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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Excepcional pintora suizo-italiana de finales del siglo XVIII, destacada representante del clasicismo.Angelica Kauffmann, nacida en Suiza, crecida en el norte de Italia, por unos años residente en Londres y romana de adopción en sus años de madurez, fue una pintora muy celebrada en vida, retratista de las familias reales europeas y de la alta sociedad británica e italiana, fue también, con sus cuadros históricos, mitológicos o religiosos, figura destacada de la propuesta clasicista que, en la segunda mitad del siglo XVIII, vino a rescatar a la Pintura de los estertores del manierismo.
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Una novela biográfica sobre La Roldana, una de las grandes artistas de la historia universal, mediante una magnífica narración de ambientación histórica. El conocido divulgador de Arte, Manuel Jesús Roldán, nos sorprende con esta magnífica novela histórica que cuenta la vida de la escultora de Luisa Roldán, la popular Roldana. Con una ambientación y datos exhaustivos, Roldán ha escrito una novela histórica apasionante sobre la vida de una mujer que hizo valer su talento y triunfó en un mundo de hombres.
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Tres ensayos de William Morris (Cómo vivimos y cómo podríamos vivir Trabajo útil o esfuerzo inútil. El arte bajo la plutocracia.) acompañados del prólogo de Estela Schindel «William Morris: la técnica, la belleza y la revolución»
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[...] la experiencia onírica de la realidad que emana del derivar tiene un efecto demoledor inmediato sobre el horario calculado, pues en su fluir el tiempo ya no se justifica por la obligatoriedad de una actuación, ni el individuo tiene tampoco que justificar su «hacer» en función de un tiempo determinado en el que deba «cumplir».Ahí, el tiempo no se mide por ninguna finalidad, por ningún acatamiento ni por ninguna penitencia, sino por la expansión de un placer psicofísico (una suerte de libido mental) del acontecer que disipa las fronteras del comportamiento programado, excedidas por la vivencia. [...][...]lo que aquí se pretende es una escritura de la afirmación y no de la interpretación, ya que para estar a la altura de la experiencia primera, del acto primario de libertad, esta escritura ambiciona ser experiencia que contenga el tiempo de su libertad.En donde esto se vuelve más acusado es en [los] resquicios por los que algo se cuela hasta desbordar los mecanismos de lo razonable, con total despreocupación de su posible significación, un algo espejeante hasta el punto de llegar a desconcertar muy seriamente a lo verosímil. Ejemplar de lo que sugiero es H, cuyo admirable enigma me sigue acompañando desde su primera manifestación, preguntándome todavía alguna vez si me quiso decir algo, mas complaciéndome en mi incomprensión e incluso recreándome en su silencio.[...]
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El best seller del crítico de arte más importante del mundo: un manual que todos los artistas, expertos y aficionados deberían leer.Ingenioso, apasionado y ganador del Premio Pulitzer, Jerry Saltz -crítico de arte de New York Magazine-, es contactado a menudo por artistas, comisarios, galeristas, profesionales y todo tipo de aficionados al arte para pedirle consejos. Basándose en su experiencia durante décadas de inmersión en el mundo del arte, Jerry Saltz ha logrado reunir todas las respuestas y las ha ordenado en un manual imprescindible para defenderse en el mundo del arte. Cómo ser un artista está repleto de consejos, reglas y ejercicios diseñados para dejar atrás los bloqueos creativos, incentivar la motivación y saber cómo defender una voz y lenguaje propios. Este libro ayudará a cualquier persona creativa a trabajar sus rutinas, mejorar los procesos, entender cómo funciona el mundo del arte y lograr sus sueños.
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Una reflexión sobre aquellas obras de arte que han sufrido deterioro a lo largo del tiempo.El arte deteriorado acumula las señales que la experiencia histórica ha añadido sobre la obra original. Son grietas, signos de barbarie o huellas que la naturaleza ha dejado marcadas en la obra del ser humano. El paso de las estaciones, una tras otra, poco a poco, ha ido señalando las horas del derribo físico.Lejos de toda consideración negativa, entendemos las señales del tiempo como un valor estético añadido. Se trata de una carga comunicativa que enriquece la acción creativa inicial.
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En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, Bourriaud construye herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.Nicolas Bourriaud, el ex director del Palais de Tokyo parisino, define el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.Las teorizaciones que recorren «Estética relacional» surgen del conocimiento profundo de la obra de los más importantes artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro responde, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de «Estética relacional» es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.
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La otra cara de la historia del arte. Un relato de modelos y artistas«Una curaduría feminista contra el arte de la invisibilidad».Paula Jiménez España, Página/12 Reinas, amantes, lolitas, prostitutas, bailarinas... Hasta no hace mucho, en la historia del arte las mujeres solo podían ser modelos: profesionales como Kiki de Montparnasse en las fotografías de Man Ray o musas por azar como Victorine Meurent, la Olympia de Manet. Iconos de las vanguardias como la alocada Henrietta Moraes, que inspiró a Bacon y Lucian Freud, o la surrealista Claude Cahun, quien en 1930 proclamó: «Neutro es el único género que me viene bien». De la sonrisa de la Gioconda al color de la piel de Cleopatra, la cabellera de la Venus de Botticelli o el vello púbico que pintó Courbet y fascinó a Lacan, el misterio de sus identidades obsesionó a ladrones, moralistas y académicos. Sus rostros y sus cuerpos pautan aún hoy un ideal de belleza. Modelo durante décadas, Teresa Arijón revisita la historia del arte en este libro excepcional que es a la vez novela, ensayo y crónica, y también un registro sensible y sensual del paso del tiempo en el que los roles se invierten y es la modelo la que retrata al artista. La crítica ha dicho:« Un relato de modelos y artistas. De musas que no siempre quisieron serlo. El otro lado del espejo de la Historia del Arte».Ángeles Caso «Detiene su mirada de escritora y de experimentada modelo para artistas sobre aspectos de la pintura que ni imaginábamos. [...] Nos abre puertas para pensar, comprender y, sobre todo, para querer saber más sobre las relaciones entre pintores y modelos. ¿No es eso lo que le pedimos a un buen libro?».Mercedes Cebrián «Un texto poético y una mirada original».Daniela Pasik, Clarín «Desde una escritura que entrelaza la autobiografía y la crónica, Teresa Arijón funde su experiencia como modelo de artistas durante veinte años para indagar en cuerpos femeninos adorados y sancionados a lo largo de la historia del arte, una exploración que atraviesa centurias y desarma conceptos».Marina Sepúlveda, Télam «Una historia que se narró a sí misma con el sesgo del retratista y no del retratadx encuentra a lo largo de este exquisito libro su revancha [...]. Podría decirse que lo que Arijón hace a lo largo de sus páginas es una curaduría feminista contra el arte de la invisibilidad».Paula Jiménez España, Página/12 «Pone voz a aquellas que pusieron el cuerpo y se hicieron eternas, como a la vez, va cosiendo esos relatos con sus propias experiencias».Juan Batalla, Infobae «Un regocijante acto de justicia artística revisitando la historia del arte en una serie de retratos, ensayos y crónicas que corren el velo sobre las vidas extraordinarias de muchas de esas mujeres».Matilde Sánchez, Revista Lengua
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Este catálogo de exposición reúne obras de tres artistas románticos: los noruegos Peder Balke (1804-1887) y Lars Hertervig (1830-1902), y el español Eugenio Lucas Velázquez (1817-1870), ofreciendo un paralelo entre sus respectivos paisajes para mostrar cómo plasmaron sus visiones interiores de la naturaleza a través de técnicas experimentales que, en cierta medida, anticiparon la manera suelta del Impresionismo y otros movimientos de la pintura moderna.
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Vicios o virtudes: el alcohol y el tabaco proporcionaron a los publicistas productos con los que darse grandes festines visuales. En este espectacular compendio de anuncios exploramos cómo la representación de estos productos se movía entre la elegancia y la excentricidad, y descubrimos cómo los fabricantes sedujeron a sus clientes durante todo el siglo XX para que bebieran y fumaran.Las tendencias del mundo de las bebidas alcohólicas y el tabaco de cada época se reflejan de manera exuberante página tras página con imágenes de marca integradas en la cultura popular estadounidense con tal efectividad que cualquiera podría identificar iconos como el Hombre Marlboro o Spuds MacKenzie, figuras tan familiares que podrían aparecer en anuncios sin el propio producto. Otros publicistas adoptaron enfoques ingeniosos y subliminales para vender sus productos, cuya efectividad confirmó la exitosa campaña de Absolut. Incluso los médicos contribuyeron a una propaganda perversa, asegurando que fumar podía calmar los nervios y aliviar el dolor de garganta y que el licor era un elixir capaz de proporcionar el éxito social.Tanto si saborea estas delicias visuales como si disfruta a caladas o sorbos de estos placeres prohibidos, le encantará esta exploración de un capítulo de la historia de la publicidad indudablemente vibrante y, en ocasiones, controvertido.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Tras el éxito de Acuarela creativa, Acuarela creativa con técnica mixta y Armonía de color para artistas, la acuarelista mexicana Ana Victoria Calderón nos invita a sumergirnos en un nuevo viaje de autodescubrimiento creativo a través de las formas y la simbología de la geometría sagrada. Descubre los fundamentos de la geometría sagrada, su papel en las diversas culturas y su influencia sobre algunos artistas. Conoce los materiales, técnicas y aspectos esenciales del dibujo técnico que te permitirán crear figuras básicas llenas de simbolismo: el círculo, la Vesica Piscis, el nudo gordiano... Ejercita tu creatividad y aprende a crear efectos sorprendentes a través de fascinantes proyectos conformados por motivos inspiradores y universales, como la semilla de la vida, la flor de la vida, el cubo de metatrón o el anillo.
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Al llegar esta obra a su novena edición, puede invocarse la opinión de muchos de sus lectores y usuarios, que la consideran ''un clásico'': en efecto, son ya muchas las promociones de estudiantes que recurrieron a ella en su momento... y probablemente continúan acudiendo a sus páginas para resolver las dudas que -para su fortuna- hallan en su trabajo profesional, docente a menudo, o sencillamente en su vida de personas cultivadas. A partir de un determinado momento de su existencia, este ''Diccionario de Iconografia y Simbología'' recibió el complemento de otra obra de Federico Revilla, que la culmina y remata: ''Fundamentos antropológicos de la simbología''. Ambas componen la visión más completa y también más clara de este aspecto de la cultura que tiende el puente desde la más remota antigüedad hasta nuestros días. La presente reedición -aumentada- cuenta por ello con el apoyo de muchos millares de lectores que le deben ''algo'' en su maduración personal.
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Un brillante y meditado alegato contra el estado actual del arte, sometido a las tramposas leyes del mercado, la banalización de lacultura del espectáculo, y la perniciosa influencia del progreso tecnológico. Este joven escritor y premiado director
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El presente relee al pasado. Es desde el hoy desde donde se revisan los sistemas que organizan las series históricas. Es la mirada contemporánea la que redescubre aspectos de otros tiempos que hasta ahora habían quedado ocluidos. A la luz de estas afirmaciones que se derivan del texto de Malraux, cabe preguntarse por qué editar hoy este libro. Vivimos en un mundo inmerso en el flujo infinito de imágenes sin control aparente. Es esta condición la que reactiva el texto de Malraux, no solo por lo que obviamente podría ser advertido como un «antecedente» sino -y avanzando un poco sobre los mismos presupuestos que subyacen en este libro- por esa cuestión del fluir del pasado en el presente.
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La conservación del patrimonio cultural presenta un campo de estudio amplio y complejo que integra conocimientos procedentes de distintas disciplinas académicas. Se trata, además, de una materia crítica que está sometida a constante revisión y debate, en cuanto se interroga sobre el valor y sentido que el patrimonio cultural reviste para las sociedades actuales. En «Conservación del Patrimonio Cultural. Teoría, historia, principios y normas», se tratan estos temas dentro de un planteamiento integral y sistemático que parte del esclarecimiento del concepto y problemas del patrimonio cultural, para exponer a continuación las distintas teorías y metodologías de restauración y/o intervención sobre los bienes culturales a través de la presentación crítica del pensamiento y la actuación de sus protagonistas, escuelas y tendencias. El libro incluye también una recopilación analítica y ordenada de los principales textos y documentos dedicados a la conservación del patrimonio cultural. En esta segunda edición, revisada y actualizada, se han introducido nuevas cuestiones, como la reflexión sobre el concepto de autenticidad, la función del patrimonio como soporte de la identidad cultural, la necesidad de la conservación no solo de las grandes obras y monumentos sino también de los conjuntos históricos y los paisajes culturales, así como las temáticas referentes al patrimonio inmaterial y al turismo cultural.
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Incluye más de 500 ilustraciones inéditas. Durante siglos los monasterios mantuvieron y divulgaron una parte del saber antiguo, con monjes que copiaban los libros en los scriptoria y enseñaban en sus escuelas pero también sirvieron para introducir el má
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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Goethe llegó al color desde el arte. Su inquietud por los efectos cromáticos como recurso artístico lo llevó a indagar incansablemente en el enigma del color y culminó en la elaboración de uno de los tratados científicos más importantes de la teoría del color que rebatía los postulados previos del mismísimo Newton.Este libro recoge las láminas con las que ilustró su teoría y las explicaciones que las acompañaron. Complejo y apasionante a la vez, el texto deja entrever las tensiones latentes entre sujeto y objeto, realidad y representación, arte y ciencia, y las innumerables dicotomías que estimularon el pensamiento y la obra del autor alemán a lo largo de toda su vida.El libro se cierra con un epílogo de Ju?rgen Teller que detalla los viajes y episodios vitales que explican el tránsito de Goethe de lo poético a lo científico en su teoría de los colores.
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Un pequeño compendio de consejos, máximas y reflexiones para estudiar,pensar y actuar como un artista. Especialmente recomendado para artistasen ciernes, diseñadores emergentes, creativos esforzados y maestrosconsagrados.
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Es una obra del mayor interés e incluso indispensable para todo aquel que se interese por el tema del simbolismo de los colores, pues no hay libro alguno que pueda sustituirlo. Escrito en el siglo XIX, la obra de Portal surge como un islote de ortodoxia
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Acércate a las obras maestras de la pintura como nunca antes lo habías hechoLas grandes obras de arte plantean más interrogantes que los que son capaces de responder y su poder de fascinación a menudo reside en los misterios que dejan entrever. Del Nacimiento de Venus de Botticelli al Imperio de las luces de Magritte, maestro sin par del enigma, Grandes misterios de la pintura desvela esas zonas de sombra. Como un juego del escondite, atendiendo a indicios desperdigados, descubriendo sentidos encriptados... este libro ofrece un análisis ameno y revelador de algunas de las principales obras maestras de la historia del arte. Obras que, seguro, ya nunca más veremos de la misma manera...
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Daniel Romaní (Barcelona, 1966) és periodista i escriptor. Ha publicat assaigs, novel·les i diverses obres per donar a conèixer el patrimoni català, entre les quals destaca Monuments de Catalunya (2017, publicat per Viena Edicions). Col·labora regularment al diari Ara.
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Mickey Mouse representa el hecho de que la criatura puede seguir existiendo incluso cuando queda despojada de todo parecido con lohumano. Esto rompe la jerarquía de las criaturas concebida en función del ser humano.Estas películas desautorizan la experi
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Rembrandt alcanza una expresión artística del movimiento vital hasta entonces desconocida: una expresión que no puede traducirse en un método o un estilo sinoque depende por entero de su genio. Como demuestran sus retratos, el problema ''pictórico'' de Rembrandt es sencillamente la representación de una totalidad humana viva, justamente en tanto problema pictórico, yno psicológico, metafísico o anecdótico: su pintura plasma la movilidad de la vida interior.
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