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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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La soledad, el pesimismo, la superación y la búsqueda del sentido de la vida se revelan como temas fundamentales de este libro, que es continuación de una serie iniciada por Alba Pérez Valderas, inspirada por autores clásicos tan diversos como Sor Juana Inés de la Cruz o Luis Cernuda.
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PREMI DE TEATRE INFANTIL XARO VIDAL - CIUTAT DE CARCAIXENT Fer una obra de teatre... Quina idea tan bona! El muntatge de L'illa del Tresor en una classe de sisé de Primària comença amb molta il·lusió. Però amb els assajos comencen també els problemes, i és que tots no poden ser els protagonistes... ni tampoc poden deixar de fer els deures de les altres assignatures!
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«Si el que diuen els versos de Joana és tan intens, no és només a causa de la terrible experiència humana que hi darrere seu. Crec que això cal subratllar-ho, perquè no tenir-ho present implicaria menysprear la poesia, i no percebre l'esforç d'un poeta que escriu en un punt límit de la vida. Els desesperats no escriuen, no fan res, o es maten. Però Joana és un llibre d'amor, i l'amor no pot conviure amb la desesperació, ni permetre que el derroti: ''No pot ser / un mal dolor el dolor que ve de tu''. Per això Joana és un llibre amb molt de dolor, però no és un llibre trist, perquè l'amor hi venç sempre».La mort no és més que això: el dormitori,la tarda lluminosa a la finestra,el radiocasset a la tauleta-tan aturat com el teu cor-amb les cançons cantades ja per sempre...
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Ricardo Álamo ha escrito un libro espléndido, con tantos casos disparatados parece un bestiario, incluso una comedia. Él lo llama diccionario, y lo es, pero también podría ser leído, y debería, de cabo a rabo, en orden, como los libros que no son auxiliares o de consulta. Este diccionario del plagio es divertido, inteligente, documentado y cuajado de reflexiones atinadas y anécdotas, siguiendo la preceptiva: enseñar entreteniendo y entretener enseñando, unas veces hilarante y otras muy triste. En pocos libros se encontrará mejor modelada la humana arcilla de la que estamos hechos los escritores, en ninguno se encontrará más completa colección de pedestales de barro. Tanto ha sembrado Álamo a lo largo de estas páginas, que tendrá que acostumbrarse él a ver cómo entran otros a robar en su libro, «en cercado ajeno» diríamos. Andrés Trapiello Este diccionario de plagios y plagiarios encierra en sus páginas lo que muchos escritores no hubiesen querido que se contara. Incluye referencias a Alejandro Dumas, Stendhal, Valle-Inclán, Pío Baroja, Eugenio Noel, Graham Greene, Pablo Neruda, Salvador Dalí, Octavio Paz, Josep Pla, Camilo José Cela, Alfredo Bryce Echenique, Quim Monzó, Jorge Bucay, Arturo Pérez Reverte, Ana Rosa Quintana, Hillary Clinton, Pedro Sánchez, Julia Maura, Roberto Bolaño, Lucía Etxebarría. Ricardo Álamo (Sanlúcar de Barrameda, 1965). Licenciado en Filosofía por la Universidad de Barcelona. Ha sido colaborador del suplemento «Culturas» del Diario de Cádiz y del Diario de Sevilla. Sus primeras publicaciones aparecieron en la revista de filosofía ER. En el género del microrrelato sus textos han sido incluidos en diversas antologías como Mar de pirañas y DeAntología, así como en diversas revistas digitales (Parafilias Ilustradas, Cuentos y Más, Internacional Microcuentista o La Nave de los Locos). Es autor de los libros Imaginarium (2013), Estaciones de paso (2015, 2019), Cuentos negros (2018), Escritores al desnudo. Cuestionarios Proust y Bolaño (2018), Vidas y muertes imaginarias (2019), Mínimo esfuerzo (2021), y coordinador-editor del libro La figura escurridiza. A propósito de Juan Bonilla (2019). En Renacimiento ha publicado Mil aforismos sobre el amor y otras pasiones y tiene en preparación una antología de la poesía de Fernando Quiñones.
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Clara Chacón, actriz y escritora, relata en su primer libro el ciclo vital del amor a través de una voz femenina en constante metamorfosis, como las fases lunares en el cielo nocturno.Una voz poética, dulce a la vez que ácida y liberadora, heredera del talento de las grandes mujeres de su familia. En estas páginas se hiere, pero también se cierran heridas. Hay advertencias, súplicas, susurros al oído y gritos al vacío. Un canto a la vida que nos demuestra que, aunque a veces volvamos a la línea de salida, nunca nos quedamos estancados, porque lo que sentimos y lo que somos está en continua construcción.
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Aquest assaig té lloc a la cua d'una oficina de correus. N'hi ha per a una bona estona. Després d'intercanviar quatre paraules amb l'home que té davant, Adrià Pujol Cruells es llança a especular: ¿Què passa quan ens posem a pensar al voltant del llenguatge, aquesta espècie d'eina que ens fa humans i amb què ens expliquem el món, aquesta mena de presó mental de la qual no podem fugir, però que ens serveix per dir la paraula llibertat, que ens és tan indispensable per fer literatura com per escriure la llista de la compra, aquest invent que permet els idiomes, els argots, les arengues i les declaracions d'amor? Esmolades i amb un sentit de l'humor de vegades hilarant, les reflexions de l'autor (que apunten tant a ell mateix com als altres) són volgudament provocadores per tal de dur el llenguatge i la producció literària al centre d'una disquisició que es vol lliure i sense traves.
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En ocasiones el título de un libro concentra tan alto grado de valor simbólico que se convierte en espejo y referencia de su tiempo. Esto ocurre con Matar poetas, verbo y sustantivo que, dolorosamente unidos, devienen en una sacudida. Rápidamente comprendemos que el autor dice poetas pero está nombrando también cualquier forma de arte, de creación, de cultura, y reivindicando la conciencia ética y estética en una época convulsa. Sin embargo, estamos ante un libro perturbadoramente íntimo y de alta pureza lírica. Matar poetas es un poemario sorprendente por la potencia creativa que atesora, por la rotundidad de su expresión, por la desnuda sinceridad con que se nos muestra su autor. Y lo es también en su forma, en la originalidad de esos pares de poemas contrapuestos y, a la vez, complementarios, como las dos caras del dios Jano. La capacidad de Cobos Wilkins para la creación de imágenes poéticas que nos dejan en el vértigo mismo de nuestros precipicios, se alía en este libro, de manera inesperada, a un lenguaje a veces pulcramente científico, aséptico, que, por contraste con la palabra iluminada por una belleza inquietante, aún potencia más la comunión con el lector.
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Asturiano de ascendencia, aunque nacido en Madrid (1969), donde cursó estudios de Derecho y de Filología Hispánica, Adolfo Cueto se dio a conocer poéticamente con la aparición de Diario mundo (2000). Tras un largo período de silencio editorial, sólo interrumpido por la aparición del cuadernillo bilingüe 7 poemas (2007), ha publicado Palabras subterráneas (Renacimiento, 2010), Dragados y construcciones (2011) y Diverso.es (2014), fruto del trabajo de casi una década de escritura. Recibió diversos galardones literarios, entre los que destacan el Premio Emilio Alarcos, el Ciudad de Burgos, o el Manuel Alcántara de poesía y ha sido traducido parcialmente al inglés, portugués y árabe. Habitar una casa en la era de Acuario es un libro póstumo que el autor dejó preparado justo antes de su fallecimiento (Madrid, 2016).
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Este libro es el fruto de veinte años de ejercicio de la crítica de literatura asiática en las páginas de El País y El Periódico de Catalunya. El resultado es una panorámica de la crítica española de las letras asiáticas tal como éstas fueron recibiéndose en nuestro país entre 1996 y 2015, desde la óptica de uno de sus más asiduos cultivadores. El libro tiene el interés especial de dar cuenta no sólo de una nutrida representación de la literatura japonesa y la literatura anglo-india (las dos más prolíficas en las traducciones españolas), sino también de toda una serie de literaturas de otros ámbitos asiáticos muy poco conocidas en nuestro país, muchas de las cuales presentan un alto grado de belleza, de intensidad y de profundidad que las hacen merecedoras de atraer la atención de muchos lectores potenciales que aquí pueden atisbar su valor, dejándose persuadir por el crítico. Además, el autor ha añadido algunos textos que pueden servir para ofrecer un contexto más general de estas literaturas orientales y que se incluyen bajo los epígrafes respectivos de «La fascinante llamada de Oriente» e «Historias de mundos lejanos». Por último, por razones de proximidad y ampliación de los conocimientos se justifica el apéndice dedicado a algunas críticas sobre literaturas africanas, entre las cuales tienen mayor significado las páginas consagradas a la literatura de Guinea Ecuatorial, lógicamente escrita en castellano.
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Al llarg de tota la seua vida, la col·laboració de Joan Fuster amb diferents revistes va ser d'allò més intensa. Des de 1959 fins a 1984, amb algunes pauses, va publicar més de 150 articles en una de les publicacions deganes de la premsa cultural, Serra d'Or, vinculada a les Publicacions de l'Abadia de Montserrat. En el període de 1968 a 1973 va mantindre una secció estable, titulada «Restriccions mentals», d'on procedeixen els articles recollits en aquest llibre. Encara que en la seua Obra Completa Fuster n'havia arreplegat una part sota el títol El món de cada dia, aquesta és la primera vegada que es publiquen en un volum independent. Complementats amb altres articles de la mateixa secció, aquest nou llibre, a cura de Josep Antoni Fluixà, ens retorna al Fuster més brillant, elegant i polèmic. En les pàgines d'El món de cada dia i altres restriccions mentals reconeixerem l'autor de Diccionari per ociosos, aquell intel·lectual irònic i humanista que, de Sueca estant, va construir una de les obres cabdals de la literatura europea del segle XX.
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Aquest llibre que teniu a les mans aplega la correspondència conservada -trenta-tres cartes en total- entre l'escriptor, pedagog i crític literari Joan Triadú (1921-2010) i l'escriptor i periodista Vicenç Riera Llorca (1903-1991). La relació epistolar comença l'any 1952 des de Mèxic, on s'havia exiliat Riera Llorca després de la guerra civil, i pròpiament s'acaba l'any 1987, tot i que n'hi ha una rèplica l'any 1992, provocada pels actes d'homenatge per la mort de Riera Llorca, esdevinguda el 15 de maig de 1991, a Pineda de Mar, on l'escriptor s'havia instal·lat després de retornar a Catalunya un cop jubilat el setembre de 1969. El volum es complementa amb tot un seguit de documents, majoritàriament de Triadú, que donen fe del seu vessant d'activista cultural i de crític literari -d'una crítica literària madura, pacient i intel·ligent-, molt interessat en la producció novel·lística rierallorquiana, el qual, partint de la seva obra mestra, Tots tres surten per l'Ozama, escrigué tot un cicle narratiu del seu temps.
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Hurgaba en la tierra buscaba me llenaba de perfume en un vaho destellante y ensalzaba las raíces Kráter, 1.
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París, 1922. Tres de quienes serán los más influyentes escritores del siglo XX se reúnen para cenar en casa de otro no menos importante: Ezra Pound. James Joyce y T. S. Eliot acaban de terminar respectivamente la escritura de ''Ulises'' y ''La tierra baldía''. En estos encuentros se manifiesta la efervescencia de la cultura del momento, con el surgimiento del surrealismo en un París en el que viven muchos americanos.
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Las desventajas de pensar demasiado es para su autora un intento de convertir la vida en poesía. Agrupando sus poemas bajo 4 temas: la vida, el desamor, el amor y el yo, Jannelys Malavé Rodríguez le otorga una salida catártica a la multiplicidad de voces que habitan en nuestra psiquis a través de una voz que no le teme al miedo, una voz que abraza las dudas.
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Versos en combustión está compuesto por 84 poemas que nos dejan entrever que como seres humanos bailamos entreluces y sombras, entre lo positivo y lo negativo, entre el miedo y el amor. Nos muestra que entre la luz y la sombrasiempre hay un gris neutro y un hueco para sembrar el color. Que la luz que nos ilumina también nos calcina, quelas sombras amedrentan pero también nos cobijan. Y que mientras nos enfocamos en ello el tiempo sigue pasando,sin parar, quemando la vida y secando las caducas hojas del calendario.Versos en combustión nace entre los pálpitos del corazón y los retorcijones de las entrañas. Entre la acción, el sentimientoy el pensamiento que habitan en nuestro interior. Entre el hueso, la carne y la piel. Versos en combustión,84 poemas que queman la vida.
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Desde la publicación de su primer libro en 1946, Elizabeth Bishop es considerada una de las poetas estadounidenses más importantes de su tiempo. Viajera incansable, artista, profesora, conferenciante, articulista, su obra ha sido merecedora del premio Pulitzer de 1956) y el Premio Internacional Neustadt de Literatura en 1976.Este volumen, ahora en una edición actualizada, es el único que recoge en español, además de los cuatro libros de poemas que publicó en vida, toda su obra inédita. Los vínculos del ser humano con el mundo natural, las viejas preguntas sobre la percepción y la sabiduría, y nuestra mayor o menor incapacidad para controlar el caos y dar sentido a la existencia son los temas centrales de Bishop. Un hito indiscutible de la poesía norteamericana del siglo XX.
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Examen de ingenios es un libro de semblanzas de escritores y artistas hispánicos que conoció, un magnífico compendio de anécdotas y reflexiones sobre algunas de las figuras más relevantes de la cultura del siglo XX. Un centenar de retratos literarios de artistas, ordenados según un orden cronológico que atiende a la época en la que los conoció, instantes singulares, vivencias personales del autor con escritores y artistas de cinco grupos generacionales: los de los años 1898, 1914, 1927, 1936 y 1950. Entre ellos, Azorín, Borges, Pío Baroja, Max Aub, Neruda, Joan Miró, Cortázar, Torrente Ballester, Delibes, Rulfo, Jorge Oteiza, Antonio López, Mario Vargas Llosa o Paco de Lucía.
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En palabras del propio autor: «Libro de la confusión fue, para mí, durante su redacción, el remate de mi obra poética. Nunca pensé que una vez terminado (se trata de una obra cerrada, pensada con carácter unitario) fuera posible seguir escribiendo versos. [, ] Libro de la confusión es un repaso a la muerte, a la vejez, a los accesorios de la agonía y, también, a la necesidad de publicar la verdad, tantas veces sepultada por mi biografía aventurera.»
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La tanka comenzó a escribirse hace más de seiscientos años en Japón a modo de correspondencia sensual entre amantes. Jacob Lorenzo la retoma como una estrofa para transmitir el eterno agradecimiento al padre. Con un mensaje tal vez críptico, pero sin duda directo y poderoso, el libro va construyendo un relato dividido en tres apartados, que arranca con la soledad de un niño abandonado. Cargado con una enorme fuerza hallada en la contundente sonoridad de la palabra, ''Tankas del samurái'' se convierte en una espada afilada de imágenes y metáforas,donde conviven la lucidez del relato implícito y la hermosura de un texto contundente y lúcido que reclama una constante relectura.
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Desde que hace veinte años viajó a Guinea Conakry para trabajar con los desplazados por la guerra en la frontera liberiana, Gonzalo Sánchez-Terán ha sido testigo del dolor de los campamentos de refugiados africanos. Esa experiencia se refleja en los versos de Y corrí cual si el mal tuviera lindes, tributo a millones de mujeres y hombres que yerran por el planeta desposeídos de derechos, en busca de seguridad. La mayoría de los poemas de este libro, fruto de ''cuanto observé en las estrofas de la Tierra'', fueron escritos en lugares en conflicto y recogen tanto la rabia y la desesperación del autor, como su fe en la razón y el alma del ser humano.
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«Los pacifistas / miramos la guerra / en paz», reconoce en los restos Munir Hachemi, interpelándonos con cruda sencillez. Y si miramos en paz, es porque tenemos una venda en los ojos: lo personal es político, pero ya es una convención, la miseria nos parece intangible, los restos no nos interesan.Este es un libro que aborda la crueldad, lo roto y lo invisible —con una escritura fragmentaria, ácida— para limpiarnos la mirada y dinamitar el vacío de nuestras buenas intenciones.El primer poemario de Munir Hachemi, autor de la novela Cosas vivas (Periférica, 2018) seleccionado por la revista Granta como uno de los «25 mejores narradores en español».
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El conmovedor relato de la gestación de un padre, por el ganador del premio Alfaguara 2009 «Encantado, hijo mío, de empezar a la vez a ser lo que seremos». Un hombre aguarda el nacimiento de su hijo. Asiste fascinado a la gestación junto a la madre, imagina a ese ser que vendrá a revolucionar su casa, su lenguaje, su pareja y su propia historia familiar. A lo largo de un año memorable, el hombre narra los primeros compases de una existencia nueva: la suya como padre junto a la madre y el hijo, tres personajes de una historia universal que encuentra palabras recién nacidas. Umbilical es un relato lírico cuyas búsquedas resuenan tanto en el plano íntimo como en el colectivo. Sus reflexiones sobre la experiencia de la paternidad sitúan a la masculinidad frente al milagro de la vida y su incesante relectura del presente, en una época de redefinición de los roles, aceptando así la invitación de la poeta Anne Waldman que encabeza estas páginas: «Que los hombres detengan su alboroto / frente a la maravilla del bebé». Pero es también, y sobre todo, una declaración de amor. El libro más íntimo de un autor fundamental en el catálogo para lectores de todo el mundo. La crítica ha dicho sobre Fractura:«De una inmensa brillantez: visiones múltiples, construcción casi cubista del personaje principal a través de sus actos propios y del recuerdo y la verbalidad que ha dejado en sus personas más próximas. [...] Fractura es una de las grandes noticias literarias de 2018».Juan Carlos Méndez Guédez, Cuadernos Hispanoamericanos «Un personaje fascinante, por cuyas venas circula toda la filosofía de la vida [...]. La parte tanto del comienzo como el viaje que decide hacer se cuentan entre las mejores páginas que le he leído [...]. Al lector llegan con fuerza los trazos y huellas de tal fractura en el rostro y alma de un viejo que alcanzará a ser memorable».José María Pozuelo Yvancos, ABC Cultural «Las observaciones sobre la vida en pareja son tan certeras que dan miedo, del mismo modo que son muy certeras las emociones y los pensamientos de estas cuatro mujeres. A la vez hay momentos de exquisito sentido del humor. La sensibilidad ecológica de la novela es extraordinaria y la recorre como un esqueleto, pero culmina sobre todo en el bellísimo tramo final. Una novela ambiciosa en el mejor sentido de la palabra».Marta Sanz «Una hermosa metáfora que sirve como referencia para acercarnos al inolvidable protagonista [...]. Hay humor, gracias sobre todo a alguna de las mujeres de su vida, reflexiones sobre la forma de amar con el paso de los años. También hay ternura, y haikus y proverbios zen, hay mucho polvo de oro en este libro que vuelve a demostrar que es un novelista con una gran capacidad de seducción».Sagrario Fernández-Prieto, La Razón «Una novela bella y delicada [...] Plena de empatía y precisión».Ariane Singer, Le Monde «Una novela para nuestro tiempo y asombrosamente relevante».Lucy Popescu, The Guardian «Fractura es atrevida, generosa y seductora, y tiene un apetito de vida que es, para mí, el sello de la gran ficción».Juan Gabriel Vásquez «Resulta imposible encasillar a Andrés Neuman: cada uno de sus libros es una nueva aventura del lenguaje, guiada por la inteligencia y el puro placer de la palabra. Nunca deja de sorprender y es, sin duda, uno de los escritores más arriesgados de la literatura hispanoamericana, dispuesto a cambiar, desafiarse y explorar, siempre con una elegancia única».Mariana Enriquez
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Poemari compost per 30 poesies que parlen de l'horta, del pas del temps, de l'amor, de la mort, de l'oblit i del dol. Es tracta d'una barreja de versos de diferents temàtiques, com adverteix el títol, Ultramarins, una botiga que ven tot tipus de queviures.
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Este libro apuesta por la diversidad poética reuniendo quince voces diferentes entre sí, con diferentes universos y criterios estéticos,incluso diferentes intereses, pero con un incuestionable hilo común: comprometerse y abrir nuevos caminos al hacer poético, lidiarcon el poder de lo intangible e interrogarse sobre la realidad de nuestro mundo, cuestionando su sistema de valores y jugando conla palabra con la seriedad que esta requiere.El resultado final es un libro con un lenguaje potente, bello y poderoso, un libro con muchas lecturas que proporciona la experienciade transitar por otras realidades, otras conciencias, otras verdades. Vayamos, entonces, lentos a su lectura y como dice uno de lospoetas de esta antología «Qué maravilla no tener prisa para asumir que el viento llega tarde a su cita con mi cintura».
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Hogares impropios es una obra sólida escrita sin miedo. Jorge Pozo Soriano ha logrado que sus versos dialoguen con la herencia literaria a la que se suma. En contra de la ausencia poética que tantas veces aparece en las redes sociales, el autor piensa, medita y construye su propia identidad para convertir la palabra en un espacio habitable por el lector. Su búsqueda evidencia la lucidez de una poesía que hila el lenguaje a nuestra voz.J. SANTATECLAEl primer poemario de Jorge Pozo Soriano sorprende por su madurez, su perfección formal, la elaboración que se trasluce entre versos aparentemente sencillos y directos. Impecable y estremecedor. La belleza y el escalofrío. Un mensaje claro, hondo, necesario para los tiempos agitados que nos consumen. En medio de esta agitación, el autor apuesta por la profundidad, la lectura, el reposo y el temblor. Por la verdad. Se trata, pues, de una auténtica teoría poética cobijada en una obra que brillará en el panorama nacional.MARINA CASADOEl joven poeta madrileño Jorge Pozo Soriano nos trae un libro que está “Más allá del placer y el gusto, de la satisfacción más primitiva de las necesidades corporales…”. Su lectura confirma su decir poético, trabajado desde el respeto a la mejor tradición o a la devoción a sus mentores, sin que se resquebraje un ápice la impronta contemporánea y la autoridad rotunda de lo propio que hace de Pozo Soriano un referente en la literatura iberoamericana contemporánea. La potencia intelectual del poeta abraza al lector con una sensualidad casi física, lanzando preguntas al viento que van más allá de las palabras y entran en el espacio y el tiempo para trascender lo tangible, lo vulgar que complace y lastra, tan común en nuestros días.EDUARDO HERRERA BAULLOSA
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Poemari compost per 35 poesies que parlen del present, del futur, de l'amor i de la mort. A més, l'obra està plena de citacions literàries al principi de molts dels poemes i compta amb un apèndix final anomenat «Racó del torsimany».
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Els animals sempre han format part de la nostra vida i, a hores d'ara, en sabem més que mai. Presents en tota mena de referents culturals, des de les pel·lícules fins a la música, passant pels joguets i la gastronomia, els animals s'han integrat en l'imaginari col·lectiu més profund. Tanmateix, la nostra existència, majoritàriament urbana, transcorre d'esquenes al món natural. Davant d'aquesta relació sempre perplexa entre els humans i els animals, Vicent Pardo presenta un assaig innovador i creatiu que li permet parlar sobre temes d'allò més diversos, com ara la pobresa, la violència, la mort o el feminisme. En aquest bestiari personal no apareixen tan sols animals reals, sinó també criatures inventades: totes, grans i menudes, li mereixen el mateix respecte i la mateixa tendresa.Amb un sàvia combinació de referències literàries, vivències particulars i bona cosa de sentit de l'humor, Vicent Pardo ens ofereix una visió lúcida del món que ens envolta amb els animals com a premissa. Aquesta aposta tan singular com reeixida va merèixer el Premi d'Assaig de la Mancomunitat de la Ribera Alta.
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Com en un joc d'espills, aquesta obra s'ambienta a Amsterdam en dos plans temporals. Durant la Segona Guerra Mundial, Franz i Marion, antics companys d'escola, s'enfronten a una situació extrema. Ell treballa en el registre on ella inscriurà com a pròpia una xiqueta jueva, per a salvar-la de la persecució nazi. En una situació límit, el secret esdevindrà una qüestió de vida o mort. L'altre pla temporal ens porta a l'actualitat, quan un altre Franz i una jove periodista, Eri, conversen sobre la memòria familiar i s'enfronten als dilemes que van experimentar els seus avantpassats. Premi de Teatre Palanca i Roca, Franz i Marion es basa en una història real per a oferir-nos una sòlida reflexió sobre la responsabilitat de les accions i les repercussions que aquestes tenen al llarg del temps.
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L'aportació de Domènec Guansé en el camp de la crítica és fonamental per explicar el sentit i la funció de la novel·la catalana dels anys vint i trenta. L'autor és un dels agents més destacats del nou sistema literari posterior al noucentisme, gràcies a la seva activitat des de tribunes capdavanteres com la Revista de Catalunya, La Publicitat o La Rambla. El seguiment de la dinàmica literària permet a Guansé traçar una vasta i completa evolució de la narrativa autòctona, per la qual circulen els noms més destacats, com Joan Puig i Ferreter, Carles Soldevila, Josep Pla, Maria Teresa Vernet, Miquel Llor o Aurora Bertrana, entre d'altres. Però a més, el tarragoní es fa ressò d'altres formes prosístiques en voga -biografies o llibres de viatges- i reflexiona amb perspicàcia sobre aspectes diversos de la vida editorial. Panorama crític de la narrativa catalana d'entre-guerres presenta una selecció rellevant d'aquesta producció escrita entre 1920 i 1936, i ofereix al lector el retrat efervescent d'una etapa cultural decisiva del segle xx. La present edició és a cura d'Antoni Isarch, professor associat al Departament de Filologia Catalana de la Universitat de Barcelona i autor de la mono-grafia El batec de l'època. Domènec Guansé i el periodisme (1918-1936) (2021).
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En aquest llibre recollim els dos textos principals que Walter Benjamin va escriure sobre Kafka. El primer es titula Franz Kafka. En el centenari de la seva mort i el segon és una carta que Benjamin va enviar al seu amic Gershom Scholem.
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La «oficina de la nada» es la expresión de Miguel de Molinos escogida como metáfora de este libro: un espacio en el que se reúnen, analizan y clasifican numerosas obras literarias y visuales producidas principalmente en la segunda mitad del siglo XX y los inicios del siglo XXI que intentan representar, materializar o producir el efecto de la nada. En cada capítulo se despliega una secuencia de motivos, soportes y estrategias recurrentes que han surgido en el ámbito de la narrativa, la poesía y la literatura digital, los libros de artista y el arte conceptual. Como se podrá observar, estos gestos, a veces serios y profundos, otras veces absurdos e irónicos, ponen al desnudo las estructuras culturales, políticas y económicas en que se sustenta aquello que aún entendemos por experiencia estética. Los archivadores de esta oficina acogen, también, una tradición sorprendentemente rica tanto en experimentaciones creativas como en reflexiones filosóficas y religiosas, particularmente de la teología negativa. Se ofrece así un marco de comprensión más amplio y complejo en el que la inefabilidad de la experiencia mística se superpone con las tensiones del lenguaje y la representación en las poéticas negativas contemporáneas. Esta oficina abre sus puertas para compartir un extraño tesoro de cajas vacías, libros en blanco y papeles arrugados que hablan de la ausencia y la inutilidad, pero también de la sorpresa y la alegría ante las infinitas posibilidades de la nada.
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Imagínate un símbolo inequívocamente privado, La puerta de mi casa, con una “puerta adentro” (sus muertos amados), su “patio de atrás” (adolescencia e infancia) y “terraza” (presente o porvenir a cielo raso), que se va desplegando imprevisible y bajo el cual cabe techar —sin hacer ruido ni magnificarla— una ética privada y pública como un modo de estar cotidiano en el mundo junto a otros. Imagínate que la voz que propone ese recorrido despliega las alas de una subjetividad en relación tan fluida, estrecha, con el dolor, la pérdida, la falta, que es capaz de acoger la tristeza propia o la de otro “como se toma un bien gratuito” —elevar la fragilidad humana a la categoría de un bien—, absolutamente consciente de que la dignidad y la cercanía humanas nada tienen que ver con la tan cacareada felicidad como imperativo. Es más, imagínate que es una casa (para el deseo, el ser) que se construye —diariamente— a sí misma, y que sabe hacer con su narrativa propia de lo tierno a lo sombrío, y que para lidiar con las falsas promesas de la vida, “como los cristales de una lámpara / derretida entre los dedos”, no sabe de más horizonte obcecado que el deber (lucidez) del amor o, dicho en lorquiano, de la alegría. Mónica Francés
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Masaoka Shiki es es uno de los autores más cruciales en la historia del haiku, pues marca un panorama de novedad entre el haiku clásico y el contemporáneo. Shiki nos ha legado un amor impenitente al pincel, con el que dibujó y escribió. Tanto su prosa como su poesía nos hacen ver en él una figura clave para entender la nueva aurora estética de Japón a en las primeras décadas del siglo XX.El haiku es una forma de poesía tradicional japonesa de 17 sílabas organizadas en un esquema de tres versos (5-7-5). No tiene título ni rima pues pretende, con la máxima sencillez, transmitir una apreciación de la realidad espiritualizándola y elevándola por encima de su pequeña trascendencia. El haiku, que ha permanecido durante siglos íntimamente ligado con la cultura tradicional japonesa, actualmente se ha universalizado de tal manera que podemos considerarlo finalmente, patrimonio del ser humano.
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No son muchos los escritores que hemos leído con el poder de emocionarnos, el vigor para conmovernos y el carisma suficiente que nos permita asumir su voz lustral y generosa. Porque no todos tienen conciencia exacta del valor de la palabra y el compromiso que la acción de escribir conlleva sea cual sea la manifestación escogida para expresarse.Siempre he creído que la premisa capital para escribir debe entibarse sobre un sentimiento más allá de nosotros capaz de situarnos frente a otro ser humano, un ser humano que late íntimamente en el ardor de vivir, un ser humano que se reconoce y se espeja sin ambages en el lastimado sentir de la común naturaleza y a quien nada de lo humano le es ajeno. Solo con esta virtualidad solidaria de introspección y descubrimiento es posible crear y que el objeto de la creación transmita emociones universales, proclives a derruir fronteras y erradicar prejuicios. José Sarria se constituye en el ejemplo más notable que conozco de responsabilidad literaria y el crisol más acendrado de sinceridad poética. Su casa está abierta de par en par a todos los hombres y mujeres del mundo, porque en su horizonte no existen lejanías, ni nublos en su mirada, ni dogales que asfixien el eco de su canto. Escucho su palabra y sé que la ilumina el don más admirable, el don donde se uncen verdad, bien y belleza, el don que nos alienta como el aire vital que respiramos, el don que da la vida porque sacia la sed inmarcesible.
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En su primer libro extenso de poemas, Bendita sea la hija criada por una voz en su cabeza, Warsan Shire nos presenta a una niña que, al carecer de una guía en su educación y crianza, recorre a tropezones su propio camino hacia la feminidad. Partiendo de su propia vida y de las de sus seres queridos, así como de la cultura pop y titulares de noticias, Warsan Shire nos muestra detalles verídicos, expresivos y únicos de las experiencias de refugiados e inmigrantes, madres e hijas, mujeres negras y adolescentes. Son vidas estrepitosas, llenas de música, llanto y oraciones. Son vidas fragantes, llenas de sangre y olor a jazmín. Son vidas repletas de tonalidades, llenas de luz de luna, cúrcuma y kohl. Es la historia de una joven de color que nos muestra las dicultades de encontrar un hogar en el mundo, de habitar un cuerpo de mujer, de reconciliar la fe con la familia, todo ello en poemas ferozmente tiernos, en poemas sobre la migración, la feminidad, el trauma, la resiliencia... Es la voz de esta galardonada y famosa poeta británico–somalí, Warsan Shire, que colaboró con Beyoncé en trabajos como Lemonade o Black Is King.
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El reto de la poesía contemporánea es, con los mimbres de la retórica y prosodia heredadas, hacer lo mismo y diferente: regresar a los temas de siempre desde ángulos imprevistos y no dejar que los viejos ritmos apaguen la voz nueva. Antonio Rivero Taravillo domina los recursos y los pone -música y hondura- al servicio de una poesía que busca emocionar, turbar, fijar lo que desaparece y rescatar lo ya ido. Poeta con oído y capacidad de observación, sus versos están colmados de epifanías y de voces que resuenan desde lejos y continúan reverberando en los lectores.
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