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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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El relato más sincero, desinhibido y adictivo nunca escrito sobre lo que sucede entre bambalinas en una subasta de arte. Pury nos guía a través de este mundo secreto a través de su historia, sus anécdotas, sus coleccionistas, sus momentos de esplendor y
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Copy Machine Manifestos captures the rich history of artists' zines as never before, placing them in the lineage of the visual arts and exploring their vibrant growth over the past five decades. Fully illustrated with hundreds of zine covers and interiors, alongside work in other media, such as painting, photography, film, video, and performance, the book also features brief biographies for more than 100 zine-makers including Beverly Buchanan, Mark Gonzales, G.B. Jones, Miranda July, Bruce LaBruce, Terence Koh, LTTR, Ari Marcopoulos, Mark Morrisroe, Raymond Pettibon, Brontez Purnell, Paul Mpagi Sepuya, and Kandis Williams. Accompanying a major exhibition at the Brooklyn Museum, this expansive book, bound as a paperback with a separate jacket, focuses on zines from North America, celebrating how artists have harnessed the medium's essential role in community building and transforming material and conceptual approaches to making art across all media since 1970.
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Cada uno de los trabajos de este libro ofrece temas de filosofía del arte en los que se expone una teoría del autor acerca del juicio estético, aborda desde su propio campo de estudio -literatura, artes visuales, música, arquitectura y cultura en general- algunos de los problemas centrales de la estética.
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Este volumen se propone reflexionar sobre una transnación kitsch, cursi, camp/trans* en lo tocante a la literatura y las artes en Iberoamérica. Para ello, en su primera parte se pregunta hasta qué punto lo kitsch, lo cursi y lo camp forman parte intrínseca de las estéticas queer y en qué medida los movimientos gais, lesbianos y queer han sido el motor principal de estas. El afianzamiento de la estética camp y la adopción de este término por críticos y creadores van de la mano tanto del proceso de masificación de la cultura como de los movimientos de liberación gay, que extienden sus efectos a Latinoamérica. Por ello, este libro hace especial hincapié en la existencia de un «kitsch tropical», que comienza a difundirse a partir de los años setenta.Los ensayos incluidos en su segunda parte, que muestran la riqueza del enfoque trans/queer, parten del término trans*, con asterisco, propuesto por Jack Halberstam, para analizar cómo se han ido configurando a través de la literatura y la performance diferentes identidades de género. Estas identidades se encarnan en personajes que se transforman en posibles e infinitos «devenires»: travestís, transexuales, transgéneros, queers, delirantes, en crisis, enfermos, vulnerables, excéntricos, desertores, subalternos, espectros, fantasmas...
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Quizá todas las películas de Alfred Hitchcock sean sueños. El arte como herramienta de lo onírico, que traspasa los umbrales más recónditos de la mente para desvelar los sentimientos más profundos e inconfesables. Hitchcock, al negarse a ilustrar argumentos, al imaginar relatos hechos solo de imágenes, al fiarlo todo al significado de esas imágenes, nos retaba a descifrar sueños, sus sueños, el lenguaje que concibió.
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Hoy día, las Bellas Artes han desbordado su nombre, la belleza dejó de ser su finalidad y la noción clásico-romántica de arte apenas puede contener la inquietud de lo que se produce dentro de sus géneros tradicionales. Sin embargo, los nombres vuelven en círculos viciosos que, al tiempo que no permiten la salida de los conceptos que nombran, se ven incapaces de contenerlos. Original, copia, visible, invisible, presente, ausente, etc., un arsenal de conceptos con los que hemos ido trabando el modo de entendernos y de entender el mundo, muestran su inestabilidad y su ineficacia para dar alcance a lo que nos ocurre.
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Esta obra permite al lector adentrarse en el mundo artístico de un modo sumamente sencillo: solo hace falta que lleve consigo su curiosidad. ¿En qué consistió la furia iconoclasta del siglo xvi? ¿Qué supuso la formación de las Guerrilla Girls? ¿Todavía se hacen happenings? No tardará en saberlo. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Este libro es una guía alfabética de los más grandespintores, fotógrafos y escultores desde la época medieval hasta nuestros días. Sólo aquí podrás mirar frente a frente a Carraci con Cartier- Bresson, Duccio yDuchamp, Mondiran y Monet, Warhol y Watehouse.Cada artista está representado por una reproducción a colorde una obra característica, con datos sobre la imagen y su creador.Las entradas incorporan un completo sistema de referencias cruzadas y al final se incluye un glosario de términos técnicos, movimientos artísticos y un directorio internacional de museos y galerías.Un libro de referencia visual sin precedentes que constituye un homenaje a nuestra rica y polifacética cultura y ahora incluye a artistas como Lorna Simpson,Bansky ,Yoko Ono, Murakami o las Guerrila Girls.
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En aquest conjunt d'obres, Joan-Pere Viladecans ens mostra, un cop més, el seu pensament ocult sobre el seu, el nostre interior. Fidel a la seva trajectòria, mescla diferents tècniques i materials partint d'una realitat complexa, el propi cos, per endinsar-se en una constant abstracció sobre la fragilitat, la possible malaltia, el patiment i el permanent interrogant existencial.
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Miró-Picasso aborde depuis différents angles les affinités artistiques entre Joan Miró et Pablo Picasso, deux artistes incontournables du XXe siècle, avec, en toile de fond, lamitié quils partagèrent pendant 50 ans.
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La publicación You Got to Get In to Get Out. El continuo sonoro que nunca se acaba es uno de los elementos que componen el proyecto de investigación curatorial homónimo que tiene lugar en la Casa Encendida y que parte del techno como entidad cultural, social, histórica y material. Es un proyecto que parte de una investigación de largo recorrido sobre el techno que han realizado las comisarias Sonia Fernández-Pan y Carolina Jiménez para La Casa Encendida. Este libro pretende ser una posibilidad, entre muchas, de inscripción, sentido, memoria y expansión de la cultura techno. La experiencia y el conocimiento situado de sus autoras y autores, tan diverso como complementario, producen a una historia de historias donde entrelazamientos continuos y tácticas de resistencia dan lugar a una pista de baile corpórea que traspasa muchas fronteras, incluidas las del club y de la noche. Esta publicación ha sido concebida, incluso desde el diseño, como una sesión de lectura a la manera de un mix, en la que sus textos no solo expanden un continuo sonoro material, sino que comparten gestos, ecos y movimientos de una cultura global que lleva varias décadas bailando. Como dice Carolina Jiménez en su texto de apertura: Queríamos que el planteamiento de inicio incluyera además de un qué, un cómo, una metodología. La intención era que los textos que compusieran esta antología reprodujeran las condiciones para el mantenimiento de la cultura techno. Este libro aparece como un conjunto de islas textuales resonantes, un archipiélago transatlántico de contra narrativas de baja frecuencia, atravesadas alternativamente por la fragilidad, la contundencia, el goce o la rabia, surcadas en los desvíos y las aperturas propias, donde se acompasan influencias que desplazan las distinciones entre genealogías, temporalidades, escenas y lo obsceno de ellas. Contra narrativas que desafían un resumen fácil y oscilan entre la propia vida y el análisis de las relaciones socioeconómicas en las que han tenido lugar. Historias y experiencias particulares y locales como parte de procesos más generales, (dis)continuos y diferenciados que contribuyen a la diáspora. Prácticas y sensibilidades dispares que dialogan entre sí y que no son más que una pequeña muesca en el complejo entendimiento de las relaciones entre raza, género y clase en las que circunda el techno, porque su rarefacción trasciende otros dominios culturales, políticos y sociales, en concomitancia más amplia con otras epistemologías y prácticas sonoras en general. Escriben y participan en el libro por este orden: Tony Cokes, Carolina Jiménez, Matthew Collin, Frankie Decaiza Hutchinson, Magui Dávila, DeForrest Brown, Jr., Mateusz Szymanówka, Gavilán Rayna Russom, Sergi Botella, Cio D’Or, Tara Rodgers, Enrique Mena, Miguel Ángel del Ser, Sonia Fernández Pan y Kentaro Terajima.
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Al poco de comenzar el confinamiento del Covid 19, Iran do Espirito Santo, en São Paulo, contactó a Enrique Juncosa, en Mallorca, proponiéndole colaborar en un libro. Daba la casualidad de que Juncosa había empezado unos poemas en prosa relacionados con viajes basados en recuerdos personales y en la imaginación, y que se referían a una forma de vida que quedaba de pronto en suspenso. Escribió cuarenta poemas, sugiriendo la idea de cuarentena, englobados bajo el título El pangolín, animal señalado como propagador inicial del virus.Do Espirito Santo realizó cuarenta acuarelas, una por poema, relacionadas con el texto, aunque no siempre de una forma evidente, sugiriendo un viaje interior. Imágenes flotantes en un espacio blanco, abstractas y con origen geométrico, con la delicadeza de las miniaturas orientales. Coeditado con la Galería Senda y con el apoyo del Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya y del Institut d'estudis baleàrics.
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Palacios y Museos
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* Gilbert Brownstone, acompañado del fotógrafo CamiloGuevara, hijo del Che, nos * Gilbert Brownstone, acompañado del fotógrafo Camilo Guevara, hijo del Che, nos invita a conocer los talleres de varios artistas que figuran entre los más importantes de Cuba. * Un análisis, a través de entrevistas exclusivas a 35 artistas de extraordinaria influencia, de su intimidad creativa, así como una libre discusión relativa a su formación y el lugar del arte en ese país caribeño. * Elarte cubano contemporáneo no había gozado jamás de tal pluralidad de actividades estéticas, así como de artistas y jóvenes talentos emergentes, de acontecimientos y de exposiciones como en la actualidad. Una descripción general del desarrollo cultural y artísticode Cuba desde 1900, en diversos medios, incluidos lapintura, el dibujo, la escultura, las instalaciones ylas artes visuales. Una generación de artistas plurales que se ha formado después de la Revolución, cuando el acceso a la cultura y a la educación se convirtió en una pluralidad absoluta. Su actividad de ha visto enriquecida fundamentalmente por la isla, tierra demestizaje y de cruce. Una invitación a conocer estaisla caribeña y dinámica, y su patrimonio artístico:una obra imprescindible para cualquier interesado enel arte y la cultura contemporáneos.
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Espejo crítico de nuestro tiempo, el arte contemporáneo juega un papel crucial para cuestionar nuestra realidad histórica y plantear los problemas filosóficos de la sociedad actual. Por medio de un estilo ameno y elegante, y valiéndose de ensayos que parten del arte y recorren otras disciplinas, Pol Capdevila nos sumerge en algunos de los dilemas filosóficos acerca del tiempo y nos muestra cómo afectan al desarrollo de nuestras vidas y de nuestra cultura. Espectros del tiempo penetra en debates trascendentales sobre nuestro tiempo histórico, tales como la tiranía del reloj, la aceleración de nuestras sociedades, el desvanecimiento del pasado y la sensación generalizada de un fin de la historia. En un constante diálogo filosófico con el arte contemporáneo, Pol Capdevila recorre las contradicciones y crisis de sentido de las sociedades contemporáneas, haciendo partícipe al lector de las dimensiones de la tragedia. ¿Por qué la experiencia del presente ha perdido su consistencia? ¿Podrán el pasado, el presente y el futuro articular una relación productiva, que permita hacer avanzar la historia? ¿Podemos entender el tiempo como algo que se construye colectivamente, en lugar de padecerlo bajo la forma de una dramática finitud? A través de un enfoque que combina la hermenéutica del arte y la filosofía del tiempo, Espectros del tiempo es una obra fundamental para entender la relación entre el arte, la historia y nuestra experiencia temporal en la sociedad contemporánea.
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L'autor F. Xavier Martí, arquitecte apassionat de l'art, descriu l'evolució de la pintura des de Giotto fins a Rothko. Estructurada com a guia de viatge, analitza una obra de cada autor, els precedents, les influències rebudes, les repercussions posteriors i les característiques iconogràfiques i iconològiques, tot aprofitant per traslladar-nos al moment de la seva realització i conèixer l'entorn social de l'època. El llibre ens dona una visió dinàmica de l'evolució de la pintura durant els sis segles i mig que separen les obres d'en Giotto i d'en Rothko, analitza els factors més rellevants presents en el procés evolutiu de la pintura i palesa la relació directa existent entre la producció artística i els canvis que ha anat experimentant la societat en aquest mateix període, per deixar al descobert el fil conductor que uneix i explica de forma coherent les etapes successives. Giotto di Bondone · Masaccio · Piero della Francesca · Leonardo da Vinci · Raffaello Sanzio · Michelangelo Buonarroti · Agnolo Bronzino · Pieter Brueghel el Vell · Michelangelo Merisi da Caravaggio · Peter Paul Rubens · Rembrandt Van Rijn · Giambattista Tiepolo · Jacques-Louis David · Francisco de Goya y Lucientes · Caspar David Friedrich · F. V. Eugène Delacroix · J. M. William Turner · Jean-François Millet · Utagawa Hiroshige · Édouard Manet · Claude Monet · Paul Cézanne · Vincent Van Gogh · Henri Matisse · Pablo Ruiz Picasso · Georges Braque · Ernst Ludwig Kirchner · Vassili V. Kandinsky · Kazimir Malévich · Piet Mondrian · Marcel Duchamp · André Masson · Jackson Pollock · Mark Rothko
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Un fascinante recorrido desde los orígenes de los cítricos hasta nuestros días, su importancia en la Historia de la humanidad y su protagonismo en el Arte. Extensa historia de estas plantas extraordinarias y sus frutos, considerados objetos de lujo, de regalo e incluso un medio para el pago de tributos durante siglos. El libro se acompaña con más de 80 obras de arte, desde la antigua Roma hasta el arte contemporáneo. Una historia paralela que demuestra la importancia de estos frutos en todas las civilizaciones y épocas.
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Varios autores / Fundación Museo Picasso Málaga. Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso / 2020 / 428 p. / cartoné
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Este libro es uno de los estudios clásicos sobre aquella «ciudad de genios» de hace un siglo, a la que han convertido en un espléndido paradigma de investigación: la llamada «Viena fin-de-siglo» o «Viena 1900» como marchamo de la decadencia de toda una cultura y forma de vida y del resurgir genial de otras. Ha originado un acervo impresionante de bibliografía de altura digna de esa Viena ya eterna donde la clara conciencia de la extinción inmediata del imperio austro-húngaro y su mundo hizo más evidente que en ninguna parte la famosa «crisis» cuya conciencia había comenzado a reventar con Nietzsche, su paisaje fantasmal: un mar que se vacía, un horizonte que se borra, un sol que gira alocadamente en torno a sí, ser, verdad y bien desvanecidos, desquiciados. Ciudad de gentes hipersensibles también a los signos de los tiempos desde todos los campos de la ciencia, la cultura y el arte, que pusieron sobre nuevas vías una renovada autoconciencia cultural de Europa: crearon la impronta, marca, estilo de lo que hoy somos o al menos de lo que hasta ayer mismo éramos. Junto con Sigmund Freud máximo ejemplo en aquellas cimas: Ludwig Wittgenstein.
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La evolución de los conceptos de COMPLEJIDAD Y SOSTENIBILIDAD ha sido transcendental y ha viajado en los últimos años: de lo único-unitario se ha pasado a lo dicotómico, de lo dual a lo múltiple, y de lo múltiple a lo complejo (pensamiento y producción). Hemos habitado desde siempre en un mundo «complejo» y es desde la comprensión de ese concepto de complejidad de una manera responsable donde hallaremos la clave para la sostenibilidad futura del sistema.
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«NASEVO es el nombre de un artista o bien, medio oculto, el nombre artístico de Ernesto Ventós, quien es por oficio un reconocido creador de esencias y por pasión un coleccionista muy particular: sordo desde la infancia, en lugar de mirar las obras de arte, mirándolas las huele. A través de estas páginas, pasaremos de la vista al olfato y de éste a la dialéctica de la razón sensible a través del objeto artístico. Se trata de objetos artísticos que son, a la vez, objetos lingüísticos: un arquetipo, la nariz, una semántica, el olor-color, y un continente, los estilos y las formas del arte. Con singularidad, NASEVO lleva a la tierra las obras destiladas del conocimiento de Ventós con el espíritu del alquimista, mago y transformista.» Vicenç Altaió Incluye textos en español, catalán, inglés y francés.
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L’arbre, un dels símbols més universals i un element intrínsecament vinculat al desenvolupament de la nostra cultura, esdevé, en aquest llibre, el pretext idoni per donar a conèixer alguns dels interrogants que la vivència de l’art contemporani planteja. L’artista Àlex Nogué obre les portes del seu procés de creació per fer visible com es desencadena la gènesi d’una obra d’art i posa a la llum les incerteses, les intuïcions i les aspiracions que comporta la creació artística. Dibuixar un arbre tracta de les similituds entre l’emoció que produeix un plançó al mig d’un bosc i l’emoció de traslladar-lo fins a l’interior d’una presó. De les diferencies de dibuixar un xiprer dret o abatut. Dels silencis i dels sorolls de les imatges. Del que una obra pretén i del que mai aconsegueix. Les imatges i els textos d’aquest llibre ens permeten transitar per l’interior de vuit processos de creació i ens mostren com els treballs artístics neixen i creixen. Per emmarcar l’experiència creativa en el context cultural contemporani Dibuixar un arbre s’inicia amb cinc reflexions d’autors que han viscut amb empatia aquest recorregut creatiu. Ells mateixos estan immersos de manera apassionada en la creació, producció, difusió o direcció de projectes creatius, i són: Eudald Camps, Xavier Franquesa, Rosa Pera, Víctor Sunyol i Àngels Viladomiu.
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Esta publicación recoge por primera vez en lengua castellana una recopilación de artículos en torno a las artes visuales escritos por Virginia Woolf entre los años 1920 y 1936. En ellos la autora indaga en la relación entre escritura y pintura, narra sus visitas a exposiciones, recoge impresiones y méritos del grupo Bloomsbury, y manifiesta su postura en torno a la aparición del cine o a la vinculación de los artistas con la esfera política.
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Aquesta obra aborda des de diferents angles les afinitats artístiques entre Miró i Picasso, dos artistes imprescindibles del segle XX, i ho fa amb el teló de fons de l'amistat compartida al llarg de cinquanta anys.
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