- i actualment és president de la Fundació John Simon Guggenheim de Nova York. Autor de set poemaris publicats entre els anys 1981 i 2008, va recollir el millor de la seva producció fins aleshores a The living fire (2010). El 2014 va aparèixer la seva darrera obra, Gabriel, un llarg poema elegíac a la mort del seu fill. També ha escrit diversos assaigs literaris, entre els quals destaca How to read a poem and fall in love with poetry (1999), que va esdevenir un supervendes. Ha rebut nombrosos premis, com ara el MacArthur Fellow el 1997. Aquest volum antològic comprèn una tria significativa de la poesia de Hirsch, per primer cop traduïda al català.
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Bueno, tampoco me cuido tan mal, hay que conocer un poco el cuerpo y luego, ni eso vale, es un poema de un hombre viejo que escribe un poema de un hombre viejo y que escribe un poema, pero así no se empieza un texto...
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Aquest llibre pot ser llegit com el diwan andalusí d'un poeta actual, com una antologia de versos àrabs clàssics que han perdurat en l'imaginari de la tradició posterior. És a dir, de la tradició literària que s'instal·là al país on ells visqueren i escrigueren els seus versos. Aquest llibre és també, doncs, un homenatge i un reconeixement a la perdurabilitat de la paraula poètica, en tant que la manera artística d'interpretar un món vital, desbordant la temporalitat i l'oblit implacables, fins a convertir-lo en l'evitern paisatge d'un paradís de paraules. D'un jardí llunyà que només els mots mantenen viu. D'un patrimoni de memòries que no mereixen ser esborrades. D'un calidoscopi de lluminoses meravelles renovades. De la invitació a la lectura de Josep Piera Josep Piera (Gandia, 1947) és poeta, traductor i narrador. Com a poeta, cal esmentar el llibre El somriure de l'herba (1982), el recull Dictats d'amors (1991), l'antologia Cants i encants (2004) i El temps trobat (2013). Dels seus llibres narratius citarem els de temàtica àrab o andalusina: El paradís de les paraules (1995), Seduccions de Marràqueix (1996) i El jardí llunyà (2000). Entre els premis literaris obtinguts es poden destacar el Carles Riba, el Sant Joan i el Josep Pla. És membre de l'IEC.
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«No tinc res més que la poesia. En aquest sentit, sóc el propi cor salvatge. Si no fos per la poesia, jo podria estar en la més pura indigència, ni vosaltres, ni ningú no em reconeixeria, em moriria sense haver existit. És la meva única esperança de salvació, perquè descarto la salvació transcendental. La meva poesia se salvarà tota sola si té força per a això. Ella es defensarà tota sola, cada poema té el seu karma. D'ara endavant, no tinc ja cap responsabilitat sobre els meus poemes.» ORIDES FONTELA Orides de Lourdes Teixera Fontela va néixer a São João da Boa Vista (SP) el 21 d'abril de 1940, on va viure fins al 1966, any en què es va traslladar a São Paulo. Va ser mestra d'escola i bibliotecària. És una de les poetes brasileres més importants del segle XX. Pertany a la generació dels escriptors Hilda Hilst, Adélia Prado, Roberto Piva i Paulo Leminski. Kant, Heidegger, Wittgenstein o el budisme zen van influir en la seva poesia, no debades havia estudiat Filosofia a la Universitat de São Paulo, on es va llicenciar el 1972. És autora de Transposição, 1969, Helianto, 1973, Alba, 1983, Rosácea, 1986, Trevo (1969-1988), 1988, Teia, 1996, Poesia reunida (1969-1996), 2006, i, finalment, Orides Fontela - Poesia completa, publicada a São Paulo per l'editorial Hedra el 2015. Fontela va morir el 2 de novembre de 1998 a Campos do Jordão.
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Una necesidad de clarificar el mundo, de volverlo más lúcido y sincero, mueve los versos de Vicenta Maturana. Como si una sola voz no bastase a su propósito, la autora cultivó numerosas formas poéticas -incluyendo el poema en prosa, en el que resultó pionera en nuestro idioma- y en cada una dijo con un tono y con distinto rigor, desde la ligereza del amor juvenil hasta el dolor del olvido, desde la indagación descarnada de la propia miseria hasta la crueldad burlona de la sátira. Con una capacidad admirable para pasar de lo leve a lo grave, y de las cosas pequeñas a las grandes cuestiones, Vicenta Maturana aunó en su obra el orden ilustrado y la emoción romántica, conformando una visión sobre el saber, el sentido de la vida y el rol de las mujeres capaz aún hoy de interpelarnos.
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Garras del paraíso, es el reflejo poético de una existencia vivida al límite. Charles Bukowski hunde su lírica en las drogas, el sexo y el realismo sucio de las clases más oprimidas, una desolación que siempre buscó la belleza.Escritor de culto en toda Europa, Charles Bukowski usó la poesía para describir la depravación de la vida urbana y retratar a las clases más oprimidas de la sociedad norteamericana.
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Fragments Flâneur segueix el rastre escrit que autors atemporals han deixat en la seva obra. Cada llibre de la col·lecció recull els fragments i passatges més destacats de l'obra d'autors com Marcel Proust, Henry David Thoreau, Emily Dickinson, Herman Melville, Gustave Flaubert, entre d’altres.Emil Cioran va dir que la filosofia, per englobar la contradicció (un fet ineludible), només podia ser fragmentària. Per la seva condició circular, el fragment crea una realitat tancada, però amb una vida pròpia que il·lustra i fa emergir una porció de realitat autosuficient.
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La gran artista India Martínez nos muestra en su primer libro sus emociones más íntimas a través un precioso conjunto de textos relatados con sensibilidad y emoción y acompañados de sus propias ilustraciones. «La verdad es muy subjetiva, depende de la piel que la percibe». Bellamente ilustrado por la propia artista, Verdades a medias es una colección de textos poéticos y dibujos en los que la cantante India Martínez indaga en lo más profundo de sí misma y de sus vivencias, transportándonos a su universo más personal. Nostalgia, dolor, amor, fantasía y hondura llenan las páginas de esta declaración de intenciones, de esta rasgadura de alma de la artista, que se desnuda de canción para vestirse de letras y ofrecernos su faceta más transparente y cercana. «Iré dando una de cal y otra arena. Una de voz y otra de música, una de India y otra de Jenny».
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Wallace Stevens decía que la realidad es la base de todo pensamiento, pero también que la poesía es el sustento de nuestra realidad.El sistema de Stevens es explícito, pero recurrente y paradójico. El campo sobre el cual trabaja la poesía es lo que Aristóteles hubiera denominado naturaleza y él llama realidad, no simplemente el mundo físico externo sino “las cosas como son”: un proceso existencial que, como señala Northrop Frye, incluye la vida humana en el nivel de absorción en la rutina. La rutina sólo puede quebrarse mediante un acto de conciencia, revolución que desata una actividad mental cuyo centro es la imaginación. No existe para el hombre otra libertad que la emanada de la conciencia de su estado, y si el mundo que la imaginación crea es un mundo terreno y humano, no por eso será menos misterioso y brillante. Sólo en él puede haber una felicidad que venza al tiempo, la tragedia personal y la catástrofe política.
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El vuelo de la luz es un homenaje poético que recorre las fronteras, la soledad, el tedio y el sueño, pero sobre todo, el amor, por lo tangible y lo intangible.El vuelo de la luz, que habla desde adentro, desde el corazón, desde la furia de vivir, desde la búsqueda que no cesa, que es incómoda, sincera, atropellada. Pero también habla hacia afuera: en busca de la luz, de los otros, del temblor del paisaje. Dice: “Escribo porque no pertenezco a nada”. Y a la vez pertenece a todo: a la frontera, a la soledad, al tedio, al sueño, al delirio, a la impaciencia (“el tañido impuntual de la impaciencia”) y, ante todo, al amor. Ese amor por lo inmediato, por las pequeñas cosas, por México, que ha sido la gran revelación de su vida, por las mujeres, por esa Giselle a la que le pide: “Léeme” cuando quiere decir, tal vez, “Ámame”. Este es un libro sobre el abismo, el silencio y sus signos, la aventura a campo abierto (que, como la palabra, “duerme en el llano de la razón”), las heridas de la carne y el deseo de volar por los aires con la espada del lenguaje entre los dientes.
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Después de CO CO CO U, presentamos uno de los librosde poesía más esperados por la crítica y lectores: ALÉN ALÉN de Luz Pichel. Autobiografía de un tiempo histórico, de varias épocas -esta, aquellas-, de un espacio, de un país, de lo político. Autobiografía de una casa familiar, de sus objetos, de los miembros de una familia -los vivos, los muertos, los que emigraron-, de los «centauros», de un vecindario, de un paisaje que se va transformando, de una edad, de una lenguapropia, de una lengua ajena, impuesta, de otra inventada. ¿Se puede escribir una autobiografía de lo otro? ¿De lo que nos circunda? Sí. Alén Alén de Luz Pichel.
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Poesía El Gallo de Oro
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Que Alguien despierte a Dios es un toque de atención para que todos nos vayamos preparando para lo que está por venir. Ya no es solo la destrucción de nuestro querido, para algunos, planeta, sino también para la inminente destrucción de nuestras ideas, de nuestros ideales, de todas nuestras luchas y sacrificios para poder dejar un mundo mejor. Los que durante tantos años hemos estado al pie del cañón, primero en contra de la dictadura, y después con esta pseudodemocracia que no para de aniquilar nuestros derechos como seres humanos, estamos cansados, muy cansados de que haya tan poca gente en la lucha… Es por eso por lo que la poesía usada como panfleto es también una forma de lucha, una forma de que nada caiga en el olvido. Espero que disfrutéis leyendo este libro, tanto como he disfrutado yo escribiéndolo. Joan Ros.
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Joan Salvat-Papasseit (1894-1924) es uno de los más importantes poetas de la literatura catalana. De extracción humilde y formación mayoritariamente autodidacta, comienza su aprendizaje literario y vital en la Barcelona irrepetible de principios de siglo, una ciudad creativa, emprendedora y luminosa donde tanto la burguesía como el proletariado, aun siendo clases enfrentadas, contribuían a la modernización de su entorno social. Autor revolucionario en lo ideológico y en lo poético y lector privilegiado de, entre otros, Apollinaire, Cocteau, Tzara y Marinetti, pero también de Whitman y de Poe, dejó para la posteridad una obra insólita, arriesgada y llena de matices, en la que lo sencillo se hace excepcional.
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Peus de cedre, un títol que surt d'Emily Dickinson, conté cent trenta intents poètics que són un diari que transita per esdeveniments íntims (la mort dels pares, les relacions personals amb la família, amb les amistats, amb el món en general...) i esdeveniments col·lectius (la consciència humana, la consciència nacional de pertànyer a una cultura amenaçada...). En una formalització molt simple, pretén que tot estigui al servei de la idea temàtica de cada poema.
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La poesía toda de Jaime Ferrán es un recorrido, un vademécum de vida. Un paseo por el mundo que ilumina y el tiempo que da sombra, al calor del deseo amistoso o amoroso y de la cultura, que nunca es un adorno, sino la raíz honda y más humana del hombre, que nos muestra partes y sujetos de la Historia. Dada su trayectoria vital, plena de viajes físicos y en la mente de ideas y palabras, no puede sorprender que Ferrán falleciera en Georgia, EEUU, en 2016. El olvido se había ido haciendo ya con él, inmerecidamente. Fue un hombre ávido de cultura y vida, como demostraría su antología de poesía colombiana nueva -años 60- Generación sin nombre, editada en 1970. Un hombre que buscaba en los libros y en el sentimiento y un poeta, un genuino poeta, que se sitúa en muchos poemas en la vanguardia lírica de su tiempo. Alguien dijo que un hombre no debe ser juzgado por todo lo que ha hecho, sino por lo mejor que ha hecho. Y así, no hay duda, Jaime Ferrán, noble y buen poeta, está salvado. Un alto poeta del 50. (Del prólogo de Luis Antonio de Villena)
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En 2006, Luis Alberto de Cuenca obtuvo el Premio Ciudad de Melilla por La vida en llamas, en donde se decanta claramente por el clasicismo poético, por la cultura como salvación ante el dolor que asola al mundo. La serenidad de su anterior poemario, Sin miedo ni esperanza, no se desmorona, pero tiembla ante la realidad del lugar común y la estupidez, pesadillas que llevan a la desolación y la tristeza. De nuevo la cultura popular se codea con los clásicos, a los que invita a acercarse como una forma de divertimento, como vía de escape ante la amenaza de la muerte o la desesperanza. La salvación vendrá por el humor y el amor, reflejado en la sección final del libro, «El jardín de Alicia», donde el dolor se cura en unos brazos cómplices.
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Un amor antiguo de Luisa Castro: una vuelta al origen «antes incluso de tus recuerdos». Un poemario que contornea la figura del padre y la sombra siempre de fondo de la madre, dos personas en una, una forma de amor, un amor de entonces, de certezas, «estaban uno con otro / y el sentir no tenía idioma / no lo tiene». ¿Y si el antes es también hoy? Solo así se entendería que en estos poemas no hay asomo de nostalgia. Sí, acaso, desarraigo, «yo no puedo saber / qué significa ser de esta tierra», entre el cuerpo, «la soledad de un cuerpo que no se ama a sí mismo», y el silencio, «pero tú vienes de un lugar / donde aún se habla / y yo enmudezco». Poesía, que diría la autora de Los versos del eunuco, como «intento de tocar el nervio de la lengua que nos mantiene atenazados y que nos libera».
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Poemario de la autora Celia Martínez.Las despedidas, la experiencia de la mujer migrante, la soledad, el shock cultural, son los temas que se recogen en Nosotras las desterradas, un poemario sobre el desarraigo, pero también sobre la celebración de la identidad nómada del siglo XXI. Las diferentes geografías, Valencia, Oaxaca, Alicante, el desierto Mojave, Los Ángeles, Cuba, Ohio, la Mancha, se van hilando como espacios liminales, postales afectivas, escalas en un largo viaje de avión. Finalmente, el concepto de desterrada se erige como una posibilidad de encontrar consuelo en tierras de nadie. Pero, sobre todo, se contempla la certeza de saberse comprendida por todas aquellas personas que navegan la alienación, el deseo en constante conflicto, la falta de un hogar permanente y la pérdida.
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Si quisieras podrías levantarte y volar, de José Carlos Rosales, es un libro poético de una radical contemporaneidad. Se trata de un solo poema que, dividido en 25 secuencias, ''narra'', en segunda persona, la fuga improvisada de un hombre durante una monótona tarde de agosto. Poesía urbana, vivida, con una gran carga emocional, que pone al lector ante algunos de los símbolos que marcan la cotidianidad del siglo XXI: automóviles, gasolineras, una grúa municipal, sótanos y bares, tiendas cerradas, periódicos olvidados, un centro de salud, caminos vecinales, la luna llena y un deseo: el de la huida.
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En medio de la locura que en el presente nos ofrecen las posibilidades de la inteligencia artificial, abierta a cualquier usuario, entre el pánico y el asombro de la creación automática del chat GPT-4, este libro nos devuelve la confianza en el poderoso misterio del creador sin nombre. Sin nombre, pero humano, radicalmente humano. En la tradición del pseudónimo transformador y de los heterónimos esenciales de Fernando Pessoa. Un libro de intrigas palaciegas, de hermosos verdugos, pérfidos salteadores de caminos y convictos surgidos del realismo mágico. Una obra que hubiera suscrito Borges perfectamente, renunciando a su nombre, él también, compartiendo la misma ceguera visionaria que aquí comparece.
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Cuando el confesionario fue sustituido por la psicoterapia, esta última siguió conservando el carácter privado e íntimo del primero. El psicólogo pasó a ser una especie de sacerdote y la consulta en una búsqueda de absolución. En el siglo XXI tanto la incredulidad moderna como las antiguas necesidades de trascendencia persisten, pero las paredes del confesonario y del consultorio han sido derribadas y ahora todos pueden ver, compartir, comentar, viralizar y cancelar: es decir, la confesión se ha vuelto espectáculo tal y como los autos de fe del Renacimiento. En este texto los jueces inquisidores son los lectores, quienes podrán leer sobre las obsesiones adultas, traumas no superados, anhelos nunca cumplidos y deseos sin satisfacer de un poeta en crisis que busca unirse a la divinidad en sus distintas formas, aun cuando la salvación jamás llegue.
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En 1976, tras una tormentosa e intensa historia de amor que había concluido unos años antes, Kate Millett escribió uno de sus textos autobiográficos más célebres, Sita, una exploración a corazón abierto de su relación íntima con la mujer a la que alude el título de la obra. Poco después de la publicación de la primera versión del libro, Sita tomó la decisión de quitarse la vida, y a modo de homenaje, y también para completar la historia de una atracción tormentosa y enriquecedora, Kate Millett recuperó el texto de partida y lo actualizó con los acontecimientos finales de una relación que marcó su vida. Esa versión del libro es la que publicamos en Alpha Decay en otoño de 2018. Sin embargo, no fue el único homenaje póstumo que la autora le dedicó a su amada: en 1979, de manera independiente y casi clandestina, apareció otro libro más íntimo en el que Kate volvía a volcar la obsesión por aquella historia de la que, claramente, aún no había podido alejarse emocionalmente de manera suficiente. Esta Elegía para Sita es una colección de recuerdos sobre algunos de los fogonazos más memorables de su relación, y también la recuperación de las impresiones primeras de Millett tras conocer el suicidio de Sita. En total, son cuatro textos breves ...más una colección de poemas... que abordan de una manera lírica y sin cortapisas las claves de la atracción y la fascinación hacia una mujer: los buenos momentos y la obsesión del amor irracional, la conmoción por la muerte y la dura gestión del duelo. Un testimonio desgarrador acompañado de ilustraciones de la propia autora que había permanecido prácticamente oculto en su versión inglesa, e inédito en español hasta esta edición, que mantiene el diseño original en tapa dura y formato apaisado.
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Mi fascinación por la Unión Soviética fue siempre más literaria que política, más por los rusos que por los sóviets, y más en la estela de Chéjov, Dostoyevski, y posteriormente Bulgákov, Mandelstam (Osip y Nadezdha) y Brodsky que de los adalides de una revolución que quiso crear un hombre nuevo a sangre y fuego, con estragos que ahora recuerda de forma tan certera como desgarradora Svetlana Aleixévich. Este Cuaderno ruso (con incrustaciones portuguesas) es una incursión en un pasado remoto, un viaje, una historia de amor y sus secuelas, que no han dejado de perseguirme con su aura de ironía y frustración, de palabras contra fantasías... políticas, sexuales, literarias. ALFONSO ARMADA
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La chinche es una obra de teatro escrita en el año doce de la era soviética con la mirada puesta en un futuro socialista y con ese perfume a fracaso y desencanto que suele rodear lo ruso, una obra que, leída en la era del Covid y de la confusión del pasado, se revela extraordinaria en los matices y generosa en las invitaciones a discernir.
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Esa es la lucidez que caracteriza la poesía de Antonio Jiménez Millán, una poesía culta a la hora de huir del culturalismo y de acercarse a las ciudades para elegir una tradición de libros vividos: una música marcada por la sobriedad del mirar. Basta con mirar y dar testimonio de la mirada para convivir a la vez con el presente de uno mismo, con los ecos de la historia y con las huellas de las otras vidas. La mirada siempre es personal, un acuerdo entre el propio sentir y la realidad del mundo. Pero la mirada retrospectiva es siempre infiel, una reelaboración inevitable de lo vivido. Acordar el deseo con la lucidez, o con una conciencia nítida de la infidelidad, nutre la raíz de esta poesía. Es la única forma de aspirar a la verdad sin perder el pudor. Luis García Montero Antonio Jiménez Millán (Granada, 1954) es catedrático de Literaturas Románicas en la Universidad de Málaga. Ha publicado siete libros de poemas: una selección de los primeros, entre los que destaca Ventanas sobre el bosque (1987), se encuentra en la antología La mirada infiel (2000). Sus libros más recientes son Casa invadida (1995), Inventario del desorden (2003) y Clandestinidad (2011).
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Rafael Adolfo Téllez (Palma del Río, Córdoba, 1957) es autor de los siguientes libros de poemas: Si no regresas junto al portón oscuro (1988), Quienes rondan la niebla (1993), Los adioses (1996), La rosa del mundo (1997), Muertes y maravillas (2004), Los pasos lejanos (2007), Los cantos de Joseph Uber (2011). «En sus poemas hay algo muy verdadero y hondo. La suya es una voz que no se parece a ninguna otra de la poesía española, ni ninguna otra se parece a la suya. Se dirían poemas escritos muy lejos de todo, en una especie de pueblo en ninguna parte […]. Es el poeta de las cosas pobres, de los cafés pueblerinos desoladores, de los pueblos muertos. Y a los muertos vuelve una y otra vez, buscándose entre ellos, y al no hallarse viene a la vida con su secreto, un poco desconcertado, sin comprender por qué no estaba ya entre ellos. Eso le vuelve un niño de la estirpe de Francis Jammes, de Van Gogh, de Gutiérrez Solana, líricos góticos». Andrés Trapiello
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Sus poemas se han acercado al gran público a través de las redes sociales bajo el seudónimo de @meer_versa. El final feliz de esa aventura no podía ser otro que su primer libro, Vida después de la huida.
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