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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Poemario del autor Max Spiess.Fermento es la primera obra de Max Spiess, un poemario de lenguaje a veces críptico, pero fresco y lúcido que destaca la mejor tradición poética de los grandes maestros chilenos. La colección de poemas de este libro entra en los intersticios de la conciencia del yo atemporal, pero firmemente situado para visualizar desde ese punto la realidad del amor, de las cuestiones sociales y la evolución de una cultura posmoderna en que el individuo sufre y vive sus angustias desde lo singular pero hundido en una globalización que lo masifica en el consumo.
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Adrián Fauro es un ladrón de estructuras y poemas. Un vándalo que grafitea las sólidas paredes con las palabras de quienes durante mucho tiempo no han tenido acceso a la escritura. Poemas escritos desde un Burger King. Que nacen de las manos laborantes, de su misma prisa y su inagotable cansancio. Incorregibles. Inaguantables: «cayeron bombas sobre cuerpos y sobre caminos en los agujeros encerraron cuerpos que taparon con más caminos». Una auténtica bomba de relojería ante el panorama de poesía joven actual. Sin pleitesía. Sin ningún deseo por alcanzar la originalidad. La voz de este poeta es el grito de su barrio. El tono del autor es eléctrico, rápido y ruidoso como un tubo de escape trucado, pero también de una profunda madurez. Fauro entiende que, si bien las palabras no tienen poder para cambiar el mundo, solo a través de ellas podemos denunciar a los poderes fácticos. Además, con una gran habilidad, el poeta concentra un sentir generacional en el que un mismo grupo de amigos lleva diez años sentados en el mismo banco, buscando una vida vivible por InfoJobs.
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Incitado por su amigo y rival George Bernard Shaw, que lo tenía por un escritor que malgastaba su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir una obra como dramaturgo: Magia, estrenada en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres.La obra tuvo muy buena acogida, representándose hasta 165 noches seguidas, antes de estrenarse en Nueva York con idéntico éxito.En una combinación de comedia y drama, de romance, intriga y paradojas, Chesterton aborda en esta obra singular muchos de los temas que le eran predilectos, especialmente la relación entre realidad y racionalidad, entre lo fantástico y la locura.
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Una nueva obra de Lope de Vega sale a la luz.Francia e Inglaterra acaban de sellar una paz que se confirmará mediante un matrimonio regio. Para ello, el heredero francés al trono recomienda enviar como embajador al conde Arnaldo a Londres. Lo hace con una intención oculta: alejarlo de su joven esposa, Laura, a la que pretende seducir.La francesa Laura ha permanecido de incógnito durante siglos, pero gracias a la inteligencia artificial es más que evidente que no es una obra huérfana más, sino que todo apunta hacia la autoría de un Lope de Vega en la última etapa de su producción. Este hallazgo no solo es de una importancia capital porque constata las enormes posibilidades que nos ofrecen las nuevas herramientas digitales, sino también porque podemos añadir al corpus lopesco una nueva obra de sobrada calidad de uno de los grandes de la dramaturgia universal.
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Escrita en la primavera de 1938 y estrenada en el Abbey Theatre de Dublín en agosto del mismo año, Purgatorio fue la última pieza teatral que Yeats vio representada en vida. Como gran parte de su producción dramática, estamos ante una obra escueta y minimalista, en la que los valores del simbolismo se combinan con el influjo del teatro No japonés y barruntos del teatro del absurdo. Purgatorio tiene mucho de testamento, pero es también una muestra de la vitalidad de su autor, capaz de volver una y otra vez sobre sus obsesiones y darles forma: deseo y violencia, culpa y anhelo de redención, el peso de la herencia familiar, la sombra del desarraigo y la orfandad connatural del hombre. El resultado es una obra en la que el aliento visionario del gran poeta irlandés convive con una lucidez descarnada -y desolada- en la que no es difícil ver un anuncio del mejor Beckett.
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Cuenta Tefi de Paz que lo suyo con Remigia Echarren fue un flechazo. Empatizó con ella por ser mujer circense y de Pamplona. Se quedó dentro de ella, como una luciérnaga revoloteando en su corazón. ¿Quién era Remigia? ¿Una mujer funambulista? Una historia tocaba en la puerta y en esas llegó una pandemia mundial. En medio del silencio su nombre resonó de nuevo con más fuerza: ¡Remigia, Remigia, Remigia! ¿Quién anda ahí? Abre, soy yo, La reina del Arga.La reina del Arga es una obra de teatro escrita y dirigida por la actriz y payasa Tefi de Paz. En ella se cuentan las aventuras de 'La Remigia', una funambulista valiente, creativa y sobre todo mujer en un reino de hombres como era la Pamplona de finales del siglo XIX. Se sabe poco de ella. Tefi resquebrajó los cimientos de la memoria local sacó brillo a algunos hallazgos, a gentes que sí oyeron hablar de ella, a sus hazañas, a sus propuestas, a su capítulo final.
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Serge Lamothe es un poeta canadiense con una obra extensa y reconocida. Esta edición supone la primera vez que su poesía ha sido traducida al castellanoCon Mi tierra es un fondo de océano, primer poemario del autor traducido al castellano, el lector tiene la ocasión de entrar en el universo narrativo de Serge Lamothe, que va desde La longue portée (1998) hasta Des nouvelles de la posthistoire (2021), un universo que oscila entre la cruda realidad y los vuelos de la imaginación, entre los enigmas de lo más íntimo y las lacras sociales, con una honda preocupación por su tierra natal, país de colonizadores a su vez colonizados, pero también por el desastre a escala planetaria que parece esperarnos, a menos que nuestra civilización enderece drásticamente el rumbo. Y todo ello, con un tono donde la seriedad de la denuncia y el compromiso con la transición ecológica y la paz mundial no excluyen la fantasía distópica, la invención lingüística, el humor y el puro placer de escribir y leer. Y precisamente, ese doble perfil, el de lo puramente poético y lo más impuramente humano, es lo que le da su especial encanto a la poesía de Lamothe.
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Redención de Pandora es una reedición antológica, enriquecida con comentarios de escritores y críticos literarios, de tres de las obras más representativas de su autor.Mediante una narrativa poética en la que la Historia es la carga de la prueba contra la condición humana y el Arte testigo en favor de la humanidad, este volumen recoge los males de los que ésta aún no ha sido liberada: la identidad propia, como causa de sufrimiento frente a la sanción social, la melancolía, que conduce a nuestro daño como individuos y a la negación de la propia vida, y la crueldad, como culpa colectiva de todos los pueblos y herramienta del poder para destruir la cualidad diferencial y esencial de las personas: su intimidad, su libre albedrío y su credo. El volumen recoge Poemas perplejos, galardonado con el accésit del III Certamen Internacional de Poesía Gabriel Celaya, Las briznas (II Premio Nacional de Poesía Paloma Navarro) y Poemas a quemarropa del que el poeta Rafael Guillén consideró que “pocos libros como éste merecen un destacado puesto en su generación''.
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Silencio cuenta la historia de Águeda, una joven que llora la muerte de su madre, una suicida que sólo en la muerte encontró un camino para huir de la violencia de su marido. Cuando le niegan una tumba en el cementerio del pueblo, el cuerpo de la madre desaparece. Águeda sabe que su padre lo esconde, pero al desafiarlo, este decide castigar su atrevimiento con el encierro. Purgando su condena en una casa, la joven vivirá entre esas paredes como en un segundo vientre materno que la transformará. A través de los muros sentirá el mundo, las aves y las historias que le cuentan, conocerá el amor y la belleza, se dará cuenta de que, en esa sierra donde el crimen organizado manda, muchos son los que, como ella, lloran a sus muertos y buscan a sus desaparecidos.
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Nadal és família i temps d'emoció. I també temps de recolliment i de tancar, any rere any, el cicle que la vida ens ha permès gaudir en les estimades Terres de Ponent. Des de fa trenta-tres anys, el sentiment de serè agraïment es condensa en uns versos que destil·len les vivències dels mesos passats. I aquests sentiments i versos han vist com creixien amb l'encertada il·lustració d'algú que estimo: la nostra neta.
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El nuevo poemario de Jesús Urceloy, combatiente urbano, maestro irreverente, habitante voluntario de la periferia de la literatura actual, nos vuelve a inundar de ritmos, métricas, silencios y desviaciones. Dentro y fuera de lo que algunos consideran sintaxis tradicional, y que nos aferran a un lenguaje que permite digerir nuestra vida cotidiana, la que huele a asfalto. Y que con su trabajo, su genio y su empeño sabe mejorar y hacerlas nuestras. En su obra, en Ferocidades y en su Escuela, Jesús Urceloy pelea continuamente para emocionar utilizando el castellano con respeto y conocimiento. Recuperando ritmos, métricas y cadencias, que se ignoran, se desprecian u obvian por falta de conocimiento, de lecturas, de estudio y de trabajo. En Ferocidades encontramos nuestras propias carencias, la alegría de vivir, la soledad amarga, todos los besos, la piel que escapa de nuestras manos, la tristeza contenida, la valentía necesaria para levantarse todos los días. A nuestros lobos y a nuestras convalecencias, los zarzales a nuestros pies y a nuestros fantasmas más desnudos. Soleares para tomar de cena o de aperitivo. Tercetillos, seguirillas y cantares que nos bajan a tierra, para emocionarnos por lo que somos realmente:Para qué quieres rimar si tienes la casa a oscuras y a medio deshabitar.Ferocidades es un recorrido emocionante. Sus poemas nos regalan el tono, el ritmo y la melodía de lo cotidiano y lo personal de cada uno de nosotros. Un nuevo poemario de Jesús Urceloy para disfrutar de la valiosa poesía de la periferia.
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A través de una colección de anécdotas narradas y sentimientos recitados Cartas de Vida y Vuelta hace un recorrido por la memoria de Javier Díaz aka Locus que revela la trayectoria profesional del rapero y supone una confección a corazón abierto de su crecimiento (y a veces declive) personal. Es una confesión vestida de lección que nos enseña que madurar no siempre es hacerse mayor.
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José María Álvarez (Cartagena, 1942) fue un destacado partícipe de la renovación de la poesía española llevada por el grupo de poetas llamado «novísimos» hacia 1970. Desaparecidos personal o literariamente la mayoría de ellos con el paso de los años, Álvarez es ahora el principal y casi único representante de esa tendencia y uno de los poetas mayores vivos. Desde El botín del mundo (1994) a Seek to know no more (2015), Álvarez ha ido publicando en la editorial Renacimiento, a lo largo de los últimos veinte años, seis nuevos libros de poemas y dos ediciones actualizadas de Museo de Cera. Reconocido por los lectores pero no por las instituciones más o menos relacionadas con la cultura de nuestro país, que ninguno de sus libros haya recibido, pese a sus altos méritos literarios, premios como el Nacional o el de la Crítica, dice mucho de la novedosa, creciente y complacida postración cultural de la España de hoy. Abelardo Linares
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Bajo ese marbete de ''Poéticas del malestar'' se reúnen una serie de escritores nacidos hacia 1975, salvo excepción, con un perfil claramente diferenciado de las promociones anteriores: realistas, segunda oleada de poéticas esenciales y ''del silencio'', e incluso de la herencia versicular de corte neosuperrealista.Estamos ante un conjunto de poetas trasmisores del inmediato desasosiego personal desde la reticencia (no del declarativismo de línea clara, de líneas claras o esencial, neopurista, mejor, sino de quienes filtran su incomodidad existencial). Se trata de un malestar asumido como íntimo, silabeado por pudor y sin personaje, ahora más allá de la desolación absoluta descarnada, incluso nihilista,que configuró algunas poéticas previas configuradas por el momento histórico en algún caso.
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En su intento por plasmar en palabras su mundo propio, José Luis Puerto recurre a la inocencia para lograrlo, consciente de que solo ahondando en ella es posible transitar en un mundo tan materialista y pragmático como el actual. ''Hay una íntima, indisoluble correlación entre inocencia y universalidad. Solo el hombre dotado de un corazón inocente podría habitar el universo'', escribió María Zambrano. Y este ''Ritual de la inocencia'' se convierte en una guía humanizadora e iluminadora que pretende la salvación mediante la palabra.
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La soriana Concha de Marco (1916-1989) se atrevió con las traducciones, los ensayos y algunos cuentos, pero se decantaría finalmente por el género de la poesía, escribió diez poemarios aunque sólo publicó siete, entre los que destacan Acta de identificación o Congreso en Maldoror. Tuvo que sobrevivir en una etapa difícil y convulsa, pero tras la muerte de su marido, el también escritor y crítico de arte Juan Antonio Gaya Nuño, no volvió a escribir y sus últimos proyectos cayeron en el olvido incluso para ella. Ésta es la primera antología que se publica de su obra poética completa y quiere ser un homenaje a la autora por los cien años de su nacimiento, pero además una reivindicación del legado de estas mujeres intelectuales, casi olvidadas en España pero fundamentales para entender nuestra cultura y nuestra historia. Hilario Jiménez Gómez
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Encierra este libro vocación de bofetón en la cara con la mano abierta. Su axiomática: «Poesía no está en casa, Poesía nunca está donde ya ha estado». Por ello, está armado a base de materiales repudiados por la lírica para apuntar a su misma yugular. Y ya que se pone, dispara contra casi todo lo demás con un humor que hace daño y sabe a bilis. A medio camino entre un libro y un atentado, ''Poetiza como puedas'' es, según su autor, poesía contra la poesía. O tal vez no, quizá todo lo contrario. Tal vez se trate de una misión de rescate, una descarga de desfibriladores, un revulsivo. Y, si no tanto, quizás sí una maniobra de Heimlich, un mucolítico con que descongestionar a poesía de la idiotez supercalifragilística.
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Poemario de la autora Elizabeth TorresUn lugar que sólo puede contemplarse en los sueños de los navegantes. Una región que no responde a la ciencia, a las reglas del pensamiento empírico. Elizabeth Torres nos sorprende con un poemario que procede de las ingobernables regiones de la imaginación, de un lugar donde plantearnos los aspectos fundacionales de nuestros sentimientos y nuestras sociedades. Hay un albatros que atraviesa el viaje en este libro, con sus gigantes alas que llevan el peso de la historia de la poesía. FERNANDO VALVERDE.
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Ni ruinas contempladas ni paraísos perdidos: la voz que canta en ''Celebración'' se escucha luminosa y libre de culpas y melancolías. Una escritura que parte desde cero, consciente de que la memoria se borra y el olvido se trabaja, hacia una reconstrucción personal y colectiva. Gonzalo Hermo se revuelve contra la nostalgia y festeja la vida y la poesía en su finitud, en su apertura a los cambios, en su condición salvaje. El jurado del Premio Nacional de Poesía Joven destacó de ''Celebración'' «la apuesta por abrir nuevos caminos para la expresión poética, apuntando un lenguaje arriesgado e innovador, en este libro que trata sobre la memoria y el olvido, sobre la necesidad de construir sobre las ruinas, de romper el círculo y avanzar a pesar de todo».
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Un diálogo aberto que nos conecta coa tradición oral e o saber popular. Tu existe é un lugar de encontro, que se orixina dentro un proxecto chamado O espello da memoria no trazo da palabra, entre a poeta Luz Pichel e a ilustradora María Puertas e os veciños de Vilar de Bande na comarca da Baixa Limia. Poemas e debuxos buscan penetrarse na memoria a partir dun diálogo aberto que nos conecta coa tradición oral e o saber popular.
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En Vivir tan adentro nos encontramos con una poesía que conjuga la concreción de la experiencia cotidiana con atmósferas e imágenes que nos envuelven de manera fantasmagórica, y nos remiten a la lógica de lo onírico. La mirada de Lauren Mendinueta se vale de los espacios más entrañables -los pasillos de la casa, las puertas, las ventanas- y de la luz, a veces transparente, a veces inquietantemente sombría, para conducirnos a un mundo interior, íntimo, el de las sensaciones, los sentimientos y la memoria, tocadas por la nostalgia, el desasosiego o la presencia acechante de la muerte. Lo femenino ocupa también un lugar importante en muchos poemas, que tocan los grandes dilemas de mujeres de la historia y del mito. A veces con vocación narrativa, con toques de absurdo o de humor, con secretas alusiones a la pandemia, y siempre con imaginación y lirismo, este libro de tono desolado nos permite transitar por un mundo singular, entrañable, que busca en la poesía las diversas formas que ofrece la belleza. PIEDAD BONNET
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Alí Calderón ha escrito un libro que justifica toda una obra. Pocas veces el lector encontrará un poemario tan original, tan arriesgado, tan lleno de sabiduría y llanto, de sangre y miseria. Hay que haber cruzado el mar muchas veces y haberse ahogado en él para rescatar la lengua de quienes un día partieron hacia el Nuevo Mundo. Calderón no sólo recupera un idioma, sino que lo lleva a la mayor tensión posible, la del hombre desdichado que escribe en una pared o en una piedra para clamar piedad o memoria. Este es el libro más arriesgado que he leído en décadas, a la altura de las grandes cumbres de la poesía latinoamericana. Un libro que definitivamente convierte a su autor en el mayor poeta de México de su generación. FERNANDO VALVERDE
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Diane di Prima (Brooklyn, 1934-San Francisco, 2020) fue una poeta estadounidense perteneciente a la generación beat. Estudió budismo, sánscrito, alquimia y gnosticismo, y estuvo siempre comprometida con los movimientos a favor de la justicia social. Una muestra de ello es Cartas revolucionarias, un verdadero manual de vida contracultural, un manifiesto de protesta callejera y una ofensiva feminista contra el aparato represivo del Estado, tan relevante hoy como lo fue en sus inicios, hace más de cincuenta años. En 1968 Diane di Prima se mudó a San Francisco, donde comenzó a escribir estas «cartas» -auténticos poemas inmersos en tradiciones místicas, con una potente combinación de imaginación utópica, política radical y conciencia ecológica-, que al principio circulaban a través de periódicos y panfletos clandestinos. En 1971 se publicó la primera versión en libro, que Di Prima fue ampliando en ediciones posteriores. Durante sus últimos años, supervisó la versión final de este proyecto de toda la vida, añadiendo nuevos poemas escritos entre 2007 y 2020. «Cartas revolucionarias es una máquina del tiempo hacia un futuro mejor». Ken Chen
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Guillermo Carnero (Valencia, 1947) ha sido catedrático de Literatura Española entre 1986 y 2012, y profesor en las universidades estadounidenses de Berkeley, Virginia y Harvard. Es autor de catorce libros de poesía, por los que ha recibido el Premio de la Crítica (2000), el Nacional de Literatura-Poesía (2000), el Fastenrath de la Real Academia Española (2002), el Loewe (2005) y el de las Letras Valencianas (2006). Perfil perdido -expresión que en pintura designa un rostro vislumbrado desde un lado y atrás, con gran escorzo- es un poema continuo de novecientos versos en tres movimientos, la última entrega hasta ahora de Guillermo Carnero en la línea de poesía extensa que incluye Espejo de gran niebla (2002), Fuente de Médicis (2006), Cuatro noches romanas (2009) y Carta florentina (2018). Perfil perdido escribe el deseo del poeta de renunciar a la propia memoria vivida y escrita, y así mantiene un frecuente contacto intertextual con su obra anterior, desde Dibujo de la muerte (1967). El arte del olvido que conforma este libro exige partir de un arte de la memoria, que actualice la totalidad del recuerdo como requisito de su desvanecimiento. Dicha memoria es primordialmente la sensorial. Sin que se trate de ámbitos estancos, el primer movimiento está dedicado a la vista, el segundo al oído, el tercero a los restantes sentidos. Los cinco, una vez en blanco, se ofrecen a una mujer, que pasa ante ellos sin detenerse.
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Entre letras encierro tormentas, en busca de que no vuelvan a apagar el fuego. Y entre versos vive ese recuerdo que deseo que nunca vuelva a ser la historia. Te invito a ser nube y entrar en mi cabeza salvaje, que truena y aún anhela que algún día la ausencia se vuelva eléctrica.
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Primera lliçó sobre Vicent Andrés Estellés ex-posa un panorama únic dels aspectes biogràfics del poeta, així com de les diferents etapes de la seua trajectòria literària. Amb caracteritzacions generals de cada moment literari, l'obra se centra en l'anàlisi de poemaris concrets que mostren la diversitat de formes i temàtiques pròpies del particular estil d'Estellés. Ferran Carbó (Vila-real, 1960) és catedràtic de Filologia Catalana a la Universitat de València. És autor dels llibres sobre Vicent Andrés Estellés: Com un vers mai no escrit. La poesia de Vicent Andrés Estellés en els anys cinquanta (2009) i Els versos dels calaixos. Sobre Llibre de meravelles de Vicent Andrés Estellés (2018). Jordi Oviedo (El Palomar, 1980) és doctor en Filologia Catalana i professor a la Universitat de València. Ha organitzat el Fons familiar d'Estellés i és codirector literari de l'obra completa revisada del poeta de la qual ha editat diferents volums.
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La tragedia romántica más señalada de la literatura en inglés.Escrita originalmente en 1892, esta obra de William Butler Yeats retoma una vieja leyenda franco-inglesa -que a su vez remite a la del sacrifico de Alcestis de la mitología griega- para abordar, con tintes propios de la cultura popular irlandesa, la cuestión de la adversidad y la redención.
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Esta edición reúne, por primera vez, los siete poemarios de Marina Romero nunca reeditados y prácticamente desconocidos para el público español. Publicados desde 1935 hasta 1999, entre España, treinta años de exilio en Estados Unidos y veinte de regreso, fueron editados por instituciones y editoriales dedicadas, ya en su tiempo, específicamente a rescatar voces marginales como era la suya, en tanto que mujer intelectual y exiliada republicana. Se rescatan así las experiencias amorosa y exiliar que atraviesan sus versos desde la delicadeza más bella hasta una crudeza desgarradora, a veces simultáneas. Romero traza un doble duelo: por la patria y la amante perdidas y jamás reencontradas. De la evolución estética de Romero podemos deducir el principal patrón de su época, que va desde las poéticas de principios de siglo xx hasta la poética propia del exilio y la del regreso a una patria que marca un nuevo estadio para el sujeto: el de exiliado doble, de la España que conoció y del país que la acogió durante tres décadas y ahora se abandona. Rescate de la poesía jamás reeditada de una mujer intelectual, republicana y exiliada en Estados Unidos, cargada de sencillez y complejidad conceptual, de delicadeza y desgarro. Marina Romero (Madrid, 1908-2001) fue autora de poesía y literatura infantil. La suya se inscribe en la historia cultural de la mujer moderna española de principios de siglo XX, intelectual, feminista, republicana y emancipada, en torno a instituciones como la Residencia de Señoritas y una red femenina internacional de intercambios y apoyo. Exiliada en Estados Unidos, fue catedrática de Literatura Española en Douglass College (New Jersey). Allí mantuvo sus vínculos de juventud con otros exiliados republicanos: mujeres de la Residencia, las familias García Lorca, de los Ríos, Zulueta, los poetas Jorge Guillén, Pedro Salinas, etc. Regresó a Madrid en los años 70 para descubrir, quizás, que nunca se regresa al sitio del que se fue arrancada. Lucía Cotarelo Esteban es Doctora en Filología Española por la Universidad Complutense de Madrid y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona. Miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL), se especializa en la historia cultural y la poesía del exilio republicano en Estados Unidos, a la que la experiencia y obra de Marina Romero pertenecen. A este respecto, publicó el volumen Spain in the Hudson. Los poetas del exilio republicano español en Estados Unidos (2022). Actualmente, focaliza sus estudios en mujeres intelectuales y artistas exiliadas en el mismo país.
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Este poemario nos invita a explorar la dualidad de la vida y la muerte, la resistencia y la renovación en el contexto del mundo natural.En el poemario «¿De qué muere un buitre?» Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, la autora teje una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y las complejidades de la existencia.
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Un libro sobre la relación entre dos personas en particular que se vuelve una meditación sobre la amistad, el compañerismo y la construcción de dos vidas literarias.Es saxofonista, se mueve en el ámbito del jazz. Dirige el aula-taller de improvisación en la Escuela Municipal de Música de León, donde también es profesor de saxo. Fue miembro fundador de las revistas Cuadernos leoneses de poesía y El signo del gorrión.
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Maresía presenta la segunda antología de poesía bonita y que se entiende, una selección de poemas de dieciséis autores con una gran proyección en el panorama poético actual: José María Castellano Martínez, Malena Ulcina Cabello, Amanda Plaza, Míriam de los Ríos, Álvaro Macías Rondán, Aurora H. Camero, Andrés Rubio Blanco, Cris Rivero, Paula Sánchez Santiago, Obed Higueras, Javier Vayá Albert, Jesús Durán, Pablo R. Carratalá, Berta Algaba, María José Coronado e Ismael Rodríguez Lara. Junto a estos, se incluyen otros textos poéticos de Francisco Padilla Chacón y José Fernández del Cacho. Alentados por el éxito de la primera antología, mantenemos el sistema de acompañar cada poema con un comentario de su autor y una explicación del editor que justifica la elección. Poesía bonita y que se entiende 2. Nueva antología comentada de poesía actual continúa la línea de Maresía de acercar la poesía a todos.
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Lo que se incluye en esta obra es una buena muestra del boletín que la poeta Beatriz Minaya (Villanueva de la Jara, Cuenca, 1988) envía a sus numerosos suscriptores desde hace un tiempo. Veinticuatro entregas bimensuales que acompañan al lector durante un año con reflexiones muy valiosas sobre la vida y poemas de la propia Beatriz, junto a versos de otros autores. Estos Retales de poesía (así se llama el boletín) nos invitan a formar parte de los asuntos más íntimos de la autora para contarnos todo eso que le pasa y, con ello, ayudarnos a en-tender mejor la vida diaria en general y nuestros sentimientos más concretos. Asunto: Poesía es un nuevo acercamiento a la poesía de Maresía con el objetivo de que quien busque iniciarse o profundizar en ella lo pueda hacer de forma sencilla y alentadora.
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A quién pueden interesar mis poemas, se pregunta con escepticismo una de las ensayistas más leídas y citadas en los últimos años. Y la pregunta revela por sí sola no solo la potencia de los mecanismos de autorización sino el papel mismo que parece destinarse habitualmente a la poesía: cosificada en extremo y reducida a menudo a experiencia artística despegada tanto de lo mundano como de la tierra que habitamos. A lo largo de su vida Silvia Federici ha volcado sobre la poesía fuegos sociales e inquietudes compartidas, apoyándose en ella para reflexionar de otra forma, girar la realidad y revelar la fuerza vital de lo que nos rodea. Llegada la gran pandemia de principios del XXI, esa misma poesía reaparecería en un diálogo a distancia con las acuarelas de Begonia Santa-Cecilia, que enraizaban y daban materialidad con sus pigmentos al cuidado de la vida. Este libro, elaborado en varias lenguas y con muchas manos, da cuenta de ello e intenta abrir de par en par todas las puertas que otorgan color a la existencia.
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'El individuo y su ceniza intenta desentrañar el viaje ontológico prescindiendo de coordenadas geográficas y temporales. Cada poema se aproxima ''sin llegar a la cumbre'', sin prisa por una identidad, insaciable, degustando el no llegar, la espesura de fugas, el laberinto. Es un libro que habla en la holgura del instante tocando el cuerpo - cápsula de percepción - preñado por el hambre y su consciencia de ceniza''. ÁNGELA GARCÍA Estás siempre acercándote a la cima de lo que no comprendes. Viajas hacia lo que tiene que pasar como si vivir ya sucedió y estamos repitiendo sin esfuerzo el destino de la memoria. Te aproximas sin llegar a la cumbre estás viajando sin parar en la muerte de ese momento.
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Al borde del borde es un libro introspectivo que transita por lugares que hemos recorrido en algún momento de nuestras vidas: la contemplación de la naturaleza, las posibilidades e imposibilidades del amor, la velocidad implacable del tiempo, la muerte presente y la que se avecina. Con un lenguaje conciso y claro, y el uso de recursos líricos no exentos de humor e ironía, Rebeca Geffin nos hace partícipes de su proceso reflexivo. A través de los textos en este libro la poeta lleva al lector de la mano por un viaje íntimo donde el fulgor del camino es compartido por todos.
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Motel Milla Noventa compone un díptico, “Xenía” y “Nostos”, sobre la interiorización de lo eterno y lo efímero. Dos voces en diálogo ensimismado rastrean los significados del amor, la realidad y el desarraigo. Dudan del instrumento con el que cuentan para este rastreo: la palabra. Xenía es el término griego que define el concepto de hospitalidad. Nostos es el correspondiente al concepto nostalgia. Dos nociones que determinan el proceder de Calipso y Ulises en la Odisea homérica. La ninfa solitaria que da alimento, cobijo y entretenimiento al héroe errante. El hombre que renuncia a ser dios por su deseo de regresar a Ítaca.Un camionero y una meretriz de motel como encarnación contemporánea de Ulises y Calipso. La mirada líquida de un nómada que se mueve como rata por los territorios de la multiculturalidad y la mirada introspectiva de una mujer asomada a la ventana, viendo pasar las siluetas como en un teatro de sombras mientras corren las lunas y los soles a cámara ultrarrápida.Longitud y latitud marcan las coordenadas de su encuentro en el Motel Milla Noventa, representación de la paradisíaca morada de la ninfa.De Ángela Mallén, El Desvelo Ediciones ha publicado los relatos 'Entretanto, en algún lugar' y los aforismos 'Microorganismos'.Diseño de colección de Victoria O'May.
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