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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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En Shelley se conjugan una serie de elementos que, en principio, pudieran parecer paradójicos y que, por el contrario, lo hacen absolutamente singular y, al mismo tiempo, un paradigma del Romanticismo. De origen aristocrático, pero con un pensamiento polí
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Nueva edición de " La soledad de un cuerpo acostumbrado a la herida" en la colección " De viva voz" . Poemas leídos por su autora, Elvira Sastre.
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Los poemas recogidos en este volumen de Odas de Hölderlin abarcan seis años los que van de 1796, en que el poeta escribe el primer borrador de ''Los robles'', hasta 1802, en que compone los Cantos nocturnos, seis de los cuales -odas se incluyen en esta recopilación. Son años claves en su trayectoria, pues en ellos conoce y se enamora de su Diotima, ve publicado su Hiperión. debe abandonar Francfort y a su amada, fracasa en sus proyectos como editor de una revista literaria, viaja a Suiza y a Francia, manifiesta los primeros síntomas de su enfermedad y acaba conociendo la muerte de Susette y refugiandose en casa de su madre en Nürtingen. Son años en que trabaja febrilmente en sus poemas, revisándolos y reescribiendolos constantemente, y en que se alternan la composicion de elegías, cantos, y odas, que han sido las seleccionadas por Txaro Santoro para su trabajo de edición y traducción.Txaro Santoro, tras su infancia donostiarra, estudio germanística en Madrid y ha realizado una importante labor como traductora en colaboración con amigas y amigos. A ella se deben los Poemas de la locura de Hölderlin y los Poemas de Robert Louis Stevenson, ambos en colaboración con José Maria Alvarez, los Poemas de Nietzsche, con Virginia Careaga, todos ellos publicados en ''poesia Hiperión'', asi como numerosos textos de Bukowski y El Dios de las pequeñas cosas, de Arundhati Roy, premio Booker 1997, traducidos con Cecilia Ceriani. En las Odas de Hölderlin, su primera versión en solitario, quedan patentes la sabiduria y el buen hacer de Txaro Santoro como traductora de poesía.
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La obra de Jaime Gil de Biedma (1929-1990) se considera fundamental dentro de la generación poética de los 50 y ocupa un lugar destacado en el panorama de la literatura española del siglo XX. Su poesía viene a ser la búsqueda y la invención de una identidad consciente del irreparable paso del tiempo, a la vez que se aferra, mitificándolos, a los fugaces instantes de felicidad y afirmación, tanto personal como social, que ese mismo tiempo depara.
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Antes de arrojarse por la ventana del cuarto piso de su edificio, la octogenaria Helene Engel tiene una última voluntad: entregar un misterioso manuscrito a uno de sus vecinos. Es lo único que escribió en vida, una confesión extraordinaria titulada Mine-Haha que narra la vida de una joven huérfana desde su nacimiento hasta la pubertad. Sus primeros años los pasa en un orfanato mixto, en el que los niños mayores se hacen cargo de los recién nacidos abandonados a las puertas del lugar, y más tarde en una institución exclusivamente para niñas en la que el modo de vida es rutinario y rígido: las jóvenes se dedican a la gimnasia, al teatro, a las artes y a la danza, pero en ningún caso se trata de una existencia idílica. Algo hay de inquietante entre los muros de ese hospicio: las jóvenes sufren un aislamiento absoluto y se ven sometidas a una disciplina física rigurosa por parte de sus maestras. Todo ello con el fin de protagonizar su peculiar debut una vez alcanzada la pubertad.
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En aquesta joia de la dramatúrgia francesa del segle XVII, Isaac de Benserade reescriu la faula ovidiana d'Ifis i Iante per convertir-la en una peça moderna i absolutament innovadora en què trobem el primer personatge principal lèsbic del teatre francès. Amb una reeixida adaptació del mite clàssic, l'autor ens presenta la relació de dues dones que s'enamoren, es casen i arriben a consumar el matrimoni amb l'aparent benedicció dels seus progenitors. L'autor desafia, doncs, les normes del seu temps amb aquesta obra transgressora i lliure de prejudicis que explora temes tan vigents com la identitat de gènere i l'homosexualitat femenina, i demostra, així mateix, que la fèrria rigidesa de les convencions socials pot doblegar-se de tant en tant.
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'Sin dejar de profundizar en el corazón del canon del siglo xvii, he buscado la interpretación dramática y artística más rigurosa a partir de elementos e ideas de nuestro siglo XXI, poniendo en marcha la maquinaria del tiempo que nos enlaza con Molière a través de cuatro siglos para ofrecer al público la referencia del momento histórico en que se forjó la obra. En El enfermo imaginario Molière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegarnos convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que fruto del descontento ante unos deseos y proyectos de vida insatisfechos''. (Josep Maria Flotats)
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Poemario de Javier Alcibar.Javier Alcibar pertenece a quienes se dedican, ante todo, al oficio de poeta, y menos al escaparate. Alcibar mira hacia dentro en lo fundamental, dialoga con la vida y reflexiona desde ahí, está minuciosamente atento al yo en el alambre. No es en absoluto desolado, atento a la realidad interior, nos la muestra con la pulcra y verosímil desnudez de quien no imposta. Su poesía sincera, denotativa, visceral y pensativa, atenta a todo lo que se adentra, mira con la tracción de la palabra, al vacío.(...) Ese sinclinal, hecho atención, verbo que se deja caer, con las resistencias mínimas, busca el fondo donde encuentra correspondencias el yo de ese momento. Lo dice el poeta explícitamente: ''pertenezco al silencio/a la cárcel de una sola pared''.RAFAEL MORALES BARBA.
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Sense amagar-se de les diverses inspiracions creatives que el subjuguen i l'atrapen, el Marcel ens proposa unes reflexions poètiques a voltes críptiques, a voltes insinuades, a voltes lúcides, sobre els tres grans eixos temàtics de la literatura universal: vida, mort i amor. Una concatenació d'instants quotidians passats pel sedàs oníric del poeta, que fixa la mirada en els petits lapses dels còmputs totals, amatent al que els altres humans pressuposen i desconeixen, en els fugaços instants de serenor que permet el caos necessari i que ens distreu de la veritable proesa del viure. Un exercici d'equilibris lingüístics i de disparitat estilística que recrea cavil·lacions mundanes des d'una consciència volgudament sofística.
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Handke escribió que un objeto, por grande que sea, acaba siendo un punto cuando es contemplado a cierta distancia. Esta lógica de la inversión perceptiva, así como otras variantes observadoras dirigidas a desactivar la mirada dócil sobre la realidad, son detectables en la poesía de Virginia Aguilar Bautista. ''La escala de Bortle'', su segundo poemario, toma su título del sistema homónimo de catalogación del brillo del cielo nocturno realizada en 2001 por John E. Bortle, que permite distinguir hasta 9 grados diferentes. De la misma forma, también la percepción lírica tiene gradientes e intensidades.
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Muchas inquietudes atraviesan la trayectoria vital del actor Guillermo Lasheras. A las mismas les ha otorgado forma a través de la metáfora del «prospecto», párrafos que desgranan los efectos, adversos o no, de sus medicamentos. Lasheras combina su lado más visceral con planteamientos estratégicos y estructurados de todo aquello que le consterna. El autor ha organizado sus textos en cuatro grandes apartados (el Amor el Tiempo el Arte y la Muerte), que presenta como medicamentos, que según él, consume a diario para sobrevivir.Estos recorren sus intuiciones y pensamientos más profundos, tiene gran protagonismo el sentido de la existencia. Sin embargo, hace hincapié, como un guiño a los lectores, en que «No es bueno leer los prospectos de los medicamentos no creo que te ayude saber sus efectos adversos. Si necesitas tomártelos, tómatelos, y depende de cómo reacciones, tendrás efectos adversos o no. Pero no los leas, descúbrelos».
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Històries narrades des d'un angle de visió impregnat tot sovint d'una ironia subtil i intel ligent que ens du a reflexionar, més enllà de cadascuna de les històries concretes, envers temes com l'amor o el desamor, la companyia, la solitud, la por o les convencions socials. I en aquest sentit la seva lectura sempre ens acaba deixant aquell regust final d'optimisme o cant per la vida, a pesar de qualsevol situació, més o menys feliç o tràgica, per la qual travessem.
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En este libro se reúnen todos los cuentos infantiles de la gran poeta portuguesa, Sophia de Mello Breyner Andresen. Estas maravillosas historias, llenas de hadas, enanos, flores y animales, giran alrededor del amor y de otros sentimientos como la amistad y la lealtad. Y sin embargo, son relatos que no disimulan el dolor ni edulcoran lo terrible de la vida. Sophia es capaz de ofrecernos a un mismo tiempo una mirada trágica y un corazón lleno de ternura y de esperanza.
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Toda la poesía de José Saramago recogida en un solo tomo. Cerremos esta puerta. Lentas, despacio, que nuestras ropas caigan Como de sí mismos se desnudarían dioses. Y nosotros lo somos, aunque humanos.JOSÉ SARAMAGO
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La literatura de crims, unes històries que han seguit diversos camins al llarg dels anys, ha configurat un macrogènere que inclou tot tipus de subgèneres i corrents. En aquest primer volum, dedicat a l'època clàssica de la novel·la negra i policíaca -concretament des dels orígens fins a la dècada dels setanta del segle passat-, passem revista a diferents etiquetes: des de la novel·la d'enigma, els detectius de butaca, la policíaca metafísica, el cas de l'habitació tancada, el lladre de guant blanc i els genis del mal, la novel·la problema, però també la policíaca psicològica, el detectiu hard-boiled, la novel·la de delinqüents, la carcerària, la psicologia criminal i el noir, la procedimental, la novel·la d'espionatge, la novel·la crònica i el suspens i el thriller, entre algunes de les més destacades. Teniu a les mans un llibre que pretén aclarir l'evolució terminològica tan debatuda entre els afeccionats al gènere.
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Con Nieve, libro ganador del Premio Latinoamericano de poesía Ciro Mendía 2020, la poeta colombiana Ana María Bustamante empuña con el corazón la escarcha de la poesía, es decir, la emoción fría que se transforma en calor con el aliento de cada nueva lectura. Los poemas de Bustamante rescatan la emoción honda de la palabra sencilla, se esfuerzan por volver, como dice un poema, “a la secreta raíz que dibuja el pasado”, y logran su objetivo: convertirse en parte de nosotros, en parte de la poesía joven en español del siglo XXI. Si, como dice otro gran poema, “la risa es la voz de los muertos”, la poesía es la voz de los vivos, siempre, y la voz de Ana María Bustamante, consolidada ya, nos devuelve al placer de sentirnos revivir frente a un libro, frente a un poema, frente a un verso como un cristal de hielo, único, fugaz y eterno.
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Los árboles se han ido título de este antología mínima del poeta granadino, inspirado en la preciosa canción «Talaron tres árboles», que recoge, en sólo veinte textos los diferentes poetas que habitaban en Lorca. Sintetizado al máximo, pero retratado por completo.Encontraremos al surrealista , al amoroso, al lacónico y torrencial. Entre poemas muy conocidos, descubriremos otros menos frecuentados de su producción como los dedicados a sus amigos, canciones infantiles o los incluidos en sus epistolarios. La emoción y la intensidad del verso van perfectamente acompañados por el color siempre vibrante de la obra de Mó Gutiérrez.
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Confío en que hayas estado debidamente ocupado desde la última vez que nos vimos. Mi tío Albert, desempleado de profesión, solía decirme que las manos ociosas conducen a la travesura. Así pues, por mi parte, he dedicado este ínterin a preparar una nueva colección con la que deleitar a los lectores. [...] Por tanto, si así lo deseas, asegúrate de haber cerrado bien la puerta, dale otra vuelta a la llave por si acaso y pasa la página para empezar a leer. Más historias favoritas del maestro del suspense.
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Las narraciones que acompañan a las imágenes de D''rte Clara Wolff y Jeanne Mammen, aunque ficticias, sesitúan en la época de la Repúblicade Weimar, el régimen político con el que se identifica a Alemania durante el periodo de entreguerras, entre 1918 y 1933, e introducen elementos y situaciones que añaden a los relatos información históricade aquel periodo tan fascinante y, al mismo tiempo, contradictorio y conflictivo.Berlín, la mal llamada ''Babilonia de los felices veinte'', es la dinámica encrucijada artística, literaria y política de Alemania, y un escaparate de las vanguardias culturales europeas.
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La edición definitiva de la obra poética de Nicanor Parra. El último apaga la luz es una amplia y cuidada selección de la obra de quien, según Harold Bloom, «es incuestionablemente uno de los mejores poetas de Occidente». El libro abarca desde el inaugural Poemas y antipoemas -que se incluye íntegro- hasta los Discursos de sobremesa, pasando por Canciones rusas, Sermones y prédicas del Cristode Elqui, Lear, rey mendigo y Hojas de Parra -que por su centralidad en el proyecto antipoético también se incluye entero-, más algunos poemas dispersos como «Quédate con tu Borges» o el rap de «La Sagrada Familia». Seleccionados por Matías Rivas, los poemas que conforman esta obra selecta están pensados como el legado esencial de Nicanor Parra, una gran puerta de entrada para quienes no conozcan cabalmente la antipoesía y, a la vez, la mejor síntesis para quienes ya la admiran, la estudian o, simplemente, la leen con renovada pasión.Roberto Bolaño dijo...«Todo se lo debo a Parra» Del autor también se ha dicho...«Un poeta disidente en el fondo y la forma de la poesía, que no solo ha dejado un legado sugerente, rico, incluso humorístico a la historia de la poesía sudamericana sino que [...] ha renovado el discurso poético, lo cual no puede entenderse sino como un bien.»Ricardo Martínez, Paperblog.com Reseña:«[...] Su relación con el lenguaje, como se desprende de la lectura de su obra, está sostenida por la lucidez con que expresa, de manera lúdica, el sentido de la vida pero también su tragedia.»Diego Gándara, La Razón
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La poesía reunida de una gran poeta en lengua española, merecedora de los premios García Lorca de Poesía y del Reina Sofía 2016.
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«Mirar y pensar son dos cosas diferentes», dice Antonio Cabrera en este libro. Pero uno tiene la impresión de que toda su obra, la que ha escrito en prosa (El desapercibido) y la que ha escrito en verso (En la estación perpetua, Tierra en cielo, Piedras en el agua, Corteza de abedul) es un intento de unir ambas acciones. Antonio Cabrera discurre en estas páginas, nacidas sin prisa ni necesidad, por el tiempo (el año de la tierra, el minuto de la luz), como si fuera un lugar, lo mira como si fuera un paisaje. Así, espacio y tiempo, las dos coordenadas de la vida humana, adquieren un nueva dimensión, abarcable solo por la mirada del poeta o el discurso del filósofo, ahora devuelto al lector con un lenguaje luminoso y firme. Cabrera nos habla de cosas sencillas, cosas muchas veces vistas o sentidas (ver volar vencejos, colgar un cuadro, buscar espárragos o poner la lavadora), y no solo las renueva ante nuestros ojos sino que les da una dimensión distinta. Sus palabras nos incumben porque hablan de partes de nuestras vidas a las que nunca les hemos dedicado una fracción de pensamiento.
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Un libro sobre el horror y los secretos inconfesables, por el que circulan todo tipo de personajes extremos: toda una Internacional de alcohólicos, pederastas y maltratadores. Pese a todo, ni la morbidez del tema ni la repulsión del juego deben distraernos de la sustancia: este libro es una auténtica hazaña poética, construida sobre la musicalidad, la digresión y el trabajo interminable de voces.
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La elegía, cuando se sostiene en la verdad poética, pertenece al género del canto, no cabe en ella la vana queja, sino el lamento pronunciado desde el vuelo del amor desposeído. Estas odas de invierno de David Pujante son eso, un canto de amor a la vida desde una conciencia crepuscular: un homenaje y una herida abierta, palabras apasionadas. (Vicente Gallego)
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Un libro muy especial del gran poeta vasco Kepa Murua: homenaje a un amigo muerto.
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La tensión entre persona y personaje, entre verdad y ficción?La vida es un juego de máscaras, un juego de representaciones, en el que los seres humanos son, a sabiendas o no, actores que desempeñan un papel que nada o poco tiene que ver con la verdad de su yo profundo.?Considerado, junto con Seis personajes en busca de autor, una de las cumbres de la obra teatral de Pirandello, Enrique IV aborda el sentido y alcance de la locura, y la compleja e inextricable relación entre personaje y persona, ficción y verdad.
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Relatos que reflejan el alma rusaDe Pushkin a Gorki, pasando por Dostoievski o Tolstói, esta edición ilustrada ofrece una cuidada selección de siete cuentos de los principales representantes de la narrativa rusa de finales del siglo xix y principios del xx, entre los que se incluyen obras maestras de lo absurdo como La nariz, de Gógol, o El cocodrilo, de Dostoievski. A través de sus páginas nos sumergimos en las nevadas, inhóspitas y frías tierras siberianas, perdiéndonos en ellas, como les ocurre a los protagonistas de El amo y el sirviente, de Tolstói, o tras una borrachera como en El sueño de Makar, de Korolenko. Tramas e historias deslumbrantes como las del calculador Hermann en La dama de picas, de Pushkin, o la de la joven Olga Ivanovna en Una mujer insustancial, de Chéjov, cuya vida contrasta con la fortaleza de una mujer humilde que da a luz a su hijo en medio del campo en Nace un hombre, de Gorki.Cuentos rusos clásicos muy poderosos, con un lenguaje propio (simbólico y literal) y una fuerza que te atrapa desde las primeras páginas, ilustrados con la delicadeza y la sensibilidad de Sara Morante.
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Decía Emil Cioran que la expresión nos descarga del peso de nosotros mismos: la escritura es una liberación donde cada cual se cura de la vida como puede. Este libro se presenta así como un esfuerzo aparentemente inútil: cruzar la distancia que el amor, por muchas circunstancias, a veces no puede salvar. Sus poemas se asemejan, pues, a esos cabos impotentes, vencidos en la madera del muelle. Las páginas de este poemario se construyen sobre una de las formas que el amor adopta en nuestra tradición poética desde Garcilaso a Pedro Salinas: el vano, no como pérdida o carencia, sino como memoria frecuentada y espacio de encuentro. Más allá del amor lamentado, sus versos tratan de alcanzar el anhelo que permanece en el alma del hueso. Cada poema es acompañado de una imagen que unas veces ha sido estímulo y otras reflexión. Algunos textos llevan una breve, pero esencial, respuesta musical: composiciones del propio autor que actúan como un eco que prolonga el verso en una discreta resonancia, muda -si el lector así lo desea-, o cauce irracional para su interpretación. Por ello, tanto la música como estos versos tratan de ofrecer al lector un silencio introspectivo donde se eleva y resuena el poema, quizá de modo efímero, pero siempre más allá de su encarnadura en la palabra. Un libro donde el poema recorre caminos de ida y vuelta entre la música y la palabra: surge así la poesía a través de una voz personal con una identidad muy especial. Juan José Pastor Comín (Cuenca, 1974) es Catedrático de Universidad del área de Música en la Universidad de Castilla-La Mancha. Premio Nacional Extraordinario Fin de Carrera (MEC) y Premio Extraordinario de Contrapunto y Fuga (2001), ha sido profesor visitante en la Sorbonne, Paris-IV, Texas A&M University, University of Nottingham y Ruprecht-Karls-Universität de Heidelberg. Posee tres tramos de investigación y uno de transferencia, y ha sido investigador principal de cuatro proyectos del Plan Nacional y cuatro autonómicos. Sus publicaciones han sido reconocidas por su enfoque interdisciplinar sobre las relaciones entre Música y Literatura, desde el Siglo de Oro hasta nuestros días. Ha coordinado siete grupos de investigación de distintas universidades y del CSIC en el proyecto Música, literatura y poder en la España moderna: estudios interdisciplinares, del programa estatal Redes de Investigación, y desarrolla un proyecto Prueba de Concepto. Entre sus libros académicos destacan Cervantes: Música y Poesía (2007), Loco, trovador y cortesano. Bases materiales de la expresión musical en Cervantes (2009), Cinco viajes musicales por la literatura de la España moderna (1496-1645) (2019), Y la música se hizo verbo... Imágenes poéticas de Beethoven (2021), Escrito en el margen: Música, Literatura y Pensamiento (2023) o Pace non trovo. Historia de la interpretación musical de Petrarca (2024).
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Los poetas presentados en esta antología son en su mayoría previos históricamente a Matsuo Basho, siendo algunos otros contemporáneos del insigne maestro, considerado no solo como el mejor poeta de haiku de Japón, sino también como el mejor poeta japonés de todos los tiempos. De los primeros, Basho recibió influencias para su creación literaria. Y en el caso de los segundos, las influencias fueron recíprocas, enriqueciéndose así todos mutuamente para elevar el haiku a su máxima expresión artística.El haiku es una forma de poesía tradicional japonesa de 17 sílabas organizadas en un esquema de tres versos (5-7-5). No tiene título ni rima pues pretende, con la máxima sencillez, transmitir una apreciación de la realidad espiritualizándola y elevándola por encima de su pequeña trascendencia.
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Rafael Adolfo Téllez (Palma del Río, Córdoba, 1957) es autor de los siguientes libros de poemas: Si no regresas junto al portón oscuro (1988), Quienes rondan la niebla (1993), Los adioses (1996), La rosa del mundo (1997), Muertes y maravillas (2004), Los pasos lejanos (2007), Los cantos de Joseph Uber (2011). «En sus poemas hay algo muy verdadero y hondo. La suya es una voz que no se parece a ninguna otra de la poesía española, ni ninguna otra se parece a la suya. Se dirían poemas escritos muy lejos de todo, en una especie de pueblo en ninguna parte […]. Es el poeta de las cosas pobres, de los cafés pueblerinos desoladores, de los pueblos muertos. Y a los muertos vuelve una y otra vez, buscándose entre ellos, y al no hallarse viene a la vida con su secreto, un poco desconcertado, sin comprender por qué no estaba ya entre ellos. Eso le vuelve un niño de la estirpe de Francis Jammes, de Van Gogh, de Gutiérrez Solana, líricos góticos». Andrés Trapiello
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Miembro cofundador de la revista Cántico (Córdoba, 1947-1949, 1954-1957), Pablo García Baena (Córdoba, 1921-2018) está considerado como uno de los poetas más destacados de la poesía española del siglo xx. Su vida puede dividirse en tres etapas: su juventud y años cordobeses (1921-1965), su estancia en la Costa del Sol (1965-2003) y su retorno definitivo a Córdoba (2003-2018). Es autor de una breve pero significativa obra resumida en Rumor oculto (1946), Mientras cantan los pájaros (1948), Antiguo muchacho (1950), Junio (1957), Óleo (1958), Almoneda (1971), Antes que el tiempo acabe (1978), Gozos para la Navidad de Vicente Núñez (1984), Fieles guirnaldas fugitivas (1990) y Los Campos Elíseos (2006), a la cual habría que añadir Claroscuro (2019), ahora en prensa. Su labor poética está recogida en numerosas antologías, así como en la Poesía completa (1940-2008) (2008). Entre los premios más importantes otorgados a lo largo de su vida figuran el Premio Príncipe de Asturias de las Letras y la Medalla de Oro de la Ciudad de Córdoba (1984), Hijo Predilecto de Andalucía (1988), Premio Internacional de Poesía Ciudad de Melilla (1989), Premio Andalucía de las Letras (1992), Medalla de Oro de la Provincia de Málaga (2004), Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2008) o el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca (2012). En 2017 la Junta de Andalucía lo declaró Autor del Año 2018. La publicación ahora de estos cuarenta y dos sonetos de Pablo García Baena suscita muchas consideraciones y preguntas, también tal vez la más importante: cómo fue cambiando si no la «ocasión» de su escritura, sí la variación que fue experimentando el poeta sobre la concepción, rechazo inicial y naturalidad posterior, el uso de una composición de tanto prestigio en las literaturas europeas y que han cultivado poetas a los que Pablo admiraba incondicionalmente, como Dante, Shakespeare, Garcilaso, Lope de Vega, Góngora, Rubén o Federico García Lorca.
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Con más de 1 millón de seguidores (medio millón de suscriptores en su canal de Youtube) Isasaweis es una de las autoras conmás impacto en redes sociales. Tras su anterior publicación con Frida Ediciones, De momentos, la autora nos sorprende con otro
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Mi fascinación por la Unión Soviética fue siempre más literaria que política, más por los rusos que por los sóviets, y más en la estela de Chéjov, Dostoyevski, y posteriormente Bulgákov, Mandelstam (Osip y Nadezdha) y Brodsky que de los adalides de una revolución que quiso crear un hombre nuevo a sangre y fuego, con estragos que ahora recuerda de forma tan certera como desgarradora Svetlana Aleixévich. Este Cuaderno ruso (con incrustaciones portuguesas) es una incursión en un pasado remoto, un viaje, una historia de amor y sus secuelas, que no han dejado de perseguirme con su aura de ironía y frustración, de palabras contra fantasías... políticas, sexuales, literarias. ALFONSO ARMADA
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Poetas en la España leal es una antología ''histórica'' de la poesía republicana española escrita durante los años de la guerra civil, una antología sobre cuyo valor literario ya se pronunció entonces el propio Luis Cernuda, buen conocedor sin duda de la premura y limitaciones con las que se preparó la misma: ''Pero esta breve selección está probablemente llamada a tener un eco histórico, aunque no tuviese cierto el puramente literario. Si por fatal destino no les salva su talento, a estos que hoy forman el volumen Poetas en la España leal, tal vez les salve en la memoria futura el recuerdo de la tempesad a través de la cual se alzaron sus voces, asombradas unas y otras confundidas''. Juzgue por sí mismo el lector del siglo XXI el valor literario de esta antología, sin duda ''histórica''.
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Un cuerpo virtual, hecho de imágenes, atraviesa un paisaje de dunas. En su soledad total, camina acompañado. Su «phantasmagoria» es la huella viva de lo que ya no está: gestos, espacios, amantes. De esas memorias, que exceden al ser que las custodia, surge esta obra sobre el deseo y la pérdida, sobre el sujeto que se construye recordando lo que una vez amó y ya no está presente. Sara Torres entrelaza lo teatral, lo narrativo y lo poético para mostrar la encarnación de una voz que incorpora en sí todas sus ausencias. Desde la abundancia y el exceso hasta la fragmentación del lenguaje, ''Phantasmagoria'' explora el dolor del cuerpo aislado y el funcionamiento de la mente en el recuerdo.
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De lo inútil es un reencuentro con el mundo, a partir de una minúscula certeza: hay una inteligencia que no es racional y que nos permite conocer desde el estremecimiento, desde la emoción. Detrás hay un reaprendizaje de los sentimientos y una apuesta por las palabras más precisas y transparentes. Desde una escritura íntima llena de símbolos personales y matices biográficos (en la que se adivinan discretamente las huellas de maestros como Mark Strand, Charles Simic, Omar Lara o Angel González), Julio Espinosa Guerra se asoma a ''lo elevado desde abajo'' y nos ofrece, según Dolan Mor, el libro más maduro, más inteligente, más vivencial y más enigmático que ha proyectado hasta ahora.
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