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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Diane di Prima (Brooklyn, 1934-San Francisco, 2020) fue una poeta estadounidense perteneciente a la generación beat. Estudió budismo, sánscrito, alquimia y gnosticismo, y estuvo siempre comprometida con los movimientos a favor de la justicia social. Una muestra de ello es Cartas revolucionarias, un verdadero manual de vida contracultural, un manifiesto de protesta callejera y una ofensiva feminista contra el aparato represivo del Estado, tan relevante hoy como lo fue en sus inicios, hace más de cincuenta años. En 1968 Diane di Prima se mudó a San Francisco, donde comenzó a escribir estas «cartas» -auténticos poemas inmersos en tradiciones místicas, con una potente combinación de imaginación utópica, política radical y conciencia ecológica-, que al principio circulaban a través de periódicos y panfletos clandestinos. En 1971 se publicó la primera versión en libro, que Di Prima fue ampliando en ediciones posteriores. Durante sus últimos años, supervisó la versión final de este proyecto de toda la vida, añadiendo nuevos poemas escritos entre 2007 y 2020. «Cartas revolucionarias es una máquina del tiempo hacia un futuro mejor». Ken Chen
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En 1926, el poeta y pintor José Moreno Villa conoció en la Residencia de Estudiantes a una joven universitaria neoyorquina que cambió su vida para siempre e inspiró los versos de su más célebre libro de poemas, Jacinta la pelirroja (1929). Nunca llegó a desvelar la verdadera identidad de su musa, por lo que durante mucho tiempo sólo se sabía de ella que había venido a Madrid para asistir a los cursos para extranjeros que se celebraban en verano en la Residencia (donde Moreno Villa vivió entre 1917 y 1936, ejerciendo un papel fundamental como tutor informal de los jóvenes residentes), que pronto nació entre los dos un apasionado romance que en pocas semanas los llevó a trazar planes de matrimonio, y que, tras un viaje a Nueva York para que la familia de ella conociera al futuro marido, se fraguó la ruptura definitiva de la pareja. En este libro Christopher Maurer relata la vida y fortuna de aquella misteriosa mujer cuyo nombre real era Florence Ruth Louchheim, ardiente defensora del arte moderno que acabaría enfrentándose con su clase social y poniendo su dinero al servicio de la pintura. La tumultuosa relación del malagueño con Florence, su visita a Nueva York y el choque con el pragmatismo norteamericano marcaron un antes y un después en la vida del artista que se refleja en sus producciones pictóricas y literarias posteriores, realizadas tanto desde Madrid como, a partir de su exilio por la guerra civil, desde México, adonde finalmente se trasladó a vivir, tras pasar unos meses en Estados Unidos, y donde volvió a encontrarse con Florence.
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Felipe Benítez Reyes nació en Rota (Cádiz) en 1960. En Visor ha publicado Sombras particulares (1992), Vidas improbables (1995, Premio de la Crítica y Premio Nacional de Literatura), La misma luna (2006), Las identidades (2012) y Ya la sombra (2018), así como Libros de poemas (2009), que recopila su poesía escrita entre 1978 y 2008. Es autor de novelas (El novio del mundo, Mercado de espejismos, El pensamiento de los monstruos y El azar y viceversa, entre otras), de ensayos (Bazar de ingenios y El intruso honorífico), de libros de relatos (Oficios estelares, Cada cual y lo extraño y Por regiones fingidas) y ha traducido a T. S. Eliot, Vladimir Nabokov y Francis Scott Fitzgerald.
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Alcaide ha dedicado toda su obra poética a la indagación sobre el sentido del amor en la sociedad contemporánea. La pareja es una especie siempre en peligro...Mala land es a la vez la confirmación de todo lo anterior y un punto de inflexión. Lo que el propio autor ha llamado el paso de “los enemigos exteriores del amor” a los más temibles “enemigos interiores”: la rutina, la falta de tiempo, el paso de este, la familia...Con un estilo directo y descarnado lleno de sutiles referencias culturales (desde la omnipresente Biblia hasta la canción de autor), el poeta ya no es aquel joven que defendía su amor como solitario y anacrónico caballero frente a todo. Por la cota de malla se cuelan las dudas, las hiedras del tedio y ve más enemigos dentro que fuera.Mala land es también la crónica de la vuelta a la ciudad que lo vio crecer, una reconquista imaginaria de la mujer que quizás nunca perdió pero que tal vez pierda en el siguiente libro.
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Alphonse de Lamartine (1790-1869) se encuentra en una situación privilegiada en los manuales de historia de la literatura francesa,por lo menos en cuanto a referente, al tratarse del reconocido y consciente iniciador de la poesía romántica en su idioma.
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From the Number One Sunday Times bestselling author of milk and honey and the sun and her flowers comes her greatly anticipated third collection of poetry. rupi kaur constantly embraces growth, and in home body, she walks readers through a reflective and intimate journey visiting the past, the present and the potential of the self. home body is a collection of raw, honest conversations with oneself - reminding readers to fill up on love, acceptance, community, family, and embrace change. illustrated by the author, themes of nature and nurture, light and dark, rest here. i dive into the well of my body and end up in another world everything i need already exists in me there?s no need to look anywhere else - home
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Marta Buchaca siempre explora la ambivalencia entre el drama y la comedia describiendo e intercalando las intensas emociones de los momentos trágicos de nuestra vida con los sucesos más hilarantes. Temas como el suicidio son tratados con humor en «Litus», donde un joven está más preocupado por la ruptura con su pareja que por el trágico final de su amigo, «Rita», donde dos hermanos se plantean la necesidad de abandonar lo que tanto aman, «Kramig», que retrata el día a día de una pareja que está esperando un bebé, «Losers», una comedia romántica sobre el descubrimiento del amor, «Playoff», una tragicomedia que transcurre en un vestuario de un equipo de fútbol femenino, y «¿Cuánto me queda?», una comedia en la que un hombre al que solo le queda un mes de vida quiere asegurarse de que su mujer sea feliz cuando él muera. «Solo una vez» es la obra que quizá explora con mayor seriedad, y sin tanto humor, el maltrato que sufre una mujer por parte de su pareja.
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Piezas poéticas, epigramas, soleares, greguerías, aforismos, apotegmas, proverbios, aerolitos, paremias, sentencias,máximas, décimas, doloras, humoradas, haikus, tankas...Toda literatura breve tiene cabida en esta antología de 100 autores antologados por el maestroEnrique Gracia Trinidad y la editora Alicia Arés.Esta antología reúne a 100 autores esenciales dela liteatura contemporánea en castellano y su obra breve, es decir, piezas poéticas, epigramas, soleares,greguerías, aforismos, apotegmas, proverbios, aerolitos, paremias, sentencias, máximas, décimas, doloras,humoradas, haikus, tankas...En el caso de los poemas, los textos breves son sin duda un plato muydeseable. No porque la poesía deba ser breve, que noes el caso, ni por aquello de «lo bueno si breve, dos veces bueno», sino porque la condensación que ya lleva en sus entrañas lo poético, se engrandece con lopequeño —perdón por jugar al oxímoron—, y esa condensación extrema, ese ir al grano y evitar la paja, lo agradece mucho el buen lector que se sitúa rápidamenteen la reflexión, en la complicidad y en la suspensión de ánimo, extremos que siempre convienen a la lectura poética.Por cierto, si alguien piensa queeste libro es un poco cajón de sastre, tiene toda larazón, pero no olvidemos que sin todo lo que los sastres llevan en su gaveta terminaríamos más bien desnudos y no es el caso. Usemos estas páginas para ayudarnos a vestir, si no nuestras carnes, sí nuestra fantasía, nuestro ingenio y nuestras emociones.
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ADRIENNE RICH (Baltimore, 1929-California, 2012) fueuna de las poetas estadounidenses más influyentes del último siglo. Con una voz atrapante e inconfundible, logró introducir las discusiones sobre género, razay clase en el discurso poético, y fue capaz de cuestionar los límites formales de la poesía al mismo tiempo que a la sociedad y a sí misma. En su obra, se halla siempre la intención manifiesta de buscar la verdad, sus planteamientos acerca de la condición humana,el amor y la historia parten de la convicción de quesolo a partir de la toma de conciencia es posible elcambio.Con el objetivo de atravesar y reflejar la evolución de su poesía desde sus comienzos, próximos a la tradición, hasta que desarrolla un estilo más radical, tanto en la forma como en el contenido feministay político, esta antología bilingüe presenta una selección de diez libros publicados entre 1951 y 1985, ytambién incluye un prólogo de la autora.
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Este número doble dedicado al teatro rinde tributo a la figura de Federico García Lorca y a su poemario Poeta en Nueva York. Dramaturgo y obra son la metáfora perfecta, la imagen en la que sintetizar la relación de lo hispano, las artes escénicas y la Gran Manzana. Los autores invitados a este especial son dramaturgos y tienen en común, además de la lengua y su amor por el teatro, a Poeta en Nueva York como parte de su acervo cultural. Todos ellos tienen un lugar asignado dentro de las diez partes en que se divide la obra original, de la que reinterpretan imágenes, temáticas o poemas. Así, el lector encontrará, en estas páginas, géneros dispares: escenas, narraciones, prosas poéticas, apuntes, ensayos breves, fragmentos de obras. Al igual que García Lorca representó en él la ciudad moderna y sus conflictos: capitalismo, explotación, sexualidad, negritud, discriminación y deshumanización, en estas páginas se representa una metrópolis en tiempos posmodernos. Páginas incómodas que, cien años después, repiten temas y argumentos e invitan a la reflexión y al cambio.
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ISABEL ESCUDERO RÍO nació en Quintana de la Serena (Badajoz), en 1944 y falleció en Madrid, el 7 de marzo de 2017, donde residió y ejerció como profesora de la UNED. Desde muy niña escribía versos y los recitaba en público. Devolver la poesía a la viva voz y al canto siguió siendo su empeño más constante: “,Prestar oído a la gente, ya que es del lenguaje corriente de donde toda poesía, cuando es verdadera, se alimenta”,. Tinta robada es su poemario póstumo, cuya edición ha estado al cuidado de Virginia López Graña, nacida en Alcázar de San Juan y licenciada en Filosofía Clásica. De la poesía de Isabel Escudero se ha escrito: “,…,Que este aprendizaje de la voz anónima y los aciertos que el amor del azar le haya brindado a doña Isabel Escudero en la imitación y continuación por escrito de las fórmulas orales, pueda traer algo de rotura y riqueza a la literatura de los Cultos, es algo que no podemos sino desear fervientemente, no ya por los merecimientos de ella, sino también por la dominación y pesadumbre de la retórica y pedantería de varia color en la poesía literaria…,”,. AgustÍn GarcÍa Calvo, prólogo a Coser y cantar, 1984. “,…,No conozco otro caso parecido de fidelidad extrema a la herencia de lo popular, entendiendo lo que esa fidelidad conlleva, ya que no se trata de una lírica revitalizadora del folclore, emuladora de su ejemplaridad, se trata de una voz enormemente personal, expresiva de un mundo muy propio, que alcanza una extraordinaria dimensión, al sonarnos como anónima…,”, Luis Mateo DÍez. Prólogo a Cifra y aroma, 2001. “,Hay momentos donde el lenguaje es, a la vez, flecha y herida. Flecha capaz de romper el velo –,la ilusión–, de la realidad, herida que nos toca el corazón porque acierta a mostrar lo que no se ve a simple vista, pero que alguna vez, como en un sueño perdido, hemos vislumbrado.”, VÍctor Erice. Epílogo a Cifra y aroma, 2001.
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Líneas de exportación intenta camuflarse en un manual de economía poética o de poética económica, un catálogo de una maltratada producción nacional que ha marcado a cada hijo o paseante por la isla de Cuba. Habitante de la sugar island, escurridizo entre los humos del habano y los goces de los rones tropicales, el autor expone, a manera de un extendido cliché, la imagen del país ante los ojos del mundo, valiéndose de la historia de sus exportaciones. La representación idílica de los diarios de viajeros o de las postales turísticas va desvaneciéndose ante las cicatrices que ha dejado la reproducción del tabaco, el azúcar y el ron en la identidad insular. Una marca estampada en la tierra y una huella como mancha en la piel. La consecuencia de un país derivando sus mejores creaciones hacia el exterior.
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L'home de l'aigua (1958) és la història d'un home bo que lluita amb la terra i la natura amb què conviu i estima, com ho fa també amb els seus veïns i les seues supersticions. L'entrada en escena d'un personatge femení amb certs aires de misteri hi introdueix l'amor i el conflicte. Una trama d'ara i de sempre que és capaç de captivar-nos per la seua humanitat.
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Juan Ignacio y José Ángel son dos cuarentones, dos «perdedores» que ven cómo su vida se desliza entre el sofá y el televisor— Hasta que deciden «ponerse las pilas». En ese mismo momento, la cosa se descontrola y todo salta por los aires, desencadenando una gozosa comedia sobre lo absurdo del éxito: una inigualable parodia sobre el esfuerzo, salpimentada por un gran desbarajuste con multitud de sorpresas e invitados inesperados (el fontanero del Titanic, Grace Kelly, Hitler, Manson, Chuck Norris...). Presentamos ahora una adaptación —para que la lectura sea más ágil— del texto que fue llevado al teatro por Pánico Escénico (la compañía de Álex de la Iglesia) y Elemental Films, con la participación de Enrique Martínez (Juan Ignacio) y de Manuel Tallafé (José Ángel). Este texto, que ya ocupa un lugar especial entre los absurdos más desopilantes, está condenado a convertirse en un clásico del humor.
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Como sucede casi siempre en las comedias de Lope de Vega, Yo me entiendo tiene como tema el amor entre jóvenes. En un pueblo de Florencia, dos hermanas, Belisa y Florela, aman al mismo joven, Carlos. Este quiere a Belisa, pero la acusa de haber despertado el amor de Alejandro, el duque de la ciudad, un hombre que solo persigue el placer. Los celos desencadenan la acción de la obra y un final sorprendente.La atribución de esta comedia extraviada a Lope de Vega ha seguido un tortuoso camino hasta que por fin el profesor Donald McGrady, tras un largo proceso de investigación que atestigua en su prólogo, ha conseguido despejar las dudas sobre su autoría. Un hallazgo filológico indiscutible que se suma a la lista de obras recuperadas de Lope y que supone una celebración de primer nivel para las letras españolas.
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Lucrècia Borja és una de les obres més representatives del teatre didàctic de Victor Hugo i ha passat a la posteritat com un dels textos que més han ajudat a nodrir la llegenda negra dels Borja, la família valenciana més poderosa del Renaixement. La vida de Lucrècia va estar envoltada d'històries fosques, matrimonis de conveniència i traïcions, que han contribuït a fer més gran el mite dels Borja. Un drama colpit per l'amor, la traïció i la mort en el marc d'una Itàlia renaixentista dominada pel poder del papa Alexandre VI.
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Este libro que se presenta ante ustedes, queridos lectores, no se podría catalogar como un poemario, tampoco como un conjunto de versos o como un ramillete de simples reflexiones. Este libro, este puñado de páginas transcritas por la mano de José Luis Gómez, es mucho más que eso, son experiencias de vida, girones del alma abatida, anécdotas del superviviente que ya regresa de vuelta de no se sabe cuántas batallas vencidas, es lucha y entrega. Este libro es todo eso y mucho más, es el grito mudo del que tan solo encuentra consuelo en la poesía, es la última tabla de salvación a la que aferrarse, el refugio en medio de la mayor de las tormentas, el islote a donde nunca podrán acceder los temidos tiburones. Este libro, en definitiva, es amor, experiencias, recuerdos, sensaciones, añoranza y pasión. Este libro que no es libro, es VIDA.
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María Paz Moreno (Murcia, 1970) es poeta, ensayistay crítica literaria. Ha publicado los poemarios La semilla bajo el asfalto (1994), Mudanza en su costumbre(Premio Lunara de poesía, 1996), Correspondencia atrasada (Premio Villa de Cox, 1999), Geografía enemigay los dones perversos (2005), Invernadero (2007), Elvientre de las iguanas (2012) y la antología bilingüeFrom the Other Shore/ Desde la otra orilla (2018). Amiga del monstruo es su tercer poemario en esta editorial.
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Bolsa con poema de Emily Dickinson y con ilustración de Elia Mervi. Serigrafía sobre bolsa de algodón orgánico. Hecha en Soria.
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Durant la tardor de 1830 el poeta A. S. Puixkin es va veure confinat en la propietat familiar de Bóldino, al sud-est de Nijni Novgorod, quan es dirigia a Moscou, on l'esperava la seva promesa i on hi havia tancada l'entrada per quarantena degut a una epidèmia de pesta. Aquella tardor a Bóldino va resultar extraordinàriament productiva. Entre altres obres, allà va néixer un cicle de quatre miniatures teatrals, conegudes com a «petites tragèdies»: Mozart i Salieri, El convidat de pedra, El festí en temps de pesta i El cavaller avar. Es tracta de quatre obres de contingut filosòfic i psicològic entorn de tipus literaris universals, en diàleg amb les versions europees anteriors sobre el tema corresponent, el fil conductor és l'anàlisi d'una passió i l'enfrontament entre una figura paterna i una de filial. L'enveja com a pulsió que acaba empenyent a l'assassinat, l'amor que provoca el trencament de les normes de comportament ètic imposades per la societat, la rebel·lió, l'instint del risc, la provocació sacrilega, i l'avarícia que provoca la confrontació entre pare i fill... Són les passions que suren a les pàgines d'aquestes petites tragèdies>> Més enllà de morals, filosofies i interpretacions, convidem el lector que es deixi seduir per l'elegància, la lleugeresa, el laconisme i la profunditat de reflexió que s'amaga al fons de les escenes i paraules aparentment més simples. Que, en definitiva, es deixi seduir per Puixkin.
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En un artículo de 2013, el poeta y crítico Martín López-Vega decía, a propósito de la repercusión del poemario Las afueras (DVD Ediciones, 1997), debut del cordobés Pablo García Casado, que aquel era un profundo ejercicio de retratar y entender nuestro propio paisaje .Un cuarto de siglo después, Los reales sitios, libro de estreno de Juan de Salas, llega al lector como una obra capaz de capturar de nuevo ese paisaje de la mente , reflejado y refractado en el espacio que habitamos.Con una alegría parecida a la de Rem Koolhaas en sus observaciones delirantes sobre Nueva York, el autor nos muestra las líneas maestras de nuestra mitología patrimonial, remontándose a los caprichos y deseos del primero de los Austrias, y nos indica con el dedo un linaje tan bello y tradicional como capaz de erradicar la convivencia humana.Y es que nuestro paisaje sentimental ha sido diseñado por planes de urbanismo, en despachos de Fomento.Porque el destino de quienes se aman depende también del trazado de las autovías.
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En este libro el autor presenta las recetas de cocina que acompañaron su infancia y adolescencia maridadas con relatos autobiográficos breves colocados al pie de página, y que enmarcan o festejan el arte gastronómico de las familias contemporáneas mexicanas. Cierra cada tiempo con poemas que emulan a las cerezas de cada una de estas representaciones culinarias con el fin común de saciar el hambre a cualquier persona que los ingiera.
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Cuando se cumplen cincuenta años de la publicación dePameos y meopas, la poesía de Julio Cortázar —todo en él era poesía— no ha hecho sino crecer en la consideración de lectores y críticos. Visionario, social, apocalíptico, intrépido, desgajado, ebrio, desarraigado, cáustico, antiburgués, amargo, elegíaco, tierno, expresionista, el Cortázar de Pameos y meopas es el germen de quien escribirá Le ragioni della collera y Salvo el crepúsculo. Adelantado a su tiempo, bebedor detodos los espíritus y todas las posi¬bilidades, el poeta argentino exhibió su conciencia de la crisis queafecta al lenguaje y del peligro que significan la domesticación de la literatura, la acep¬tación de un mundo sustancialmente injusto o el abandono de los grandes ideales de la revolución. En su poesía encontramos un mani¬fiesto vital, escrito a contracorriente, fuera de tiempos y de modas, al hilo de todas las mareas estéticas y personales, en que se renueva la ideadel creador como ser órfico, como liberador del lenguaje y del espíritu. Por eso, la fragmentación, la dispersión, el juego, la ruptura, la poli¬fonía o el profundo compromiso con la realidad se convierten en losgrandes ejes sobre los que se articula una obra poética siempre en expansión. Desde una estética proteica, contra la Gran Costumbre, en reivindicación del pensamiento cronopio, la poesía se ofrece como lucha ante «la realidad odiosa» y como «historia de una sangre». Un afán insatisfecho lo acompaña siempre y el suyoes, por tanto, un designio poético de sustancias confusas, impulsivo y nunca relegado a una clasificación. Por lo demás, la poesía cortazariana lleva inscrita genéticamente la nece¬sidad de ser más, de ir más allá de cualquier poética impuesta. Las pala¬bras sonpájaros que libremente acuden a los alambres de la página, al árbol de la vida. La escritura no se elige:se escucha, se asume distraída, adánicamente. Esta distracción permite al poeta participar de profundis enla realidad en un proceso incesante de entusiasmo yconsumación. Su visceral rebelión comienza por la rebelión frente a las limitaciones del lenguaje heredado, la esterilidad de nuestra conducta lingüística y la afasia semántica en que las «perras pala¬bras» están ancladas. La palabra que cuenta para Cortázar, quese siente anti-poeta como Nicanor Parra o Vicente Huidobro, es aquella «habitada por el fuego interno». Eseste el momento de defender el lugar frontal que Cortázar merece en la poesía hispánica, a la que aportauna frescura, un compromiso con la palabra y una voluntad de intervención en la realidad desconocidos. Andrés García Cerdán es Doctor en Literatura por la Universidad de Murcia y profesor en la UCLM. Ha publicadoDiscurso del no método, método del no discurso. Sobre la poesía de Julio Cortázar (2010) y el antiensayoLa muerte del lenguaje. Para una poética de lo desconocido (2018).
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Aquí se reúnen los seis últimos poemarios (cuatro deellos inéditos) de Fernando de Villena, un clásico de nuestro tiempo, una de las voces más destacas y personales de la literatura española contemporánea.
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Un poemario que deja constancia que los sentimientos nunca son equidistantes. El dolor de la ausencia, del desamor y del amor más apasionado. La nostalgia de lo dicho y hecho, pero quizá también de lo no dicho y lo no hecho. Una deseada equidistancia, que muy pocas veces se da.
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El castigo sin venganza se ha convertido con pleno derecho en un clásico esencial de nuestro teatro.Inspirada en un caso real, El castigo sin venganza es una pieza trágica sobre el amor, el honor y el peso de las convenciones sociales. El duque de Ferrara, acostumbrado a llevar una vida disoluta, contrae matrimonio con Casandra a la que no tarda en abandonar para seguir con sus correrías nocturnas. Mientras, entre la joven esposa y Federico, el hijo bastardo del duque, va creciendo el amor que los arrastrará a un inexorable destino.Empeñado en que nadie le discutiera su trono como el mejor autor teatral de la época, un sexagenario Lope de Vega puso todo su empeño en dotar a esta obra de una gran riqueza temática, rítmica y formal centrada en sus tres personajes protagonistas. El resultado es un de las mejores tragedias del teatro europeo.
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Treinta años después de la aparición de su primer libro, aquel Maneras de estar solo que le valió el Premio Adonais, ofrecemos a los lectores el nuevo título de Eloy Sánchez Rosillo, Oír la luz, que llega en el momento de mayor plenitud de una dilatada, brillante y muy reconocida trayectoria.Creemos no equivocarnos al afirmar que nos hallamos ante uno de los libros capitales de su autor. Se trata, desde luego, del más amplio y variado, y acaso del más sereno –,a la vez que intenso y hondo–, de los escritos por Sánchez Rosillo hasta la fecha. En sus páginas encontramos la transparencia, la precisión antirretórica y otros elementos singulares e inconfundibles de la obra del poeta bajo una luz distinta. Algo de ello apuntaba ya con fuerza en La certeza, su libro anterior, pero en Oír la luz alcanza desarrollo completo y espléndida realización. El lamento elegíaco que impregnaba a menudo los poemas de etapas anteriores de Sánchez Rosillo desemboca ahora en una sabia y esperanzada reconciliación con el tiempo, en la que es posible percibir atisbos de trascendencia. No nos vemos ya en el desasosiego o en la angustia del devenir (antes, ahora, después), sino en la rendida aceptación del don de la vida como tiempo unitario e indivisible, del que es necesario dar testimonio con gratitud.
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El primer contacte que vaig tenir amb la Carme Tulon va ser de caire professional. Em vaig posar a les seves mans perquè tenia seriosos problemes amb la veu, molt malmesa a causa de la meva activitat com a professora. Però de seguida vam connectar per les nostres afeccions literàries. Aquella època -estic parlant del 1989- va ser per a ella de gran fecunditat poètica. Recordo que havia guanyat dos premis de poesia al concurs que organitzava la revista Arboç i acabava d’aconseguir un segon premi del Caterina Albert i Paradís. A partir d’aquest moment, va entrar a col·laborar activament en diferents seccions de la revista abans esmentada i em va convidar a participar-hi a mi també. Així van començar les nostres experiències compartides.La meva veu va recobrar ben aviat el to perdut i, la relació amb la Carme ja no es va estroncar. Tot i així hem hagut de tenir paciència uns anys, en què s’ha dedicat intensament a donar cos als tres llibres que ha publicat com a tècnica vocal i logopeda, abans de tornar a llegir les seves poesies.Ara publica aquest recull de l’època de la qual us he parlat i ben aviat en sortirà un altre amb els poemes posteriors al silenci creatiu.El llibre que teniu a les mans conté poemes en general breus i aparentment senzills, però d’una gran profunditat temàtica. Podríem dir que constitueixen una reflexió del què és l’amor i què és la vida, amb totes les seves contradiccions: alegries, angoixes, esperances, pors, records, somnis, sensacions…A través d’un jo poètic que es confessa no autobiogràfic, l’autora ens mostra aquells sentiments humans que qualsevol lector sensible pot fer-se seus, i ho fa traient el millor d’ella mateixa, la seva capacitat de sintetitzar –en ells no hi ha res superflu- el seu amor als orígens de pagès, la seva força vital. Però tot això ho transmet amb un equilibri i placidesa sorprenents. No sabem si la poesia reflecteix la seva manera de ser o si ella és com és gràcies a la poesia.Té un estil planer, sense grandiloqüències, fa uns versos que malden per ser ben curts, paral·lels, rodons. Fixeu-vos que sovint repeteixen una mateixa estructura i que acaben tal com han començat, buscant el tancament, la perfecció.Aquesta obra consta de cinc parts. La primera, “La teva veu és el nord del meu càntic”, ens mostra un amor apassionat, incondicional i reflexiu alhora, que traspua tota una filosofia de l’existència, tot un camí de vida amorosa. Quina enveja podem sentir per aquest subjecte estimat, pacient però ple de transcendència, l’únic capaç d’entendre allò que ella no ha arribat a dir!La segona i tercera, “Paraules closes” i “A mig dir”, segueixen amb el tema de l’amor, però més matisat, més discret, un amor que busca “la porta del clos de les paraules”.La quarta part, “Transparències”, conté poemes reflexius sobre temes quotidians en els quals podem sentir-nos molt identificats.Finalment, a la cinquena, “Soliloquis”, és on la poetessa expressa la seva visió poètica i on nosaltres veiem més clar que la poesia pot ser un camí per a l’ésser humà, un nord que ens impedeix viatjar a la deriva.Si imitem els seus gustos –no em prengueu el plaer/ de llegir un poeta/ ni el d’escoltar una simfonia/ cap al tard- agafarem el llibre a l’horabaixa, ens reclourem en el nostre cau més plàcid i fruirem d’aquests versos.El trajecte ja està assenyalat, ara només ens fa falta seguir-lo.
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En esta Poesía no completa de Wislawa Szymborska se refleja la búsqueda de la propia voz, no sólo de la misma autora, sino de un país entero, Polonia, que estuvo a punto de perder su lengua y sus raíces, obligado a pensar en alemán y a hablar en ruso. A través de un vedado humor y de una gran valentía, estos poemas dan la vuelta de tuerca a la desazón del siglo XX y nos presentan un espíritu creativo que va más alla de fronteras, expresiones e idiomas. Si bien el siglo XX será recordado por sus atrocidades y tensiones, también lo será por la luz de la resistencia, de la inteligencia, que en la poesía ha sabido alumbrar su propio camino. Así, ante la duda se levanta la voz: ''mi creencia es fuerte, ciega y sin fundamento'', ante la desazón, el amor: ''que no se enoje la felicidad, por considerarla mía'', ante la conformidad, el reto: ''la vida, por larga que sea, siempre será corta'', ante la tortura y la barbarie, la inteligencia: ''no hay mayor lujuria que el pensar''. Puede que este libro no contenga todos los poemas de Szymborska, pero su poesía, aun en un solo poema suelto, no podría llamarse de ningún modo incompleta.
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“Vinyet Panyella ha mostrat el seu paisatge amb pintors, com ho havia fet Maria Àngels Anglada en el seu ‘Paisatge amb poetes’, fent de l’art no només viatge sentimental, sinó compromís i recerca sobre la condició humana. En el cas de Panyella, aquest paisatge és íntim i reflecteix els colors que dibuixen les adversitats més properes i particulars. Després del recorregut, com Rilke, tenim interès pels passejants, perquè aquesta és la missió de l’art: tornar-nos la mirada sobre l’ésser, des de la nostra pietat moderna.”
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Una antología poética extraordinaria: erotismo, realidad, emociones, sueños. El autor ha conseguido un poemario muy visual, donde habla de todos los sentimientos que visten al ser humano.
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Quiero que mi hijo sea un pájaro nacido en el cielo. El que conoce la jaula, por mucho que la rompa, vuela con ella en los puños. Engendrar un bebé y, de rebote, la culpa. Los dos se preparan la vida, de formas diferentes. Nunca sabes si el bebé pájaro es cada vez más grande, o la jaula más pequeña: ''Empecé a comer el día en que te conocí para hacerte más grande de lo que yo nunca había sido''.
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Eduardo Moga (Barcelona, 1962) es licenciado en Derecho y doctor en Filología Hispánica por la Universidadde Barcelona. Ha publicado 18 poemarios. Ha traducido a Ramon Llull, Jaume Roig, Frank OHara, Évariste Parny, Charles Bukowski, entre otros.
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Qué privilegio tener una mano que desde niña se columpia en las palabras! De una orilla a otra de la página, de arriba abajo, letra tras letra mariposea, colegiala perpetualigera o pensativa entre dos cuerdas desilencio ode vacío, mientras fuera en el parque se estánfirmes como la A los columpios: como la mano listos a recomenzar. «Privilegio»,Eduardo Mitre Eduardo Mitre nació en Oruro, Bolivia, en 1943. Cuando era niño, su familia se mudó a Cochabamba, ciudad en la que cursó estudios de Derecho enla Universidad Mayor de San Simón. Se doctoró en Literatura Latinoamericana porla Universidad de Pittsburgh. Ha enseñado en Columbia University, Dartmouth College y, desde el 2000, enseña en Saint Johns University, Queens, Nueva York. EsMiembro de Número de la Academia Boliviana de la Lengua correspondiente de laReal Academia Española. Pre-Textos ha publicado su Obra poética I (1965-1998) quecomprende los siguientes títulos: Morada (1975), Ferviente Humo (1976), Mirabilia (1978), Desde tu cuerpo(1984), La luz del regreso (1990) y Camino de cualquier parte (1998). La misma editorial ha publicado suslibros posteriores: Elparaguas de Manhattan (2005),Vitrales de la memoria(2008). Al paso del instante (2010), La última adolescencia (2015). La editorial Cormier, de Bruselas, dioa la luz dos antologías bilingües de su poesía: Mirabilia (1983) y Chronique d?un retour (1994). Varios de sus poemas han sido traducidosal inglés, italianoy portugués. En su obra crítica figuran: Vicente Huidobro: Hambre de espacio y sed decielo (2ª edición,2015), El árbol y la piedra (1988),De cuatro constelaciones (1994), El aliento en la hojas (1998), Pasosy voces (2010) y Las puertas del regreso (2016), unaantología crítica sobre la experiencia del retorno enla poesía hispanoamericana, publicadapor la editorial boliviana Plural. Ha traducido delfrancés una selección de poemas de Adolfo Costa du Rels, Poemas (1988) y una antología de poetas belgas: Urnas y nupcias(México, 1998). Fue colaborador de la revista Vueltay actualmente lo es de Letras Libres y Cuadernos Hispanoamericanos.
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Fantasmita eres pegamento es un poemario que se adentra en la dimensión social de los sueños, el mito, la fantasía, la fe y el universo infantil, y los reelabora y redirige a través de la experiencia personal y el compromiso con el presente. La fecundidad rara y expansiva de estos mundos también le sirven a la autora para explorar maneras de lidiar con el trauma, entender la relación con el cuerpo o con la muerte y contemplar la aparición de una fertilidad queer.Su atención a las estructuras repetitivas —muchas de ellas sustraídas de la tradición oral, de nanas y de ritos religiosos— invitan a repensar la capacidad que tienen la serialidad y la acumulación para generar significados más allá de los marcos de referencia lingüísticos con los que normalmente operamos. En estos poemas se cruzan diversas temporalidades que dislocan el tiempo lineal, subrayando así la tensión y la incompatibilidad que muchas veces se genera entre lo heredado y lo asimilado más recientemente
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Conformant els poemes, se'ns generen paisatges batuts pel vent (''com el vent del desert, per segles,/ s'ha estimat les dunes vora mar.''), que clouen en capvespres d'hivern o en els ocasos i les matinades, els nocturns amb lluna o grafia d'estels, en mars turmentats per la tempesta, les torrenteres que clivellen... i les gavines, la casa amb estances en darrer terme acollidores, les calaixeres, els llibres i la platja com a ''sorra promesa'' i frontissa entre dues ribes. I, amb les imatges, les paraules o, millor dit, certes paraules que el nostre autor estima tot desgranant-les de forma controlada. Tot plegat, un jo poètic, pulcre, mesurat i gairebé pudorós, que l'Aureli no posa al seu servei, com a autor, sinó a fornir l'ànima i la bastida que sustenta les imatges, les paraules i el discurs dels seus poemes, en definitiva a assolir el gaudi dels seus lectors.
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