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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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El presente trabajo plantea una investigación crítica en torno a la txalaparta, concebida esta como práctica musical. Partiendo de una exposición de fuentes de información y de su análisis, se abordan dos grandes vertientes. En primer lugar se analizan su naturaleza y definición, sus denominaciones y parentescos, así como los cambios de significado de los que ha sido objeto desde que existen registros. Se realiza posteriormente una revisión crítica de su historia en tres capítulos, planteando cambios significativos con respecto a la historiografía vigente. El apartado de anexos aporta documentaciónl y constituye un exhaustivo inventario de las manifestaciones de la txalaparta en diversos formatos (fonografía, música culta, filmografía, espectáculos intermediales).
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Shane MacGowan ha escrito algunos de los temás más bellos y sugerentes de la música de las últimas décadas, pero su vida ha estado lejos de ser un cuento de hadas. Escarbando bajo su imagen salvaje, esta reveladora biografía nos habla de un hombre tímido y acomplejado, un poeta de látigo rápido, inteligencia e intensa espiritualidad. A través de conversaciones con el propio Shane en su casa de Dublín y con la participación de su esposa Victoria Clarke, su padre Maurice y su hermana Siobhan, descubrimos lo que supone crecer en los suburbios de Inglaterra, ser expulsado de la Escuela Westminster, o sus iniciáticos viajes a la casa de campo familiar en Tipperary, origen de la música y las historias que le llevaron a fundar The Pogues. Una vida trepidante y agitada, desde sus comienzos con The Nips hasta las triunfales giras por América, su trágico despido en Japón o el inquebrantable abuso con las drogas. En Una furiosa devoción, Shane se nos abre de par en par y nos mira a los ojos
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La etiqueta «indie» se ha convertido en un término cotidiano y problemático, objeto de eternas discusiones entre melómanos sobre su legitimidad como género musical. Más allá de lo estrictamente musical, el público, periodistas especializados, promotores de conciertos y festivales, discográficas y académicos también consideran que el «indie» es, al mismo tiempo, una postura autónoma en la industria de la música, una actitud frente al hecho musical y una huida del mercado comercial y masivo. Sin embargo, rara vez se cumplen todas estas premisas en un grupo o artista musical considerado «indie». Además de que estas características no son exclusivas de esta «categoría» musical. Artistas de «rap», «heavy metal», música electrónica o adscritos a cualquier otra etiqueta musical pueden ser igualmente independientes, minoritarios, innovadores, musicalmente ambiciosos y no llegar a considerarse «indies». Entonces, ¿qué es el «indie»? Este ensayo aborda los orígenes, características, usos y funciones de un concepto confuso que despierta simpatías y recelos a partes iguales. Con un enfoque académico pero muy accesible, la obra propone una lectura crítica sobre cómo los diferentes agentes que intervienen en la industria musical, pero, sobre todo, la prensa musical especializada y generalista, conforman los significados de los que hacemos uso y que, en el caso del «indie», se vuelven difusos e incluso contradictorios, dando lugar a un debate fascinante.
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La inspiració se sol entendre com la presència d'un influx extraordinari en la creació artística, com un element misteriós directament vinculat al caràcter perdurable de l'obra tocada per aquest alè transcendent. A més, la capacitat de la música d'endinsar-se en aquest àmbit elevat, lligat a la divinitat, impulsa l'obra artística a la categoria de revelació: ja era aquesta la intenció última dels aedes de l'antiguitat, i potser també l'ha siguda per grans compositors que, com Bach, Beethoven o Brahms, escrivien conscients de tocar amb el seu art els ressorts de la intimitat humana i envigorir-los. Com deia George Steiner, la música és la teologia dels que no tenen cap credo formal. En aquest assaig docte i clar, el musicòleg i cantant Josep Maria Gregori reflexiona sobre el lligam íntim de la música amb la inspiració, la sacralitat i el pensament simbòlic. I ho fa endinsant-se en l'experiència transcendent de la creació d'alguns grans compositors, transmissors del vincle que uneix el món humà amb el món arquetipal. L'autor estudia el relat platònic de l'harmonia de les esferes i n'analitza l'aplicació als mites de les sirenes i les Muses, inspiradores dels grans relats d'Occident. Per últim, s'endinsa en la figura d'Orfeu i en l'obra que Striggio i Monteverdi van dedicar-li, i proposa una anàlisi afinada d'aquesta fita musical que conjuga so, número i paraula com a expressions d'un únic verb.
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La música es uno de los patrimonios más valiosos y decisivos de la cultura occidental. Conocer sus raíces nos conduce al origen de un arte tan profundo como enigmático, y a familiarizarnos con nuestro propio pasado como civilización. La idea que preside la presente obra, original y única por su naturaleza, es ofrecer al lector la historia y evolución de los instrumentos musicales desde la Antigüedad hasta el meridiano del siglo xviii, instrumentos que han sido y son trascendentes para el devenir de la música.Prologadas por John Eliot Gardiner, estas páginas son un verdadero rescate en el que muchos compositores y obras de primera magnitud, constructores de instrumentos y teóricos que dieron el mayor esplendor al bien llamado arte de las Musas, se erigen como protagonistas de un inigualable tesoro cultural. Este valioso diccionario, que ofrece una ingente información, cuenta, además, con unos detallados apéndices que muestran la relación entre música, pintura y literatura. Una obra de referencia imprescindible para los amantes de la música que, además, incluye no sólo la presencia de instrumentos cultos, sino también los folclóricos, que han contribuido a ese inestimable bien de los pueblos que es la música.
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'Al cabo de tres semanas escasas, terminó su obra. La palabra se había hecho sonido. Se había cumplido el milagro de la voluntad en su alma ardiente, del mismo modo que se realizó antes en su cuerpo inválido: el milagro de la resurrección''.
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En este diccionario sin precedentes, Ramón Andrés, poeta, ensayista y a la vez reputado estudioso de la música, nos acerca al análisis de la naturaleza y los sonidos, así como a la interpretación de los símbolos que en ellos se contienen, al nexo de unión que la música establece entre los dioses y los hombres, que constituye, al cabo, una detallada muestra de la evolución del pensamiento humano. Mitologías como la griega, la hindú, la céltica o la escandinava, permiten adentrarnos en las grandes leyendas de la cultura indoeuropea, conocer a los héroes transformados en arquetipos de nuestra cultura, desvelar el contenido simbólico del Universo, los árboles, las plantas alucinógenas y los animales, que forman parte de un extraordinario escenario mágico que acogió la primera historia del hombre y que se recoge en la música. Un trabajo de hondo calado que no nos propone sin embargo la mera consulta aislada de sus voces, sino que se convierte, por derecho propio y en su lectura lineal, en una obra de referencia amena y entretenida.
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Los grandes artistas musicales como nunca antes los habías visto.De música, por supuesto -de sus inicios, sus referencias y maestros, sus trabajos-, pero también de otros asuntos más personales -sus miedos y anhelos- y universales -el amor, las drogas, la política, la religión, la muerte- es de lo que el autor de este libro, reconocido periodista cultural y autor de varias biografías de grandes figuras de la canción española, ha conversado a lo largo de tres décadas con los 40 músicos que protagonizan este libro. Los cantautores -Serrat, Sabina, Aute...-, los roqueros -Extremoduro, Calamaro, Bunbury, Loquillo, Miguel Ríos...-, las figuras del pop y el pop/rock -Antonio Vega, Pau Donés, Dani Martín, Bosé, Luz Casal, Christina Rosenvinge, Amaral, Estopa, Alaska...-, los flamencos -Paco de Lucía, Diego el Cigala, José Mercé, Tomatito...- y algunos otros artistas de difícil clasificación -Raphael, María Jiménez, Kiko Veneno...- ofrecen en estas páginas su visión del arte y de la vida, y componen un relato que ayuda a entender mejor cómo ha ido evolucionando la música en la España de los últimos treinta años. Como declararon los Sex Pistols: «Si aceptas las formas convencionales te conviertes en uno de tantos». Todos los nombres que le dan forma a este volumen huyeron precisamente de eso, de ser uno más, uno de tantos, y crearon mundos propios de gran riqueza artística que han crecido con nosotros y nos han hecho más grata la existencia.
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Aquest llibre és alhora un mètode i una guia pensats per als docents que desitgen iniciar-se en l'escriptura creativa i integrar-la a classe. És el fruit d'anys d'experiència en aquest àmbit: des de l'aula hospitalària de l'Hospital Trueta de Girona, i les escoles de primària, fins als instituts de la província de Girona, els jocs que ho componen han demostrat la seva eficàcia. Per què aquest mètode té èxit en l'àmbit escolar? Perquè s'adreça, primer de tot, a la imaginació de l'alumnat (abans de fer-ho als seus coneixements lingüístics). Un cop han jugat amb els elements de l'escriptura (lletres o paraules, frases o textos), i segons unes consignes, els infants són capaços de fer que vegin la llum la seva sensibilitat i la seva visió del món. Amb aquest mètode, molts alumnes de primària i de secundària ja han descobert el plaer i l'alegria de jugar a escriure. Quan proposem aquests jocs d'escriptura creativa, com a educadors i educadores, ens podem preguntar: quantes vocacions d'escriptor i d'escriptora estic despertant?
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El objetivo de este libro es recopilar y arreglar buenas piezas musicales, creando nuevas partituras para piano que sean claras de leer y mantengan su sonoridad original. Estas partituras son adaptaciones de las originales, con un nivel medio de dificultad pianística, muy asequibles para un estudiante o pianista de cualquier edad. La última intención de este trabajo es la de animarse a sentarse al piano y que disfrute de la música cualquier persona aficionada a este instrumento.
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Este libro es un viaje en el espacio y el tiempo hacia una época musical poco valorada a pesar de su importancia. Se trata de un ejercicio de memoria con el que rescatar músicas y músicos, comunicadores, aventureros, diletantes, de tiempos en los que hacer música no era tan fácil como parecía. Se trata también de recordar como unas generaciones que abrazaron la energía del rock and roll se lanzaron a dar luz y color a un país demasiado gris y triste, dominado por el silencio y la mediocridad de un régimen fratricida que no supo entender los cambios, las diferencias y, ni mucho menos, la música popular. Todo ello visto desde Cataluña, ese pequeño país desde el que se miraba (y escuchaba) a Europa buscando salidas, empapándose de novedades y de esperanzas con las que construir un futuro mejor. En este primer volumen, se reconstruye la historia de la música popular en Cataluña, en todas sus expresiones, desde el impacto del rock and roll hasta la locura ye-yé, desde las cavas de jazz y cançó hasta los entoldados de fiesta mayor. Todo con la intención de reconstruir la memoria, que tantas veces se ha fragmentado y ocultado, para que aquellos que se asomen a estas páginas puedan, quizá, encontrar aquellas piezas que se quedaron por el camino y que hoy pueden ayudar a entender mejor nuestro paisaje musical.
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Huelgas, conflictos obreros, agitación, guerra sucia, crisis, represión, paro, desilusión, heroína y bombas. La de los ochenta es una década llena de emociones, de crudarealidad y de sueños. Entre pelotazos, controles, botes de humo y porrazos, el n
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Los Brincos (Juan Pardo, Antonio ''Junior'' Morales, Manolo González, Fernando Arbex) aparecieron a finales de 1964, a imagen y semejanza de los Beatles, dominadores del panorama pop mundial. El sello Zafiro-Novola puso en órbita a su nueva banda tratando de emular a los de Liverpool, con buenas canciones beat originales e inequívoco aire español. Esta es la historia de Los Brincos, el mejor grupo pop español de los sesenta, pero también de sus múltiples historias vividas: grabaciones, actuaciones y sus éxitos, desde el punto de vista de los propios músicos, junto con la copiosa hemeroteca disponible. Los Brincos forman parte de nuestro imaginario colectivo cultural pues con ellos arrancó la música moderna, liderando con autoridad aquella primera edad de oro del pop-rock nacional.
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La historia de la legendaria banda neoyorkina, una de las más espectaculares y glamurosas del mundo del rock, con motivo de su 50 aniversario y su retirada de los escenarios.Estadios repletos a rebosar, sangre, fuego y pirotecnia en el escenario, maquillajes memorables, botas con plataforma, personajes de cómic de Marvel... El reconocido crítico de rock Martin Popoff analiza en este gran homenaje la carrera de una de las más grandes leyendas del rock a través de cincuenta de sus acontecimientos más relevantes. Se examina así con detalle los orígenes de la formación de la banda en Nueva York hasta las cumbres de su jerarquía en el rock, sus álbumes, sus canciones más emblemáticas -auténticos himnos- así como multitud de historias de la banda más grande del rock 'n' roll. Popoff sigue a KISS a través de su música, su evolución musical, los diferentes cambios y miembros de su formación, sus extraordinarios conciertos, sus disputas internas y mucho más. Además, va acompañado de entrevistas que el mismo Popoff ha mantenido con los propios protagonistas y personajes clave en su historia, y está repleto de fotografías emocionantes tanto dentro como fuera de los escenarios. También ofrece una mirada detallada a toda su discografía y un desplegable con la línea temporal de su legendaria trayectoria. El resultado es un tributo espectacular a estos innovadores del rock 'n' roll que han cambiado la historia de la música rock para siempre.
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Con prólogo del mismo Albert Pla, ''Todo es mentira''relata la brillante, ajetreada y controvertida trayectoria del cantactor' que ha escrito una página dorada en la historia de la música popular. Original, polémico, reivindicado, criticado, inocente, ind
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Los tesoros de U2 es un homenaje a la imperecedera creatividad de la banda y a sus increíbles logros. Escrita por Brian Boyd, destacado periodista musical y estrecho colaborador de la banda, esta exclusiva recopilación contiene un libro ilustrado que documenta detalladamente y con autoridad la increíble carrera de U2.
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Seis años, diez meses y dieciséis días después, Bruce Springsteen & The E Street Band se reencontraba con Barcelona. Fue en la primavera de 2023. Un año más tarde, con el recuerdo aún fresco y muy vivo, repetía visita a la ciudad. Aprovechando la coyuntura, también hacía parada en Madrid, actuando durante tres noches. Así pues, este libro cuenta, a través de once testimonios periodísticos y gráficos con mirada propia, los pormenores de esa gira 2023-24. ¿En qué momento llegaban? ¿Cómo había sido el viaje hasta llegar ahí? ¿Les iba a dar la energía y la condición física para estar más de tres horas sobre el escenario tocando rock n’ roll? Y, a todo esto, ¿por qué Bruce Springsteen es un referente vital y musical para tanta gente? ¿Qué valores transmite y qué legado deja el músico de Nueva Jersey? Con todas estas preguntas y un disco como Letter To You como excusa narrativa para salir de nuevo a la carretera, hay el convencimiento de que -una vez más- la experiencia con Bruce y los suyos fue mágica e inolvidable. Y, sobre todo, constatar de nuevo que la conexión con su público vence a cualquier marea y circunstancia. Ese es su gran qué, el gran secreto del Boss. Y en estas páginas, lo vamos a desentrañar y a descubrir. Con sonrisa pícara, un sentido analítico y emocional, y la electricidad propia e innegociable del escuadrón de la calle E. Porque, cuando la música toca, las almas se encuentran. Por eso siempre volvemos a él: Bruce Springsteen ha sido, es y será uno de los nuestros.
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El Candela abrió sus puertas en octubre de 1982, en el corazón de Lavapiés. Era un tiempo en el que Madrid y toda España se agitaban al ritmo de sonidos musicales, sociales y políticos muy diversos. A lo largo de casi cuarenta años, el local cobijó durante noches interminables a la práctica totalidad de los artistas flamencos, con el cantaor Enrique Morente como prócer, pero también con la presencia habitual de Paco de Lucía, Camarón y muchos otros. Estas páginas narran la historia de aquel mítico lugar hasta su cierre en 2022, con dos etapas marcadas por el punto de inflexión que supuso la muerte del fundador Miguel Aguilera en 2008. A partir de entrevistas con varias personalidades del mundo flamenco -Pablo Tortosa, La Tati, Antonio Benamargo, Israel Fernández, Josemi Carmona, Antonia Jiménez, etcétera-, Jacobo Rivero construye un relato coral que refleja la efervescencia social y cultural del Madrid de esos años y, en particular, de Lavapiés y el Rastro, cuyas calles han acogido a los más virtuosos talentos del arte jondo. Partiendo de la mirada particular del flamenco, este relato trasciende la mera historia del Candela para reivindicar la memoria de un barrio y una ciudad atravesados en sus entrañas por una irrepetible tensión creativa, en un momento de incierta transformación a todos los niveles.
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Una recopilación de los 100 álbumes más vendidos de la década de 1990 en base a figuras de la industria discográfica. Cada álbum aparece con su respectiva carátula. Lista completa de canciones, integrantes y colaboradores y créditos de producción
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Una recopilación de los 100 álbumes más vendidos de la década de 1960 en base a figuras de la industria discográfica. Cada álbum aparece con su respectiva carátula. Lista completa de canciones, integrantes y colaboradores y créditos de producción
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La imagen de la música griega antigua ha estado siempre presente en la música occidental pero, ¿cómo era en realidad?, ¿qué papel representaba en esa sociedad?, ¿cómo cambió a lo largo del tiempo?. Sabemos que los mitos, en ocasiones, nos permiten asomarnos a los orígenes del pensamiento de una cultura, pues bien, ¿qué nos muestran las historias de Apolo y Marsias, deOrfeo y Eurídice, del origen de las Musas, sobre la evolución de la música en la antigua Grecia? Éstas y muchas otras son las preguntas a las que nos acerca este libro, indagando tanto en las fuentes literarias griegas como en los trabajos de investigación sobre ellas. Quizá no encontremos las respuestas en él, perosí nos permitirá reflexionar sobre un fenómeno cultural que ha marcado la senda de nuestro devenir musical.
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El títol del llibre en suggereix el to: una introducció amable per endinsar-se en la personalitat humana i artística del músic que representa el Noucentisme català, tant per a neòfits com per a coneixedors del tema. Primera notícia, també, perquè es tracta de la primeríssima biografia del mestre Toldrà, publicada un any després de la seva mort per Eugeni Molero i Pujós, aleshores un jove periodista de només dinou anys. El text aporta dades inèdites, de primera mà, tractades de forma detallada i rigorosa, però amb un to poètic irresistible i entranyable. És només amb un amor vertader cap a l'home que es pot escriure el retrat del gran artista Toldrà.
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Una cartografía tan detallada como contextualizada de los grupos e intérpretes que han marcado las últimas décadas de nuestro rock.Un bestiario. Así le gusta definir a su autor este ensayo sobre la historia del rock en el Estado español entre 1991 y 2021. Pero este no es un bestiario de animales míticos y fabulosos. Sus protagonistas existieron y fueron muy reales, por mucho que una gran mayoría no dejase rastro en los medios de comunicación. De eso va este libro. De devolver a la luz una música y a sus protagonistas.El inicio del periodo señalado lo marca el nacimiento del rock alternativo y su cierre apunta tanto a la pandemia del coronavirus como a la irrupción de nuevas músicas urbanas (reggaetón y trap) que darían carpetazo al tiempo anterior. Durante esas décadas se vivió en el Estado un momento dulce para una música hecha de abajo arriba, antisistema y contestataria. Sus artistas a menudo pelearon contra el marco musical imperante, identificado a veces con la Movida y que hoy señalaríamos como Cultura de la Transición. Piedra contra tijera buceará ahí para cartografiar el heterogéneo conjunto de movimientos que se asoció durante ese tiempo al rock. Realizará su labor con esmero, intentando combinar exhaustividad y profundidad con ánimo pedagógico y regocijo en la escritura. Es el manual de trabajo de un apasionado del rock y la política, un libro de historia que mira de frente a su tiempo y toma la palabra con atrevimiento. Un libro que no pretende cerrar un conocimiento, sino mostrar los poliédricos caminos de lo cultural y lo social e invitar a recorrer nuevas sendas colectivas.
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Billie Holiday, Janis Joplin y Amy Winehouse, tres vidas unidas por el éxito y la tragediaEn este libro, más allá de la realidad histórica, aunque sin traicionarla, un joven músico que conoció a Billie Holiday, a Janis Joplin y a Amy Winehouse, relata momentos de la vida de estas tres extraordinarias mujeres.- Tres vidas y una misma senda: Billie Holiday y John Levy, un mafioso y maltratador confidente de la policía, Janis Joplin, maltratada por hombres que no estaban a su altura, la turbulenta relación entre Amy Winehouse y Blake Fielder-Civil.- Conciertos memorables: Janis en Monterey, Amy en Glastonbury y en Rock in Rio.- Tres canciones que muestran su desgarro en el blues: Amy y «Back to Black», Janis y «Cry Baby», Billie y «I’ll Be Seeing You».- Drogas y alcohol en cada uno de los episodios trágicos que acabaron con sus vidas.Billie en Nueva York, Janis en Los Ángeles, Amy en Londres se enlazan en sus emociones, carencias sentimentales, y también en sus excesos.Una propuesta original en la que tres mujeres nacidas en distintas épocas triunfan con el mismo estilo y desaparecen en circunstancias muy parecidas.Billie, Janis y Amy, artistas inmortales con un recorrido vital casi idéntico. Los porqués de su trayectoria.
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¿Qué tienen en común PJ Harvey y The Who? ¿Johnny Thunders y James Brown? ¿Paco Ibáñez y los Sex Pistols? ¿Michael Jackson y Neil Young? ¿Jerry Lee Lewis y Joana Serrat? Todos ellos y muchos otros son diseccionados en este libro a través del punto de vista privilegiado de un espectador de conciertos abierto de miras y atento a cada detalle. Con unos conocimientos adquiridos de primera mano tanto al pie como encima de los escenarios, Ricky Gil nos regala un verdadero festín de música en directo en todas sus vertientes: salas históricas, grandes estadios y locales de mala muerte, capitales mundiales de la música y pueblos perdidos, jóvenes estrellas en el momento cumbre de sus carreras y artistas en decadencia, pero con el orgullo intacto para ofrecer un espectáculo siempre digno. Una historia del rock en 64+1 conciertos que abarca un periodo de cuatro décadas, una crónica llena de momentos irrepetibles protagonizados por los grandes pioneros del blues, el rock & roll, el punk, el country, el soul o el power-pop, figuras que dejaron una huella imborrable y una avalancha de anécdotas que aquí se describen en primera persona, ilustrada con fotos nunca publicadas anteriormente, carteles, entradas y todo tipo de material gráfico. El autor del libro estuvo allí. ¿Vosotros también?
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Este manual es el primer programa didáctico completo escrito en castellano que aborda con profundidad y rigor todas las áreas de la industria musical. Estructurado en dos volúmenes complementarios y con la colaboración de más de una treintena de especialistas del sector, ofrece una visión transversal, actualizada y didáctica de uno de los sectores más dinámicos, complejos y apasionantes del ecosistema cultural y creativo.La caja incluye además una colección de infografías en una carpeta aparte que recorren la historia de la industria musical de forma gráfica.A través de 35 capítulos organizados en seis bloques temáticos, el manual analiza tanto los pilares fundamentales —como la figura del artista, los derechos, el marketing o las fuentes de financiación— como los grandes retos contemporáneos —desde la salud mental y la innovación tecnológica hasta la sostenibilidad y el impacto del Big Data—. En sus páginas se exploran también las realidades específicas de la música grabada, la edición musical y la música en directo, con especial atención al marco legal, las audiencias, la producción y los modelos de negocio del futuro.Con un enfoque pedagógico pero accesible, cada capítulo está acompañado de gráficos, imágenes y recursos visuales que facilitan la comprensión lectora, convirtiendo esta obra en una herramienta esencial tanto para quienes se inician en el sector como para profesionales que deseen actualizar conocimientos.Nacido del espíritu colaborativo y del respeto por quienes hacen posible la música, este manual se proyecta como semilla para desarrollos futuros, consolidando un punto de partida sólido para la profesionalización, vertebración e internacionalización del sector musical en el ámbito hispanohablante.
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La música ha sido una herramienta habitual en la política exterior de los Estados para mejorar su imagen internacional desplazando melodías, artistas, agrupaciones e instrumentos que representaban simbólicamente la nación y que permitían alcanzar a la ciudadanía de otro país. Esta acción exterior ha sido denominada diplomacia musical. Estados Unidos y el jazz, la Unión Soviética y el Ballet Bolshói o Corea del Sur y el K-pop son prototipos conocidos de esta acción exterior, pero existen otros ejemplos en los que los géneros musicales, los avances culturales, las relaciones internacionales y las transformaciones políticas convergieron en un mismo momento, como fueron los casos de Reino Unido y España. Las características de la diplomacia musical británica y española en la segunda mitad del siglo xx sufrieron una importante modificación en consonancia con los cambios políticos internos y los reajustes de las prioridades exteriores. El análisis de las acciones musicales desarrolladas de forma bilateral entre ambos países permite esclarecer los géneros musicales proyectados internacionalmente, la influencia del estado de las relaciones bilaterales en la calidad y la cantidad de las iniciativas y la confluencia de factores internos y externos para la formulación de la diplomacia musical de cada país.
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«Un libro que sitúa las cosas en su sitio: más allá del éxito internacional y de los logros musicales, la verdadera singularidad de Joaquín Sabina es literaria. Su importancia en nuestra historia cultural se percibe tanto en los magníficos versos que ha leído y escrito como en los muchos que ha inspirado». José María Micó «Joaquín Sabina no ha hecho otra cosa a lo largo de su vida que escribir poemas, con el dato curioso de que ha acabado cantándolos en plazas de toros y en estadios de fútbol». Felipe Benítez Reyes «Pablo Núñez demuestra en este disfrutable volumen cómo Sabina ha sabido tocar, con descarada inteligencia, todos los acordes del concepto literatura». Francisca Noguerol Una rigurosa y sorprendente aproximación al lugar de Sabina en la literatura española contemporánea. Pablo Núñez Díaz (Langreo, 1980) es profesor de Literatura Española en la Universidad de Oviedo y profesor-tutor en la UNED. Entre sus trabajos más recientes se encuentran una nueva edición de El reino blanco (2024), de Luis Alberto de Cuenca, y la antología La poesía de los tangos (2024). En cuanto a su faceta creadora, es autor de los libros de poemas Lo que dejan los días (2014) y Tus pasos en la niebla (2020). Codirige la revista Anáfora. Creación y Crítica. Joaquín Sabina (Úbeda, 1949) es uno de los grandes nombres de la canción de autor del mundo de habla española. Su discografía incluye 18 álbumes de estudio -dos de ellos firmados conjuntamente con Fito Páez y con Joan Manuel Serrat- y siete discos en directo -uno como integrante de La Mandrágora, otro con Viceversa, dos con Serrat y tres en solitario-. En cuanto a sus libros, ha publicado dos volúmenes que están a medio camino entre el cancionero y el poemario, Memoria del exilio (1976) y De lo cantado y sus márgenes (1986), así como la recopilación ilustrada de sus canciones, Con buena letra (2002, edición más reciente, 2010). También es autor de los libros de poemas Ciento volando de catorce (2001), Esta boca es mía (2010) (que reúne y amplía dos títulos previos), El grito en el suelo (2013) y En román paladino (2018), y de A vuelta de correo (2007), que recopila su correspondencia en verso con distintos escritores. Además, su dedicación al dibujo ha dado como fruto los libros de artista Garagatos (2016) y Garagatos Bis (2021). Entre las numerosas distinciones que ha recibido, se encuentran el Grammy Latino a la Excelencia Musical y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
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En los anales del rock and roll ha habido muchos personajes extraños, pero probablemente nadie tan extravagante como Screamin' Jay Hawkins, y esta es su historia. Conocido, principalmente, por aparecer con una calavera y un hueso en la nariz cantando I Put A Spell On You, encarnó como ningún otro artista a ese estereotipo del hombre negro sexualmente insaciable, empoderado por el vudú y temido por la América de los cincuenta. Pero, ¿quién fue realmente Screamin’ Jay Hawkins? ¿Un loco con un ataúd en el escenario o un genio incomprendido? En esta biografía, Steve Bergsman nos lleva de la mano por los excesos, encantos y oscuridades del primer gran showman del rock y símbolo de la performatividad afroamericana, personaje clave para entender el nacimiento del shock rock y sus implicaciones raciales. A pesar de su marginalidad en la industria musical tradicional, su influencia es evidente en generaciones posteriores que han jugado con lo grotesco y lo performativo como un modo de expresión artística y política. Sin duda, una figura adelantada a su tiempo, polémica, extravagante y absolutamente fascinante.
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Carlos Marín: una voz eterna, un legado inolvidable.Uno de los cantantes españoles más brillantes de este siglo, Carlos Marín alcanzó renombre internacional como componente de Il Divo, cuarteto de crossover con el que vendió más de 30 millones de discos en todo el mundo y recorrió con ambiciosas giras los cinco continentes. Pero fue mucho más: un prominente artista de ópera, zarzuela y musicales que destacó también por discos y conciertos en solitario. Fallecido inesperadamente el 19 de diciembre de 2021, con solo 53 años, su recuerdo se mantiene imborrable en cada rincón del planeta donde apreciaron su enorme talento. A través de entrevistas a miembros de su familia, su exesposa (Geraldine Larrosa, conocida en la música como Innocence), el magnate Simon Cowell, fundador de Il Divo, y personas que fueron importantes en su carrera, este volumen repasa con minucioso detalle desde sus inicios como intérprete infantil a su gloriosa etapa en el grupo que le brindó fama global, e indaga en su parcela personal: su infancia en Alemania, donde nació, su singular historia de amor con Larrosa, su noviazgo con la actriz india Kim Sharma, su relación con otros grandes de la música como Barbra Streisand, Céline Dion o Julio Iglesias, y sus últimos días de vida casi minuto a minuto.
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'Nosotros, los artistas, somos la gente capaz de cambiar la estructura molecular del corazón y de la cabeza de quienes habitan este planeta''. Más que unas memorias, un testimonio visceral. Sin protección es un libro honesto, divertido y desgarrador. Todo empieza en Pittsburgh, donde un joven Billy canta en el coro góspel de su iglesia y va a terapia desde los cinco años para «corregir» su afeminamiento. Acosado en la escuela y abusado por su padrastro, Porter se aferra a su talento excepcional y, con el apoyo de algunos «ángeles» que encuentra por el camino, logra convertirse en el artista galardonado de Broadway y Hollywood que se pasea por la alfombra roja, con sus looks espectaculares que rompen todos los moldes. Un relato poderoso que nos habla de raza, sexualidad, trauma y la capacidad el arte para sanar.
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Este manual es el primer programa didáctico completo escrito en castellano que aborda con profundidad y rigor todas las áreas de la industria musical. Estructurado en dos volúmenes complementarios y con la colaboración de más de una treintena de especialistas del sector, ofrece una visión transversal, actualizada y didáctica de uno de los sectores más dinámicos, complejos y apasionantes del ecosistema cultural y creativo.El primer volumen se estrucura en 21 capítulos organizados en tres bloques temáticos, donde analiza aspectos relacionados con la música —como su desarrollo tecnológico, su impacto económico o los agentes que forman parte de la industria—, el artista o los aspectos clave de la música hoy y mañana.Con un enfoque pedagógico pero accesible, cada capítulo está acompañado de gráficos, imágenes y recursos visuales que facilitan la comprensión lectora, convirtiendo esta obra en una herramienta esencial tanto para quienes se inician en el sector como para profesionales que deseen actualizar conocimientos.Nacido del espíritu colaborativo y del respeto por quienes hacen posible la música, este manual se proyecta como semilla para desarrollos futuros, consolidando un punto de partida sólido para la profesionalización, vertebración e internacionalización del sector musical en el ámbito hispanohablante.
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Este disco abanderó la corriente más gamberra del pop y el punk de los primeros años 80, con un descacharrante sentido del humor, delirante ironía, incorrección intelectual y una completa libertad artística.Alentados por el espíritu del punk, los insurgentes Siniestro Total sorprendieron en 1982 con ¿Cuándo se come aquí?, su revolucionario primer elepé. Por entonces, pocos podían imaginar que la banda de Vigo lograría alcanzar las cuatro décadas de existencia reinventándose en diversas formaciones y manteniendo su vocación transgresora primigenia. Aquel disco abanderó la corriente más gamberra del pop español de los primeros años ochenta, con un descacharrante sentido del humor y una delirante ironía fruto de su incorrección intelectual y una completa libertad artística. Así alumbraron un álbum absolutamente rompedor y delirante que sorprendió a todos los que lo escucharon y se convirtió en uno de los primeros superventas de DRO, pequeño sello referente de la independencia, ayudando a consolidar la nueva escena pop y rock española en tiempos de «movidas».En ¿Cuándo se come aquí? El gran golpe de Siniestro Total, Sara Morales, a modo de historia oral, recrea con detalle el nacimiento de la banda y la gestación, grabación y desarrollo comercial de tan libérrimo disco. Para ello cuenta con los supervivientes de aquella primera formación, Julián Hernández, Alberto Torrado y Miguel Costas, y recupera declaraciones del malogrado Germán Coppini, además de las voces de su entorno de entonces: Servando Carballar, Óscar Mariné, Paco Trinidad, Jesús Ordovás, Diego A. Manrique, Javier Soto, Antón Reixa, Teo Cardalda, Pablo Novoa… Con todos esos testimonios como hilo conductor, la autora construye un magnífico y adictivo relato sobre una de las obras esenciales del rock español de todos los tiempos.
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A finales de los años 70, algo se estaba fraguando en la ciudad universitaria de Athens (Georgia), donde empezó a emerger un sustrato de jóvenes con inquietudes artísticas que no tardarían en formar grupos de rock. De este entorno surgieron The B-52's o Pylon, y poco después una de las bandas que alcanzaría el cénit del rock: R.E.M. Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (bajo) y Bill Berry (batería) tomarían las riendas de los precursores, pero llegarían mucho más lejos. Tras los inicios en el sello independiente I.R.S., donde publicaron algunos singles y álbumes que forjaron una comunidad de fans acérrimos, ficharon por Warner, multinacional para la que grabaron discos fundamentales como ''Green'', ''Out of Time'' y ''Automatic for the People'', y temas como ''Losing My Religion'' o ''Shiny Happy People'', entre muchos otros hits, que vendieron millones de copias en todo el mundo. Pero, a pesar del éxito, R.E.M. consiguieron mantenerse a flote entre el vendaval de la fama y las interminables y multitudinarias giras, y preservar una libertad creativa que forjó canciones memorables y los encumbró como uno de los grandes grupos de rock de los últimos tiempos. Esta es su historia.
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ENTRE EL CIELO Y EL SUELO UN DISCO PARA UNA DÉCADA, donde a través del disco de Mecano, el autor recrea un retrato de la sociedad española del segundo lustro ochentero haciendo incidencia en la realidad de estos años, desmontando por completo esa falacia de que fueron años ''con más libertad''.
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Componer bajo el régimen de Stalin no fue fácil. Los músicos tuvieron que someterse a la línea ideológica del partido. Músicos de la altura de Shostakóvich y Prokófiev eintérpretes de fama internacional como Rostropóvich, Richter, Oistrakh, Kogan y Yúdin
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