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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Una guía a través de un extraordinario recorrido porlas imágenes más icónicas del mundo, las que nos encontramos al visitar una galería u observamos en la portada de una novela. Ordenado cronológicamente, trazala evolución del desarrollo artístico período a período. Todos los géneros artísticos, desde la pintura yla escultura hasta el arte conceptual y el arte de performance. No existe ninguna sociedad que no haya producido arte. La representación y la decoración, igualque la oralidad artística o la música, son tan inherentes al ser humano como la construcción de nidos loses a los pájaros. Las formas que ha adoptado el artehan diferido radical, temporal y geográficamente bajo la influencia de diferentes circunstancias socialesy culturales. ¿Cuál era el propósito original de esas obras de arte y cómo podemos entenderlas hoy? ¿Porqué el arte floreció en determinados períodos de la historia y no en otros? ¿Por qué algunas obras de arteson tan importantes? En el libro se analizan con detalle las obras maestras que mejor representan características definitorias de cada período o movimiento, lo que permitirá al lector interpretar como nunca antes el significado de las obras maestras más famosas del mundo. Si le gusta el arte y quisiera aprender a interpretarlo mejor, no tiene más que sumergirse en lastrepidantes páginas de esta obra.
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« La chair occidentale est chrétienne... Le corps quenous habitons, le schéma corporel platonico-chrétiendont nous héritons, la symbolyque des organes et leurs fonctions hierarchisées –la noblesse du coeur et du cerveau, la trivialité des viscères et du sexe- ...tout cela structure le corps en regard de deux milleans de discours chrétiens : l’anatomie, la médecine,la physiologie, certes, mais également la philosophie, la théologie, l’esthétique contribuent à la sculpture chrétienne de la chair. »
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Museo del Prado
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Libro anuario de la galería Artizar que reúne todos los proyectos de la galería durante los años 2020 y 2021. Perteneciente a la colección de anuarios de la galería iniciada en el 2017.El año 2020 comienza con la colectiva Son de la Habana (Manuel Mendive, José Bedia, Juan Roberto Diago y René Peña), Desescavar de Ángel Padrón, Viento madera de Luis Palmero, seguida de Pero no el mundo la primera individual de Laura Mesa. Después llegó Nitrato del británico Dave McKean, con la que se partió el año. En 2021, Morfología del encuentro de José Luis Serzo y Pólenes de Jesús Zurita. Después, la primera muestra individual de la artista tinerfeña Romina Rivero bajo el título IKIGAI. Anatomía de las luciérnagas. Y como broche final a la temporada 2021, las exposiciones de Nada que ría de Julio Blancas, Exhalar y engullir de Amparo Sard y Spanglish Drama de Raúl Cordero.
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Conciliar la vida laboral y familiar es uno de los grandes retos a los que se enfrentan las familias españolas. Cada vez es más habitual que los menores crezcan en hogares donde ambos progenitores trabajan a tiempo completo, con largas jornadas laborales que se extienden más allá de los horarios escolares. Sin embargo, las políticas familiares para facilitar la conciliación son escasas en comparación con otros países de nuestro entorno.¿Qué estrategias de conciliación desarrollan las parejas en que ambos cónyuges trabajan a tiempo completo? ¿Cómo se reparten las tareas domésticas y los cuidados? ¿Se trata de un reparto igualitario y corresponsable? ¿Qué factores intervienen en él? ¿Qué papel juegan las redes de apoyo familiares y no familiares? ¿Cómo influyó el confinamiento domiciliario durante la pandemia de COVID-19? La presente investigación, financiada por el Centro de Estudios Andaluces, pretende dar respuesta a estas preguntas, combinando los enfoques cuantitativo y cualitativo. Se analizan estadísticas oficiales y encuestas de opinión para describir las estrategias de conciliación y el grado de corresponsabilidad de las parejas trabajadoras españolas. Estos datos cuantitativos se complementan, enriquecen y matizan gracias a la información cualitativa recogida a través de entrevistas a quince parejas andaluzas.
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Guia per a l'estudi i l'exprerimentació del color adreçat als estudiants i estudiosos de Belles Arts. L'obra consta d'una col·lecció de làmines comentades, amb informació visual que il·lustra i fa comprensible el que s'explica, amb un espai teòric, aconmpanyat d'una part pràctica.
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L'estendard de l'Orfeó Feliuà és una obra única, de singular bellesa, que fou creada a principis del segle XX com a insígnia d'un dels cors de la població de Sant Feliu de Codines. Si en l'àmbit de les arts decoratives establir l'autoria dels objectes acostuma a ser difícil, la vida atzarosa d'aquest artefacte ho feu del tot impossible durant dècades, perquè quedà arraconat i no s'arribà a utilitzar mai. La plaqueta metàl·lica del revers de l'ensenya, amb la marca de la casa Hoyos, Esteva i Cia., ha estat clau a l'hora de determinar que es tractava d'una peça original d'Antoni Gaudí, autor que hi deixà la seva empremta artística dotant-la d'un ric llenguatge simbòlic, unes formes de base orgànica, una gran diversitat de materials i una dimensió corpòria sorprenent, amb volums capriciosos. Aquest llibre recompon el procés creatiu de l'obra -des de la concepció i el disseny de l'arquitecte, fins a l'execució formal al taller del seu col·laborador habitual, Claudi Hoyos-, desxifra el significat dels símbols gaudinians i, amb la col·laboració de Francesc Garriga, explica el complex itinerari històric de l'únic dels quatre estendards dissenyats per Antoni Gaudí que ha perdurat en el temps.
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En movimiento es el título de la primera exposición temporal de la Galería de las Colecciones Reales. Pero es además, o sobre todo, una metáfora de la propia Galería y de la transformación que este proyecto está impulsando en Patrimonio Nacional. Esta muestra exhibe una cuidada selección de los ejemplos más relevantes de la colección de vehículos y carruajes de Patrimonio Nacional en su contexto histórico. Adentrarse en la museografía es hacer un viaje a lo largo del tiempo, asomarse a través de esas ventanas que se evocan en el montaje y conocer la evolución de unas piezas que aunaron utilidad práctica, comodidad, tecnología y belleza. Se trata de una de las mejores colecciones de Europa en su género y los carruajes que la componen tuvieron, además, un excepcional protagonismo en la vida cotidiana de la corte. Sabido es que, durante siglos, la corte española fue itinerante y que este fue uno de sus aspectos diferenciales respecto a otras cortes europeas. Hoy en día, muchos de esos vehículos se han musealizado, mientras que otros aún sirven para las ceremonias oficiales.
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Para saber pintar, primero hay que saber mirar. Y a mirar se aprende. Esto creía Fernando Zóbel (Manila, 1924–Roma, 1984), y así lo puso en práctica en una fascinante investigación pictórica, tan sistemática como creativa, que desarrolló a lo largo de más de cuatro décadas. Formado en Filipinas, Europa y América, graduado en Harvard e instalado en España desde finales de los años cincuenta, Zóbel fue al mismo tiempo pintor, estudioso, profesor, traductor, coleccionista y, entre otras iniciativas insólitas, el fundador de dos museos: la Ateneo Art Gallery en Manila (1961) y el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca (1966).La pintura de Zóbel constituye un caso singular –si no único, desde luego extremo– de la vanguardia del siglo XX. Para él, provisto de un conocimiento profundo y brillante de las tradiciones artísticas y literarias de Occidente y de Asia, la modernidad no significaba la ruptura con la figuración y con la historia de la pintura, sino su redescubrimiento, no el olvido del pasado, sino el desvelamiento del futuro que encierra la obra de los grandes maestros. Zóbel. El futuro del pasado reconstruye el itinerario poético y artístico de un pintor guiado por un doble principio: “Enseñar a ver y aprender a ver”.Con textos de Florina H. Capistrano-Baker, Patrick Flores, Amy T. Chang, Alfonso de la Torre, Peter Soriano, Celina Quintas y David Plaza, Yiyi Liang, Miguel Peña Méndez y Ángeles Villalba Salvador.
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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Minerva es la revista semestral del Círculo de Bellas Artes. Recoge y amplía la actividad de la institución a través de entrevistas, artículos y reportajes. Cuenta con la colaboración de grandes firmas de la literatura, el arte, el pensamiento, la arquitectura y la fotografía, y se distribuye en librerías de España y América Latina.
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Las plazas de soberanía —término histórico con el que se denomina a los enclaves españoles repartidos por la costa norte de Marruecos— son lugares de acceso prohibido, sus alrededores permanecen monitorizados militarmente, su historia se mantiene oculta.Representan una singular excepcionalidad territorial que confirma un modelo de extensión colonial que sigue operando, aún hoy, de manera efectiva. Cerca de las plazas de soberanía propone una suerte de contracartografía de estos enclaves: Perejil, Alhucemas, las islas Chafarinas y el peñón de Vélez de la Gomera. A partir de cinco conceptos clave —dispositivo, tocar, amistad, display y soberanía—, y utilizando la práctica curatorial como método, Leire Vergara proyecta una mirada crítica sobre estos territorios con la que examina simultáneamente, como si de un juego de espejos se tratara, el objeto observado y la herramienta de visión.Esta investigación curatorial —que convoca pensamiento y práctica artística— nace del deseo de (re)leer y (re)pensar las formas que gobiernan todo lo que nos rodea (realidades, sujetos, objetos, vidas e imaginarios) y se desarrolla a partir de los viajes de la autora a las inmediaciones de las cuatro plazas de soberanía españolas, acompañada en cada uno de ellos por cuatro artistas que interpretan, desde sus trabajos, el acercamiento a estos lugares inaccesibles.
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Un martes de mayo de 1891, en el número 89 de la pari- sina rue de Rome, tuvo lugar uno de los encuentros que a la postre constituirían el que probablemente fuera el cená- culo más singular y fructífero de la modernidad. Tres personajes, el pintor Odilon Redon, el compositor Claude Debussy y el poeta Stéphane Mallarmé, anfitrión de la velada, tres figuras cardinales del panorama artístico finisecular, enfrentaron sus reflexiones en torno a los lí- mites de la representación de la realidad -ahondando en conceptos cruciales como «sugerencia » y «evocación»- y dieron paso a la formulación de campos de exploración y contagio entre disciplinas tradicionalmente separadas. ¿Es posible una pintura musical? ¿Una música hecha con palabras? ¿Superar, en última instancia, la especificidad de cada disciplina? Fue en las sucesivas reuniones del ce- náculo donde muchas de estas cuestiones, que hoy en día son claves para comprender el desarrollo de las prácticas artísticas contemporáneas, se formularon por primera vez. Entreverando historia cultural e historia del pensa- miento, Sonsoles Hernández Barbosa nos adentra en una época fascinante y plantea un análisis de las teorías esté- ticas discutidas durante dichas reuniones, auténtico la- boratorio que finalizaría en la Europa de las vanguardias.
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Edición facsímil, con traducciones al francés y al inglés, que narra las vivencias de Santiago Rusiñol y Ramon Casas en el París del Moulin de la Galette entre 1890 y 1892. Publicado originalmente en 1894.
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¿Cómo puede ayudar a ahorrar millones a tu empresa la contemplación de los cuadros de nenúfares de Monet? ¿Cómo puede frustrar un ataque terrorista la observación del calzado que lleva la gente? ¿Cómo puede vencer en una discusión, tranquilizar a tus hijo
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Ángel Sánchez Rivero (1888-1930) es uno de los grandes desconocidos de la segunda edad de oro de nuestra cultura. Su obra ensayística conforma un corpus breve en extensión pero de calidad excepcional. Este volumen recoge la práctica totalidad de sus
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A través de la correspondencia, los diarios y las memorias de más de cincuenta artistas de los siglos XIX y XX veremos expresada laangustia ante el lienzo en blanco, las dudas acerca de la calidad de la obra, el padecimiento causado por la incomprensión
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Soledat Sans, Marta Balada Colección que pretende ser una herramienta didáctica útil para el trabajo que desarrolla todo el colectivo de profesionales de la educación. Este libro realiza interesantes propuestas para trabajar la motivación y la creatividad plástica en las escuelas.
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A través de ocho ensayos, ilustrados con más de cuarenta fotografías, esta obra ofrece una síntesis histórica de lo acaecido en el arte durante el último medio siglo, en el cual las artes han experimentado más cambios de los sufridos en el resto de su la
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¿Cómo enseñar plástica? Este libro aspira a ser un reflejo de la riqueza de respuestas que existen a
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L'art gràfic a Amèrica del Nord, que va fer eclosió en 1960, proporciona una visió fresca i diversa dels artistes davant els diferents períodes de profunds canvis socials i polítics que s'han viscut i es continuen vivint als Estats Units. Llibre sobre l'exposició de La Caixa que va recollir peces d'obra gràfica d'artistes com Andy Warhol, Jasper Johns o Robert Rauschenberg.
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Nueve meses con los rojos en Madrid es uno de los rel
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Umberto Eco nos cuenta la historia de la Belleza, en un libro profusamente ilustrado, desde la noche de los tiempos hasta nuestros días. Aunque ilustrada con cientos de imágenes de obras maestras de todos los tiempos, este libro no es una historia del arte. Las ilustraciones, así como una amplia antología de textos, de Pitágoras a nuestros días, sirven para reconstruir las distintas ideas de belleza que se han propuesto o discutido desde los tiempos de la Grecia clásica. El libro ilustra las formas en que se ha concebido la belleza de la naturaleza, de las flores, de los animales, del cuerpo humano, de los astros, de las proporciones matemáticas, de la luz, de las piedras preciosas, de los ropajes, de Dios y del Diablo. Aunque solo nos hayan quedado textos de filósofos, escritores, científicos, místicos o teólogos, así como el testimonio de los artistas, a través de estos documentos también se pueden reconstruir las formas en que los humildes, los desvalidos o el hombre de la calle de todos los tiempos percibían la belleza. Y se nos muestra cómo, no solo a lo largo del tiempo, sino también en el seno de una misma cultura, han entrado en conflicto distintos conceptos de la belleza. Serán los lectores quienes, tras leer las páginas de este libro, decidan si a través de estas manifestaciones la idea de belleza ha tenido alguna característica constante. En cualquier caso, vivirán una apasionante aventura intelectual y emotiva.
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