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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Un recopilatorio de los textos más íntimos del gran cronista del siglo XX Los diarios de Stefan Zweig comprenden cerca de treinta años de la vida del escritor, y por su espontaneidad son un documento irremplazable, además de un gran contrapunto a su autobiografía El mundo de ayer. Las páginas de este volumen, a menudo dictadas por la urgencia del momento pero tan lúcidas como sus textos más elaborados, nos descubren el día a día del escritor en Viena, París, Zúrich o Berna-donde cultivó la amistad de otros intelectuales, como Émile Verhaeren, Romain Rolland y Rainer Maria Rilke-, o la fascinación que le produjeron dos ciudades americanas como Nueva York y Río de Janeiro. Pero también nos revelan el íntimo horror que supuso para Zweig la Gran Guerra y, dos décadas después, la deriva totalitaria y antisemita del continente y el ascenso del nazismo, que lo empujaron a buscar desesperadamente un refugio lejos del descorazonador hundimiento de Europa. Estos diarios nos brindan una vez más la voz del gran cronista del mundo de ayer, que en muchos momentos parece seguir revelándonos el de hoy y tal vez incluso el del mañana.
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Somos aquello en lo que decidimos perder el tiempo. Estos poemas no hablan del arrepentimiento sobre algo que se ha ido y se quiere recobrar, sino que celebran el tempus fugit y afirman que es precisamente esa pérdida y su observación lo que nos constituye. Este libro explora nuestra manera de relacionarnos con el tiempo: el pequeño intervalo en que tarda en bajar un ascensor o en llegar un autobús, las horas dedicadas a las preguntas de la vida, los minutos de meditación sobre las ausencias, los instantes en que es posible celebrar la amistad y el amor. Decía Pessoa que ''Perder el tiempo comporta ya una estética'', idea que ha guiado al autor en la construcción de un poemario que revela una sensibilidad e ingenio singulares. Este segundo título consolida a Guillermo Marco Remón como un poeta innovador, en el que los recursos de la tradición se combinan para dar nuevas formas y temas. En el último poema este libro proporciona, además, la respuesta al sentido de la vida.
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Escala es el título escogido por Ernesto Pérez Zúñiga para proponer treinta años largos de su producción poética. Es un título certero, un ikebana de poemas.Escala porque cada libro es un hito del viaje. De los primeros, apenas queda un relámpago. Ni siquiera una tormenta. Aunque aquella lluvia alimentase raíces desconocidas por entonces. Escala porque esta antología encuadra, a determinado tamaño, una parte de lo que se escribió. Y de esa parte, otra de lo que se publicó. Como en un mapa se señalan ciertos accidentes geográficos de un vasto territorio ignorado. O, mejor aún, como en un plano geográfico se inscriben arroyos y fuentes, y permanecen invisibles los veneros subterráneos, origen de lo visible.
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Con los ojos bien abiertos a la belleza de este mundo vivió aquel a quien debemos Tardío Nápoles. Quizás por ello no pudo sino servir a causas justas: primero, la de la tierra en que nació, y luego, la de su patria en adopción (...) sin escatimarles fatigas ni riesgos. La limpieza de su actuar cotidiano sin duda que le aguzó, en noble compensación, la sabiduría de la mirada. Tardío Nápoles -buen título al fin- sugiere obra de madurez. No lamentamos -como él naturalmente lo hace- que Luis Amado Blanco tardase en ver y enamorarse de su espléndida ciudad: de otra forma, no tendríamos un libro tan rico y complejo dentro de su aparente sencillez. Leído con la intensa atención que merece, hallaremos que la ciudad es aquí un microcosmos de relaciones: temporales, hacia adentro de sí misma, hacia el origen de las sustancias latinas, culturales, en cuanto el espejo de Nápoles refleja un modo de ser que abarca la disímil riqueza de tantos pueblos hermanos. No es raro, entonces, (...) que un libro cuyo tema parece a primera vista remoto, contribuya en realidad a un conocimiento más profundo de las propias esencias. Eliseo Diego Recapitulación de cuestiones esenciales de su poesía, Tardío Nápoles presenta una mirada que enlaza con maestría vitalismo y culturalismo, trasladando al lector el encuentro con la fascinante ciudad del sur de Italia. Cuando en octubre de 1936 Luis Amado Blanco (Riberas de Pravia, 1903 ,- ,Roma, 1975) llegó a La Habana como exiliado republicano, dejaba tras de sí una prometedora carrera literaria. En España había trabado amistad con poetas de la talla de Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca y Rafael Alberti, era ya una firma conocida en publicaciones como La Gaceta Literaria o Revista de Occidente y había publicado su poemario Norte (1928) y las impresiones de su viaje a la antigua Unión Soviética en 8 días en Leningrado (1932). En Cuba, país del que adquirió la nacionalidad, mantuvo una destacada labor como autor, director y crítico teatral, literario y de arte, además de publicar los poemarios Poema desesperado (A la muerte de Federico García Lorca) (1937) y Claustro (1942), y una valiosa obra narrativa que comprende los títulos Un pueblo y dos agonías (1955), Doña Velorio. Nueve cuentos y una nivola (1960) y Ciudad Rebelde (1967). Tras el triunfo de la Revolución cubana, desempeñó una larga carrera diplomática, sobre todo como embajador ante la Santa Sede desde 1962 y hasta su muerte en Roma. A este último periodo italiano de su vida corresponde Tardío Nápoles (1970), un poemario que refleja su deslumbramiento ante Nápoles, ciudad en la que vio una posibilidad de regeneración personal y estética. Mediante un discurso intensamente culturalista y vitalista, Amado Blanco desarrolla en sus páginas una meditación existencial que es también una recapitulación del conjunto de su poesía, al tiempo que se replantea, con lucidez y serenidad, las posibilidades de aceptar el exilio como una vivencia positiva.
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La versatilidad con la que María González hace alarde de sus sentidos del lenguaje cobra un protagonismo singular en ''Creatura'', libro muy personal en el que la autora despliega un discurso lírico valiente y desconcertante. Esta obra se presenta como una reflexión lírica que opone descarnadamente las identidades de la mujer, en su nivel corporal, biológico, sexual, cultural y afectivo. La poesía se yergue como un vehículo de deconstrucción de la relación entre los conceptos de ''mujer'' y ''maternidad'', en un relato de su experiencia tras el hecho de ser madre primeriza. El dominio del oficio, el juego de los significados, los estéticos usos ortotipográficos y la visceralidad impúdica de muchas imágenes que transitan por un imaginario de género convencional, van desarrollando un interesante argumentario contracultural en torno a la perversión del uso de lo femenino en nuestras vidas. María González convierte la maternidad en una pregunta radical que se aproxima a los más críticos rasgos identitarios queer. Por eso, María es culpable por hacer uso de una palabra desacompasada. Su claridad cruel utiliza las contradicciones del lenguaje para atravesar las de la realidad sin ambages. También es culpable de utilizar con absoluta limpieza los versos en los que habla de las suciedades que emana el cuerpo, su fisiología, los procesos y ritos que atraviesa la parturienta durante el puerperio. Las imágenes del pasado se intercalan con las del presente ofreciendo una indefinición entre la madre y su creatura. Ambas figuras en retroalimentación constante configuran una literatura comprometida con aquello que, pese a provenir de la cotidianidad, es capaz de transfigurarla: «Si escribo, este dolor no me poseerá».
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«El título de este libro nace de la necesidad (no del verbo necesitar desesperadamente, como muchas veces se utiliza y además con dependencia, sino del verbo ''quiero hacerlo con todas mis fuerzas y noto que se me va a salir del alma si no lo hago'') de decir ''Te quiero'', pero tener el sentimiento de hacerlo muy pronto.Apenas llevábamos viéndonos dos semanas y sentí que todavía era precipitado decirle aquellas 8 letras.Entonces recordé las palabras tan conocidas de Víctor Küppers: ''Planta que no riegas, planta que palmas''. - Tengo que decirte algo -le dije, de repente-. Te riego.Porque las plantas, como las relaciones humanas, necesitan cariño y tiempo, dedicación.Y eso es lo que deseaba de una relación. Una persona a la que regar y que me regase, con la que crecer a diario, con la que formar un equipo.»''Te riego'' habla de la superación, del amor propio, de la ansiedad, del dolor y del miedo.''Este libro ha sido mi oscuridad, mi reapertura de heridas, mi infierno y mi desespero. Mi kriptonita y mi talón de Aquiles. Pero, sobre todo, mi salvación'', afirma la autora.
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Esta antología titulada En el brocal del pozo reúne la esencia de la poesía de Juana Castro, cuya trayectoria comenzó en el año 1978. Su obra ocupa un lugar indiscutible en la poesía española donde lo femenino afecta tangencialmente todo su recorrido como escritora. La conciencia feminista es mostrada con metáforas de una exquisitez insólita. Durante más de treinta años Juana Castro ha frecuentado un solo tema modulándolo a gusto del tiempo en que fue escrito: la experiencia de ser mujer desde diversas perspectivas y simbolizaciones siempre contraviniendo la cultura patriarcal. En ese territorio es única, de ahí que su poesía sea objeto de estudio en prestigiosas universidades norteamericanas. El crítico John C. Wilcox ha escrito con acierto en un ensayo sobre su poesía que la autora nos ofrece la intrahistoria de la mujer analfabeta de finales del s. XIX y principios del XX. En la fusión entre lo histórico y lo biológico la mujer siente menos pudor en acercarse a un yo que se mira muy de cerca y no precisamente para que el espejo le devuelva una imagen aumentada de su perplejidad. Los temas recurrentes de la poesía de Juana Castro son la vida rural, el amor como fuente de placer, la idealización de cuerpos femeninos, la pérdida de seres queridos como la de su hijo, la enfermedad del Alzheimer de sus padres y la lucha de la mujer contra la sociedad patriarcal. La selección de poemas que componen esta antología de carácter retrospectivo fue realizada por Concha García y la propia autora en los últimos meses de 2022.
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Estamos ante uno de los cancioneros más conmovedores de la literatura catalana contemporánea. Pepe Sales arrolla a los lectores con su fuerza lírica y su canallería fabricada ennla cárcel, los antros… bajo el impulso constante del huidor. Su música es capaz de abrirse paso a martillazos a través de un contexto social represivo imposibilitando cualquier acallamiento. Una voz que florece en la periferia compartiendo su vitalismo contagioso capaz de convertir el deseo en una política, el sarcasmo en una fiesta. Víctor Obiols encuentra en su poesía un «nihilismo lúcido, rabia ceñida a un verso, intransferible visión sobre el país que le ha tocado vivir, ironía contra las tinieblas, remanso en la melancolía o en el tedio. Canciones llenas de cosas suyas, «trozos de vida». De amor y droga, como las quiso bautizar». Adentrarnos en este libro es también hacer un ejercicio de memoria, evitando la pérdida de las vidas efímeras o, al menos, postergando un conocimiento frágil de mundo. También es un viaje de conexiones entre lenguas vecinas, de vidas abriéndose paso a través de la palabra, antes de que los gestos sean posibles. Pepe Sales es culpable. ¿Qué decir? Sus versos están atravesados por la música, la droga, la represión franquista, la disidencia sexual. Culpable de obscenidad, grito inyectado en vena, cítara cantarina, luz de verborrea. En su poesía está tatuado el talego y su jerga. El dolor rezuma entre frases que parecen susurradas: «Bello peregrino / ¿quieres hacerlo conmigo? / Bello peregrino, /quédate por aquí». El artista nos dispara una compleja política que hace uso de todas las cadenas que prometen una liberación, pero que subyugan. En él reconoceremos todas estas cosas, inundadas por un cruel optimismo, una asombrosa ternura.
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La Vida de Samuel Johnson, de James Boswell, «deliciay orgullo del mundo de habla inglesa», según G. B. Hill, es considerada unánimemente la biografía más lograda que se ha escrito jamás. Pese a que Johnson, coloso de la literatura de su tiempo, era un personaje complejo, Boswell logra presentárnoslo en su insólitariqueza gracias a su conocimiento personal y al minucioso trabajo de recopilación de los testimonios de muchos otros contemporáneos: a través de las enjundiosas conversaciones con Johnson, de sus cartas, poemas,traducciones, panegíricos, críticas o artículos pararevistas, va emergiendo el personaje desde su juventud hasta su consagración, con tal viveza que el lectortiene la impresión de conocerlo como si hubiera tenido el privilegio de tratarlo. Y así, merced a una prodigiosa combinación de afecto, respeto, destreza y rigor, Boswell consiguió dar vida al personaje retratado para que trascendiera su existencia temporal y propagara su influjo durante siglos.
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En la poesía de Stefania Di Leo destaca una emoción directa que nos abre el ánimo.Responde así su poética al afán machadiano de que el poeta diga en sus poemas lo que su espíritu le transmite.De esa emoción directa y sincera suele nacer la verdad y la autenticidad poética, que luego el paso de los años, la madurez, se encarga de refrendar.El tema del recuerdo y del olvido están presentes en Lo que sueño y olvido, la autora es poeta con raíces, y que estas se encuentran cerca de la mar, el Mediterráneo, en la que a su vez nació nuestra cultura, la europea.Los seres humanos de nuestros días deben rescatar mitos y símbolos de la civilización grecolatina para refundarlos y recrearlos, máxime junto a una mar en tensión.Stefania Di Leo, poeta de nuestros días, vivifica esos símbolos empapándolos de vida, de su vida, signos aprendidos después de leer a muchos poetas contemporáneos hispanos e italianos, interiorizando su sustancia poética y volviéndola a crear de forma personal.
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El lector tiene en sus manos un libro lleno de riesgo, una caída en la oscuridad, la incerteza de la altura en cada poema. Zazil Collins apuesta por una poética en la que el lenguaje nos es extraño, hasta el punto de confundirse varios lenguajes para hablar de nuestra otredad en el mundo, de nuestra condición de seres al mismo tiempo brutales y sensibles, parte y enemigos de la naturaleza.
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La fam tendra
És aquest un poemari on el jo líric oscil·la còmodament entre el masculí i el femení per encarar algunes preguntes del nostre temps i dels de sempre, des de què se'n fa de l'amor, quan hom mor, a com funciona el neofeixisme.
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Las cartas de la extraordinaria Emily Dickinson. Una aproximación única a su enigmática intimidad. Lejos de ser un mero complemento, las cartas de Emily Dickinson constituyen una parte esencial de su universo poético. La belleza de sus poemas se encuentra también en estos textos, a medio camino entre la poesía, la confesión y el diario íntimo. De las más de mil cartas que Emily Dickinson escribió a lo largo de su confinada #aunque intensísima# vida, Nicole d'Amonville ha seleccionado, anotado y traducido, con excelente criterio, fino oído y sabiduría, su personal canon, como ya hiciera con los poemas. El resultado es la edición más rigurosa y ambiciosa que se ha hecho en castellano del epistolario de la gran poeta norteamericana, una de las escritoras más extraordinarias y enigmáticas de todos los tiempos. La crítica ha dicho:«No hay, que yo sepa, una vida más apasionada y solitaria que la de esa mujer. Prefirió soñar el amor y acaso imaginarlo y temerlo. En su recluida aldea de Amherst buscó la reclusión de su casa y, en su casa, la reclusión del color blanco y la de no dejarse ver por los pocos amigos que recibía. Además de la escritura fugaz de cosas inmortales, profesó el hábito de la lenta lectura y la reflexión.»Jorge Luis Borges «Una completa selección de misivas, y a su vez testimonial repaso por la vida y obra de un personaje que practicó la poesía como la condición más elevada del ser humano, punto de (resbaladiza) unión entre el misticismo y la verdad.»ABC Cultura «Las cartas de Dickinson son la única prosa que escribió, y constituyen un intrigante complemento de su velado y a menudo misterioso verso.»David O'Neill, The Paris Review «Su originalidad no ha sido igualada ni siquiera por la fuerza de sus descendientes poéticos: Wallace Stevens, Harr Crane, Elisabeth Bishop. Su canonicidad surge de su lograda extrañeza, de su misteriosa relación con la tradición.»Harold Bloom «En un poema de Emily Dickinson hay ese hechizo que nos devuelve al mundo perdido de los encantamientos verbales y las canciones de cuna, a los miedos y las maravillas secretas de la infancia.»Antonio Muñoz Molina «La poesía de Emily Dickinson nace de lo que su autora define como #diferencia#, y que lo es no solo de la sociedad patriarcal en que nace, sino de la norma literaria que esta misma sociedad impone y de la que ella, con valentía y firme voluntad, se aparta.»Jaime Siles, ABC Cultural «Una gran poeta cuya vida ha permanecido en el misterio.»The Guardian «Dickinson es conocida por sus peculiaridades, que se manifiestan sobre todo en sus versos. Pero es en sus cartas donde muestra rasgos como la feroz independencia con respecto a cosas importantes como la religión o el arte.»Sally D. Ketchum, New York Journal of Books
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Poemario del autor Max Spiess.Fermento es la primera obra de Max Spiess, un poemario de lenguaje a veces críptico, pero fresco y lúcido que destaca la mejor tradición poética de los grandes maestros chilenos. La colección de poemas de este libro entra en los intersticios de la conciencia del yo atemporal, pero firmemente situado para visualizar desde ese punto la realidad del amor, de las cuestiones sociales y la evolución de una cultura posmoderna en que el individuo sufre y vive sus angustias desde lo singular pero hundido en una globalización que lo masifica en el consumo.
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Adrián Fauro es un ladrón de estructuras y poemas. Un vándalo que grafitea las sólidas paredes con las palabras de quienes durante mucho tiempo no han tenido acceso a la escritura. Poemas escritos desde un Burger King. Que nacen de las manos laborantes, de su misma prisa y su inagotable cansancio. Incorregibles. Inaguantables: «cayeron bombas sobre cuerpos y sobre caminos en los agujeros encerraron cuerpos que taparon con más caminos». Una auténtica bomba de relojería ante el panorama de poesía joven actual. Sin pleitesía. Sin ningún deseo por alcanzar la originalidad. La voz de este poeta es el grito de su barrio. El tono del autor es eléctrico, rápido y ruidoso como un tubo de escape trucado, pero también de una profunda madurez. Fauro entiende que, si bien las palabras no tienen poder para cambiar el mundo, solo a través de ellas podemos denunciar a los poderes fácticos. Además, con una gran habilidad, el poeta concentra un sentir generacional en el que un mismo grupo de amigos lleva diez años sentados en el mismo banco, buscando una vida vivible por InfoJobs.
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Incitado por su amigo y rival George Bernard Shaw, que lo tenía por un escritor que malgastaba su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir una obra como dramaturgo: Magia, estrenada en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres.La obra tuvo muy buena acogida, representándose hasta 165 noches seguidas, antes de estrenarse en Nueva York con idéntico éxito.En una combinación de comedia y drama, de romance, intriga y paradojas, Chesterton aborda en esta obra singular muchos de los temas que le eran predilectos, especialmente la relación entre realidad y racionalidad, entre lo fantástico y la locura.
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Cuenta Tefi de Paz que lo suyo con Remigia Echarren fue un flechazo. Empatizó con ella por ser mujer circense y de Pamplona. Se quedó dentro de ella, como una luciérnaga revoloteando en su corazón. ¿Quién era Remigia? ¿Una mujer funambulista? Una historia tocaba en la puerta y en esas llegó una pandemia mundial. En medio del silencio su nombre resonó de nuevo con más fuerza: ¡Remigia, Remigia, Remigia! ¿Quién anda ahí? Abre, soy yo, La reina del Arga.La reina del Arga es una obra de teatro escrita y dirigida por la actriz y payasa Tefi de Paz. En ella se cuentan las aventuras de 'La Remigia', una funambulista valiente, creativa y sobre todo mujer en un reino de hombres como era la Pamplona de finales del siglo XIX. Se sabe poco de ella. Tefi resquebrajó los cimientos de la memoria local sacó brillo a algunos hallazgos, a gentes que sí oyeron hablar de ella, a sus hazañas, a sus propuestas, a su capítulo final.
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Apenas dos años después de la muerte del escritor chileno Luis Sepúlveda, este volumen nos sumerge en su vida más íntima, presidida por la familia y los amigos. También nos permite ver su perfil más viajero y comprometido, en particular con la política y el medio ambiente. Acompañadas por las maravillosas fotografías de Daniel Mordzinski, sus palabras nos lo vuelven vívidamente presente, al tiempo que nos llevan a lugares recónditos de la Tierra del Fuego y a otros parajes donde Sepúlveda no solo encontró historias inolvidables, sino donde también trabó amistades que el tiempo nunca apagó. A lo largo de su incansable periplo, desde el pequeño Hotel Chile en que nació o las cárceles de Pinochet, pasando por Brasil o Ecuador, hasta Hamburgo, los mares de todo el mundo y, finalmente, Gijón, ¿qué perseguía Luis Sepúlveda? ¿Un mundo mejor, un lugar donde sentirse en casa? «Como Gabriel García Márquez o Isabel Allende, el chileno Luis Sepúlveda enlaza armoniosamente la exuberancia tropical, la falsa ingenuidad y la verdadera sabiduría.» Lire «Luis Sepúlveda, trotacaminos infatigable por los territorios de la imaginación.» Javier Goñi, El País «Sepúlveda tiene el sentido del relato conciso y eficaz, un gusto por las imágenes cuidadosamente cinceladas y un gran don de evocación que le permite estilizar con sencillez las cosas, seres y acontecimientos más complicados.» Le Monde «Una invitación a la aventura y al paraíso.» Antón Castro, El Periódico
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Trenta-dos anys i divuit mesos
Nadal és família i temps d'emoció. I també temps de recolliment i de tancar, any rere any, el cicle que la vida ens ha permès gaudir en les estimades Terres de Ponent. Des de fa trenta-tres anys, el sentiment de serè agraïment es condensa en uns versos que destil·len les vivències dels mesos passats. I aquests sentiments i versos han vist com creixien amb l'encertada il·lustració d'algú que estimo: la nostra neta.
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El gran poeta Antonio Machado (1875-1939) dedicó muchos de sus versos a los días azules de su infancia andaluza y al sol de los campos de Castilla, tan enamorado como estaba de la naturaleza. Fue además maestro en tierras de Soria, Baeza, Segovia y Madrid, y luchó siempre por una España mejor, de progreso, a través de la educación, la tolerancia y el respeto. Sin embargo, todo ese mundo deseado y soñado se vino abajo con la cruda realidad de la terrible Guerra Civil. A este poeta y maestro bueno y honesto nos asomamos nosotros ahora con la presente antología de sus mejores poesías al alcance de los niños y jóvenes, que hemos ordenado según los temas más presentes en sus versos, sin seguir un orden cronológico. Las magníficas y delicadas ilustraciones de sus páginas completan este recorrido poético por uno de los grandes nombres de la literatura española.
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Hugo Mujica nació en Avellaneda (Buenos Aires, Argentina) en 1942. Si bien comenzó a escribir a los cuarenta años, actualmente es uno de los poetas latinoamericanos de mayor relevancia. Entre ensayos, cuentos y poesía, lleva publicados una treintena de libros, algunos de ellos traducidos a más de quince idiomas. Sus títulos de poesía más recientes son Y siempre después el viento (2011), Cuando todo calla (2013, Premio Casa de América de Poesía Americana), Barro desnudo (2016) y A las estrellas lo inmenso (2019). En su escritura se reflejan sus estudios de Bellas Artes, Filosofía, Teología y Antropología Filosófica, y también significativos hitos de su vida, como sus muchos años de viajero o los siete de silencio que vivió en un monasterio. En un río todas las lluvias es el libro mismo un río, en el sentido que Mujica le otorga: un lugar de la escucha, de lo que pasa, pero también de lo que ese pasar va revelando, va susurrando. Poemas en los que no hay ni nostalgias de un pasado mejor, ni desprecio a nuestro presente poemas cuya reiterada exigencia es vivir, enfrentarse a la vida desnuda. Poesía que no teme a la finitud, sino que busca abrazarla, ahondarla hasta llegar a su raíz, hasta lo que tiene de sagrado. Una poesía que, además de río, es lluvias: un libro que fecunda y nos invita a ser lo que somos antes de haberlo creado.
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Nueva antología de Miguel Hernández,uno de los grandes poetas españoles del siglo XXIntroducción de Daniel Aguirre OteizaAntología poética ofrece una cuidada selección de los poemas más famosos y recordados de Miguel Hernández, con muestras representativas de todos los poemarios que el escritor publicó en vida: Peritoen lunas,Elrayo que no cesa, Imagen de tu huella, El silbo vulnerado, Viento del pueblo, El hombre acecha y Cancionero y romancero de ausencias. No faltan, además, los poemas menos conocidos, las composiciones que solo vieron la luz póstumamente o incluso un inédito.Como argumenta el catedrático de Harvard Daniel Aguirre Oteiza en su brillante introducción, el conjunto permite apreciar el valor histórico y memorístico que ha ido adquiriendo esta enorme poesía, al tiempo que nos invita a acercarnos a ella con una nueva mirada desde nuestra posición histórica siempre cambiante.Sobre el autor y su obra:«Miguel Hernández cantaba con su voz de bajo y su cantar era como si todos los árboles cantaran. Como si un solo árbol, el árbol de una España naciente y milenaria, empezara a cantar de nuevo sus canciones».Octavio Paz«Recordar a Miguel Hernández, que desapareció en la oscuridad, y recordarlo aplena luz, es un deber de España, un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre losazahares de su dormida tierra».Pablo Neruda«Uno de los más grandes poetas españoles del siglo XX: nos deslumbran la generosidad y la maestría miméticas, la fiesta de metáforas, ritmos y acentuaciones,la lujuria verbal y la cuantiosa cantidad de prestigiosas constelaciones de imágenes».Félix Grande, El País«El poeta necesario».Buero Vallejo«El poeta consumado de la luz, la oscuridad, el alma, el tiempo, la muerte».Willis Barnstone
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Si la obra maestra de 1961 de Vasili Grossman, Vida y destino, se hubiera publicado en vida delautor, lo hubiera hecho a la vez que Doctor Zhivago de Pasternak y antes del Gulag de Solzhenitsyn,pero Vida y destino fue secuestrado por la KGB. Cuando se publicó póstumamente, décadas después, fue reconocida como la Guerra y Paz del siglo xx. Tras el estallido de la segunda guerra mundial, Grossman (1905-1964) se convirtió en corresponsal de guerra para el Ejército Rojo, publicando para el diarioEstrella Roja aclamadas crónicas de primera mano de las batallas de Moscú, Stalingrado, Kursk y Berlín. Su testimonio sobre los campos de exterminio nazis, escrito tras la liberación de Treblinka, se encuentra entre los primeros documentos escritos acerca del Holocausto judío y fue utilizado como prueba en los juicios de Núremberg. Las poderosas obras antitotalitarias de Grossman comparan los crímenes de los nazis contra la humanidad con los de Stalin, a la vez quesu prosa tiene la calidad eterna del gran arte. La biografía autorizada de Alexandra Popoff ilumina la vida y el legado de Grossman.
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En Mirarse de frente, Gornick convierte el recuerdo de su experiencia como camarera en los Castkills no sólo en una agridulce aproximación al deseo juvenil y los trabajos veraniegos, sino en una indeleble toma decontacto con las desigualdades de clase y de género.Su periplo como profesora visitante por varias universidades estadounidenses le sirve para trazar una maravillosa y tragicómica radiografía del paisaje académico como suplicio para el espíritu: comunidades aisladas, con sus ritos y rencillas, con su peculiar dinámica de soledad y sociabilidad donde el alma se enmohece rodeada de seres sólo en apariencia afines. En estas irresistibles viñetas, Gornick vuelve a ofrecernosla singular mirada – valiente y feroz, empática y siempre de frente– con la que encara el mundo.
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XXVII Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Rubiel G. Labarta (Holguín, Cuba, 1988) ha publicado, entre otros, los libros de poemas Los hijos de Caín (Premio Pinos Nuevos, 2016), Las regiones devastadas (Premio Mangle Rojo, 2019), País de humo (Premio Hermanos Loynaz, 2019), Plan para dos (Premio Gesto/Cálamo, 2020), Madera (Premio Calendario, 2020), Inventarios y cartografías (Premio de la Ciudad de Holguín, 2020), La humana arquitectura (Premio Milanés, 2020), De regreso a la estación vacía (Premio Manuela López, 2020) y Apnea (Premio Poesía de Primavera, 2021).
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Se trata de un viaje que no presume de profundidades, sino que invita a explorar vértigos y alturas. Es, antes que nada, el viaje del goce a través de las palabras de María lo que envuelve, como un paisaje sonoro, la inquietante mirada lectora. Los poemas de Cruzamos por el ras de la montaña explicitan la importancia de la medida, el acierto de las luminosidades entre la brevedad, ¿lo pastoril? y el aforismo. Se trata de una voz singular por su búsqueda temprana entre los huecos que quedan en el sonido y el pensamiento. En las imágenes de la poeta las personas no se resguardan de las nevadas, ni los ríos refrescan. Los apelativos se esconden tímidos haciendo con ellos apariciones estelares, destellos de otros seres, de personas a las que el sujeto poético acude aun pareciendo no estar. El equipaje es el de la urgencia, escribe María «tomé de mi memoria lo que pude», no por ninguna clase de afán por la prisa. En sus poemas la urgencia construye un monolito de retales e inconexiones que invita a pensar en la memoria como un aparato retráctil, o un gamusino transitando siempre en el borde de lo real y lo onírico.
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Rubén Darío fue el máximo exponente de la profunda renovación que se produjo en la poesía hispana a finales del siglo xix y principios del xx. Uno de sus rasgos más característicos fue su espíritu viajero, sin embargo, Rubén también tuvo grandes sufrimientos: la separación de sus padres, la muerte temprana de dos hijos, fracasos amorosos, etc. Fue el padre del modernismo y su influencia es muy importante en autores como Juan Ramón Jiménez, los Machado, Valle Inclán... La presente antología, cuyas páginas están bellamente ilustradas, rescata poesías muy conocidas de Rubén Darío, como “La sonatina, Marcha triunfal, Margarita”, etc., pero también muchas otras que merecen ser recordadas por los niños y jóvenes del siglo xxi.
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Esta antología es editada por el FCE de España, en coedición con la Universidad de Alcalá, con motivo de la concesión a José Emilio Pacheco del Premio Cervantes 2009, y fue elaborada a partir de los siguientes libros:áLos elementos de la noche,áEl reposo del fuego,áNo me preguntes cómo pasa el tiempo,áIrás y no volverás,áIslas a la deriva,áDesde entonces,áLos trabajos del mar,áMiro la tierra,áCiudad de la memoria,áEl silencio de la luna,áLa arena errante,áSiglo pasado (Desenlace),áComo la lluviaáyáLa edad de las tinieblas, todos ellos reunidos enáTarde o temprano (Poemas 1958-2009).
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En los veinticuatro artículos (más dos poemas), escritos entre 1930 y 1949, que recoge la presente antología -obra de Dominique Miermont- puede rastrearse unode los pensamientos más lúcidos del siglo XX. Y es que el rigor intelectual y la extrema sensibilidad de Klaus Mann -siempre oscilante entre el deseo de viviry la tentación de morir, entre la esperanza y la desesperación-, le convirtieron en un gran analista de sutiempo, en figura clave del exilio alemán e, in fine, en referente ineludible para el conocimiento de losavatares sufridos por la cultura europea en la mayorcrisis de su historia.
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Els invisibles
Joan-Lluís Lluís és autor d'una s.lida i reconeguda traject.ria com a novel·lista, i és també un activista militant de la llengua catalana. Nascut a Perpinyà l'any 1963 i educat a l'escola francesa, l'autor va optar, en paral·lel a un procés d'autoafirmació personal, per fer del català la seva llengua literària. Els invisibles explica aquest recorregut ideol.gic i sentimental per una llengua que, a la Catalunya del Nord, s'ha volgut invisibilitzar.
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Un tramvia anomenat desig
Blanche DuBois, filla d?una família de rics terratinents d?un poble del sud dels Estats Units, arriba a un dels barris més degradats de Nova Orleans, on la seva germana petita viu miseriosament amb Stanley Kowalski, un rauxós immigrant polonès de maneres rudes i tracte bestial. Aquesta visita, que inicialment ha de durar pocs dies, es converteix en una bomba de rellotgeria que acaba esclatant de forma brutal, tot desemmascarant els deliris, les misèries, les mauleries dels personatges i, per extensió, la realitat més crua i els vicis més recòndits de bona part de la societat nord-americana.
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El Romancero Gitano es una de las creaciones líricas más significativas del siglo XX. Punto culminante de la primera etapa estética de Lorca, el propio poeta lo define como ''mi obra más popular, la que indudablemente tiene más unidad y donde mi rostro poético aparece con personalidad propia, y lo llamo gitano porque el gitano es lo más elevado, lo más profundo, lo más aristocrático de mi país, lo más representativo de su modo y el que guarda el ascua, la sangre y el alfabeto de la verdad andaluza y universal''. Incluye dieciocho dibujos a color realizados en tinta china por la ilustradora Pilarín Bayés, que interpreta genialmente y a gran formato los dieciocho poemas de este clásico lorquiano.
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Con la sangre del Dios tu cuerpo en estos muros. La limpia matemática de un cielo mineral. Tu corona que siembra. El rumor habitable de tu respiración. Una celda de luz. Si velas junto a mí ya no me siento sola. En tu caleidoscopio la ley del corazón. La más secreta faz de lo sagrado. Granada. Fresco, Ada Salas.Ada Salas nació en Cáceres en 1965. Ha publicado, entre otros, los siguientes libros de poesía: Variaciones en blanco (1994), La sed (1997), Lugar de la derrota (2003), Esto no es el silencio (2008), Limbo y otros poemas (Pre-Textos, 2013) y Descendimiento (Pre-Textos, 2018). En colaboración con el fotógrafo Tete Alejandre ha publicado Reflejos (2006), y son fruto de su trabajo en común con el pintor Jesús Placencia los títulos Ashes to Ashes (2011) y Diez Mandamientos (2016). En 2021 apareció Criba, que reúne poemas de la autora con obra gráfica de Laura Lio. En 2016 la editorial Fondo de Cultura Económica sacó a la luz la antología Escribir y borrar. De su obra ensayística cabe destacar: Alguien aquí (2005), El margen, el error, la tachadura (2011) y Lengua del alma (2019). En 2021 se estrenó en el Teatro de la Abadía de Madrid la obra Descendimiento, basada en su libro del mismo título, con la dirección de Carlos Marquerie y música de Niño de Elche. Junto con Juan Abeleira ha traducido A la Misteriosa y Las tinieblas de Robert Desnos. Algunos de sus libros han sido traducidos al sueco y al italiano, y acaba de aparecer la traducción de Descendimiento al alemán.
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El teatre còmic / El criat de dos amos
El teatre còmic és l'obra en què Goldoni va concentrar les propostes de reforma de la Comèdia de l'Art. En el joc del teatre dins del teatre, Goldoni revisa els preceptes clàssics, advoca per la versemblança i proposa noves regles d'interpretació. I aquestes noves propostes s'exemplifiquen també en El criat de dos amos, una intriga esbojarrada i molt divertida que ordeix un dels personatges més universals que ha donat l'escena: Arlequí.
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Coma induït
Recull de poemes breus en què el poeta expressa els sentiments i el desig d'autoafirmació i de sublimació enmig de la complexitat de la vida i del món que l'envolta. La poesia l'allibera de l'anorreament i del perill de perdre's en el tumult de la revolta i del bullici que l'assetja. ''A _Coma induït_, els versos hi van de tranuita i amb la cua entre cames de por de perdre's en l'arremorament de la feram extraviada que transita pels poemes com si ho fes per una mena de burg a camp ras, un clot colossal on les síl·labes s'arrossegarien com cucs i on afluirien els punts i coma més vils, que acabarien encallats en carrerons tan estrets que ni un nen no hi podria passar.''
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