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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El Robinson urbano, publicado originariamente en Granada en una edición de escasa difusión en 1984, y reeditado luego en breve tiraje en Pamplona en 1988, es el primer libro de Antonio Muñoz Molina, que muestra ya en plena sazón los rasgos característicos de su estilo y su visión del mundo. Prologada hoy por Pere Gimferrer, se incorpora así por primera vez a un circuito de difusión más amplio esta crónica de la cotidianidad ciudadana que el propio Antonio Muñoz Molina sitúa y define certeramente al escribir en su texto inicial: «La mejor literatura de la modernidad la han escrito los grandes robinsones urbanos. Para escribir sus Confesiones, De Quincey tuvo primero que morirse de hambre y desolación en las aceras de Oxford Street, madrastra del corazón de piedra. En una América que ya prefiguraba la locura de Metrópolis, Edgar Allan Poe vio en medio de las calles a su criatura más temible: el hombre de la multitud. En París, hacia la mitad del siglo pasado, Baudelaire reunió las voces de Allan Poe y De Quincey y supo reconocer la tiranía del rostro humano infatigablemente repetido en las multitudes y en los espejos de las calles, pero también descubrió el territorio de un vasto paraíso artificial: el placer, absolutamente inédito hasta entonces, de recorrer la ciudad sin ir a parte alguna y sin tener otra compañía que la propia voz en la conciencia.»
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Este libro, que incluye una introducción y un epílogo extraordinarios de puño y letra de Lipsky, muestra de manera asombrosamente fiel al Wallace conocido por sus lectores: esa mente lúcida, abierta, chisporroteante, divertida y, en ocasiones, retorcida q
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«Federico Sánchez», que vivió en la clandestinidad la obediencia férrea a un partido granítico como el comunista, y Jorge Semprún, que frecuentó las altas esferas del poder democrático desde la total independencia de partidos y criterios, se funden definitivamente aquí para evocar juntos, con la conciencia de que la memoria es casi siempre testigo de cargo en los procesos de la Historia, esas vidas múltiples, paradójicas, que les tocó en suerte vivir. Desde la infancia acomodada en el madrileño barrio de los Austrias hasta el despacho de un ministerio, desde el campo de concentración de Buchenwald hasta las mil y una peripecias cotidianas en los pasillos ministeriales y gubernamentales, con sus grandezas y bajezas, el recorrido ha sido cuando menos azaroso y arriesgado. Siendo ésta una obra escrita desde la reflexión, no debe extrañar que huya del simple chisme, aunque, por supuesto, en todo momento cruzarán el texto personajes y anécdotas que ya forman parte de nuestra vida colectiva.
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El testamento intelectual de una de las figuras más fascinantes del siglo pasado, sin cuyos libros es imposible entender el mundo actual. Segundo y último volumen de la antología seleccionada y comentada por el propio autor unos años antes de su fallecimi
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Un esbós del passat
Virgina Woolf evoca la seva infantesa i la seva formació com a escriptora, en aquest esbós del que havien de ser les seves memòries. Hi rememora fragments de records i petites escenes de felicitat a la casa d'estiueig de la família a Saint Ives, i també hi reviu escenes de tensió familiar, degudes, principalment, al caràcter despòtic tant del seu pare com dels seus germans grans, formats en les convencions victorianes.
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Serge Lamothe es un poeta canadiense con una obra extensa y reconocida. Esta edición supone la primera vez que su poesía ha sido traducida al castellanoCon Mi tierra es un fondo de océano, primer poemario del autor traducido al castellano, el lector tiene la ocasión de entrar en el universo narrativo de Serge Lamothe, que va desde La longue portée (1998) hasta Des nouvelles de la posthistoire (2021), un universo que oscila entre la cruda realidad y los vuelos de la imaginación, entre los enigmas de lo más íntimo y las lacras sociales, con una honda preocupación por su tierra natal, país de colonizadores a su vez colonizados, pero también por el desastre a escala planetaria que parece esperarnos, a menos que nuestra civilización enderece drásticamente el rumbo. Y todo ello, con un tono donde la seriedad de la denuncia y el compromiso con la transición ecológica y la paz mundial no excluyen la fantasía distópica, la invención lingüística, el humor y el puro placer de escribir y leer. Y precisamente, ese doble perfil, el de lo puramente poético y lo más impuramente humano, es lo que le da su especial encanto a la poesía de Lamothe.
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De entrada, uno de los escritores de ciencia ficción más innovadores, ambiciosos y potentes de la segunda mitad del siglo XX. Y porotro lado está el Philip K. Dick que vivió la efervescencia contracultural de California, consumió con fervor anfetami
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Este libro de poemas plantea, al lector, la constante búsqueda de uno mismo a partir de la pérdida. La autora con un tono íntimo imprime el valor de la ausencia, el fracaso sentimental o el dolor como una oportunidad para desprenderse y liberarse de todo aquello que nos desgasta emocionalmente en nuestro día a día.Silvia Company de Castro nos ofrece, en Todo lo que perdí mientras te buscaba, una narración poética de cómo los sentimientos perduran en nosotros más allá de las relaciones y de cómo la esperanza puede alejarnos de la felicidad y de nuestra identidad.
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Bartleby Editores publica el segundo poemario de Ana Belén Martín Vázquez y confirma el aliento poético de la autora madrileñaEl término astilla remite a la infancia, al daño. Todos recordamos la experiencia: alguna vez sufrimos en nuestra piel su dolorosa marca. Un dolor intenso provocado, paradójicamente, por una brizna de madera, por una espina casi invisible. En esa metáfora se sustenta la sucesión de Astillas en forma de poemas que tienen su origen en momentos sombríos, en una tristeza interior que busca en el silencio una suerte de consuelo y guarida. La herida se proyecta en espejos imaginarios y encuentra su dimensión más inquietante en la realidad de la muerte y en la experiencia de un cuerpo agotado. Los días, en cada amanecer, asoman inciertos, difíciles, y la vida avanza bajo la sombra de obligaciones y renuncias que la limitan. La casa deja de ser refugio y hogar.
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Filaments
El cos és ben present dins de Filaments. La plasmació del cos femení s'ofereix aquí de manera paradoxal. Elisa Biagini s'enfronta a la qüestió de la fisiologia, seguint els passos de poetes americanes com Anne Sexton, però alhora la florentina desdibuixa el rastre del cos, tot fracturant-lo, en sintonia amb la dislocació reflexiva dels materials que empra. La capacitat d'entendre la realitat està determinada per entendre les veritats fisiològiques més íntimes. La raó està cridada a combatre el desconeixement d'una fisiologia innocent que s'ha d'escoltar, però, com a única via de comprensió. El cos, doncs, concreta el contacte i les emocions. La inspiració literària de l'autora va més enllà de la corporeïtat i es conjuga amb la voluntat de sentir la terra i, fins i tot, d'inhalar-la, amb tota la seva complexitat de ramificacions i perllongaments. Biagini esgrimeix una veu pròpia i escriu com a acte (re)generatiu. Per contextualitzar-la amb la poesia catalana actual, té elements poc o molt coincidents amb poetes com ara Mireia Calafell, Maria Cabrera, Maria Antònia Massanet, Anna Gual, Maria Sevilla, Raquel Santanera, Maria Isern, Anna Gas o Lucia Pietrelli.
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Era només la boira
Trobem a Era només la boira una trentena (encara no) de poemes curts, desvestits de tota transcendència, que proven d'enlairarse amunt lligats de mans i peus. El punt de partida és la QUOTIDIANITAT ÍNTIMA, les bestieses de cada dia, fetes de dolor fungible. Són unes peces senzilles, aparentment amables per la seva dolcesa traïdora, que tan aviat diries que amaguen una confessió reveladora com intueixes la mentida del discurs, el poder entabanador del vers.
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La migración, las fronteras, el mundo: el libro ganador del Premio Nacional de Poesía Joven ''Miguel Hernández'' 2020, por una de las grandes voces de la poesía gallega actual. Un poema contiene el mundo: desde la fascinación podemos descubrir sus historias y rastrear sus ecos. En estos poemas, confeccionados como objetos, como pequeñas cajas de resonancia o secreteres, caben grabados y postales, cartas y ensayos, dos eclipses enmarcan el libro.Alba Cid elabora en Atlas una cartografía sorpresiva y resistente, como la pintura sobre tela de araña o las cartas de navegación polinesias. En el curso de este recorrido singular, punteado de ritos, flores e historias apócrifas, emergen preguntas sobre la comunicación o la legibilidad de cuanto nos rodea. Uno de los libros más reveladores de la poesía gallega reciente, que presentamos con traducción de la autora.
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Con este poemario Daniel Arana ha ganado el Premio de Poesía Internacional Blas de Otero y Angela Figuera 2023.Me atrevo a sugerir un denominador común en este libro: me refiero a un anhelo de verdad, de certidumbre en medio de la bruma, de luz en el claro del bosque, de lo abierto en el soto oscuro, de profundidad en lugar de la mera y aparatosa superficie. Esto no puede concederse mediante un manierismo cualquiera. En realidad, lo más enigmático de la poesía de Daniel Arana es su sobria sencillez. Es lo abismal del decir, que reverbera en la desnudez de lo dicho. Que nadie pretenda hallar aquí ningún artificio sorprendente, ningún fuego que no nazca de donde viene los fuegos, sino la justeza exenta de adornos, que ha hecho de la poética de Arana una especie de ascesis contemporánea.Julio García Caparrós
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Aunque nadie piensa en Rafael de León como uno de los poetas más influyentes de la poesía española del siglo XX, lo cierto es que muchos especialistas no dudan en adscribirlo por derecho propio a la Generación del 27 como autor de una obra poética significativa y escrita a conciencia. Aunque mundialmente conocido por su inigualable aportación a la copla, sus libros ''Pena y alegría del amor'' (1958) y ''Profecía'' (1964) testimoniaron la voz de un hombre que supo entrelazar la tradición con la innovación, creando un estilo único que ha dejado una huella imborrable en la identidad cultural española. En colaboración con compositores como Manuel Quiroga y Antonio Quintero, Rafael de León creó algunas de las coplas más icónicas de la música española, interpretadas por artistas legendarios como Concha Piquer, Juanita Reina y Lola Flores. Entre sus composiciones más famosas se encuentran ''Ojos verdes'', ''Tatuaje'', ''Y sin embargo te quiero'' y ''La bien pagá''. Estas canciones destacaron por la profundidad lírica y la capacidad de León para capturar las emociones y las historias del pueblo español. Importantes nombres de las nuevas generaciones de críticos culturales como Jesús Pascual lo reivindican en la actualidad como uno de los creadores más interesantes y complejos de las letras hispanas que -eclipsado por sus éxitos en el mundo del espectáculo- no llegó a tener el reconocimiento literario que se merece. Este volumen recoge los dos libros de poesía completos que publicó en vida, y queda enriquecido por un apéndice fotográfico que hace un recorrido por algunos momentos de su vida y de su esfera más personal, ofreciendo a los lectores una poesía asombrosamente vigente, lúcida y de impecable oficio.
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Poemes de resistència
Una mostra del millor Ritsos durant una de les èpoques més difícils de la història grega, els anys quarantaDes de la desolació i la inhumanitat dels primers poemes escrits durant l'Ocupació, passant per l'exaltació èpica i esclatant de Grecitat i La senyora de les vinyes, fins a la reflexió humil i humana de La cassola renegrida i la sàvia contenció dels Parèntesis, aquest llibre aplega el millor geni poètic de Ritsos durant una època difícil de la seva vida i de la de tot el poble grec, els anys quaranta del segle xx.
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Unha colección de postais de faros con poemas do mar ou viceversa? O que tes nas mans é moito máis. É un artefacto poético e visual que emerxeu das augas da Costa da Morte, onde vive o seu autor, o artista oceánico Xosé Iglesias. Páxina a páxina, funde o misterio máxico da fin do mundo coa beleza directa e salvaxe do mar. Combina, así, a súa paixón pola poesía, pola pintura e por ese universo mergullado que navega a diario, por ese mundo feito de sal, vento e sol, e habitado polas súas criaturas icónicas: baleas, candorcas, delfíns... Un obxecto con múltiples usos. Agasallalo completo ou por partes, gozar dos seus versos e ilustracións ou enviar as imaxes dos faros da Costa da Morte dunha punta a outra do mundo. Cada faro conta con dous elementos: a tarxeta postal por unha banda e, pola outra, un poema no que, ademais, poderemos anotar a persoa á que lle enviamos a postal. Sexa cal sexa a finalidade que lle deamos, é un auténtico tesouro que nos fará sentir o amor que o artista profesa polo mar, por ese universo que non podemos deixar morrer.
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Els Cantos
'Els Cantos'' d'Ezra Pound es consideren una de les fites més significatives de la poesia moderna del segle XX. Amb aquesta obra escrita al llarg de més de mig segle, Pound va voler construir un poema èpic que no es limités a un sol poble i llengua, sinó a la humanitat en el seu conjunt. Es tracta d'una epopeia sense argument, que no s'estructura en una seqüència lògica i cronològica, sinó que parteix d'associacions, lectures, records i es presenta en un llenguatge àgil, polifacètic i poliglot que intenta seguir el ritme de la velocitat amb què neixen i passen els pensaments per la ment. Un flux simfònic incessant, la polifonia universal de la veu d'un sol home. Aquesta traducció reuneix per primera vegada la totalitat d'''Els Cantos'' en català, inclosos els «Cantos pòstums», que plegats constitueixen una obra intensa i estimulant d'una importància cabdal. El poeta i assagista americà Ezra Pound (Hailey, 1885 - Venècia, 1972) va arribar a Europa el 1898 i es va instal·lar a Londres, on va conèixer Yeats, Eliot i Hulme, entre d'altres. El 1920 es va traslladar a París i més endavant a Rapallo. Entre els seus coneguts s'hi trobaven Joyce, Hemingway i Cocteau. Durant la Segona Guerra Mundial va emetre programes per a Radio Roma, motiu pel qual va ser jutjat per traïció a Washington. Declarat dement, el van internar en un psiquiàtric, on va viure durant tretze anys. El 1958 en va sortir i va tornar a Itàlia, on va morir el 1972. Entre les seves obres principals destaquen ''Els Cantos'', ''Collected Shorter Poems'', ''Translations'', ''The Confucian Odes'', ''Literary Essays'', ''Guide to Kulchur'', ''Selected Prose'' i ''ABC of Reading''.
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¿Cómo puede una novela cambiar el mundo? ¿Todavía conservan los libros el poder de cambiar la realidad y a los hombres? Dos maestros de la literatura mundial contemporánea intentan responder a esta dificilísima pregunta, revelando los secretos de su «taller de escritura». Invitando a Claudio Magris y Mario Vargas Llosa a confrontar sus respectivas ideas sobre la literatura como «experiencia total», Renato Poma, director del Instituto Italiano de Cultura de Lima, subraya el sólido vínculo que existe entre el premio Nobel peruano y el más prestigioso intelectual y escritor italiano: ambos creen que la misión principal de la literatura es la de indagar en esa tierra misteriosa e intrincada que es el espíritu humano, en sus más arcanos resortes y en sus contradicciones, con el propósito de ayudarnos a comprender el caos en que se haya sumida nuestra existencia.Según Vargas Llosa, en efecto, un libro está logrado cuando es capaz de arrancarnos de la corriente concitada de nuestras vidas y nos arrastra hacia un mundo donde la ficción aparece más tangible y real que la realidad misma, y este movimiento de creación y de espejo nos permite orientarnos mejor y comprender algo más de nosotros mismos.Claudio Magris, desde su privilegiado punto de vista de escritor de los límites, nos muestra hasta qué punto la literatura es un lugar medial, un espacio abierto donde se encuentran la capacidad creativa del escritor para inventarse mundos y, a la vez, su inagotable tensión hacia la verdad. En este diálogo breve y fulminante, dos de los más importantes intelectuales y escritores de nuestro tiempo confiesan la relación íntima y apasionada que los une a lo que les resulta más querido y que, de manera tan decisiva, ha marcado sus vidas. Para llegar a una común e implacable conclusión: la literatura tiene la tarea ineludible de hundir sus afiladas hojas en el mundo e intentar cambiarlo.
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'La sangre tan solo es sangre'', sentencia Ana Castro (Pozoblanco, Córdoba, 1990) en éste, su segundo poemario, en el que también se adentra en el dolor. En este caso, en la herencia familiar adquirida para tratar de deshacerse de ''Esta culpa zarza que arde y me quema'' (Piedad Bonnett). No resulta fácil emprender esta ''Odisea'', ese viaje para dejar atrás tanta guerra doméstica, y llegar finalmente a otra tierra. Allí, los vínculos que se entretejen son una decisión propia y están llenos de luz - incluso, hay espacio para el amor-. Esto implica la redefinición del concepto de familia y el renacimiento de una misma cual ''cierva implacable'', superviviente a toda adversidad. El lenguaje empleado resulta subversivo para la mezcla de influencias, desde la tradición más clásica a la estética pop del cine, la música o el cómic, sin perder de vista que las raíces residen en ese espacio rural del cual brotaron. Así, ''La cierva implacable'' es una apuesta lírica valiente, crítica y feroz, extremadamente honesta, que conecta con ''El cuadro del dolor'' (Renacimiento, 2017) en su simbolismo, para constatar la solidez y madurez de la voz poética de su autora.
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Hugo y Migue, los protagonistas de esta obra, están muy poco interesados en los estudios y mucho en divertirse. Son compañeros de clase pero socialmente de diferente poder adquisitivo. En una clase de Historia se quedan dormidos y aparecen en un paraje campestre, donde comenzarán un periplo lleno de aprendizajespara ambos.Una obra, cuyo trasfondo es laRevolución Francesa, con la que aprenderán sobre unasociedad anterior y sobre sí mismos.
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Desde sus populares ensayos como Una habitación propia, que denuncian la posición desigual de la mujer en la época, hasta las obrasmenos conocidas de Woolf, lo que poneen valor el análisis de Holtby es la innegable originalidad de la obra de Woolf.Se tr
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Más de siglo y medio después de la muerte de Edgar Allan Poe (1809-1849), celebramos la publicación de los Ensayos completos de unode los mayores cuentistas y, en general, uno de los más importantes escritores de la historia. Esta edición muestra a
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Siete criadas viejas como el tiempo cuidan de unaoscura mansión. Su vida está hecha de rutinas: durante el día, limpian, cocinan y sirven, por la noche, sesientan en corro en el desván y se turnan para narrar las historias más extraordinarias a la luz de una vela. Esta noche, sin embargo, en lugar de contar relatos ficticios poblados de héroes, cada una de ellas por fin dará nombre a su –,también extraordinaria, también heroica–, verdad. Así arranca estelibro hipnótico y envolvente que las hermanas Pacheco han construido mano a mano para invitarnos a reflexionar sobre los arquetipos femeninos y la libertad.
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Un fascinante recorrido literario a través de las ficciones que contribuyeron a la construcción del espacio mítico de Cien años de soledad. «...lo que hay entre La hojarasca y Cien años de soledad son unos quince años de fastidiarse mucho, de vivir mucho y de estar pendiente de esto todos los días, tratando de ver cómo eran las cosas.» Gabriel García Márquez García Márquez sostuvo en diversas oportunidades que para escribir un libro primero había que aprender a escribirlo y, solo entonces, enfrentarse a la máquina de escribir. A él le tomó casi veinte años «vivir» en Macondo, para aprender a escribir ese portento de la literatura de todos los tiempos que es Cien años de soledad. Esta antología, realizada con el ánimo de rastrear la andadura del escritor, compila todos los textos publicados en los que ese universo mítico fue tomando forma. Desde sus apuntes para una novela de 1950 y primeros relatos, hasta La hojarasca, El coronel no tiene quien le escriba y La mala hora en 1966, en lo que supone la efervescente antesala a la creación de Cien años de soledad. Bienvenido, lector, a este Camino a Macondo.
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En El cuerpo cómplice: los cuentos de Julio Cortázar, Margherita Cannavacciuolo propone una aproximación inédita a la narrativa breve del autor argentino (considerada desde el volumen La otra orilla hasta Deshoras) ya que se centra en las representaciones del cuerpo del personaje y analiza su papel como punto de fricción que anticipa y pone en escena la ambigüedad que caracteriza las manifestaciones de lo fantástico. El estudio arranca de la observación de que el cuerpo del personaje soslaya y anuncia la incursión del elemento extraño, lo cual le otorga un lugar intermedio en la narración, por un lado, se ubica entre el plano realista y el orden fantástico y, por el otro, se vuelve mediador entre los dos. Su posición liminar, sin embargo, no deja indemne al desdichado personaje, porque, a la vez que se hace cómplice de la dinámica fantástica, es usurpado del dominio sobre su cuerpo y se convierte en una máscara del invasor acechante. La construcción del personaje en los relatos de Cortázar, de este modo, viene a ser según la autora una función de la lógica fantástica, es decir, una estrategia narrativa para aludir a la amenaza y a la subversión obrada por la enigmática alteridad. Margherita Cannavacciuolo es también docente de literaturas hispanoamericanas en la Universidad CaÆ Foscari de Venecia, donde obtuvo el título de Doctor Europaeus en «Studi Iberici, Anglo-americani e dellÆEuropa Orientale». Ha sido visiting professor en la Universidad Pàzmàny Péter Katolikus (Piliscsaba, Hungría), y visiting researcher en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) de Madrid, en la Universidad Complutense de. Madrid y en el Instituto de Investigaciones Filológicas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Es autora de las monografías Habitar el margen. Sobre la narrativa de Lydia Cabrera (Sevilla, Renacimiento, 2010) y Miradas en vilo: la narrativa de José Emilio Pacheco (Rosario, Beatriz Viterbo, 2014).
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«Había cumplido siete años y llevaba media mañana aburrido, impaciente, esperando a que su padre, traje y chaleco oscuros, sin corbata, acabara la lectura del Quijote. Tenía el hábito de hacerlo todos los años, en verano, sentado en el sillón de mimbre del comedor, cuyos ventanales daban al jardín, desde donde se escuchaban, a cada rato, estruendosas, sus risotadas. El joven Miguel, pantalón corto, flequillo desfilado, miraba ansioso, de reojo, la bicicleta de su hermano Adolfo. Una Arelli de un verde fulgurante, frenos y guardabarros cromados, que brillaba al sol, cegadora, como un milagro, una revelación».
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Publicada originalmente en 1927, Lawrence y los árabes es la primera biografía de T. E. Lawrence y uno de los primeros libros extensos en prosa de Robert Graves. El propio Graves define así su propósito: «He intentado presentar con la mayor sencillez posible una imagen de una personalidad de complejidad exasperante. He intentado asimismo que historia tan enrevesada resultase inteligible y nítida...». Basándose en los relatos escritos de Lawrence, y en un minucioso intercambio epistolar con él, las dotes de narrador de Graves y su poder de síntesis y análisis construyen un retablo preciso, claro y fascinante de la peripecia vital de un personaje singular y la historia de un pueblo y unos parajes de perenne actualidad.
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¿Cómo debemos valorar la función del lenguaje después de que haya servido para expresar falsedades en los regímenes totalitarios, después de que haya sido arrastrado a la vulgaridad y la imprecisión de las democracias de consumo masificado? ¿Cómo responderá el lenguaje futuro a las exigencias científicas de expresiones más exactas, como la matemática o la lógica? Steiner consagra este volumen a la vida del lenguaje a través de los tiempos, desde la Grecia clásica y la Edad Media hasta los logros siempre inalcanzables de Shakespeare, las luces y sombras de Baudelaire, Kafka, Thomas Mann, Broch o Beckett. Sus reflexiones se centran en las posibilidades de los distintos géneros literarios y en las sacudidas que las complejas energías de las palabras provocan en nuestro mundo, pero también evoca los límites del lenguaje. Ante los extremos de lo atroz o lo sublime parece imponerse el silencio. Sin embargo, a los seres hablantes el lenguaje impone el deber de transmitir incluso aquellas experiencias que están en el límite de poder articularse.
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Nominado al Premio Llibreter 2022 en la categoria Otras literaturas.Él es un prestigioso cineasta sueco, un hombre obsesionado con el orden, la puntualidad y el control de los sentimientos. Ella es su hija, la menor de nueve hermanos. Cada verano, desde que era una niña, ha visitado a su padre en la remota isla de Fårö. Ahora que ella es una joven escritora y él un anciano, proyectan hacer un libro sobre la vejez que se basar. en una serie de conversaciones grabadas. «Envejecer —dice el padre— es un trabajo duro, difícil y muy poco glamuroso.» Y, en efecto, su declive físico y mental, preludio de una muerte cercana, dejará el proyecto a medias. La escritura de Los inquietos da inicio siete años después, cuando Linn Ullmann reúne el valor para escuchar las cintas que habían quedado arrumbadas en una caja. Ante el carácter elíptico y fragmentario de dicho material, acude a sus recuerdos de infancia y juventud para recrear una de las constelaciones familiares más fascinantes del siglo XX, en cuyo origen está el «amor grande y revolucionario» que unió a sus padres. Intercalando el relato autobiográfico con la transcripción de las grabaciones, Ullmann evoca la relación zigzagueante entre dos artistas absorbidos por el trabajo y una niña que tiene prisa por ser adulta, y se asoma a uno de los grandes misterios de la condición humana: «No se puede saber mucho de la vida de otros, especialmente de los propios padres.»
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El presente volumen es el primer esfuerzo por integrar en un solo proceso explicativo la cultura de posguerra (entendiendo la dictadura como una consecuencia duradera que llega hasta los años setenta) y la de la democracia, desde la precariedad de los años inmediatos a la guerra civil, el acelerado restañamiento de la ruptura en los años sesenta y, finalmente, la convergencia de las letras españolas en las europeas en los ochenta y noventa, en sincronía con el espíritu de época que ha dado en llamarse posmodernidad. En relación con ello, este tomo plantea uno de los problemas historiográficos peor resueltos de nuestra historia literaria: el del encaje de los escritores republicanos exiliados. El exilio es el elemento que ayuda a explicar la medianía de la mayor parte de la literatura de la posguerra, pero es también objeto de reflexión y explicación en cada una de las nuevas fases: su secreta vinculación personal con la península hasta mediados de los sesenta, su recuperación frustrada pero real desde entonces, su aclimatación anacrónica en democracia y su canonización académica final. Junto a la trayectoria de nombres pertenecientes a distintas generaciones (de Cela, Delibes y Sánchez Ferlosio a Mendoza, Marías y Millás, pasando por Gil de Biedma, Benet, Valente y Marsé, o llegando hasta las voces más actuales, como Grandes o Cercas), se revisan conceptos como «compromiso» o «posmodernismo» para comprender comportamientos culturales marcados por la autoconsciencia, la parodia, la confusión entre historia y ficción, la impugnación de la alta y la baja cultura, la metaficción, la reivindicación del pop, la mimesis paródica, lo camp, lo kitsch, lo queer o lo freak.
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Cuando Miguel Delibes se convirtió en el directorde El Norte de Castilla tenía la firme voluntad de modernizar el periodismo español de los años sesenta, y lo consiguió con la ayuda de una generación de periodistas entre los cuales se encontraba un jovenFrancisco Umbral. Mentor y alumno, padre e hijo: larelación de estos dos grandes nombres de la literatura española traspasó las barreras de la admiración literaria para convertirse en una amistad que no haría sino consolidarse a lo largo de sus vidas. Gracias a la lectura de estas casi trescientas cartas escritas durante seis décadas y reunidas en una edicióna cargo de Araceli Godino y Luciano López, el lectorconocerá el documento más íntimo y que mejor atestigua el desarrollo y la consolidación de una amistad sincera en la que ambos escritores compartieron reflexiones literarias, confidencias personales y la evolución de dos estilos literarios que, aunque opuestos, sealimentaron el uno al otro. Una influencia que dejó una huella imborrable en su obra.
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Segundo poemario de la autora Laura MorgenthalerLa argentía refiere en Canarias a una reverberación fosfórica, un brillo plateado que suele mostrarse en el agua del mar en días de mucha luminosidad y calor. En este poemario, la argentía se convierte en una excusa de exploración de la luz como fin vital, una luz que es fuerza trascendente, sin dudas, sin limitaciones, un camino que quiere ir un paso más allá de lo conocido, reconociendo e integrando la ciclicidad del ser en el “núcleo que nos prende”.
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Primer poemario del autor Edgar Guillaumin.Son diversos los caminos que nos ofrece Fundación de un Hashigake de Edgar Guillaumin Rojo. Pero para elegir alguno de ellos, siempre será necesario un puente. Un puente de luz que reúne pasado con futuro, origen con destino.Es un libro compuesto de naufragios, retornos, encuentros más allá de la historia. La presencia de la Nueva España a través de Rodrígo de Vivero y Aberruza, y el invisible pero poderoso influjo de Miyamoto Musashi, el más grande guerrero del Japón del siglo XVII, cuya sabiduría nos guía en el trayecto, hacia una reflexión sobre la esencia y el sentido de la poesía.Los poemas de Guillaumin Rojo tienen ese “sabor al haiku” del que habla Vicente Haya al referirse a Taneda Santōka. Sus versos se extienden y amplían libremente, a la vez que muestran una necesaria contención (como un fino y diestro trabajo de escultor) y su sabiduría (como instantes en los que el caminante se entrega a la contemplación del mundo).Quien quiera adentrarse en este libro, tendrá que estar dispuesto a un viaje en el que la poesía tiene la especial capacidad de generar preguntas, que solo ella puede contestar. En el silencio.Ese instante limpio de sonidos que precede a las olas del mar, al naufragio y a la reconciliación de los contrarios. Ese silencio de la poesía que es, sobre todo, el final y el comienzo del lenguaje.JUAN DE LA FUENTE UMETSU.
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Samuel Taylor Coleridge (1772-1834) pertenece a la primera generación de los poetas románticos ingleses, junto con su amigo William Wordsworth. Ambos se dieron a conocer con las célebres ''Baladas líricas'' (1789), donde ya se señalaban diferencias entre ellos: el uso del lenguaje coloquial en Wordsworth y la primacía de la imaginación en Coleridge. Esta edición ofrece por primera vez al lector de habla española la poesía completa de Coleridge. Del más conocido al más insólito, este libro reúne los diversos poetas que fue el autor: aquí hallaremos al Coleridge visionario (el de, por ejemplo, ''Kubla Khan'') junto al menos conocido de las ''circunstancias trascendidas'', irónico y cercano. En suma, como el mismo poeta expresó: ''Con mis escritos no perseguí la gloria ni ningún beneficio. La poesía ha sido siempre para mí su propia y grandísima recompensa, me ha aliviado en el sufrimiento, ha multiplicado mis alegrías y además me ha hecho observar y descubrir todo lo bueno y hermoso que me rodea''.
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Desde La balada de Gilgamesh a La Ilíada, pasando por los versos de Petrarca o Keats, Emily Dickinson o Rilke, escribir amores imposibles es uno de los motores de la poesía universal. En este libro se catalogan unos cuantos de estos amores imposibles que, en realidad, no son otra cosa que alegorías de las relaciones humanas. Es el adjetivo Óimposible el que acaba fagocitando al sustantivo Óamores, que es como decir que es la vida adjetiva la que se impone a la vía sustantiva. Ironía (y autoironía), humor, gratitud, ternura, desencanto, miedo, gozo y la enseñanza de que, hagamos lo que hagamos, nunca conoceremos a la otra persona por muy cercana y querida que sea.
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Recoge ''Luz violenta'' una antología de la obra poética escrita por Jesús Urceloy durante los últimos veintitrés años. Su particular visión del mundo desde su pasión por la música y la poesía, un esfuerzo por la cotidianidad donde la razón da sentido a la vida construyendo la memoria. Aquí se ve la evolución del poeta, desde sus primeros poemarios, pasando por los de madurez, de mayor contenido épico y elegíaco, hasta su obra más reciente, donde juega más abiertamente con la experimentación. En todos ellos el denominador común es la preocupación formal por modelar los versos hasta obtener la mayor expresividad y el reconocimiento a la literatura y los poetas que le han dejado huella.
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