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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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¿De qué manera observamos el mundo? Sobre la actitud con la que nos enfrentamos a él ha escrito María Martínez Bautista este libro acerca del paso del tiempo, la felicidad, la belleza, y etcétera. Porque en este etcétera caben esas experiencias tan arraigadas en nuestro día a día que quizá, en el recuento, nos pasen desapercibidas. Pero ''Galgos'' las subraya con una escritura precisa y limpia, de una música bella, profundísima. Es este un poemario con un fuerte sentido de la tradición, y a la vez una voz ya propia, diferente a las que se escuchan hoy entre sus coetáneos, y un poemario de claroscuros, también, delicado en la elección de la palabra y fiero en los temas que aborda. Luminosos en su decir, melancólicos en la forma en la que laten, mucho cuidado: estos poemas muerden.
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'Morfología de la sangre'' es una obra que emerge desde los afectos y los lazos familiares. Un libro que culmina con la expresión lírica de la maternidad. Pilar Cámara se desangra en sus páginas para crear un imaginario poético único, en el que expresa la complejidad del amor, el dolor y los vínculos. Abrir la ''Morfología de la sangre'' de Pilar Cámara es adentrarse en un cuerpo. Un cuerpo de mujer -sus versos establecen, además, una interesantísima genealogía femenina, como quien se declara hija también literaria y sentimentalmente- que poetiza desde las entrañas. En el que lo que se es viene definido por la bifrontalidad, por dos rostros simultáneos que son el del amor y el del dolor. Amor y dolor que se presentan en este poemario como única posibilidad resultante de la proximidad entre el yo poético y los demás, en unas relaciones interpersonales, esencialmente las familiares, que serán muy cuestionadas a lo largo de las páginas. A los otros descubrimos que se enfrenta quien canta con el corazón al aire, con una epidermis que no termina de proteger, porque los seres, dice, son filos y son piedras, y se rozan entre sí -¿es un roce o una rozadura?-: ''un hijo'', leemos, ''es ficción en la piel''. Y es que la máxima expresión de esos vínculos familiares será la maternidad.
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Hay una poesía que intenta mostrar lo más capilar y visible de la realidad. Y otra cuyo objetivo es adentrarse en los espacios del mundo interior del poeta haciendo del poema una materia fronteriza con lo sagrado, con lo inefable. Antonov, título con el que Antonio Luis Ginés rinde tributo, mediante una metáfora que remite a una vieja experiencia, pertenece a esa segunda estirpe. El sentido último de este séptimo poemario del autor cordobés se concentra en el poema que le da título y a partir de los recuerdos del legendario avión atravesando el cielo nocturno.
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La versatilidad con la que María González hace alarde de sus sentidos del lenguaje cobra un protagonismo singular en ''Creatura'', libro muy personal en el que la autora despliega un discurso lírico valiente y desconcertante. Esta obra se presenta como una reflexión lírica que opone descarnadamente las identidades de la mujer, en su nivel corporal, biológico, sexual, cultural y afectivo. La poesía se yergue como un vehículo de deconstrucción de la relación entre los conceptos de ''mujer'' y ''maternidad'', en un relato de su experiencia tras el hecho de ser madre primeriza. El dominio del oficio, el juego de los significados, los estéticos usos ortotipográficos y la visceralidad impúdica de muchas imágenes que transitan por un imaginario de género convencional, van desarrollando un interesante argumentario contracultural en torno a la perversión del uso de lo femenino en nuestras vidas. María González convierte la maternidad en una pregunta radical que se aproxima a los más críticos rasgos identitarios queer. Por eso, María es culpable por hacer uso de una palabra desacompasada. Su claridad cruel utiliza las contradicciones del lenguaje para atravesar las de la realidad sin ambages. También es culpable de utilizar con absoluta limpieza los versos en los que habla de las suciedades que emana el cuerpo, su fisiología, los procesos y ritos que atraviesa la parturienta durante el puerperio. Las imágenes del pasado se intercalan con las del presente ofreciendo una indefinición entre la madre y su creatura. Ambas figuras en retroalimentación constante configuran una literatura comprometida con aquello que, pese a provenir de la cotidianidad, es capaz de transfigurarla: «Si escribo, este dolor no me poseerá».
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Las mujeres excepcionales que compartieron sueños y luchas con la gran escritoraUn recorrido a través de las figuras de grandes mujeres que formaron parte de la vida de Virginia Woolf, a quien ella apoyó, que la inspiraron o influyeron en su trabajo. Estos personajes anticonformistas y a menudo atormentados reviven a través de las ilustraciones de Lady Desidia (Vanessa Borell), que destacan por su refinada estética y estilo romántico. Una biografía coral que celebra el espíritu moderno y rompedor de Virginia Woolf y de sus contemporáneas: un grupo de mujeres vanguardistas que contribuyeron de forma decisiva a innovar en sus respectivos campos artísticos, pero cuyo trabajo sigue siendo poco reconocido incluso hoy. Un legado colectivo que al fin ocupa el lugar que merece en las páginas de este libro conmovedor y poético.
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En la mejor tradición ética y poética de la piedad filial, cuyo máximo exponente en la literatura española son las Coplas a la muerte de su padre de Jorge Manrique, pero desde la mirada y las preocupaciones de un poeta del siglo XXI, Alejandro Pedregosa rinde en Barro un homenaje elegíaco a su padre recién fallecido, ese hombre que, según sus propias palabras, le dijo una vez: «ahí tienes tu camino, ama el barro».
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El respeto a la vida sencilla que nos rodea, a la naturaleza silenciosa que comparte con nosotros nuestros afanes y que ha seguido sin desviarse el camino originario, es el primer paso para proteger nuestra humanidad amenazada. Y ese respeto, esa delicadeza sabia e inteligente del que sabe su lugar en el mundo, del que es consciente de que la mejor poesía sólo brota del sentimiento de orfandad y de la toma de conciencia de nuestro estar desamparados, es lo que yo descubro en estos versos serenos y armoniosos, necesarios y limpios.
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¿Por qué y para qué se escribe?, se pregunta Ángel Acosta en su Interludio para dos poemarios, reseña lúcida de este libro diseñado a dos portadas, a dos voces distintas, donde encontrará el lector diferentes motivos para acercarse a una respuesta que justifique la necesidad de crear textos.
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Prólogo de Eduardo Milán. Ya en su primer poemario, La caída de Ícaro (1982-1989), Olvido García Valdés pone de manifiesto su talento: dominio de la expresión, profundidad, atrevimiento... Le siguen los libros Ella, los pájaros (1989-1992), Caza nocturna (1992-1996), Del ojo al hueso (1997-2000) y, temáticamente emparentado con éste, Y todos estábamos vivos (2001-2005), una reflexión conmovedora sobre la enfermedad y la muerte que le mereció a la poeta asturiana el premio Nacional de Poesía. El libro se cierra con once poemas inéditos y algunos textos acerca del acto de escribir que iluminan una de las obras más sólidas de nuestra poesía reciente.
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En Mi línea de otación va a encontrarse el lector una poesía joven, viva, sangrante, atormentada y dulcemente amarga, de sábanas, labios, whisky y apartamiento, mientras el mundo grita en la calle, navegando enese río abundante de sexo, sabor y olores que desemboca inevitablemente en el amor más profundo y desgarrador, que explora en las sensaciones más íntimas y mágicas de un poeta real, herido en su línea de otación, pero siempre sincero y veraz. Hank es un tipo comoyo, un bocazas emocional sensible y observador, fascinado por las personas y sus verdades, y que no encuentra otra salida que escribir lo que siente para evitar tener que ir al psiquiatra. David Summers
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En esta colección de poesía mágica, Nikita Gill explora inquebrantablemente el fuego en cada mujer y las emociones que se encuentran en lo más profundo del alma. Con heroínas de cuentos de hadas re-escritas y versos que arden con una belleza magnífica, esta colección cruda y poderosa es una explosión de feminidad, empoderamiento y crecimiento personal. En estas palabras, los lectores encontrarán la energía para provocarresistencia y revolución.
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Gracia Morales (Motril, 1973) es Doctora en FilologíaHispánica y profesora titular en la Universidad de Granada. Ha publicado los poemarios Ocho poemas para andar por casa, Manual de corte y confección, De puertas para dentro, La voz en pie y Del hogar y sus mudanzas. Asimismo, es dramaturga y cofundadora de la compañía granadina Remiendo Teatro (2000). El jurado ha destacado el poemario de Gracia Morales por su visiónde la belleza y de la complejidad del vivir, que se dan la mano en una obra «que es tremendamente humana porque plantea la duda, lo que se esconde en la primera apariencia, pero sin descifrar del todo esa contradicción con la que vivimos ni aleccionarnos, sino conuna infinita delicadeza».
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Blanco roto es un poemario de belleza sencilla y sublime porque así es el sentir del poeta Aníbal García. La infancia, El sur y su luz, el paso inexorable del tiempo, el amor o el bullicio de una plaza de abastos son la hoja de ruta de este poemario que nos lleva de lo sencillo a lo trascendente con mano delicada y firme. Con un cuidado formal exquisito, el poeta Aníbal García nos traslada a un paisaje sereno y luminoso del que lector regresará pleno de belleza y luz. He ahí el maravilloso secreto de Blanco roto.
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'La lluvia es el llanto del desvelado''. Con esta sentencia, el poeta abre las puertas de un universo nocturno, desgarrado, compuesto por poemas y prosas que laten, que fluyen como ríos oscuros a lo largo de esta obra en la que se contempla el insomnio desde numerosas perspectivas, hermanadas todas ellas por la soledad. A través de metáforas, se va construyendo un mundo singularísimo en el que los besos no dados se transforman en gritos y el miedo en un gigante. Porque, desde el insomnio, la realidad adquiere tintes surrealistas y la conciencia del poeta despierta ''caliente como una bestia''. El poeta lanza su corazón a los leones y no cuenta ovejas, sino caballos crepusculares, y se niega a dormir para no despertar sin conocer el nombre del verdadero amor. Christian Zurita Estrella se sirve de multitud de imágenes sorprendentes para alumbrar con la linterna del lenguaje el paisaje interior del insomne. Juega con los signos de puntuación y con la disposición de los versos para lograr un ritmo intenso, creciente, que empuja al lector a avanzar inexorablemente por ese sueño o pesadilla dictada por la vigilia. Las numerosas referencias literarias, mitológicas y bíblicas, reflejan el amplio fondo de lecturas de un autor cuyo talento no queda desmentido por su juventud. Nos encontramos ante una obra que es temblor, sombra y latido que nos devora. MARINA CASADO
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XX PREMIO CASA DE AMÉRICA DE POESÍA AMERICANA. ROLANDO KATTAN (Tegucigalpa, Honduras, 1979) es poeta, bibliófilo, editor y gestor cultural. Es miembro correspondiente de la Real Academia Española de la Lengua y miembro de número de la Academia Hondureña de la Lengua. Entre sus títulos destacan Animal no identificado(2013), El árbol de la piña (2016), Acto textual (2016), Luciérnaga de otoño (2018) y Un país en la fronda(2018). Ha sido traducido a una decena de idiomas. .Rolando Kattan es el viajero que, en realidad, es poeta siempre y en todo lugar, un poeta cuya palabra puede ser apasionada y, a veces, cruel, de tan dura, como en estos versos que hablan de la ciudad y sus viejos restos de raíles o rieles: Es mentira que todo nostransporte a la muerte. / Como muda la ciudad su suelo de tranvías, / emergen los revenos de esos fierrosviejos . De forma silenciosa y modesta, pero imparable, la poesía no lo ha abandonado nunca y el XX Premio Casa de América de Poesía Americana hoy reconoce lafuerza de sus versos.
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Homérica es un proyecto poético ambicioso: una Odisea contemporánea en la que los banquetes se convierten en cenas frente a la televisión, en la que el Zeus que devora a mujeres mortales toma la forma de un chaval que va a la playa en busca de material con el que masturbarse. Y una Odisea en la que, aunque el decorado haya cambiado, los movimientos de sus personajes siguen estando guiados por la pérdida, los anhelos, la maternidad y la metamorfosis. Los poemas de Giannisi son una nueva lectura de la mitología clásica desde la experiencia vital de una mujer de hoy.
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Poesía Vaso Roto
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Decía Juan Ramón Jiménez en su libro Jardines lejanos (1904) que «para sentir los dolores / de las tardes, es preciso / tener en el corazón / fragilidades de lirio». Además de andaluz universal, el poeta de Moguer fue un maniático magnífico, poeta de la neurastenia y los poemas mágicos por conversión a dolientes. Así duele en Los ojos amarillos del mirlo lo frágil: «este jardín se muere con mi cuerpo / en una esquina rota». Jesús Pacheco (Murcia, 2000) revisita en este poemario —¿habremos ya de decir craftea?— el motivo clásico del jardín como espacio redondo de la intimidad, un motivo realmente interesante si tenemos en cuenta que este término del afecto es uno de los conceptos que mayores retornos y reválidas ha sufrido en los últimos tiempos. Igual que otros poetas que han pisado recientemente ese espacio icónico, como Juan Gallego Benot en Oración en el huerto (Hiperión, 2020) o Juanpe Sánchez López en Desde las gradas (Letraversal, 2021), Pacheco sitúa el cuerpo —los cuerpos—, deseantes y dolientes, en un límite comunicado pero con cierre, especialmente abonado para la observación y el cultivo de la tristeza.
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Tan sólo en éxtasis se aprenden las más altas lecciones: no hizo la voz al canto, ¿al canto? Sí, al canto ojos en blanco que en verdad es puro trinotemblando a la redondade las lumbres. Cantar fue un incendiarse hasta la rosa, ceniza desmandadasin porqué. (Visión de la Sibila) JUAN DE BEATRIZ (Lorca, 1994) es graduado en Filología Hispánica (UMU)con Máster en Estudios Literarios y Teatrales (UGR).Primer premio XLIV Certamen literario María Agustina(2018) y I Premio Internacional de Investigación literaria revista Crátera (2019). Este presente curso 2020-2021, disfruta de una beca artística en la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores, donde desarrolla un proyecto de «tecnopoesía». Cantar qué (XXI Premio Emilio Prados) es su primer libro de poemas.
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Federico García Lorca, Obra Completa I. Poesía I.Libro de poemas. Poema del Cante Jondo. Suites. Canciones.
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XXVIII Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Diego Medina Poveda (Málaga, 1985) es doctor internacional en Estudios Hispánicos por la Universidad Autónoma de Madrid y la Universidad Rennes 2 (Francia). Ha publicado los libros de poemas Urbana babel (2009), Las formas familiares (Premio MálagaCrea, 2010), He visto la vida más humana (Premio Cero de Poesía Joven, 2014), A pesar del frío (Premio Literario UNED «María Zambrano», 2016), Mar de Iroise (2017), Todo cuanto es verdad (accésit premio Adonáis, 2019, XXVII Premio Andalucía de la Crítica) y En vecindad, no en compañía (2022).
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Si poguéssim recollir en un calaix tots els moments de felicitat que hem viscut al llarg de la nostra vida, podríem reviure'ls cada cop que volguéssim. Podríem recórrer a ells sempre que ens calgués, i venceríem en el duel que ens enfronta al pas del temps. Aquest és el propòsit d'aquest llibre, ensenyar-nos a retenir els moments de felicitat mitjançant la consciència i convertir-los en immortals gràcies a la literatura. Una experiència feta poema esdevé eterna. L'amor, la maternitat, la fragilitat humana i la literatura són els pilars de Matí express, que amb el seu títol pretén transmetre'ns la urgència que tots tenim que brilli un matí en les nostres vides.
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Sergi García Lorente sabe adentrarnos en esta mutación lingüística de la poesía, es el artífice de la recreación de imágenes que solo un poeta puede lograr, ycon él asistimos a la enervación de la palabra y delconcepto, en un estilo propio y que no por ello estádesconectado de lo cotidiano, sino más bien forma parte de lo cotidiano. El lector vislumbrará un influjoapasionante hacia la belleza de lo innombrable, sentirá una atracción hacia la carnalidad divina y en todo momento se sentirá atrapado por unos poemas únicosy cruciales.
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Animatógrafo no existiría de no haberse inventado elcine. Las escenas, cotidianas y surrealistas, que encontramos en sus páginas nos remiten a esa otra continua sucesión de imágenes que el autor comparte con sus lectores temporalmente: la vida. Una inabarcable película aquí reescrita a partir de fragmentos, en apariencia narrativos. Poemas con vocación de cuento. Porque Animatógrafo tampoco existiría de no haber escrito sus textos Angel González, Wisł,awa Szymborska,Franco Battiato o Kevin Johansen. Este poemario es,por tanto, un cóctel de cine, vida, música y poesía,además de una ilusoria ofrenda a Rrose Sélavy.
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Hacerse el muerto es una expedición topográfica por los pliegues de la propia conciencia ùla memoria, la decepción, el fracaso, la resiliencia, la esperanzaù pero también, y sobre todo, una indagación acerca de la capacidad de la poesía para erigirse como andamiaje o estructura posible de sentido.
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Las tres piezas de teatro que se incluyen en esta Obra completa presentan a mujeres jóvenes que se tienen que enfrentar a un mundo lleno de violencia, alcoholismo y exclusión, reflejando la dura cotidianidad de los barrios obreros de los años setenta y ochenta donde la precariedad y el paro de la era Thatcher hacía estragos. En The Arbor, Rita, Sue and Bob Too (obra que fue adaptada al cine) y Shirley el universo de Andrea Dunbar se muestra al completo: el vecindario en decadencia, el padre maltratador que se tambalea borracho desde el pub local y la hija adolescente y descarada que intenta escapar de esa vida. El prólogo de Ángel Mirou nos da una perspectiva más amplia sobre la fugaz pero intensa experiencia vital de Andrea Dunbar. «Pero Andrea tenía algo que no tenían otras chicas: talento. Andrea era una chica de quince años que acababa de dar a luz a un bebé muerto cuando descubrió el mundo del teatro. Tuvo la fortuna de dar con un profesor en su instituto que adivinó en ella una inteligencia que no encajaba en los patrones medidos por los exámenes de la enseñanza secundaria británica. El profesor le encargó como ejercicio escribir una pieza teatral». -Ángel Mirou En Barrett descubrimos a Andrea mientras veíamos el documental The Arbor tumbados en el sofá. No pudimos esperar ni un segundo para recopilar sus tres obras de teatro y hacer este libraco.
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«Esto no es un libro de autoayuda, ni un poemario ni una novela ligada a un hilo conductor. Esto es mi vida, un desastre inconexo forjado a base de golpes, sonrisas, aciertos, miedos, quirófanos, hospitales, aviones, incertidumbresàEsta soy yo.Noah».@nh487, como séla conoce en las redes, nos délumbra en De qué dolor son tus ojos con una prosa limpia y directa al corazón.La fuerza de una joven que cree que nada es imposible y que «cualquier parecido con la rélidad es pura incongruencia».El ejemplo vivo de que el dolor y la béleza pueden vivir hermosamente. Una lección de vida y esperanza.
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Esta antología titulada En el brocal del pozo reúne la esencia de la poesía de Juana Castro, cuya trayectoria comenzó en el año 1978. Su obra ocupa un lugar indiscutible en la poesía española donde lo femenino afecta tangencialmente todo su recorrido como escritora. La conciencia feminista es mostrada con metáforas de una exquisitez insólita. Durante más de treinta años Juana Castro ha frecuentado un solo tema modulándolo a gusto del tiempo en que fue escrito: la experiencia de ser mujer desde diversas perspectivas y simbolizaciones siempre contraviniendo la cultura patriarcal. En ese territorio es única, de ahí que su poesía sea objeto de estudio en prestigiosas universidades norteamericanas. El crítico John C. Wilcox ha escrito con acierto en un ensayo sobre su poesía que la autora nos ofrece la intrahistoria de la mujer analfabeta de finales del s. XIX y principios del XX. En la fusión entre lo histórico y lo biológico la mujer siente menos pudor en acercarse a un yo que se mira muy de cerca y no precisamente para que el espejo le devuelva una imagen aumentada de su perplejidad. Los temas recurrentes de la poesía de Juana Castro son la vida rural, el amor como fuente de placer, la idealización de cuerpos femeninos, la pérdida de seres queridos como la de su hijo, la enfermedad del Alzheimer de sus padres y la lucha de la mujer contra la sociedad patriarcal. La selección de poemas que componen esta antología de carácter retrospectivo fue realizada por Concha García y la propia autora en los últimos meses de 2022.
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Los poemas de Markel Hernández analizan la deriva de la sociedad Occidental a través del prisma de las referencias culturales que nos rodean y abruman. La convivencia con el terrorismo se concilia con la convivencia con el arte y los fantasmas propios. Restos arqueológicos canta los placeres, el tedio y las lacras de la vida moderna con una voz milenaria y mediterránea. Aquí los habitantes de Granada se beben a Federico García Lorca sin saberlo, estallan las bombas en un Bilbao imposible que sin embargo existió y el sexo entre hombres amenaza con llevar a la humanidad al borde de la extinción. El plástico será nuestra nueva biología, los restos arqueológicos del futuro están enterrados en estas páginas.
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NUEVO FORMATO DE COLECCIÓNSi bien en el folclore europeo se documentan tradiciones y leyendas entorno al convidado de ultratumba y el culto a los muertos, y tampocofaltan precedentes literarios del burlador de mujeres, es innegable queTirso de Molina logró transformar todos esos elementos en uno de losmitos más fascinantes, perennes y universales de la humanidad: el de donJuan.Lo que hasta entonces había sido simple leyenda, se convierte en lapluma del genial fraile en pura indignación sobre el sexo y el espíritude rebeldía. Así, en EL BURLADOR DE SEVILLA Tirso condensa ya todos lossentidos que irá adquiriendo con el tiempo el mito donjuanesco: elrebelde social, el seductor, la mujer enamorada, el hombre enfrentado aDios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural y con lamuerte. Una obra que aún hoy hace llorar, reír y temblar a cualquierlector, a cualquier espectado
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Recuperar por medio del viaje los fundamentos más hondos de nuestras humanas ruinas para evitar futuros terremotos, constituye el afán de este libro que viajapor la Antigüedad de Grecia y Roma desde el presente.A partir de las raíces de nuestra cultura se busca el reencuentro y que de ese tronco vuelva a brotar laflor, un nuevo renacimiento. El viajero interior y exterior pretende alcanzar la iluminación del espíritua partir de los escombros, ruinas de nuestras civilizaciones, que también se reconstruyen. A veces pese anosotros mismos.
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Andrés Trapiello no es sólo poeta, como cualquiera sabe, pero yo diría que es ante todo poeta. La poesía fue su afán más antiguo, mantenido sin desmayo en todo momento hasta hoy. Se trata, no obstante, de un escritor que ha cultivado con abundancia y acierto todos los géneros. En la totalidad de su obra la poesía no es ni mucho menos lo que más espacio ocupa. Es la columna menos robusta en apariencia del amplísimo, airoso y acogedor conjunto literario trapiellano, pero es a la postre la más firme y resistente, la más alta y esbelta y aquella de la que en buena medida depende que todo ese prodigioso universo de palabras se mantenga en pie. Eloy Sánchez Rosillo
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Explica la poeta Julieta Valero en el epílogo de Esta ira que las mujeres estamos «desentrenadas para mostrar la ira». «Entonces» -se pregunta- «¿cómo decir, cómo articular una ira que no responde estrictamente a los hombres, sino a la vida misma, a su designio duro? ¿Y cómo ser capaz de hacer de su objeto precisamente a las hermanas, a las mujeres?» A esta dificilísima prueba del lenguaje se enfrenta María García Zambrano en su nuevo poemario. Una obra potente que reclama el derecho a expresar la ira y el dolor censurado de las maternidades no hegemónicas. Como antídoto a la ira, Zambrano recurre al principio budista de que todo está en continuo cambio, que atraviesa la obra como un bálsamo y alcanza su máximo poder sanador en la cuarta y última parte: un canto esperanzador a la belleza que podemos encontrar incluso en los lugares más dolorosos.
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Podría pensarse que Todo lo que es cuerpo es agua en tránsito aborda, sobre todo, el desplome de la estructura que sostiene a una pareja, pero no es este un libro acerca del fin del amor, sino de lo que el amor hace con el lenguaje, de lo que el lenguaje hace con el amor (uno es las rocas y el otro las olas que las golpean, mas lo difícil siempre ha sido distinguir cuál es cuál). Los cuerpos se deshacen y los hilos que unen a un cuerpo con otro lo hacen también, pero el poema aún puede —,al tiempo que martilla o que hurga en la oscuridad—, seguir el consejo que una poeta canadiense nos dio un día, y que no deja de resonar en estas páginas: hay que retener la belleza. LUIS EDUARDO GARCÍA
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Sobre la Herida es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico. Cada poema en Sobre la Herida expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal.La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío. A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales. La crítica ha celebrado Sobre la Herida por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.
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XXIX Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Alejandro Bellido (San Juan del Puerto, Huelva, 1993). Graduado en Filología Hispánica y Estudios Ingleses, ha publicado los poemarios La muerte en Cyterea (2018) y La oculta esperanza (2021). Ha participado en antologías de poesía joven como Piel fina (2019) o Luz nueva del suroeste (2015), y él mismo, además, ha realizado recuentos de la literatura de su provincia como Antología de poesía joven onubense (2015). Sus poemas pueden encontrarse en medios como Zenda, Anáfora, Casapaís o Maremágnum. Actualmente, codirige la revista literaria Centauros y copresenta el podcast de poesía Que tenemos que hablar de muchas cosas. Con Música para tigres resultó finalista del Premio Adonáis de poesía 2023. Algunos de sus poemas han sido traducidos al portugués.
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