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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Poemario en el que se exaltan los espacios naturales, la alegría y la vida inmersa en la naturaleza con exaltación de los valores humanos.Senda y panorama es un espacio poético que recorre calles, campos y el mar y el aire. En el que el tiempo fluye a través de la mirada de las personas, entre luces y oscuridades. La brisa, la luna y la alegría se deslizan por sus páginas que arden, flamígeras, con ribetes de rayos y tormentas. Música terrestre. Panorama humano, terrible, cruel y generoso a la vez.Un sendero en el que lo poético recorre el espacio impregnando personas, calles, panoramas telúricos y almas descarriadas por estas calles.
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¿Por qué y para qué se escribe?, se pregunta Ángel Acosta en su Interludio para dos poemarios, reseña lúcida de este libro diseñado a dos portadas, a dos voces distintas, donde encontrará el lector diferentes motivos para acercarse a una respuesta que justifique la necesidad de crear textos.
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Demasiado tiempo se le ha negado al lector la poesía de Julio Fuertes (Valencia, 1989), novelista, músico y traductor. Este volumen reúne una serie de seis poemas escritos entre 2006 y 2011: «Hacerse una foto en el espejo del baño», que da título al conjunto, «Un día te vi tan guapa y pensé en decirte algo», «Skinhead», «Burladero en sepia», «Extendida una sábana Almería» y «Bonus track for Europe (copla)». Todos juntos retratan la emoción de una etapa de juventud, enérgica y maximalista, puntuada por la devoción y la muerte, entreveradas mediante una voz espontánea que sitúa a Julio Fuertes en la lista de los poetas singulares. Sus momentos de elegía tocan, con los nudillos de la mano izquierda, a la puerta recia del Lorca del «Llanto por Ignacio Sánchez Mejías» o el Diego Jesús Jiménez de «Noche de Navidad», mientras los momentos de rabia llaman, con la mano derecha, a un presente en continua negociación.
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Edward Carpenter (1844-1929) fue ensayista, filósofo y activista político. Nacido en Surrey, Inglaterra, sus ideas estuvieron influidas por el socialismo anarquista. Fue uno de los primeros activistas en favor de los derechos homosexuales. Retirado en su casa en medio de la naturaleza, realizó también campañas contra la contaminación ambiental, la vivisección de animales y en favor del vegetarianismo y el nudismo. Tuvo una larga y feliz relación con Charles Merril, que a E. M. Forster le sugirió su novela Maurice. Fue autor de libros tales como Días con Walt Whitman (1906), El sexo intermedio (1908), ambas traducidas al castellano, y Yolao. Una antología de la amistad (1908). Yolao era el nombre de un muchacho amante de Heracles o Hércules, su escudero y ayudante en sus hazañas, diestro conductor de carros, héroe guerrero, jefe de una banda de jóvenes. Bajo este nombre, Carpenter realiza una antología de literatura no propiamente de la amistad, sino del amor entre hombres, probablemente la primera antología universal de literatura homófila, homoerótica u homosexual de todos los tiempos...
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Las meditaciones de un padre primerizo que aún no ha conocido a su hijo, y que ante la ausencia de una tradición literaria sobre la paternidad venidera hace de ella un recorrido poético que se habita y siente en todos los sentidos, ocupan todos y cada uno de los poemas de Paternación. Pedro Martín Aguilar se dirige a una descendencia desconocida sorteando prejuicios y miradas sociales, y aprehendiendo de una gestación propia que se produce en la alteridad. Lo físico y lo anímico mudan su realidad en una reflexión experiencial en torno al proceso de cualquier embarazo (el sexo, los nombres, las ecografías), así como en una mirada desde el presente hacia el pasado nada ajena a los puntos intermedios, al mestizaje, a la infancia, a la denominación de las piedras y a las idas y venidas de territorios siempre extranjeros. La poesía de Pedro Martín Aguilar es un canto al futuro, al futuro que quiere ser distinto de lo que ya ha sido, un nuevo tiempo de incertidumbre pero de inevitable seguridad. Un canto al yo que se desprende de su identidad para volverse herencia, deseo y patria verdadera. SESI GARCÍA
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Parte de la producción dramatúrgica de Antonio Álamo está marcada por el minucioso y casi obsesivo examen de los mecanismos y las alucinaciones del poder en los más diversos ámbitos y estancias. Pese a ello, los engranajes que mueven la acción de estas obras, a partir de singulares, irónicas y certeras intuiciones dramáticas, tienen siempre un carácter íntimo. Este volumen recoge sus principales exploraciones en este terreno. En «Los borrachos», somos testigos de la celebración privada del lanzamiento de la primera bomba atómica por parte de sus creadores, «Los enfermos» nos cuenta las azarosas aventuras de un cadáver famoso, el de Adolf Hitler, en «Yo, Satán», el autor imagina a un papa que, valiéndose del dogma de su infalibilidad, pone en aprietos a la institución que representa, y del que se acaba sospechando que pudiera estar endemoniado, «Cantando bajo las balas» nos deja asistir al primer acto franquista de la historia narrado por un cadáver, el de Millán Astray, descontento y angustiado con el lugar que le ha concedido la historia, en «Grande como una tumba», el fantasma de un artista recorre las distintas escenas de un mundo que agoniza y se hunde sin remedio, y, por último, «El bebé salvaje», la única obra inédita y no estrenada, fija su mirada en un capítulo vergonzoso de la vida de Karl Marx, un hombre que, soportando circunstancias muy adversas, nunca renunció a su derecho a pensar ni a beber, y que, como dijo Bernard Shaw, realizó la mayor proeza que puede llevar a cabo un escritor: cambió la mentalidad del mundo.
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Es este un libro insólito, escrito y reescrito durante veinticinco años, por el que atraviesa el fin del pasado siglo XX, el principio de este, y las tres últimas crisis socioeconómicas, incluida la inesperada pandemia. Un libro sin concesiones, ni a las modas poéticas del momento, con una constante referencia filosófica y literaria trasversal y cosmopolita, ni al lenguaje fragmentario que ahora está en boga, más bien al contrario, con una elaboración constante del poema y el lenguaje lleno de sugerencias y niveles de lectura, ni en temas, siendo el de la libertad, sin etiquetas ni estereotipos, el más importante de todos. Musa Insumisa pendula en el mismo concepto de libertad humana, si esta es posible, decantándose por la libertad cervantina, que estriba en comprometerse con un mundo lleno de gigantes que son molinos de viento, y donde la palabra poética y la imaginación resultan la única y mínima parcela de libertad real que pueden conquistar los seres humanos. La reflexión sobre la naturaleza misma del hombre, y si está en nosotros llegar a ser mínimamente libres, frente a la voz civilizadora y a la vez domesticadora de la gran ciudad, de la urbe. Figuras arquetípicas, mitológicas, heroicas, en una megápolis, Madrid, en este caso, pero que puede ser cualquier gran ciudad, que reta como las sirenas a los seres humanos a encontrar su voz o a perderla en el asfalto. Conceptos como el de patria, frontera, nacionalidad, que son llevados a la introspección más íntima, y convertirlos en meditación sobre la necesidad de pertenencia e identidad como grupo, como sociedad, como especie.
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A veces un poema es tan breve como un beso robado. Y, como un beso robado, arrebata a la vez que nos deja en estado de estupefacción. ¿Ha pasado lo que creo que ha pasado? Y el alma, entonces, se queda quieta a la espera de una respuesta que el universo le debe por lo que acaba de experimentar. ¿Cómo algo tan pequeño te hace tanto? ¿Cómo puede contar tanto? ¿Cómo puede provocarte tanto? Desde la risa que nace en tu vientre sin que puedas evitarlo a la pasión que te deja con una media sonrisa en la cara y mirada cómplice, porque esto tú lo has vivido y el poeta ha logrado capturarlo y dártelo en mano como un globo de colores, pasando por la rabia hacia las injusticias que ves cada día y para las que casi no habías encontrado expresión hasta ahora. Todo lo que te pasa o te ha pasado en la vida o te pasará (si te dejas) está aquí y ahora y grita: ¡Agua! Y va a hablar de ti, de mí, del mundoà de la eternidad, como tiene que hacer la poesía.
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Último libro de poemas de Kepa Murua: ''Es un libro de tapas negras,/de páginas inmensas, una tela/envuelta en papel, un regalo/de poemas de un hijo a su madre''Este libro es un regalo de poemas de un hijo a su madre, como escribe el propio autor en sus páginas, pero es también soledad y recuerdo, homenaje, historia y gratitud por todo lo que se ha recibido de quien ya no está.Orfandad habla de una pérdida personal y es también el hilo con el que Kepa Murua teje la vida de muchos que, seguramente, vean reflejados en estos poemas buena parte de sus sentimientos, si es que ya han pasado por esta experiencia.El poeta ha dicho en ocasiones que no somos el pasado. Sin embargo, ese pasado, si sigue estando vivo, da forma a la vida, a lo que es el presente. Quizás ese sea el juego: que nada queda del todo en el olvido, que nada es tiempo que ya no existe, sino que es la eternidad lo que nos marca, lo que nos mueve y hace al mundo.
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¿Cómo vivir poéticamente? Este texto nos invita a ver lo milagroso que nos rodea y se esconde en lo cotidiano, a comprender que todo es único e irrepetible.A veces basta un solo pétalo para que el mundo sonría, a veces basta un frágil tallo para que el cielo descanse.
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''Un aura oscura de superstición y muerte rodea a esta obra, la más solemne y despiadada de las piezas canónicas de William Shakespeare.Un aura oscura de superstición y muerte rodea a esta obra, la más solemne y despiadada de las piezas canónicas de William Shakespeare. Se dice que desde su primera representación en el siglo xvii, la desgracia se hace presente en cada nueva puesta en escena, y este nefasto renombre forjó la tradición de jamás pronunciar su título dentro de un teatro, refiriéndose a ella solo como la tragedia escocesa.Con sus brujas, fantasmas y castillos perdidos en las brumas de la noche, sentó una influencia perdurable en el imaginario de las historias de terror fantástico y gótico. Su protagonista es, ante todo, el arquetipo del héroe convertido en villano. La sangrienta trayectoria de este guerrero escocés obsesionado por un infernal presagio de gloria, acompañado al asesinato por la caprichosa ambición de su esposa, dejó su huella en cada drama político y moral creado por la literatura, el cine y la televisión, desde El padrino hasta Juego de Tronos o Breaking bad.En continuidad con sus previos trabajos con Hamlet, El mercader de Venecia y Romeo y Julieta, la presente traducción de Carlos Gamerro, junto con sus notas y un completo estudio preliminar, traslada al español de América la música y la belleza de la mayor pluma de las letras inglesas.
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Motel Milla Noventa compone un díptico, “Xenía” y “Nostos”, sobre la interiorización de lo eterno y lo efímero. Dos voces en diálogo ensimismado rastrean los significados del amor, la realidad y el desarraigo. Dudan del instrumento con el que cuentan para este rastreo: la palabra. Xenía es el término griego que define el concepto de hospitalidad. Nostos es el correspondiente al concepto nostalgia. Dos nociones que determinan el proceder de Calipso y Ulises en la Odisea homérica. La ninfa solitaria que da alimento, cobijo y entretenimiento al héroe errante. El hombre que renuncia a ser dios por su deseo de regresar a Ítaca.Un camionero y una meretriz de motel como encarnación contemporánea de Ulises y Calipso. La mirada líquida de un nómada que se mueve como rata por los territorios de la multiculturalidad y la mirada introspectiva de una mujer asomada a la ventana, viendo pasar las siluetas como en un teatro de sombras mientras corren las lunas y los soles a cámara ultrarrápida.Longitud y latitud marcan las coordenadas de su encuentro en el Motel Milla Noventa, representación de la paradisíaca morada de la ninfa.De Ángela Mallén, El Desvelo Ediciones ha publicado los relatos 'Entretanto, en algún lugar' y los aforismos 'Microorganismos'.Diseño de colección de Victoria O'May.
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Entre letras encierro tormentas, en busca de que no vuelvan a apagar el fuego. Y entre versos vive ese recuerdo que deseo que nunca vuelva a ser la historia. Te invito a ser nube y entrar en mi cabeza salvaje, que truena y aún anhela que algún día la ausencia se vuelva eléctrica.
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A través de un continuo nombramiento de aquello que se ama, la voz poética de La vida con Isabel nos guía a través de los entresijos de un mundo que, aún sabiéndose descompuesto y cerca de su final, brilla. Encontramos en este libro un asentamiento en la vida, compleja y bellísima, que se expresa con serenidad y detenimiento a través de los versos de Sergio Rodríguez Jiménez, quien no duda en usar la tradición poética para mostrar el camino que cualquiera de nosotros puede seguir para encontrar aquello que desea no perder nunca.
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Ernesto Delgado (Placetas, Cuba, 1996) estudió Literatura en la Universidad Central «Marta Abreu» de las Villas y es miembro fundador del grupo literario «La estrella en germen». Pálpito, galardonado con el XXVI Premio Loewe a la Creación Joven, es su primer libro. «El poeta, ante el Horror y la Belleza, todo lo mira desde su altura de águila para luego descender a la entraña de las cosas. El poeta, ante la emanación del Misterio, todo lo vuelve pálpito: presentimiento y latido a la vez. Este libro revive la emoción que colma la víspera de los nacimientos y recupera la honda idea del asombro frente a lo ya nacido. El joven Ernesto Delgado posee el don de descubrirnos la extrañeza del mundo y nuestra propia extrañeza, en su voz respira el inocente, germina la estrella y fluye la cañada de la temporalidad. Entremos con él en el fósforo para revelarnos, entremos con él en esos círculos concéntricos, hermano lector, porque más allá de los cercos y hospitales, más allá de la oscurísima miseria de las ínsulas, su dolor todavía canta a la maternidad luminosa de lo humano». Sergio García Zamora
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Els versos de Lola Casas ens poden acompanyar també, durant totes les festes de Nadal.Els podem llegir, ens els podem aprendre, en poden fer un dibuix o els podem recitar de memòria. I ho podem fer tots sols o acompanyats.Trobarem un poema adient per a cada dia, cada festa i cada tradició dels dies de Nadal. Hi surten les figures del pessebre, l'avet, el dinar de Nadal, Cap d'any, les joguines... I fins i tot unes endevinalles per fer més curta l'espera dels Reis d'Orient.
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La desasosegante y rotunda certeza de vivir en la nada, desde la nada y tal vez para la nada es la espina dorsal que vertebra este tan breve como intenso poemario y parece estructurar también la existencia de su autor, al menos en el ir transcurriendo del tiempo que le llevó su abismada escritura. Es la paradójica evidencia de que lo no sido, aunque intensamente deseado —esos «momentos nunca compartidos» de los que habla el poeta— es capaz, desde su no existencia, de levantar una realidad que es vivida de manera absoluta, superlativa, una realidad que un temperamento racional y pragmático no dudaría en calificar de locura. No parece ser este, sin embargo, el caso de nuestro autor. Y es aquí, desde lo no vivido pero paradójicamente añorado desde un territorio al que el poeta se siente ajeno, donde podemos encontrar una explicación cuando menos plausible para el título del libro: Exilio.
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Esta antología ofrece al lector algunas de las mejores poesías para niños y jóvenes de este gran artista granadino, ordenadas en capítulos temáticos: Canciones y ritmos, Algunos animales, Naturaleza y paisajes, Infancias y juegos, Baladas y amores, Historias y leyendas. Lorca siempre tuvo un especial amor por la infancia, nunca dejó de ser un poco niño, y en estas páginas, deliciosamente ilustradas, hemos querido reunir versos sublimes junto a otros más sencillos y cercanos inspirados o dedicados a los niños.
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Existen zonas en las que la voz ajena y la voz interior coinciden. Es lo que viene explorando Canteli en sus últimos libros. El oído del poeta selecciona sus materiales: voces oídas aquí y allá, palabras leídas más allá, textos que circulan por tantas interfaces. A lo largo de un año, Canteli seleccionó algunas de esas voces, que resonaban con las suyas, y las anotó en el calendario. A lo largo del año, las fotografió y publicó. ¿Un diario de qué? Aparecen ahora remezcladas, amasadas por el oído propio, por la voz interior. Nuestro oído no puede distinguir las voces. A tal punto se confunden, día a día, lo exterior y lo interior. Lo más íntimo resulta ser lo más extraño. año* prosigue su recorrido con otros años, años duros, de pandemias y otros males, que se registran de manera compleja. Ni relato ni testimonio, más bien una voz íntima que se observa a sí misma como si de una tercera persona se tratara, que todo lo ve desde fuera, marcada por el deseo y el dolor. La voz de Canteli vuelve, aunque no es la misma de hace unos años. Se le escucha en las repeticiones que, como letanías, marcan un deseo que insiste, insiste.
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Un grupo de jóvenes se reúne para leer las aventuras de don Quijote y descubre que es como ellos: es rebelde, se ha creado una identidad virtual y ha emprendido un camino incierto en busca de sus sueños. Así que suben a escena para representarlas. Como don Quijote, juegan a ser otros para ser ellos mismos.Quijote/Play adapta al teatro pasajes imprescindibles del clásico que iluminan las inquietudes de los jóvenes sin renunciar al texto de Cervantes. En un reparto flexible para la lectura o el montaje, cada miembro del elenco se convierte en protagonista de su propia historia, en busca de identidad y propósito en un mundo en constante cambio.
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Exploración y juego, laboratorio de formas, Las fuerzas débiles condensa en su interior dos voces engarzadas que ensayan distintas versiones de un mismo tema. La mecánica es en apariencia simple: hay una idea que, arrojada al aire enrarecido de la página, se fisiona dividiéndose en dos poemas independientes, uno a cargo de Elisa Díaz Castelo y, otro, de Adalber Salas Hernández. Si bien Las fuerzas débiles toca varios asuntos relacionados con la ciencia, en especial con la astronomía y la física, los poemas que lo conforman no se limitan a estos ámbitos del conocimiento. Este libro bifronte parte de una convicción compartida por sus autores: la poesía es una forma de conocer el mundo, tan legítima e indispensable como las llamadas ciencias duras. Como éstas, tiene sus métodos, sus teorías y sus pruebas. Armados con la certeza del asombro, Díaz Castelo y Salas Hernández se arrojan a esta exploración.
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Poemario que contiene la pulsión lírica y explicita del eco existencial sobre los grandes temas de la poesía universal.De este poemario y de la labor poética desarrollada por su autor, ha dicho el poeta Corredor-Matheos, que ofrece el testimonio de una visión amplia y justa, a menudo minuciosa, como corresponde al jurista en la vida cotidiana que es verdadero poeta en todo momento. Estamos ante una poesía marcada por la observación del acontecer cotidiano y, también, por la trascendencia. En definitiva, una visión lúcida de la realidad, de honda expresión poética, que nos presenta la progresiva maduración de un poeta que merece atención. Se trata, en definitiva, de una obra articulada en coherencia con lo esencial de la poesía, donde el autor profundiza, depura y acentúa su perfil personal, un tanto excéntrico y poco convencional.
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El volumen reúne todos los libros de Julia Uceda, Premio Nacional de Poesía y referente ineludible de la generación del medio siglo.Desde su primera entrega, Mariposa en cenizas (1959), la poesía de Julia Uceda ha seguido un itinerario muy personal que pese a compartir algunos aspectos en común con sus coetáneos, los autores del medio siglo, ha ido acuñando una poética única, explorada desde antiguo pero cada vez más profunda y ambiciosa, que brilla con especial intensidad en sus últimos libros: Zona desconocida (2006), Hablando con un haya (2010) y Escritos en la corteza de los árboles (2013). Prologada por el principal responsable de su rescate editorial en los inicios de este siglo, su antiguo alumno y gran amigo el poeta y director de Vandalia Jacobo Cortines, esta Poesía completa reúne en un solo volumen todos los libros de una autora para quien la poesía es un ámbito misterioso que nos conecta con los territorios de lo inefable. Sin desatender la circunstancia histórica, la voz de Julia Uceda, su mirada interior, dialogan con presencias invisibles, viajan al pasado remoto o indagan en los aspectos más inquietantes de la realidad, con una dicción poderosa que se estructura en varios niveles de significado. Desde el afán de conocimiento, desde un sentimiento de radical extrañeza, Julia Uceda ha escrito una de las obras más sólidas de su generación y de la poesía española contemporánea.
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Un instante prolongado en el tiempo, un inicio que se transforma en su propio fin, notas a pie de página como mensajes en una botella lanzada al vacío de un futuro imaginario, cuatro minutos y treinta y tres segundos, puertas que se abren y nos acogen, música que se transmuta en silencio. Los poemas que se recogen en este libro presentan una polifonía de voces y formas, en las que el mundo de lo fugaz cohabita con la perpetua mirada de un universo en continua expansión.
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Obliga a reflexionar sobre la naturalización de la violencia sexual, los abusos sobre la infancia y la existencia de una ''cultura de la violación''.El teatro siempre tuvo relación con el culto a los muertos y con la figura del revenant: el regresado o la regresada, renacidos en escena. Primera sangre invoca a una niña secuestrada y asesinada en los noventa, cuyo caso fue sobreseído sin que se hallara al culpable. Ausente y presente, Laura interpela a las vecinas de su edad, al comisario encargado del caso y a une educadore: ¿Educamos en el miedo?, ¿el miedo evita el peligro o evita la vida? ¿Es la cultura de la violación una sociedad secreta a la luz del día, como dice la antropóloga Rita Laura Segato? A medio camino entre el memorial, el thriller y el cuento de fantasmas, esta autoficción obliga a la reflexión en torno a los abusos sobre la infancia que se escriben en el cuerpo de las mujeres. Con lirismo y rotundidad, Primera sangre nos invita a recuperar la memoria de las que ya no están para multiplicar nuestra existencia.
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El seu primer poemari, Sarcop, porta el títol d’una crema antiparasitària per a combatre la sarna. Eduard Olesti l’ha escrit «quan vivia a la Rambla, entre el Kentucky Fried Chiken, la Guàrdia Urbana, la misèria i les botigues de souvenirs». Són poemes que sobten i interpel·len el lector i se l’enduen en una torrentada de versos i imatges brillants sobre una societat embrutida, parasitària.
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La afrenta de los números rojos en la cuenta corriente es el pretexto para reflexionar sobre los sueños no alcanzados, el camino recorrido, los años por venir o la proxim.Para los que disfrutaron con la lectura de su primer poemario, Parques y Jardines, Carmen Aranguren vuelve contando sus luchas con el insomnio, sus desencuentros con Dios, la vivencia del amor maduro, la pérdida del amigo y la búsqueda del sentido en los detalles cotidianos.
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Ser una mujer y desear a otra que no está pero se niega a irse: se aparece en los objetos y en las sábanas, en el musgo y el moho, en la naturaleza que crece entre las grietas cuando una estructura se rompe. Ser adolescente y temblar con una fiebre incomunicable, aferrarse a visiones voyeuristas e incompletas de la vida que una espera. Mirar entonces a la Historia y ver con nitidez, desde una experiencia propia que se ha construído entre vacíos y reconoce su llenura allí donde los ve. Dos chicas al borde de la cama crece desde esas grietas. La voz de Victoria Mallorga aparece en la ausencia: de la amante, la representación lésbica, el lenguaje. Mujer ordinariamente disidente que no cabe en la norma, ni en el coming of age, ni en los inventarios de una ''feminidad estándar'', busca y encuentra en cada poema un andamio, algo a lo que aferrarse que está hecho de palabras, una manera más de no precipitarse al vacío. NOAH BENALAL
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'Los poemas de Seth Michelson, uno tras otro, transforman el mundo brutal y destrozado en algo que canta''. ROSS GAY ''Latidos e himnos, oraciones y maldiciones, los versos vigoro-sos y fascinantes de Seth Michelson abordan lo insoportable y lo que no se debe decir''. ALICIA PARTNOY ''Seth Michelson es un joven poeta de grandes dones, energías y pasiones. Intenso, ebrio del lenguaje, ebrio de los sonidos del lenguaje, enamorado de las posibilidades del lenguaje sin descuidar sus responsabilidades. Sus poemas me parecen más vivos que los de muchos poetas (¡jóvenes o viejos!), más necesarios''. THOMAS LUX
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El mundo solo pasa por la visión / del primer idioma. Diario de las dos veces está lleno de sentencias peligrosas como esta. Según la poeta, vemos lo que decimos y este decir se remite a las palabras del origen, a la lengua nativa. Esta noción se manifiesta, claro está, cuando la primera lengua se convierte inevitablemente en la segunda: en la extranjera. Territorio, distancia y habla son, por ende, tres de las variables más influyentes en este poemario. Enciso no escribe la distancia física y el sueño del retorno desde el presente, pero la vivacidad de los poemas permite ver que el registro emocional es nítido y honesto, como las capas de sedimento que se acumulan en la superficie de la tierra. En medio de una lengua y terreno ajenos, la autora también se somete a un tiempo ajeno: el del invierno, las estaciones y la primavera. Extrañamiento, nostalgia y ¿retorno?: el día, el ocaso y la noche de este diario. CARLO ACEVEDO
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Podría pensarse que el interés que despierta la obra Coriolano en la época contemporánea se debe a su carácter eminentemente político. Añadiríamos que quizá sea la más inteligente también. La obra enfrenta a dos fuerzas irreconciliables: el general Cayo Marcio Coriolano, con su odio y desprecio al pueblo, y este manipulado por los tribunos populares. La lucha se agudiza y se convierte en un apasionante juego de espejos dentro del marco turbulento de una ciudad dividida por el odio social y político. Coriolano, después de luchar por su país, quiere ser cónsul, pero necesita los votos de los ciudadanos. Un hecho que se aviene mal con su carácter que le llevará al destino trágico del héroe. Felizmente, no podemos hacernos una idea cabal de hacia cuál de los dos bandos se inclina la voluntad del autor. Y esa indefinición permite que la obra interese al público más amplio. La traducción de Eusebio Lázaro refleja certeramente el estilo lacónico cortante ''de piedra y bronce'' del texto más brillantemente razonado de Shakespeare.
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'Eres el precioso mecanismo con el que el mundo está cambiando''. Canta la esperanza, canta el monte lleva a quienes lo leen en un emotivo viaje por los estados de la esperanza hasta tocar lo inquebrantable. El lenguaje de la naturaleza, la valentía humana y el potencial del trabajo se convierten en elementos decisivos para lograr certeza ante los retos más importantes de nuestros tiempos. Es una invitación a reclamar el trono del superhumano, divinidad creadora de las maravillas y justicias que añoran los sensibles y que necesitamos todos. ''Las palabras de Solange conducen de regreso a casa. Son alternativas ante un mundo de guerras, extractivismo y discriminación. Porque, en ese mismo mundo, Solange decide fijarse en las jacarandas y en los dibujos de los niños. Es un libro para los que quieren observar las maravillas de la existencia, entregarse a ellas y hacerlas suceder''. ADRIANA ABRAMOVITS
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Desde el frágil puente entre la poesía y la existencia, Paul Montjoy Forti traslada a las letras el móvil quiebre de After Requiem, donde las sombras y los recuerdos desmiembran cada línea de los espacios urbanos, como las casas, las plazas, los parques o las avenidas, lugares dinámicos en los que los cuerpos se juntan o deambulan en medio del torbellino delirante de la escritura. CLAUDIA CAVALLI
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Somos amputados al nacer, miembros fantasmas de nuestras madres, anticipamos el misterio de la poesía que dice lo perdido. Con esa certeza Ana Cagnoni construye sus poemas, milagro del espejo en el que volvemos a encontrarnos, en el que la completud parece una promesa realizable, al menos en las palabras que evocan las ausencias. Aquí, la poesía no solo representa una realidad tangible (lugares, personas, paisajes, objetos, seres vivos) sino que reproduce múltiples variables de lo que pudo haber sido, de la vida probable que devino en otra cosa: una mudanza, un accidente, una muerte, un nacimiento. Palabras que no solo son palabras, sino también puertas hacia las infinitas posibilidades del devenir, en un código que, sin embargo, no renuncia al realismo, sino que pretende capturar fotografías dispersas de una época, donde la fragmentación es la constante. ¿Qué tuvimos? ¿Qué tenemos? ¿Qué pudimos tener?: ''desde que me mudé de país,/ pienso que todo es un simulacro./ la granja es un simulacro de granja./ el tractor, de tractor. el desencanto./ mejor, después de todo,/ que sea un simulacro y no un error'', nos cuenta la Poeta, y en esa supuesta simplicidad, la complejidad del lenguaje y su posibilidad de representar el mundo se ponen en duda para confirmar lo que ya sabemos. Estamos frente a una poesía que escarba en lo aparente para restituirnos a lo verdadero: nuestra condición de extranjería, miembros fantasmas de lo incompleto, capaces, sin embargo, de evocar lo añorado para, de ese modo, volver a casa. CARLOS J. ALDAZÁBAL
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Soñé que era un tigre es una declaración de insolente rebeldía ante el dolor de vivir. Dentro de la tradición lírica clásica, Samé Juzó defiende que la más alta valentía es la búsqueda de la belleza, como sublime y, ciertamente humilde, justificación de la vida. La belleza como sentido vital, como moralidad, trasluce en estas páginas una sabiduría, a veces irónica, contradictoria, tierna, melancólica, desmesurada, cínica incluso, sobre una multitud de experiencias humanas, afines a toda sociedad y todo tiempo. La esperanza como fuego, la muerte como anhelado destino, la vida como osada aventura, el amor como placentero abismo, el sufrimiento como gozo purificador, la lectura como vuelo... y el tigre, ¡oh el tigre!, como arquetipo del héroe, es decir: del ser humano.
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¿Qué es el amor y por qué no siempre sobrevive al paso del tiempo? ¿Por qué parece que las relaciones humanas son más efímeras y fugaces que nunca? Estas son algunas de las preguntas que dieciséis poetas y trece ilustradores tratan de responder a través de su arte en Amores líquidos. El amor líquido, concepto acuñado por el sociólogo Zygmunt Bauman, describe el tipo de vínculos afectivos típicos de la posmodernidad: frágiles, superficiales, etéreos. Se trata del triunfo de lo líquido -lo fluido, lo mutable, siempre en movimiento- frente a lo sólido -lo permanente, lo estable, lo duradero-. VARIOS AUTORES Ángelo Néstore, Yolanda Castaño, Ben Clark, Emily Roberts, Ignacio Vleming, Erika Martínez, Hasier Larretxea, Ana Pérez Cañamares, Rafael Saravia, Verónica Aranda, David Refoyo, Ana Gorría, Vicente Monroy, Sara Herrera Peralta, Pablo Monforte e Izaskun Gracia Quintana
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