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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Smoke es una obra breve y fascinante en la que John Berger explora el humo como un símbolo multifacético de la vida moderna, a través de aforismos y reflexiones poéticas. Este librito, acompañado de ilustraciones evocadoras de Selçuk Demirel, invita a reflexionar sobre las cambiantes percepciones de la sociedad frente al acto de fumar. En el pasado, fumar era común y hasta glamuroso, se fumaba en trenes, aviones y otros espacios públicos, pero con el tiempo, el humo pasó a verse como una amenaza silenciosa.La obra utiliza el humo como una metáfora para hablar de la transformación de la percepción social y de cómo el pasado contrasta con el presente en aspectos que van más allá del cigarrillo. Las ilustraciones de Demirel complementan las reflexiones de Berger, resaltando las tensiones entre una sociedad que avanza rápidamente y una nostalgia por lo que se va perdiendo. Esta colaboración entre Berger y Demirel ha sido celebrada anteriormente en libros como Man on a beach y Cataract, y aquí vuelve a brillar con la agudeza y sensibilidad que caracterizan el estilo de Berger.
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Este volumen forma parte de una trilogía, compuesta por las obras de Caiero, Reis y Campos, y aspira a contribuir a la lectura global de los heterónimos de Fernando Pessoa. Por un lado, podemos leer cada volumen como un libro aislado, por otro, podemos leer cada tomo como parte de un conjunto mayor y comprender finalmente por qué hacen de Pessoa el escritor más universal de la lengua portuguesa.
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Afirmó Gertrude Stein en una de sus conferencias que “la aparentemente inevitable repetición en la expresión humana no es repetición, sino insistencia”. Los poemas, piezas breves y escritos teóricos seleccionados y traducidos por Andrés Fisher y Benito del Pliego en este libro nos permiten asomarnos a la peculiar mirada de esta autora sobre la poesía. Asistimos en ella a la revelación de lo ordinario –objetos, geografías, retratos– como un fenómeno suficiente en sí mismo y que resulta de una imagen generada desde múltiples ángulos y en tiempo real por medio del lenguaje. Así, en lugar de recrearse en la simbolización y en la metáfora, la escritura de Stein se apoya en su materialidad, mostrándose tal como es —o, por usar las palabras con las que Charles Bernstein se refirió a esta poeta, una de las más reconocidas del siglo XX en Estados Unidos, “lo que ves es lo que hay”.Construyendo su misterio desde el centro de su propia obviedad, la poesía de Stein resiste el impulso interpretativo y descansa sobre la repetición y la insistencia en un único motivo: “el descubrimiento, el amor, la pasión por el nombre de cualquier cosa”.
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Escrits sobre Noucentisme
Aquesta obra és el resultat de la dedicació de Josep Murgades a l'estudi del Noucentisme al llarg de més de quaranta anys, en el marc d'un seguit d'avinenteses professionals. És també una contribució a la comprensió crítica del tercer gran moviment cultural i polític que va configurar la Catalunya contemporània, al marge de les fílies i les fòbies que, ara com llavors, indefectiblement suscita. Els vint-i-cinc escrits que aplega aquest volum, amb independència de la seva cronologia, s'agrupen en cinc apartats: definicions i valoracions, context històric, ideologia i pràctica literària, Noucentisme i cànon, i antinoucentisme. En paraules de Goethe, del que es tracta, doncs, és d'investigar el que ha estat i el que és, no el que plau o desplau.
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No solo es posible medir la decadencia de la sociedad contemporánea, su humanidad amontonada, sino que se puede cantar sobre el derribo que somos, se puede perpetuar la ironía (que es risa criogenizada) y construir desde afuera la belleza. Fanjul fija la cámara de su docupunk en nuestra roña interior y la rotula en fluorescente, como esa sustancia que se inyecta para resaltar tejidos en el análisis, como la silueta en tiza del cadáver. Lo que queda es lo que somos sin consuelo, ese vacío que flota en nuestro día a día, ese dolor astillado de recuerdo que arrastramos y, así, explorar lo que queda de nosotros en el puro yacimiento. Y Fanjul lo consigue, consigue la imagen de lo despoblado en plena muchedumbre, consigue el hallazgo a través de la danza de la catenaria, del arrullo de las tragaperras, del vagar por los páramos socialdemócratas. Esto va de nuestro mundo: de nuevas formas de belleza y de lo íntimo de su catástrofe.
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Aquí yacen las palabras de un hombre que escribió contra el olvido, pero sin ilusiones de permanencia. Campo•santo (escritos póstumos) es la exhumación de pensamientos y sensaciones de un autor que inédito hasta el momento de escribir este libro, se vio forzado a crearse un seudónimo —otro yo— para tener, al menos, un lector.En un insistente diálogo con la nada, el Coronel Fernando Sager despliega una prosa de cicatrices y una poesía en la que la existencia se torna en una condena sin juez, la memoria y el presente se convierten en un campo mí-nado, y el suicidio en una pregunta constante que, sin embargo, no representa una respuesta. Un libro que se abre como una tumba y, no obstante, late.
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En el contexto literario de hoy, la lectura de la realidad de Fernando Camacho, la elección del léxico y el ritmo de sus versos conforman una voz inconfundible.Este es un libro de una escritura clara, de un autor vibrante y con mucha sorna, unos poemas sencillos de una persona excepcional. La principal pregunta que plantea el libro es cómo afronta la belleza alguien con tendencias depresivas. Pasado el existencialismo y el pomodernismo, enfrentarse a esta y otra preguntas supone abocarnos directamente al caos, que podría ser una de las visiones de un libro comprometido, sutil y sagaz, irónico y tierno al mismo tiempo.
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Anatomia d'un suïcidi
La obra, en formato de tríptico, presenta tres generaciones de mujeres de una misma familia e indaga si el trauma puede ser transmitido genéticamente, de madres a hijas. ¿Cómo podemos romper los patrones heredados para que el ciclo no sea inevitable? Lejos de ser un tratado de anatomía, una disertación sociológica o psicoanalítica sobre las causas y el origen del suicidio, 'Anatomía de un suicidio' es una exploración de las complejidades de la vida psíquica, de la ambivalencia de la maternidad y de la fragilidad abisal que conlleva convivir con el sufrimiento.
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Apuntaires
En John Lennon, Bill Murray, Andy Warhol, Kirk Douglas, una legió d’icones i una ànima de David Bowie assedegat o famèlic, es van passant el relleu en aquest llibre limítrof. Uns textos amb solera literària, saudade i vida quotidiana arxivada en polaroids o en retalls escapçats de premsa exòtica. Aquest és el llibre que ens presenta l’Agustí Busom, qui ha exercit de músic llargs anys, i ara ho fa amb pàgines.Apuntant aires diversos, i anant sempre a les mateixes fonts, les primigènies. Un recorregut pel principi dels principis, i el començament dels començaments. Press Play. Iniciar.Pau Gener GalinAls poemes hi ha també els amics, les cançons, els jocs amb les paraules, la gran preocupació (camuflada). És despullar-se sense cap por i és convidar a arrecerar-se. És, sobretot, un llibre d’amor. Com us plaurà.Empar Moliner, al pròleg
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León Cuevas se revela en Simulacro inquietante como un sagaz observador de su momento histórico desde el visor que le confiere el mundo del arte contemporáneo para, a través de él, construir un inteligente relato crítico travestido de poesía. Con los fantasmas de Andy Warhol y Marcel Duchamp como custodios, la voz poética de Cuevas le pasa un lúcido e ingenioso examen al circuito del arte y sus capitales al tiempo que, sin prejuicios y desde la inteligencia iniciada, se refiere a la vacuidad de ciertos discursos estéticos del mainstream, más ligados al mercado y a los grandes capitales que al arte mismo y al humanismo, profundamente alejados de la producción de significados y conocimiento. La muerte del arte, el artista rockstar, la frivolidad, el consumismo, la estética del absurdo y la corrupción de las ideas en una hipermodernidad escurridiza, son algunas de las nociones que envuelven este manojo de meditaciones poéticas sobre Francis Alÿs, Damien Hirst, Gabriel Orozco, Bansky, Cindy Sherman y Maurizio Cattelan, entre otros creadores. Sin duda, un poemario singular que arroja una peculiar luz al controvertido mundo del arte actual. Melisa Arzate Amaro
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Descubre un viaje emocional a través de las palabras de «Camino al Multiverso». Con una lírica apasionada y de claridad conmovedora, la autora abre su corazón para compartir sus alegrías, dolores y esperanzas, cerrando así el pasado y dándole voz a sus pensamientos. Este poemario es un homenaje a los seres queridos y en él teje un tapiz de emociones que resuena en lo más profundo del alma.«Camino al Multiverso» nos invita a explorar los rincones más íntimos del corazón humano, revelando el dolor, las alegrías y las esperanzas que todos compartimos. Cada página está impregnada de la autenticidad y la sinceridad de la autora, quien nos entrega sus experiencias con palabras sencillas y claras, accesibles para cualquier lector ávido de conexión emocional.Sumérgete en este libro conmovedor y deja que sus versos te lleven en un viaje de autodescubrimiento y renovación. «Camino al Multiverso» es mucho más que un poemario, es un encuentro íntimo con la esencia misma de la vida.
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César Vallejo es, indiscutiblemente, uno de los mayores poetas en lengua castellana del siglo XX. En su famoso poemario Trilce (1922) anticipó gran parte del vanguardismo que se instalaría en la literatura a partir de entonces, con exponentes tan significativos como el poemario Altazor de Vicente Huidobro o el Finnegans Wake de James Joyce. En Trilce, Vallejo lleva a la lengua española a límites insospechados: inventa palabras, fuerza la sintaxis, emplea la escritura automática y otras técnicas utilizadas por los movimientos dadá y surrealista. Sin embargo, su obra narrativa tomó otro camino, directamente emparentado con el realismo social. Así sucede en El tungsteno, novela a la vez indigenista y proletaria, de sabor amargo pero teñido, al final, de esperanza. Novela de denuncia, comprometida con la defensa de los más humildes, El tungsteno es un alegato contra los abusos de todo tipo cometidos contra los indios y a favor de una toma de conciencia de los trabajadores sometidos a una brutal explotación. Vallejo partió a París en 1923, y nunca regresó a Perú. El tungsteno fue escrito en Madrid, según contó su viuda, en sólo tres semanas, aunque probablemente algunos fragmentos habrían sido redactados mucho antes, cuando aún vivía en Perú. En España fue testigo de la caída de la Monarquía y de la proclamación de la República, con la que se comprometió. Frecuentó a los escritores españoles de la época, entre ellos Unamuno, García Lorca, Alberti, Gerardo Diego y Bergamín. Falleció en París en 1938. El tungsteno es, sin duda, la novela más relevante de César Vallejo. En este volumen se incluye, además, su cuento más célebre: Paco Yunque.
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Ensayo en fragmentos, rosario de citas y reflexiones literarias, este libro eleva la poesía a su dimensión filosófica primigenia, aquella donde la lectura y la escritura de versos devienen cosmovisión, oasis, ejercicio espiritual.
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En tiempos de Cervantes se solían representar entremeses antes de las obras de teatro. Eran obritas muy breves, hechas para divertir al público y a menudo mejores que la obra principal, y triunfaron en España y en la América española. Los entremeses de Cervantes son geniales, y pese a su brevedad son de una calidad comparable a lo mejor de su obra, se consideran la cuna del teatro cómico universal y resultan especialmente adecuados para ser leídos, pues como se ha señalado, son casi novelas breves. Aquí se han seleccionado algunos de los más divertidos, adaptados para el lector de hoy desde edades tempranas, pero conservando el sabor de los textos originales, sus diálogos, su humor incomparable y su capacidad para retratar con ironía el alma humana en tan breves pinceladas. Miguel de Cervantes (Alcalá de Henares, 1547- Madrid, 1516) es uno de los más grandes escritores de todos los tiempos, y su obra Don Quijote de la Mancha, es considerada por muchos la mejor novela jamás escrita. Una obra extensa y en cierto modo compleja, que todo el mundo conoce pero que muchos no han leído, especialmente los más jóvenes. Para iniciar en la extensa obra de este autor sirven aproximaciones como esta, entremeses que acercan el sabor de Cervantes a lectores de cualquier edad.
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Una reflexión sobre el deseo y sobre todo aquello que nos sucede cuando nos sentimos desbordados por él. Cuatro personajes protagonizan los versos de estos poemas: la mujer que los canta, un Toro, un coro de ancestras y una flor cuyo nombre es Amarilis. Poco o nada sabemos de esa mujer, aunque su voz -a ratos primaveral y desbocada, a ratos una voz pidiendo auxilio- no cese de cantar. Y es que su canto es el canto de una necesidad: la de quién ha sentido, galopando por las estepas de su cuerpo con las fuerzas desmedidas del anhelo y la pasión, el dominio salvaje del Toro, y ahora, sometida y condenada, en medio de los estragos del amor, no puede sino contarlo, explicarse, medirse a sí misma de nuevo. Obsesionada con los mitos griegos, para ello recurre a Amarilis.¿Pero quién es Amarilis? ¿Una flor, una deidad campestre, la amada de Títiro en las Bucólicas de Virgilio? ¿Y por qué, ante el ruego confesional de esa mujer, se conmina al silencio? Y el Toro, ¿es toro o encarnación de Dionisio? ¿Las ancestras son abuelas, madres, poetas? ¿Qué saben ellas que no sabe la mujer? Así, ese juego sutil de preguntas cruza constantemente los límites de lo humano, lo animal y lo vegetal, en una metamorfosis en la que todo está deformándose y transformándose de nuevo.Con una lírica exuberante, que mezcla con absoluta maestría riesgo y elegancia, furia y sensibilidad, Amarilis es una reflexión sobre el deseo y sobre todo aquello que nos sucede cuando nos sentimos desbordados por él. Conjugando elegía, teatralidad y mitología, los poemas de Natalia Litvinova son una puerta abierta hacia lo innombrable, hacia el momento exacto en que, como en un relato clásico, un final inaugura un nuevo principio.
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Yuriko
Una tetera que guarda les cendres d'un home és el detonant de la conversa, també dels silencis, entre l'autora i la petita Yuriko. Hi desfilen una mare trista -«L'ofeguen totes les coses/ a les quals l'ha lligat la vida»-, unes nenes d'ulls blaus i l'home del desert -«Ens vam estimar dos anys i dos minuts»-. Hi ha l'home que no dorm -«No sé com parlar-hi,/ amb un home que diu/ que no creu en la vida/ després de la mort»- i la dona del bosc i la dona del mercat, i un nen disfressat de Spider-Man. I hi ha també l'home de l'auró, i la soledat devastadora de qui ha deixat de creure en el poder balsàmic del temps: «No cura res, Yuriko, allò va ser i ja no és». Dones que se'n van i homes que ja no hi són, mares que no volen ser-ho, mares que no en saben prou i fills que encara no han après a plorar, en uns versos farcits d'ecos i d'absències -«L'aixeta de la pica gotejava/ i l'eco del degoteig/ feia més buida la casa»- i a la vegada una reivindicació continguda del present i del valor catàrtic de la paraula: «No cal saber gatès/ per parlar amb un gat». Això és Yuriko.
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Miénteme, dime que me quieres, ruega Johny Guitar. Los que de corazón se quieren solo con el corazón se hablan, escribió Quevedo. Y sin embargo, López Navia: la razón tiene corazones que el corazón no comprende. ¡Qué difícil es escribir sobre el amor!, exclama Marina Otero en el prólogo a este libro. Entonces, ¿se puede escribir un relato de amor estando enamorada? Y además, ¿por qué lo llaman sexo cuando quieren decir amor? En Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos una mujer llega a la edad media de la vida como una paria emocional en el planeta Tierra. Después de las apps de citas y del sexting, de aprender palabras como ghosting o stalkeo, se siente incapaz de vivir una nueva experiencia erótica. De pronto, la irrupción de un nuevo amor lo revoluciona todo, incluso el lenguaje. Un acontecimiento solo comparable a un avistamiento nocturno, al aterrizaje de un ovni, a un contacto alienígena. Completa el volumen Los trabajos forzados del amor, poemas y aforismos escritos con la contundencia de un látigo desde el amor y el humor, la pasión y la ironía, sobre la agonía del eros y la política de los afectos en este mundo nuestro.
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Este título incluye cuentos de: Medardo Fraile • Elías Canetti • Manuel Vicent Silvina Ocampo • Italo Calvino • Samira Azzam • Fritz Leiber Al Nussbaum • Fernando Pessoa Buscar el propio sentido, ser dueño de su tiempo y su espacio es, para muchos, un eterno ejercicio de fantasía, una manera de tender puentes imaginarios que faciliten el encuentro entre la realidad y el deseo. Así surgen, agrupados aquí, estos relatos tan sugerentes a los que llamamos Viajes inciertos.
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Chéjov, que se jactaba de no emplear más de veinticuatro horas en escribir una historia, que nunca llegó a terminar una sola novela, es reconocido universalmente como uno de los más influyentes escritores rusos. Gran conocedor de su país, llenó sus obras con tipos de todas las clases sociales.
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«Entre un montón de poetas treintañeros o veinteañeros que han surgido últimamente, y que podrían parecer cortados por el mismo patrón, Mata destaca claramente por su talento, tan inmenso y tan diferente, y por su filosofía poética: lo suyo no es poesía lúdica, ante la que conviene siempre ponerse un poco en guardia, sino una poesía realmente creativa, exploradora, experimental en el sentido más noble y fecundo de este adjetivo». Juan Marqués, The Objective
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PREMIO TIFLOS DE CUENTO 2025 Al puerto de San Juan de Pascua llega casi de todo. Algunas cosas arriban allí al runrún de las mareas: conchas, algas, restos de naufragios, boyas de cristal irisado. Una vez, incluso, una ballena muerta. Pero la mayoría vienen en barco. Mercancías y gentes atestan los muelles hasta que, un día cualquiera, vuelven a partir hacia ningún lugar. Sin embargo, sus habitantes, anclados en sus destinos a la deriva, no son capaces escapar de la ciudad. Solo, quizá, la señora Piedrasantas. que encuentra la libertad dentro de un manicomio. Estos doce relatos no tienen piedad y, por ello, ningún lector quedará indiferente. Un ángel, una ahorcada, una vieja echadora de cartas, una extraña ayudante de mago, un bello animal africano o un preso que escapó de una cárcel imposible, son algunos de los personajes que pueblan estas historias. Sin duda, Mar Horno nos regala unos cuentos cargados de fuerza, en la forma y en el fondo, de exuberancia y asombro.
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«Hay que hablar sobre la muerte, por amor a la vida», escribió la poeta María Velasco. Ese es uno de los exergos que sostienen este singular poemario, casi una monografía en verso que recorre rituales, duelos, geografías y experiencias mortuorias. De la cama del hospital al cristal del tanatorio, del libro de difuntos a la urna con cenizas, de los cadáveres del Ganges a los brujos andinos, de los cráneos coronados de flores a los buitres que devoran la carne putrefacta, de los ataúdes de Ghana a las exequias jazzísticas de Nueva Órleans, de los espectros entrevistos en un cuadro de Munch a las peregrinaciones a cementerios de Mariana Enríquez: el autor de Necrópolis vierte al lenguaje poético interesantes reflexiones sobre un tema universal e inagotable.
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En Interrogaciones desde la sombra encontramos la voz de un individuo que, en su solitud, sabiéndose contradictorio y joven, se digna de preguntar. Desde las sombras de cuartos decrépitos a las sombras de grandes robles en un parque —sombras que están llenas de memorias, anhelos, peros, y nostalgias— la voz poética está en búsqueda incesante. Busca una patria, un telos, un ideal. Busca dialogar con los poetas de antes, consigo mismo, con flores y moscas. Busca a un tú —o a un Tú. Busca desgarrarse, adentrarse, enraizarse, sobrevolar. Busca respuestas.
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Llibre gris
Un llibre que pretén recórrer en un munt de versots el recorregut vital del poeta, des d' una taula parada a frec de pell, que implica el fet de viure, fins al darrerbadall del món, quan un ocellot vindrà des d' algun lloc per engolir-nos i
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«Detrás de cada libro de poemas lo que se esconde es una vida», nos dice Enrique Gracia Trinidad en el prólogo. De tal forma Nueva distancia es un pequeño reflejo de la vida de la autora, que bien podría ser la tuya, porque la buena poesía —como es esta— parte de una individualidad para llegar a la universalidad: al reflejo de lo que todos somos y sentimos.Gran parte de sus poemas son duros, incluso descarnados porque la inspiración suele llegar en momentos de crisis, de nostalgia, de sensación de vacío o desamor, no tanto en momentos felices. Estos últimos se celebran de otra forma porque coger un papel en blanco y empezar a desnudarse por dentro requiere de cierta introspección y profundidad que es más fácil encontrar en momentos difíciles, como asevera Mario Vargas Llosa: «La felicidad es literariamente improductiva».
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Este poemario fue escrito en estado de fuga: del trabajo, de la casa, de la gente, de una misma. Huir hacia delante y hacia abajo porque este mundo no basta. Hay que ir hacia otro.Existen palabras que fragmentan nuestra experiencia y nos enseñan a creer en narrativas que ofrecen un sentido de orden y control: palabras que nos encierran. Pero hay también momentos de claridad, de misterio, de belleza y de comunión entre todas las cosas. El encantamiento de lo simple frente al engaño. Palabras para dejarlo todo, coger una lancha, darse al mar y dedicarse a lo que realmente importa.
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No solo nos habla desde la experiencia de quien conoce los recovecos sentimentales que el paso del amor deja por el alma de quien lo goza y quien lo sufre. También habla de encuentros y desencuentros románticos de amantes, confidencias y de felicidad.
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El teatro de Borja Ortiz de Gondra se caracteriza por su exploración de la memoria, la identidad y los conflictos familiares e históricos a través de una escritura reflexiva y una estructura narrativa compleja. Sus obras rompen la linealidad temporal, alternando tiempos, superponiendo acciones y mezclando realidad con imaginación, lo que refuerza la subjetividad del recuerdo y la tensión entre pasado y presente. «El barbero de Picasso» es una comedia sobre la amistad entre Picasso y su peluquero Eugenio Arias durante el exilio, marcada por choques culturales, humor y reflexiones sobre arte, política y la dificultad de entendimiento. En «Miguel de Molina, la copla quebrada», un periodista entrevista a Miguel de Molina en su exilio en Buenos Aires, donde el artista repasa su vida marcada por el éxito, la represión y el exilio, sin entender aún la violencia y el rechazo que sufrió por ser homosexual. «Prodigios» narra la conflictiva relación entre Aurora Rodríguez y su hija Hildegart, marcada por la lucha por el control, la independencia y la reconciliación en medio de tensiones políticas y familiares en la España de los años 1930. «Duda razonable» cuenta la historia de una periodista que recibe una llamada con amenazas en el móvil olvidado de la chica de la limpieza, al intentar ayudarla, se ve envuelta en una red de secretos y dilemas éticos sobre la intervención ante la violencia ajena. En «Memento mori (cámara oscura)», tres mujeres de una misma familia enfrentan heridas personales mientras sus profesiones las llevan a un conflicto en África, donde una fotografía reveladora destapa secretos y cuestiona los límites entre la ética, la verdad y la protección familiar. En «Calpurnia (sueño, premonición y muerte)», Calpurnia, esposa de Julio César, presiente en un sueño la muerte de su marido, en un viaje íntimo entre la realidad y el deseo de detener el tiempo para evitar que lo temido se vuelva realidad. «Identidad» sigue las reflexiones y encuentros de varias mujeres a lo largo de sus vidas, explorando maternidad, secretos, arrepentimientos y búsquedas personales en el contexto de sus relaciones familiares. «Tres días de diciembre» narra las intrigas políticas y las tensiones de poder en la España de 1870, entre lealtades, traiciones y conspiraciones en torno a la transición del régimen.
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Escritura, reescritura, rerreescritura. Literatura. Y nada más. Sin concesiones, sin alardes, sin reproches. Con el paso de los años, con sus distintas versiones, reversiones e incluso perversiones, el AlfaBeTo de Palàcios ha ido adentrándose en el terreno de las obras míticas, fundacionales: aquellos textos de difícil acceso comentados por tantos, pero leídos por tan pocos. En su origen, el juego: escribir una página para cada letra del alfabeto. Una cada día. Un juego iniciado hace décadas —retomado sin descanso— que aún no ha acabado, ahora está en manos de sus nuevos lectores. Si se atreven.
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Inici d'enyorança
Aquest poemari va ser guardonat amb el premi ''Salvador Estrem i Fa'', de poesia, en la 30à edició del Concurs Literari de Poesia i Narrativa de Falset, 2023. Només llegir els primers versos d'Inici d'enyorança (o el mateix títol), i situats inicialment en l'escenari d'un hospital on es descabdellen les subtileses inimaginables davant el pare moribund, et reafirmes en el fet que res no és ver si no és viscut, com escrivia un poeta amic i com s'expressa l'autor en el poema que dona nom al títol: Ha estat necessari el dolor. La literatura de meravelles, d'increïbles fabulacions, ja sabem que són mera ficció, simples suplantacions i dissimulacions. El qui dol, el qui s'emociona, el qui es trasbalsa, el qui sent coïssor o cremor, el qui està enamorat i glateix bojament o es desamora amargament, quan fa poesia o s'expressa en tota altra forma artística no pot —volens nolens— disfressar el pathos del jo que sent amb la màscara del jo que parla.
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Estos poemas recorren los días del presente incierto, se acogen a la memoria con gratitud o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana.Con su séptimo libro de poemas, Juan Bonilla entrega una obra de plena madurez donde se alternan los tonos elegiacos y una suerte de vitalismo desengañado que no renuncia a celebrar el esplendor del mundo, sin dejar de ver ni de señalar sus miserias. Desde el inicio, Los días heterónomos parte de la limitación provocada por la enfermedad para constatar su paradójica ampliación de campo, el acceso a una ''luz distinta'' que es descrita con la rica e imprevisible imaginería del autor, siempre alejada de los modos consabidos. Estructurados en cuatro secciones de nueve composiciones cada una, a las que se suman un prólogo y un epílogo en verso, los poemas recogidos en el libro recorren esos días en los que, en efecto, como sugiere el título, ''no somos ley de nuestro propio estar'', pero también se acogen a la memoria, con gratitud no exenta de aristas, o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana, de algún modo redimida por el don -''esa es su magia: / la poesía es fiebre y se contagia''- que la convierte en acuñación memorable: ''Por encima del arte / que a Adonis hace fiero y bello a Marte, / cántico de la vida, / no le pidas que te cierre una herida, / más bien que te las abra / con eficaz palabra / helada en luz tan pura / que sea un simulacro de sutura''. En el proceso de edición, el autor ha añadido al original premiado por el Hermanos Machado, cinco poemas ya conocidos que encuentran su lugar natural en un libro que tiene mucho de balance o recuento, hecho de fragmentos o cristales rotos con los que fabrica un espejo donde se refleja un hombre dañado pero sereno y como de costumbre incisivo, batallador, dispuesto a seguir entonando ''este himno de estar vivos''.
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La voz de Paola Deneb Moctezuma es una trama de pulsos y silencios, oscuramente luminosa, asombro y descubrimiento continúo. En Parto de una estrella, la poeta trastoca las puertas de un linaje de mujeres, hunde las palabras en cada herida, las sutura, persigue el rastro de otras voces en el ramaje de un jardín olvidado, el cual la poeta reconoce y rescata en cada verso. «Hay una ventana / en el laberinto de tus manos / hay una llave detrás del librero / bajo el pájaro que recogimos muerto». Los jardines, el hogar, la infancia, son los espacios que habitan este libro, en ellos la poeta se asoma, emprende la búsqueda de su origen y se dispone a reencontrarse. «Soy lo que alcanzo a ver de mí / y también / todo lo que no veo». De esta forma la poeta se mira en el espejo, apunta a los secretos en cada rincón en su hogar y los revela. «Me lancé por la ventana a un jardín / (que ya no era) /en una noche / que se convertía / en fuego». El poema le es un fósforo que enciende, con él alumbra y despeja las sombras. Así pues, entremos al jardín de la memoria que Paola Deneb Moctezuma traza en Parto de una estrella y encontremos en él los signos de nuestra propia constelación y su marca de nacimiento.Johann De Medina
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Una colección de aquellos protagonistas de la literatura de todos los tiempos narrados por los protagonistas de la literatura actual. Dante, Boccaccio, Homero, Cervantes, Proust, Jane Austen... de la mano de Umberto Eco, Camilleri, Roberto Saviano, y otro
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La mirada escéptica y serena de una poeta que viene a renovar la literatura en español.«Ensancha y pone al día la literatura española.» Juan Marqués, El Mundo Como apunta la escritora Piedad Bonnett con acierto, «la poesía de Corina Oproae se alimenta de imágenes recurrentes, con esa obsesión propia del poeta que pareciera condenado a revisitarlas» porque de esa representación repetitiva es de lo que está compuesta la obra misma. En el centro de su universo poético está el yo como núcleo de un todo que encierra cada imagen del mundo, una totalidad hecha de tiempo en el que la memoria suele conducir a la infancia recuperada o incluso a la experiencia revivida del amor. Y al lenguaje, el verdadero lugar que la voz poética habita, el que le permite la fábula, la imaginación, el sueño. Y continúa Bonnett, «en la poesía de Corina Oproae la muerte, con sus muchos rostros, es una presencia constante, y sin embargo su palabra no es sombría ni cae en patetismos. Por el contrario, en ella hay una especie de levedad juguetona no exenta de ironía, producto de una mirada escéptica y serena, la que sabe que al final de cuentas no hay certezas».
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Para celebrar el número 1200 de la Colección Visor de Poesía hemos preparado este volumen monográfico sobre uno de los personajes más emblemáticos de la literatura universal: el Diablo. Su figura siempre ha estado presente en todas las civilizaciones y en cualquiera de sus manifestaciones artísticas, incluso en un plano estelar. En esta antología presentamos algunos de los poemas que le han dedicado.«Si Satanás pudiera amar, dejaría de ser malvado».Santa Teresa de Jesús«El Diablo no es el príncipe de la materia, el Diablo es la arrogancia del espíritu, la fe sin sonrisa, la verdad jamás tocada por la duda».Umberto Eco«Creo que el Diablo no existe, pero el hombre lo ha creado a su imagen y semejanza».Fiódor Dostoievski«Dios no habría alcanzado nunca el gran público sin la ayuda del Diablo».Jean Cocteau«La mejor astucia del Diablo es persuadirnos de que no existe».Charles Baudelaire«Sin la colaboración del Diablo no hay verdadera obra de arte».André Gide«La idea de Dios es la más grande invención poética de todos los tiempos».Wallace Stevens
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TRAS Las identidades (2012), publicado en esta misma colección, al igual que Libro de poemas (y otros poemas), que recopila su obra escrita entre los años 1978 y 2008, Felipe Benítez Reyes ofrece en este nuevo libro un conjunto de poemas en que despliega una gran variedad de registros tanto temáticos como estilísticos, aunque marcados por el ahondamiento en los enigmas de “la cueva del tesoro sin tesoro que es el tiempo”. Armonizando y modulando las tradiciones del simbolismo, del surrealismo y de la lírica cancioneril, los poemas de Benítez Reyes, desde una voluntad meditativa, indagan en la extrañeza del ser, en las trampas de la conciencia y en los espejismos de la memoria.
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