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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Entre els ulls i la imminència,perdura el foc esvaït,la pedra immòbil s'abisma,l'encens ateny l'infinit.
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Diez relatos de la autora de la triunfante novela Las chicas, que se adentran en los resquicios más oscuros de las relaciones familiares, la sexualidad y la cultura de la fama.Una aspirante a actriz que trabaja como dependienta de una tienda de ropa descubre un modo alternativo de ganarse la vida vendiendo algo muy íntimo a través de internet, un padre acude al colegio de su hijo a recogerlo tras un incidente violento que puede costarle la expulsión, la niñera de la familia de un actor famoso trata de escabullirse de los paparazzis después de verse envuelta en un escándalo, una chica en rehabilitación se mete en chats de internet donde se intercambian fotos obscenas, un editor trabaja para un millonario que está escribiendo sus memorias, una reunión familiar navideña se ve envuelta en una creciente tensión por las sombras del pasado, un padre acude al estreno de la lamentable película de su hijo...Emma Cline retrata con brillantez situaciones cotidianas de personajes enfrentados a sus demonios, a situaciones que los superan, a realidades que no quisieran tener que afrontar... Estos relatos confirman a la autora como una voz imprescindible de la literatura estadounidense actual.
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La furia es la poderosa nueva propuesta de una poeta profunda, original, que destaca en el ámbito de la poesía actual en castellano. En la misma aborda desde una perspectiva luminosa el sentimiento amoroso: «La furia es un nudo que en agua caliente se deshace. Hay una distancia exacta entre el horizonte y lo vivido: ahí lo escrito. Todo lo que se expande es poema. La furia es quietud y movimiento. El amor se va de quien lo destruye. El amor perdura para aquel que lo nombra y lo sostiene».
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Novela concebida como sátira de personajes y situaciones reales (en particular, el ambiente del Teatro de Arte de Moscú en los añosveinte y treinta, así como sus principales figuras, Stanislavski y Nemírovitx-Dánchenko, con las que no congenió demasiado)
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Como los de su primera entrega, con la que Victoria León ganó el Premio Iberoamericano de Poesía Hermanos Machado, los poemas de Flores de fuego, escritos entre 2018 y 2022, parten de una poética y unas concepciones estéticas fundamentadas en el clasicismo y la lengua natural, ensayando nuevas formas y tonos. Dividido en cuatro secciones, que dialogan entre sí o con lecturas de Cioran (a quien se debe la metáfora del título), Lucrecio, Nietzsche, Goethe, Marco Aurelio, Zweig, Keats, Breton, Foscolo o Cernuda, el libro tiene la soledad como gran tema común: la soledad como destino humano, pero también como faro desde el que nace e irradia la poesía para iluminarnos y tendernos paradójicos puentes con la vida, o como búsqueda del alma del mundo en el sentido platónico, necesaria para crear y vivir plenamente. La primera parte, inspirada por la sinfonía Séptima de Mahler, la forman poemas que tratan de la noche como símbolo de la existencia, entendida como un camino de exploración y conocimiento. La segunda, escrita durante el confinamiento pandémico, aborda la dialéctica del recuerdo y el olvido, la presencia y la ausencia, la huida hacia dentro y la renuncia serena a lo que acaba, pero también la necesidad de ir al encuentro de los otros. La tercera es una mirada al pasado, una constatación de la identidad heterogénea y cambiante, una pesquisa de las propias huellas a través del afecto y la amistad, la unidad y la plenitud restituidas. Los poemas finales buscan una poesía celebratoria que encuentra en el amor y el deseo otro nombre de la fe y de la esperanza.
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Jaime Ferrán (1928-2016) fue un poeta de la Generación del 50 y de la llamada Escuela de Barcelona. A partir de los años sesenta se va a vivir a Estados Unidos en donde será catedrático de Literatura Española en la Universidad de Siracusa. Mientras tú duermes, libro póstumo, mantiene una estrecha relación con Libro de horas (2008), poemario dedicado a Carmen, su difunta esposa. Pero en Mientras tú duermes el proceso del duelo es distinto. El autor se inventa una manera psicológica de estar con la amada: ella no está muerta, sino que simplemente duerme. De esta manera, puede contarle sus experiencias y vivencias, y hacer un repaso a la vida que tuvieron juntos.
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Los poetas presentados en esta antología son en su mayoría previos históricamente a Matsuo Basho, siendo algunos otros contemporáneos del insigne maestro, considerado no solo como el mejor poeta de haiku de Japón, sino también como el mejor poeta japonés de todos los tiempos. De los primeros, Basho recibió influencias para su creación literaria. Y en el caso de los segundos, las influencias fueron recíprocas, enriqueciéndose así todos mutuamente para elevar el haiku a su máxima expresión artística.El haiku es una forma de poesía tradicional japonesa de 17 sílabas organizadas en un esquema de tres versos (5-7-5). No tiene título ni rima pues pretende, con la máxima sencillez, transmitir una apreciación de la realidad espiritualizándola y elevándola por encima de su pequeña trascendencia.
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Entre los precedentes inmediatos de Garcilaso y el fulgor un tanto crepuscular de sor Juana se desarrolla la poesía más considerada en términos de canon en la tradición hispánica, la «lírica áurea». La antología pretende dar cuenta de ella en una perspectiva tan renovada como permite el diálogo entre la tradición crítica y las líneas de estudio recientes, de la cultura del impreso al feminismo, de los estudios culturales al nuevo historicismo, de la composición del libro de poesía a la de la imagen autorial. La estructura del estudio conjuga algunas claves del desarrollo de la poesía a lo largo de dos siglos y su articulación en una cronología interna del género, complementando la organización de los textos por autores. Para estos se ha optado por una cierta amplitud, para presentar un panorama suficientemente representativo y útil para la contextualización de los grandes hitos. Las composiciones se acompañan de una presentación sintética y el mínimo de notas para la comprensión literal del texto. En conjunto, se ofrecen una selección de poemas válidos para una lectura moderna y los elementos para una apreciación filológica de su historia y su significación literaria.
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Entre realidad y deseo, el relato poético de un alto vuelo, su revelaciónAlbatros es el relato poético de un viaje y de un encuentro. A través de una ambigüedad de voces que se entrecruzan, a veces rozando el terreno de la leyenda y del pasado mítico, a veces más cercanas a la actualidad y a la voz de la propia autora, asistimos a la vieja pugna entre realidad y deseo. Existe una tensión latente entre el mundo claustrofóbico de la casa -del cuarto- y los mundos posibles, que por medio de la imaginación se presentan como un mosaico de paisajes de una naturaleza desbordante. El deseo de liberación encuentra su máximo aliciente en ese paisaje frío y húmedo, habitado por todo tipo de animales, desde aves de dimensiones incalculables hasta seres ficticios, pasando por ballenas, tiburones centenarios, lobos u osos prehistóricos. Con un lenguaje sencillo, cargado de simbolismo, así como de musicalidad y color, Nuria Ortega Riba emprende un viaje a través de la palabra, a través del vuelo del inmenso albatros, un viaje que, como todos los grandes viajes, acaba con una revelación.
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Un intent de llibertat creativa, deixar-nos emportar pel balanceig d’altres punts de vista i maneres d’estar al món, menys tècnics i més humans. Crear ficció de situacions properes per escoltar la veu dels nostres personatges, sempre des del respecte.Teniu a les mans un llibre que es vol expressar amb paraules i collages unes percepcions de les realitats ben diferents de les que en diem habituals. Una experiència que parteix d’una necessitat individual de comunicar tot allò que la feina diària ens remou per dins, que es fa col·lectiva compartint la nostra necessitat d’exterioritzar-ho amb totes vosaltres.La majoria dels textos estan basats en experiències d’escola, però no tots. No hem volgut canviar l’estil ni la llengua de cada un dels relats, ja que perdria tot el sentit amb què van ser fets.Pel que fa a les il·lustracions i collages, la seva creació ha anat en paral·lel als escrits. Hem escollit el collage perquè ens permet expressar la fragmentació dels nostres protagonistes: retalls de vida, parts de paisatges quotidians, unes sobre les altres, teixint un nou contingut. Alguns relats estan il·lustrats amb fotografies o dibuixos. També a la part visual hi hem encaixat les nostres visions i maneres de fer.Esperem que la lectura d’aquest llibre ens ajudi a entendre situacions ben complexes i a superar els estigmes i rebutjos que han d’enfrontar molts dels i les protagonistes de relats com aquests.
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Joyce Carol Oates no necesita presentación como prosista: es una de las grandes escritoras americanas de nuestro tiempo. ¿Y como poeta? Sí, y para ello ninguna página más apropiada que las de Melancolía americana. He aquí un libro que, ante todo, disipa el viejo (y falso) resabio español de que un novelista no puede ser un gran poeta, entre otras cosas, porque su poesía será demasiado narrativa. Pero es precisamente la diestra combinación de ambos elementos (la respiración lírica con la trama del relato) donde reside el gran acierto de Oates, pues la voz resultante le permite a la autora explorar los abismos trágicamente impuestos a las mujeres (la violación, el aborto) las taras morales de los supuestos prohombres (científicos, estrellas de Hollywood) así como una herencia cultural estadounidense (Edward Hopper, Marlon Brando) cuya consecuencia mayor, apagadas las hogueras de Salem, pero encendida aún la ignominia de la civilización bárbara del hombre contemporáneo, no puede ser sino esta melancolía que persiste tras la rabia de la soledad. PEDRO LARREA
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Con 100 Haikus, el escritor Valentí Gómez-Oliver (Cavaliere, OMRI de la República Italiana) acomete una empresa hercúlea: la escritura de 100 jugosos haikus alrededor de todos los temas que afectan a la humanidad.
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La sinapsi és l'espai on neix la comunicació entre dues cèl·lules del sistema nerviós. Pot ser la vida n'està plena de sinapsis i l'amor sigui aquesta xarxa d'impulsos per arribar a connectar amb l'altre. Sinapsi, el llibre, està format per tres poemaris: Llançà, Elements i Sinapsi. Llançà i Sinapsi són un camí d'autoconeixement on l'autora confronta les seves creences a partir de l'observació que li proporciona la vida. Elements està format per quatre poemes: Instint, Metamorfosi, Soc i Poble. Estem fets de matèria, emocions i ment, i jo inclouria que ens acompanya la força dels nostres ancestres amb la seva energia. D'on venim i allà on anem. És el constant misteri que ens ofereix la nostra experiència.
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Ni el passat, ni el futur són reals, però què fer? Doncs m’he fet amic del que està més gras, del que té més material en oferta, del passat, es clar. El passat, amb els seus aires de tertulià cara-bonàs, panxut i melancòlic, reconegut assetjador de gent gran en hores intempestives, és el camell amb més capacitat per abastir a pleret un material útil. Consumat l’acord, l’altre, el futur, ha passat a ser l’amistat secreta amb qui comparteixo, a primera hora del matí, havent dinat o si guanya el Barça, el principi actiu de l’esperança, les seves dosis escasses i intermitents. En aquestes condicions ha nascut Dret sobre els meus pecats.
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«En el eterno retorno de la poesía, podríamos imaginar a Laura Riding como hija de Gertrude Stein y William Blake, figuras de resistencia radical a una poética normativa (patriarcal), que evitan tanto las observaciones empíricas de un mundo cognoscible como las meditaciones interiores de una búsqueda del yo. Torpemente disonantes y a menudo misteriosamente opacos, los poemas de Riding son experimentos inquietos, en los que el lenguaje es una fuerza sin género, que refutan las epistemologías ordinarias del significado. Casi un siglo después de ser escritos, los poemas de La ceñida corona (1926) ofrecen a nuestros ojos contemporáneos un encuentro crudo con la esencia elemental en su búsqueda de capturar ''nuevas sorpresas y espíritus''». -Ann Lauterbach «Riding creía que la poesía tenía que volverse antisocial, no mercantilizada, respondiendo a sí misma, para ser fiel a su vocación: decir la verdad.» -Benjamin Hollander, The Brooklyn Rail La corona ceñida fue publicada en 1926 por Hogarth Press, la editorial de Leonard y Virginia Woolf. Compuesta por poemas escritos cuando tenía veinticinco años, prepara el escenario para el resto de la obra de Laura Riding. Esta edición incluye, además, el primer manifiesto poético de Riding, «Una profecía o una súplica» (1925), que establece el contexto de los poemas.
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Es un texto clave para estudiantes y profesionales del arte de la actuación, desde su aparición en Nueva York en 1933, convirtiéndose en una herramienta imprescindible.ActuaciónLas seis primeras leccionesEs un texto clave para estudiantes y profesionales del arte de la actuación en la actualidad, habiéndose convertido, desde su aparición en Nueva York en 1933, en una herramienta imprescindible. Los anglosajones lo llaman “el manual”. Escrito de forma dialogada entre el maestro y la joven estudiante sirven para explorar la técnica de la interpretación. Generaciones de actrices y actores se han enriquecido con la visión ingeniosa y aguda que Boleslavsky tiene sobre el oficio de la actuación. Estas seis ''lecciones'', obras de teatro en miniatura sobre la concentración, el recuerdo de la emoción, la acción dramática, la creación del personaje, la observación y el ritmo, condensan el desafío que enfrentan todos las actrices y actores. Esta obra clásica sobre la actuación revela la vitalidad y la pertinencia de la línea de trabajo y del legado de Constantin Stanislavsky mostrando con claridad, y de una manera amena y directa, las posibilidades de la utilización de estas ideas en la enseñanza del teatro contemporáneo.
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El poemario de madurez de una de las voces más prometedoras de la poesía joven.La ballena loca es un relato sin final, un envite poético por la música de las palabras. Arte, familia, amistad y lecturas conviven en este libro con cascabeles de guerra, reyes desposeídos y palabras que deslumbran cuando encuentran la ternura. En este nuevo poemario Miguel Floriano (Oviedo, 1992) consolida su voz y demuestra, una vez más, una portentosa capacidad para convocar imágenes memorables dentro de poemas construidos con pericia y conciencia.
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Nuevo poemario del autor Luis García PiedehierroNunca quiero despedirme es una declaración de intenciones, un viaje de retorno donde Luis G. Piedehierro vuelve a su poesía primogénita, pero esta vez con una mirada que reconstruye. El autor transforma su búsqueda en un grito de esperanza porque, como él mismo dice: “nunca es tarde para el amor”. Tampoco lo es para el verso sin ltro de @luisgarciaph (como se le conoce en redes sociales), ya que conecta con recuerdos que son suyos y son nuestros, que dan calma “aunque hayan terminado”, y eso signica que hubo vida antes del recuerdo.Estar en paz, volver a las preguntas, darles una respuesta, amar sin articios, vencer a la memoria. Cruzarse con los versos de Luis, quedarse en ellos.
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En Tierra Intermedia confluyen el Caribe y la ensoñación de otras latitudes, y se nos plantea un recorrido geográfico, en el que inicialmente visitamos una tierra firme, conocida, y luego nos adentramos en otra frágil y movediza. Es un libro que condensa una visión fragmentada del mundo de la autora, de su espacio personal. La poeta ha logrado dibujar un horizonte desplazado, uno que ha cambiado de lugar debido a su mirada extranjera, y que hace que los lectores sean atravesados por la memoria y la nostalgia, por la infancia. En estos poemas hallamos puentes construidos con símbolos, con palabras, que nos llevan hasta un territorio neutro. Tierra Intermedia es también la celebración de los pedazos que logramos reunir al migrar, en ese paisaje nuevo que nos abriga.
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Publicada en 1884 y representada por primera vez al año siguiente, «El pato salvaje» causó gran desconcierto entre el público en sus sucesivos estrenos por la presencia del animal en el escenario. Más allá de esta anécdota, sin embargo, la pieza se inserta en la misma línea de denuncia social que Henrik Ibsen (1828-1906) inició con «Casa de muñecas» en 1879 y prosiguió, entre otras, con «Un enemigo del pueblo» o «Hedda Gabler», todas ellas publicadas en esta colección. Centrada en la soledad del individuo frente a la sociedad y sus semejantes y en el conflicto entre realidad e ilusión, entre verdad y mentira (veta tan ricamente explotada en la literatura española desde el Quijote hasta Unamuno, Valle-Inclán o Buero Vallejo), «El pato salvaje» representa la cima del teatro de Ibsen por la ironía de su expresión, su simbolismo que la abre a multiplicidad de lecturas y la soberbia tensión dramática que la impregna. Prólogo y traducción de Juan Antonio Garrido Ardila
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¿Recuerdas cómo eran las noches cuando eras pequeño?¿Recuerdas ese miedo irracional a la oscuridad, a loshuecos de la habitación, a los ruidos? Y es que, ¿quién no ha tenido miedo alguna vez? Para superarlos, el doctor Córtex se ha aplicado a fondo y ha descubierto la Antimonstruína, la fórmula magistral para dormir a pierna suelta monstruos, niños y padres. Un científico insomne, unos niños asustados, una historia entre dos mundos que no dejará indiferente y la forma más didáctica y divertida de aprender a controlar los miedos nocturnos. Un pack formado por el libro y el spray de Antimonstruína muy necesario en la librería detodo niño y padre que quiera combatir sus monstruoscon total efectividad.
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En esta obra fundamental para el desarrollo de la corriente modernista en el ámbito de las letras hispanas, Rubén Darío (1867-1916) aportó una nueva sensibilidad y una diferente concepción del arte, al tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para apropiarse de las influencias más variadas y transformarlas en sustancia propia. Animada por una decidida voluntad de renovar la poesía castellana del momento, Azul..., que inició la renovación modernista que había de culminar en Prosas profanas y Cantos de vida y esperanza -ambas presentes en esta colección-, tuvo una rápida repercusión en los países de habla hispana y supuso un fortísimo estímulo para los escritores de la segunda generación del modernismo hispanoamericano. La presente edición incorpora textos que figuran en la primera de las obras (Valparaíso, 1888) pero que se suprimieron en las posteriores, así como los textos, en español y en francés, que Darío añadió en la segunda (Guatemala, 1890). Se completa además con un apéndice y una completa y esclarecedora introducción.
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caminaban, y el sol estaba triste se asomaban, y el hueco les decía: lo ritual es lo contrario de lo íntimo hasta que se vuelven lo mismo no trataréis de explicar los enigmas, sino de habitarlos lo primero que hay que modificar es el pasado y al final de la vida si uno tiene suerte aparece de nuevo el niño uno se reencuentra con el niño lo distingue entre la niebla de los recuerdos y las esperanzas que se han vuelto lo mismo y se asoma y le dice: aquí protégeme vete y quédate Mariano Peyrou nació en Buenos Aires en 1971 y vive en Madrid desde 1976. En poesía ha publicado La voluntad de equilibrio (Fundación María del Villar, 2000), A veces transparente (Bartleby, 2004), La sal (Pre-Textos, 2005), Estudio de lo visible (Pre-Textos, 2007), Temperatura voz (Pre- Textos, 2010), Niños enamorados (Pre-Textos, 2015), El año del cangrejo (Pre-Textos, 2017), Posibilidades en la sombra (Pre-Textos, 2019). En colaboración: Emergencia, con Carlos Forns Bada (Galería Estampa, 2012), Estratos, con Mar Lozano Reinoso (Piezas Azules, 2022). En narrativa: La tristeza de las fiestas (Pre-Textos, 2014), De los otros (Sexto Piso, 2016), Los nombres de las cosas (Sexto Piso, 2019), Lo de dentro fuera (Sexto Piso, 2021). En ensayo Tensión y sentido. Una introducción a la poesía contemporánea (Taurus, 2020), Oídos que no ven. Contra la idea de música intelectual (Taurus, 2022).
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A caballo entre los siglos XIX y XX aparecieron en el continente americano poetas que se independizaron de la tradición poética de sus metrópolis, ya fuese España o Inglaterra. Empezaron a escribir versos de vanguardia, nunca vistos, que con el paso de los años llegarían a influir decisivamente sobre los poetas de sus países de origen. No todos los países de América contaron con estas figuras precursoras que al mismo tiempo que rompían con una tradición de poesía clásica instauraron una nueva tradición nacional innovadora.
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Fissures és el relat d'un viatge físic i metafòric, és el procés de transformació de l'individu que sap que només obrint-se, arriscant-se a l'inconegut i al perill de desintegrar-se, és possible créixer. Arrelat a la selva de concreto de São Paulo, és una caixa de ressonàncies que defuig les formes lògiques i que construeix un recorregut del cos per la matèria de què es compon l'ecosistema que l'alimenta i l'interpel·la. Escrit en una prosa poètica d'un gran lirisme, Fissures empeny el lector a l'aventura de renunciar al confort previ i abraçar allò que es desconeix. És l'atracció pel que ha de ser, i la vivència plena d'allò que passa en el camí. Perquè aprendre, viure, és existir des de la fissura: allò que interromp una continuïtat, una falla, una ferida que cou i que és sensible a allò que toca, és un estat de vulnerabilitat des d'on deixar que passin coses. Si el subjecte s'obre, els canvis s'esdevenen, però cal disposar-s'hi. Fissures podria ser un viatge iniciàtic, o tal vegada l'experiència pura, crua, de ser vida, viva.
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La realitat virtual ens aïlla de la realitat física? Les relacions són alguna cosa que neix, creix i madura en el nostre cap? Els processos d´enamora-ment s´activen en l´absència de l´objecte o la persona estimada? Amb aquesta història de robots que ofereixen companyia a les solituds humanes, el dramaturg Marc Artigau reflexiona entorn de les noves maneres de relacio-nar-se i de gestionar la situació -sovint aïllada- de l´individu dins la societat. Com funcionen els mecanismes de l´amor, l´amistat, la família i la fe en la societat que estem construint?
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Colonia DMZ es un testimonio colectivo de los efectos de la violencia militar y del imperialismo norteamericano sobre los civiles de la península coreana. Es una crónica poética del retorno de la autora a su Corea natal. Es también una reivindicación de la literatura para comprender la tragedia a través de la belleza, y es una defensa de la traducción como un «modo antineocolonial».
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En las orillas del Sar fue el último libro de la poetisa y novelista gallega Rosalía de Castro, escrito íntegramente en lengua castellana, y publicado en 1884. Casi todos los poemas que lo integran, más de cien, ya habían visto en su mayor parte la luz pública en 1866, en el periódico El Progreso, de Pontevedra. Augusto González de Besada dedicó su discurso de ingreso a la Real Academia Española a Rosalía de Castro. Tomemos la descripción de Besada sobre el libro y la autora. «En 1884, la Casa editorial de Fe adquirió la edición del libro ''En las orillas del Sar'', colección de versos inéditos los unos, ya publicados los otros en periódicos y revistas, escritos todos en lengua castellana, que Rosalía reunió a toda prisa para procurarse con su impresión medios de atender a sus hijos. En aquellos días forzábale la necesidad, dominando los crueles sufrimientos del cáncer que la corroía, a cultivar materialmente el huerto de su casa de Padrón y a dirigir ella sola la educación e instrucción de sus hijos. [...] ''En las orillas del Sar'', sentirá en muchos de sus versos el hálito de la tumba, el silencioso e implacable helar del invierno de la vida.». Reproducimos aquí el ejemplar de la primera edición conservado en la biblioteca de la Real Academia Española con signatura 12 C 56.
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Sorteando todas las dificultades de un poeta dispuesto a compartir el sufrimiento con la humanidad, Javier Gutiérrez Lozano ha reelaborado la poética del compromiso para convertirla en un canto desesperado que reclama justicia. Este libro, cuya primera edición ha tenido lugar en Estados Unidos e Inglaterra, convierten al poeta mexicano en el más internacional de su generación. El lector va a encontrar en estos poemas la depravación de un mundo decadente consumido por la violencia. La poesía no puede más que levantarse y reivindicar la existencia del bien moral, cada día más desprestigiado. El atrevimiento de Gutiérrez Lozano no sólo muestra su valentía sino una asunción del sufrimiento ajeno de la que sólo son capaces los más grandes escritores. FERNANDO VALVERDE
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Un glosario poético ilustrado que recoge palabras del medio rural en riesgo de desaparecer.María Sánchez se ha convertido en una de las voces más reconocidas en la defensa del mundo rural y en la dignificación de su cultura. De ese afán nació Almáciga, un proyecto colaborativo en el que ha ido recogiendo palabras asociadas al campo para que no caigan en el olvido. La recolección ve la luz ahora en forma de libro, un glosario poético que huele a tierra arada y a lumbre, iluminado con las bellas ilustraciones de Cristina Jiménez. «El campo y nuestros medios rurales tienen una manera de hablar única que hermana territorio, personas y animales. Muchas de sus palabras llevan demasiado tiempo a la intemperie. Si no las cuidamos, morirán con nuestros mayores y nuestros pueblos. Por eso este libro, esta almáciga. Un sustrato donde las expresiones de nuestras tierras descansen, una semillera para recuperar sus palabras y sus significados, para volver a oírlas y nombrarlas, para que arraiguen entre nosotros y las tengamos más cerca, un vivero en el que mimarlas y cobijarlas con nuestros cuerpos y acentos. Un diálogo-tejido con nuestro medio rural para que germinen y puedan volver a existir.»
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Los sueños constituye una de las obras fundamentales del Siglo de Oro español.Los sueños es una obra de lectura imprescindible si se quiere tener una idea de los extremos a los que llega el arte literario de Quevedo y del Siglo de Oro español. Es una pieza de sátira aguda en la que desfilan todos los estados y oficios del mundo, con sus tachas, abusos y engaños, descubiertos y condenados por la expresión ingeniosa acerada y la burla más feroz. Con la libertad que da la visión onírica, Los sueños componen una galería de caricaturas inigualadas y exploran todo tipo de juegos lingüísticos en denuncias que van de la risa a la amargura más violenta. Modelo de numerosas sátiras posteriores, esta obra queda en la historia de la literatura y cultura españolas como una cima cuya dificultad es sólo un atractivo más.
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Lola Mascarell regresa a los lugares de siempre con una mirada nueva. «Lola Mascarell es una poeta excelente. Porque se oculta, porque convierte la propia voz en atril donde susurrar el paso del tiempo, el significado de los gestos, los lugares pequeños donde la epifanía elige mostrarse. Hay en su poesía aroma de bien.» Víctor Herrero «Lola Mascarell es autora de tres libros que se incorporan a lo mejor de la mejor vertiente de la poesía de su tierra, esa que precisamente celebra la luz (y todo lo que ésta implica), la que es consciente de estar habitando el paraíso.» Juan Marqués «La poesía de Lola Mascarell surge por necesidad vital y su pulsión, por encima de todo, es celebrativa: celebrar que se está vivo y celebrar los dones de la vida.» Almudena del Olmo Iturriarte «En su último libro, la poeta nos invita a llegar con ella hasta los más recónditos y bellos paisajes de su mundo interior, sin titubeos, con la firmeza de quien se siente segura y dueña de sus palabras.» Susana Benet «En las inscripciones funerarias tempranas, los muertos rogaban al paseante: ''préstame tu voz'', para revivir y anunciar quién yacía en el sepulcro.» Lo cuenta Irene Vallejo en su libro El infinito en un junco. Préstame tu voz es el resultado de ese diálogo entre los muertos y los vivos, entre las distintas voces que somos, entre la madre y la hija que ahora es a su vez la madre y que sigue cantando las canciones de sus abuelas. En este libro de poemas Lola Mascarell regresa a los lugares de siempre (la casa, la montaña, el bosque, la naturaleza, la infancia) con una mirada nueva: la mirada de quien ha visto su cuerpo modificarse al compás de la transformación del mundo. Retoma así el pulso de los poemas recogidos en Un vaso de agua: la búsqueda de la claridad expresiva para dar cuenta de la sencillez del mundo. Un mundo plácido, donde todo está unido, donde las cosas suceden en su cotidianidad más desnuda, donde el amor doméstico, la mirada serena y la aceptación del paso del tiempo se entrelazan. También la reflexión poética: buscar la poesía que hay en cualquier parte por si logra su luz atenuar las sombras de los tiempos difíciles.
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Vitis vinifera, l'espècie de cep apta per a l'elaboració de vi, agrupa centenars de varietats, algunes d'extintes (la marawi), en perill d'extinció (l'escursac), d'altres de conreu local (la marseguera) o conegudes a tot arreu (la macabeu). Vitis Vinifera Amatoria és un recull de contes connectats per uns personatges que tenen en comú l'estima pels vins i la tendència irrefrenable a mantenir relacions sexuals. Nou relats amb seixanta vins avalats per les millors guies, amb els quals es pot assegurar el triomf en un envit amorós. Una trentena de bons vivants a la recerca del plaer: tres dones experimentades que inicien un novençà, un professional liberal que els dijous ix de cacera, unes parelles que sopen juntes periòdicament i que es veuen abocades a fer un trio, un grup de dones que descobreix quelcom més que l'amistat, una cubana transferida a l'Horta que aprén el valencià practicant el francés, una parella que troba en el voyeurisme la manera de satisfer la sexualitat... Històries roents d'amor líquid amb relations alternatives narrades pels assistents a un Curs de tast de vins.
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Tras obtener el Premio Adonáis de Poesía y el Premio El Ojo Crítico de RNE de Poesía, Abraham Guerrero Tenorio vuelve con un nuevo poemario sobre el viaje.Decía San Agustín que el mundo es un libro, y quienes no viajan leen sólo una página. Tras obtener el Premio Adonáis de Poesía en 2020 y el Premio El Ojo Crítico de RNE de Poesía por Toda la violencia, Abraham Guerrero Tenorio vuelve con un nuevo poemario centrado en el concepto del viaje. Polvo y Tierra indaga en la naturaleza de los desplazamientos: desde el dolor a los estragos del turismo, la inmigración forzosa o la precariedad. Con una cadencia medida y un lenguaje actual, el poeta reflexiona sobre la inestabilidad y la suciedad de las grandes urbes, con imágenes sugerentes que combinan la dulzura con la desolación. Poesía accesible que no renuncia al lirismo, poemas comprometidos con la intimidad y con la sociedad que habitamos.
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Amb aquest L'Odisseu de Bartra. Mots de xarxa i arjau, Miquel Sánchez acompanya Bartra, l'homenatja, i també, es clar, en venera la font -o l'arrel- homèrica. Entremig, el seu llibre es beneficia de les aproximacions al mite que ens han donat altres poetes del país, com Joan Maragall, Carles Riba, Mercè Rodoreda i Francesc Parcerisas. El que ha fet en Miquel Sánchez no és una tasca de mera restauració de les paraules del mite, sinó de reinterpretació i vivificació de versos i de símbols.
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Lluny de l'abisme recull dos-cents trenta cinc poemes, curts -de dos versos- i llargs -de més d'un centenar versos-, escrits entre els anys 1973 i 1999, és a dir, el darrer quart del segle XX, els poemes, assaonats recentment, es contextualitzen a la nostra comarca, a Girona, Barcelona, Ciutat de Mèxic i el Maiab, entre d'altres indrets. Tota una antologia, doncs, que es remunta a les ensenyances i l'amistat amb seus mestres Segimon Serrallonga i Albert Manent, que beu de les fonts d'inspiració de creadors maies com Briceida Cuevas Cob, Waldemar Noh Tzec, Isaac Carrillo Can o Miguel May May i que compta amb la prolongada complicitat de la reconeguda escriptora empordanesa Rosa Font qui, a la contraportada, considera que ''els poemes d'en Cesc són visions, visions que esclaten als ulls dels lectors com flaixos enlluernadors, amb associacions de paraules que atrapen el lector a través de versos sincopats, àgils, el·líptics i enormement suggerents''.
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