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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Que me parta un rayo no es solo uno de los mejores discos de rock en castellano de todos los tiempos. Con él, Christina Rosenvinge abrió un camino que hasta entonces transitaban muy pocas mujeres, sin aspavientos pero con valentía, y sin pedirle ni deberle nada a nadie.El álbum conoció el éxito y cautivó a oyentes de toda condición en España y, al mismo tiempo, fue una obra de referencia, de libertad y de esperanza para cientos de miles de muchachas en Latinoa mérica, a las que ayudó a comprender que había otras vidas posibles.Con Que me parta un rayo, Christina Rosenvinge dio un giro radical a su carrera, buscando su propia voz e identidad artística, pero ocurrió algo más: se destapó también como una inmensa compositora, des lumbrante tanto en unas cuidadas, personales y narrativas letras como al imaginar melodías arrebatadoras. Para poner en pie el disco, recurrió al grupo de directo de Joaquín Sabina (Antonio García de Diego, Pancho Varona, Jaime Asúa), rebautiza para la ocasión como Los Subterraneos.
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Un volumen colectivo que profundiza en la figura de Ocaña, uno de los artistas más admirados, libres y transgresores de los años de la Transición.¿Qué tiene la figura de José Pérez Ocaña que, cuarenta años después de su muerte, sigue despertando admiración? Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es un volumen colectivo coordinado por Carlos Barea que trata de responder a esta pregunta a través de una mirada multidisciplinar a la vida y la obra de uno de los artistas más destacados de la contracultura catalana de finales de los años setenta y principios de los ochenta.Con la intención de arrojar algo de luz sobre un personaje del que mucho se ha dicho pero poco se ha escrito, el libro reúne a un gran plantel de autoras y autores que se han encargado de investigar su trabajo y todo aquello que rodeó su figura: desde su sexilio casi forzado a su obsesión por el imaginario religioso en sus pinturas o performances, pasando por un análisis del contexto artístico-cultural en el que se desenvolvió.Además de textos de personas tan cercanas a Ocaña como el director de cine Ventura Pons, su amigo íntimo Nazario o una entrevista a su hermano mellizo, se incluyen dos documentos inéditos: un relato biográfico firmado por el propio artista y una carta de su puño y letra que escribió a Felipe de Paco.Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es, en definitiva, un libro que pretende desentrañar el misterio de un artista absolutamente libre que se marchó vestido de sol y cuyo resplandor ha llegado hasta nuestros días.
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George Michael ha sido el mayor superviviente del pop, el artista más escuchado en la radio británica durante los últimos 35 años y la superestrella detrás del legendario álbum y gira Faith de los años ochenta. Un músico con gran credibilidad internacional y un imán para los desastres, cuyos escándalos en serie nunca parecieron hacer mella en su reputación profesional.Este libro es la historia de dos vidas extraordinarias, revelando la compleja relación entre Georgios Kyriacos Panayiotou, ese chico anglo-griego nacido en el norte Londres, obligado a ocultar su homosexualidad durante el fenómeno Wham! antes de convertirse en una superestrella mundial, y George Michael: el artista que vendió más de 100 millones de discos en todo el mundo y ganó premios como el American Music Awards o dos Grammy de ocho nominaciones.Basándose en testimonios de primera mano como la de Rob Kahane mánager de Michael, Simon Napier-Bell mánager de Wham!, o la de periodistas que formaron parte de su círculo social en la década de 1980, Careless Whispers detalla cada paso
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Las melodías grabadas a fuego en nuestra memoria¿Qué sorprendente vínculo existe entre determinadas historias y algunas canciones y artistas muy populares como «Losing my Religion» de R.E.M. y el Nobel Gabriel García Márquez? ¿Y entre «A Hard Rain’s A-Gonna Fall» de Bob Dylan y la crisis de los misiles de Cuba en 1962 o entre el tema «Lover, Lover, Lover» de Leonard Cohen y la guerra del Yom Kippur? Este libro podría considerarse casi un diario generacional que atraviesa los grandes cambios de todo tipo acontecidos en los últimos tiempos. La autora da voz y nos guía para acceder a estas controversias y pulsiones que la mayoría de nosotros hemos sentido, sufrido y gozado en nuestras vidas.
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El presente libro propone al lector un absorbente grand tour por los grandes centros musicales de la Europa del siglo XVIII, de Nápoles a Londres, pasando porBerlín, Viena, Praga y San Petersburgo, con una incursión en el Nuevo Mundo colonial. Con el telón de fondo de una Europa dividida entre un espacio católico yotro protestante, el autor muestra cómo se desarrollaron y mezclaron los estilos «galante» y «culto». Además de considerar en profundidad la obra de Mozart, Haydn y el primer Beethoven, amplía el foco de su análisis para poner de relieve las contribuciones de figuras menos conocidas, pero sin duda relevantes, como Johann Adam Hiller, François-André Philidor o Anna Bon.
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Esta obra es imprescindible por la cantidad ingente de nuevos datos que ofrece para la comprensión del cante, el toque y el baile jondo en su contexto histórico. Pero también por lo novedoso de su enfoque: en ella se pone de manifiesto que el flamenco es una evolución de los cantos y bailes nacionales y de palillos de finales del siglo XVIII y principios del XIX. También aporta la hipótesis, completamente novedosa, de que los bailes boleros y la hoy llamada Escuela Bolerason géneros distintos, tanto en lo cronológico como en el repertorio y la estética. Muestra los hechos flamencos en su entorno estético, social y político y, por vez primera, se dan las claves para una comprensión de la danza española como un solo género: los bailes flamencos, en su dimensión escénica, se presentan como una evolución de las danzas tradicionales hispanas, resolviendo, de esta manera, el cisma que desde hace décadas imperaba en la historia de la danza española. AUTOR Juan Vergillos (Madrid, 1969). Doctor en Filología y Licenciado en Filosofía por la Universidadde Granada. Ha escrito y dirigido espectáculos para las compañías de Andrés Marín, La Choni, Fran Velascoy Rocío Márquez. Creador y director del Festival Vaivenes Flamencos-Riberas del Guadaíra. Ha obtenido el Premio Nacional de la Cátedra de Flamencología de Jerez y el Premio Anselmo Climent de ensayo flamenco. Esprofesor del Máster de Flamenco de la Universidad deCádiz. Ha ofrecido talleres, conferencias y espectáculos en universidades, conservatorios, teatros, festivales y colegios de Europa, Asia y América. Ha publicado los libros Una especulación en torno a la estéticadel flamenco, 1999, Los cuadernos perdidos de Antonio Catena, 2001, Conocer el flamenco, 2002, Las rutasdel flamenco en Andalucía, 2006 y Manuel Vallejo, 2012. Ejerce la crítica flamenca en el Diario de Sevillay en el Grupo Joly.
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Hacía falta que alguien desmontase la visión academicista de la historia convencional, centrada en cuestiones estilísticas, y prestase atención al papel que la música tiene en la vida cotidiana de la gente común. Ted Gioia replantea miles de años de hi
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El ocultismo, las artes adivinatorias, las sectas, la magia y los rituales satánicos han impregnado el mundo del rock?n?roll a través de sus canciones, sus conciertos y buena parte de la estética que rodea su vestuario y sus conciertos. Entre los años sesenta y la actualidad muchas bandas y muchos músicos se han sentido atraídos por unas formas y unos planteamientos cercanos a los ritos paganos y a la brujería que aplicaron a su vida personal y profesional. Mientras que algunos artistas profundizaron en los estudios de lo oculto, otros se subieron al carro para crear polémica y vender más discos. Este libro es un particular paseo por lo prohibido de aquellos músicos que se han inclinado por una estética y unas propuestas transgresoras, cercanas en ocasiones al paganismo de las antiguas religiones, al satanismo y las artes ocultas.
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Lola Flores, Sara Montiel, Imperio Argentina o Marifé de Triana destaparon el folclore, llevando a nuestros hogares el discurso de género oculto en las letras de sus canciones. Este análisis, minucioso y emotivo, explora la presencia constante, a menudo subyacente, de la diversidad sexual en la historia de la copla desde los albores de la civilización fenicia hasta la actualidad. Desde los primeros compases, La copla queer profundiza en la ideología de género en la música popular, destacando figuras emblemáticas como Miguel De Molina, apodado ''la Miguela'', Rafael de León o Lorca, quienes abordaron la expresión de la homosexualidad en sus creaciones, marcando un hito significativo en su aceptación y visibilidad en la esfera cultural. La copla, saturada de guiños LGTBI, sirve como terreno de exploración a través de intérpretes como Lola Flores o Rocío Jurado, quienes no solo fueron iconos nacionales, sino también firmes defensoras de la diversidad sexual y del discurso de identidad, desafiando estereotipos y allanando el camino hacia la aceptación. Estas páginas destacan cómo la música ha sido un poderoso medio de expresión para la diversidad de género, a través de temas que surgieron en un momento de efervescencia y conectaron con un espectro sexual y social muy amplio. Las letras de estas canciones se revelan como un catalizador para el cambio, la tolerancia y la aceptación del discurso de identidad en todas sus formas y manifestaciones... Para queerer unos «ojos verdes», con sexo pero sin condición. «Carmen Moreno es una persona plena y una autora total. Con la inevitable complejidad de la sencillez». Juan José Téllez, escritor y periodista.
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Dos décadas después de quélos Sex Pistols y los Ramones dieran nacimiento a la música punk, sus herederos artísticos irrumpieron en escena y cambiaron el género para siempre. Mientras quéla fama délos inventores del punk circulaba a un nivel casi clandestino con ventas regularmente bajas, sus herederos hicieron estallar todas las expectativas comerciales del género. Son muchos los libros, artículos y documentales que han centrado su interés en el nacimiento y auge del punk délos 70, pero pocos han dedíado un tiempo considerable a su resurgir durantélos 90.Smash! es el primero quélo hace, con el relato detallado délas circunstancias del cambio en la cultura musical délos 90 desde el grunge. Gracias a su fabuloso acceso a los protagonistas clave del momento, incluyendo a los mismos miembros de Green Day, Offspring, NOFX, Bad Religion, y muchos otros, el celebrado crítico musical Ian Winwood nos brinda por fin la historia, trascendental y absorbente que merecen.
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Este libro aborda el estudio de los instrumentos de viento madera como la flauta, oboe, clarinete, fagot, saxofón, etc., desde laperspectiva de la efectividad, para que cada instrumentista sea capaz de aprovechar al máximo todo el tiempo que invie
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Seis años le ha llevado a José Luis Ortiz Nuevo reconstruir la vida de Enrique Morente durante el periodo (1969-1976) de su consolidación como cantaor bajo el convencimiento de que el flamenco debía buscar nuevas perspectivas desde la tradición y abrirse a otros caminos. «El cante no puede quedarse monumentalizado, fosilizado, en la seguiriya de Manuel Torre. O crece o muere», escribía José G. Ladrón de Guevara al hilo de este Morente ya revolucionario que vislumbraba cantes en los versos de Miguel Hernández. Así, es el nacimiento de la arriesgada heterodoxia morentiana lo que se celebra en esta primera entrega de Libro de Morente, el reto más ambicioso de los enfrentados por el Poeta de Archidona, pues Ortiz Nuevo no solo se contenta aquí con documentar y ahuyentar de tópicos, mentiras y lugares comunes aquellos años irrepetibles de juventud compartida con el cantaor granadino. Igualmente, revoluciona sus anteriores memorias flamencas -en las que se dejara poseer por los recuerdos de Pepe el de la Matrona, Enrique el Cojo, Tía Anica...- abriendo su escrito a una sentida autobiografía en forma de diálogo con el amigo desaparecido antes de tiempo. Puede que, simplemente, porque ya no quede más «viejo superviviente» que él mismo, ni mejor manera de recordar que entablando conversación con lo que perdura y resiste.
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Elvis Presley es una figura de talla mundial de lacultura popular, un artista cuyo talento y fama sólofueron igualados por sus excesos y su trágico final.Con su deslumbrante voz, este ícono del siglo XX incorporó influencias del rhythm and blues y delfolk de raíces americanas para crear un tipo de música completamente nuevo y una nueva manera de expresar la sensibilidad masculina.En Ser Elvis. Una vida solitaria, el veterano periodista derock Ray Connolly ofrece una revisión de la carreradel cantante más famoso de la música popular, ubicándolo no sólo bajo las chillonas luces de neón de Las Vegas, donde concluyó su carrera, sino también en el contexto del sur de Estados Unidos, en los barrios pobres donde Elvis se creció y formó musicalmente asintiendo a conciertos clandestinos de blues, frecuentandoiglesias donde escuchaba góspel y aprendiendo a tocar la guitarra entre melodías de country y hillbilly.A través de entrevistas a músicos que lo conocieron personalmente, como John Lennon,Bob Dylan, B. B. King, Sam Phillips y Roy Orbison, entre muchos otros, Ray Connolly logra uno de los retratos más matizados y maduros escritos hasta el presente del fenómeno cultural que fue Elvis Presley.
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Alfonso Salazar presenta la evolución del tango, el bolero y la copla a través de las letras de las canciones, estableciendo la relación entre los tres géneros.El libro ofrece un panorama de las diferencias y las coincidencias de los géneros musicales aquí tratados, con un interés especial en la diferencia que se hace entre los géneros masculino y femenino: la masculinización de los cantantes de copla cuando utilizaban canciones cuya voz narradora era femenina, o cómo las cantantes de tango frecuentaban letras que no comprometiesen su voz cantora, su identidad de género que limitaba su repertorio o bien se veían o bien se veían abocadas a modificar sustantivos y adjetivos. De la misma manera, personas transgénero utilizaban la copla como una bandera de identidad, pues la folclórica seguía identificando a una mujer en vías de emancipación, como a ellas mismas les sucedía.En esa bifurcación de géneros, aparece el nosotros del bolero.
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Jazz
El jazz és la base de tota la música dels Estats Units. Va començar com una revolució rítmica a Nova Orleans, i després es va transformar en big band swing, bebop i rhythm and blues, mentre que les seves idees de groove i improvisació es van convertir en una part integral del soul i el rock, i després, del funk i del hip-hop. Aquest llibre se centra en el desenvolupament del jazz a les comunitats afroamericanes de cinc ciutats: Nova Orleans, Chicago, Kansas City, Nova York i Los Angeles -mitjançant una combinació d'estudis urbans, context històric i perfils clau de figures importants. També és una guia auditiva: les llistes de reproducció seleccionades il·luminen la interacció dinàmica de solo i so, blues i grooves, improvisació i swing en conjunt. Els mestres del jazz van ensenyar als músics del planeta com trobar les seves pròpies veus individuals, així com a arriscar, després, en una conversa dinàmica amb altres. El jazz és una història d'art, cultura, raça, llibertat, estètica, política, lluita i autoexpressió.
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Esta obra presenta un enfoque nuevo de la enseñanza de la música. Los autores examinan ideas docentes informadas por investigaciones, prácticas y enfoques diversos de laenseñanza de la música y presentan estrategias bien probadas para desarrollar la
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La música suena mejor cuando se escucha en medio de una multitud: ya sea bajo el cielo o en una tienda de campaña, en el campo o en un festival. La idea de congregarsepara escuchar música es tan antigua como la propia música. Los festivales forman par
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Armas para volar es un delicioso cancionero ilustrado que despliega el universo más personal, bello e íntimo de Dorian, grupo referente del indie español. Cuenta con prólogo del periodista y crítico musical Tomás Fernando Flores, director de Radio 3, y re
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El origen del Flamenco lo lleva escrito en su nombre. Y en el nombre de sus palos. Y en el nombre de las mujeres y hombres que lo han conservado en su garganta, en sus manos, en sus pies, en el alma. Porque las cosas existen cuando se nombran. Y sólo cuando se nombran existen. Desde la estrella más alejada del firmamento a la partícula más ínfima de la materia. Sólo lo ajeno al ser humano carece de nombre. Arqueolojía de lo jondo es una emocionante defensa de las raíces andalusíes, moriscas, gitanas y negras del Flamenco. Escrita con una elegante aleación de rigor y belleza, Antonio Manuel demuestra que en el origen de los nombres se halla el manantial de lo jondo del que han bebido generaciones enteras, cantando al dolor y a lo sagrado, en andaluz y de memoria. Mucho más que un libro sobre Flamenco, en él se desvela la historia clandestina de la península que el pueblo custodió en sus cantes, toques y bailes. Un libro Flamenco que atravesará el corazón y la razón de quien lo lea.
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Biografía artística, cultural y política de quien para muchos fue el mayor innovador de la música populardel siglo XX. Obra que supone el primer relato completo y cronológico en español de la vida y la obra delmítico músico norteamericano del que en 2023 se cumplirán treinta años de su fallecimiento. Ampliamente ilustrado, cuenta con un anexo discográfico y cinematográfico, además de una completa bibliografía actualizada y una playlist introductoria.
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En el transcurso de la historia, la música nos ha definido como especie. Sin embargo, es una parte ignorada del relato de nuestros orígenes. En busca de ese cosmos musical, este libro nos ofrece un viaje estimulante sobre la relación del ser humano con este arte. Una obra extraordinariamente tejida que abarca desde su evolución hasta los daños del colonialismo musical, pasando por un enfoque más científico sobre cómo responde el cerebro a la experiencia de músicos y aficionados. Una lectura para reflexionar sobre la importancia de la música y su presencia en nuestras vidas.
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En el quincuagésimo aniversario del mágico álbum de David Bowie, Aladdin Sane: 50 años es la celebración definitiva de una obra maestra de la música y de la fotografía más famosa de la historia del pop. Este libro histórico contiene cientos de fotografías, incluidas docenas de Bowie de la sesión de Aladdin Sane que nunca se habían visto hasta ahora. También incluye ensayos de renombrados expertos y autores como Paul Morley, Charles Shaar Murray, Nicholas Pegg, Kevin Cann, Jérôme Soligny y Geoffrey Marsh sobre el extraordinario álbum de Bowie y la historia que se esconde tras la famosa portada. Aladdin Sane: 50 años rinde homenaje a un álbum fundamental y a una imagen icónica, que vivirá para siempre en la historia del rock and roll, en un impresionante envoltorio diseñado por Barnbrook, estudio creativo que colabora con Bowie desde hace muchos años.
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Partituras para aficionados al piano.
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Els dies del Saurí
Els dies del Saurí, el quart treball de VerdCel, assoleix una calidesa plàstica i musical que fa ressorgir les emocions més íntimes. Les seues cançons parlen de la inestabilitat dels nostres projectes vitals, però alhora eleven un clam per la seua supervivència, a pesar del context en què vivim. Proclamen la recerca constant, com el saurí, per trobar allò que som, malgrat les crisis socials i personals. Amb una nova mirada, VerdCel ens parla del moment actual, un moment en el qual el degoteig de fora ressona en el nostre interior i és, al mateix temps, una remor de portes endins que pot canviar el nostre voltant. VerdCel ens ofereix una creació en què la pluja, exterior i interior, amara les vinyetes de la història gràfica i les cançons del disc. Les pàgines del còmic ens narren la degradació de les condicions laborals del protagonista. Parla de les relacions interpersonals, del rerefons humà que hi ha darrere de cada acomiadament i de les reaccions que tenim en temps de crisi. Viurem la humil lluita que manté el personatge, que sent com la seua vida es precipita sense fre. Però tot i l'ofec, l'acompanyem en el camí de poder agafar, almenys, una alenada d'aire fresc.
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Esta obra documenta uno de los fenómenos clave de la cultura contemporánea: la debacle de la industria musical tal y como la conocíamos, y la irrupción de la cultura digital, la piratería y los archivos de audio MP3. Stephen Witt construye un fascina
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El presente libro se ocupa de la creación musical en uno de los periodos más fértiles y populares de su historia, el que va del Congreso de Viena en 1815 a la irrupción de la modernidad en los años noventa del siglo. A lo largo de sus capítulos, el autor traza una compleja red de relaciones en las que están implicados compositores, intérpretes, editores, tradiciones orales, el público (o, mejor, los públicos), ciudades y naciones. Entre los temas a los que dedica especial atención se cuentan la implicación de la clase media en el ámbito musical, el rico pero esquivo concepto de Romanticismo, el culto al virtuosismo interpretativo y el equilibrio, en continua transformación, entre intereses musicales y comerciales. Todo ello pone de relieve, frente a visiones reduccionistas y simplificadoras, la naturaleza poliédrica y la riqueza de análisis de una época sin la que no podríamos entender el modo en que hoy concebimos la práctica y el consumo de música.
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El crítico musical Fernando Fraga ofrece en su nuevo libro no sólo la definitiva biografía de la soprano en español, sino un recorrido exhaustivo y apasionante por su carrera musical, los detalles de sus actuaciones y giras operísticas y conciertos,
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'Al cabo de tres semanas escasas, terminó su obra. La palabra se había hecho sonido. Se había cumplido el milagro de la voluntad en su alma ardiente, del mismo modo que se realizó antes en su cuerpo inválido: el milagro de la resurrección''.
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Suele decirse que el pop es la cultura popular de las sociedades contemporáneas, algo que, como mínimo, merece la pena examinar con un poco más de detalle, eludiendo las inercias que impone la teoría anglosajona. Esa es la tarea que se propone Hacia una teoría del pop, planteando, desde una visión crítica, una síntesis de los puntos fundamentales que ha tratado la reflexión académica y proponiendo una lectura alternativa del fenómeno de la música pop como lógica cultural dominante de nuestro presente. Se aúnan en este ensayo las reflexiones teóricas, con el imprescindible anclaje histórico, buscando establecer algunas líneas de demarcación que sirvan al lector para orientarse en el fenómeno cultural más apasionante de los discursos estéticos contemporáneos.
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En Free Play, Stephen Nachmanovitch propone una meditación magistral sobre cómo la improvisación se puede aplicar no solo al arte sino también a la vida y sobre cómo, al hacerlo, desbloquearemos nuestra creatividad.«¿Cómo se aprende a improvisar? ¿O, en todo caso, cómo se aprende cualquier arte? ¿O cualquier cosa? Es una contradicción, un oxímoron. Ve y dile a alguien: ''¡Sé espontáneo!''. O trata de que alguien te lo diga. Nos sometemos a maestros de música, de baile o de talleres literarios que pueden criticar o sugerir, pero lo que realmente nos piden es que ''seamos espontáneos'', que ''seamos creativos''. Y eso, por supuesto, es más fácil decirlo que hacerlo. ¿Cómo se aprende a improvisar? La única respuesta es otra pregunta: ¿Qué nos lo impide? La creación espontánea surge de lo más profundo de nuestro ser. Lo que tenemos que expresar ya está en nosotros, somos nosotros, de manera que la creatividad no es una cuestión de encontrar el material, sino de desbloquear los obstáculos para que fluya naturalmente.» -Stephen Nachmanovitch Si bien la espontaneidad y la inspiración pueden quedar bloqueadas, descarrilarse o ser eclipsadas por factores inevitables de la vida, Stephen Nachmanovitch apuesta por una fluidez de la energía creativa sin obstáculos, es decir, por el goce de hacer arte en todas sus variantes vitales. Basándose en ejemplos de las artes, las ciencias y las tradiciones espirituales de la humanidad, Free Play nos revela por qué creamos y lo que aprendemos cuando lo hacemos. Lleno de citas inusuales, anécdotas divertidas y metáforas originales, el autor nos guía para esclarecer cómo podemos liberar la inspiración de nuestro interior- y a la vez liberarnos a nosotros mismos- para hablar, cantar, escribir, pintar, bailar o jugar con nuestra verdadera voz. Sabia, generosa y atemporal, Free Play es una obra de referencia para personas de cualquier campo a la que podemos acudir una y otra vez en casos de necesidad creativa.
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Publicado originalmente en 1984, la presente colección de ensayos recoge algunas de las más jugosas contribuciones del gran director de orquesta NiKolaus Harnoncourt al pensamiento musical de nuestro tiempo.
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Bernstein es uno de los músicos más reconocibles y exitosos del siglo XX. A lo largo de cinco décadas de carrera dirigió a muchas de las mejores orquestas del mundo, y compuso musicales tan conocidos como 'West Side Story'. Tras treinta años de estudio,
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David Ritz nos ofrece el muy necesario contrapunto alas memorias de Aretha Franklin (inéditas también encastellano), echando mano de las fuentes que componían el círculo familiar de la artista, y contrastando cuanto compiló, al oficiar como negro, con los testimonios de quienes convivieron y trabajaron con Aretha.He aquí la biografía definitiva de una de las más excelsas y atormentadas voces de la música sacra y popular de la cultura estadounidense. Un apabullante inventario de las tribulaciones, aciertos, disfunciones, iluminaciones, ambiciones y despropósitos que jalonaron la azarosa existencia de la Reina del Soul. Un documento de época heroico, honesto, entrañable y sin censura.
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Puccini ha sido, es y seguirá siendo una de las figuras más populares en el mundo de la ópera. Y el autorde este libro, Julian Budden, ha sido uno de los másdestacados investigadores de la ópera italiana. La unión de ambos nombres dio como fruto la que muchos consideran la gran biografía sobre el compositor de Lucca. Con una hábil mezcla de análisis musical y relatocolorista, en sus distintos capítulos se ofrece una esclarecedora visión de algunas de los títulos más populares del repertorio operístico de todo los tiempos,como Manon Lescaut, La boheme, Tosca, Madama Butterfly o Turandot. Budden aborda con agudeza el proceso de elaboración de una ópera, en la figura de quien sepuede considerar que pone el punto final a la ópera italiana del siglo XIX. Así, en sus páginas el lectorasiste a la pugna por encontrar a los intérpretes adecuados para el estreno de La boheme, la angustia de Puccini por terminar Turandot o su animosidad hacia algunos coetáneos como Leoncavallo (a quien llamaba irónicamente Leonasino o «león-asno»). Asimismo, proporciona un informado análisis de las propias óperas, examinando la música acto a acto. Destaca, entre otras cuestiones, la influencia de Wagner en Puccini, el único entre sus ontemporáneos italianos en seguir el ejemplo del alemán a la hora de otorgar protagonismo almotivo musical, lo que algunas veces le permite dar voz a pensamientos no expresados por los cantantes, yotras emitir al público una señal de la que el personaje no es consciente. Y, por supuesto, también nos deja un fascinante e interesantísimo retrato del hombrePuccini: con talento pero modesto, una persona con amistades de toda clase y condición social: tenderos,sacerdotes, terratenientes acomodados, colegas artistas. Afable, cortés, dotado de un gran sentido del humor, rara vez dejó de encandilar a todos los que se encontraban con él.
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Esta Vida de Mozart, junto con las de Haydn y Metastasio, es la primera obra de Henri Beyle, publicada bajo el alambicado seudónimo de Louis Alexandre César Bombet (todavía no usaba el de Stendhal) en 1814. Los datos están extraídos de algunas biografías ya existentes pero aquí se encuentran realzados por un estilo que persigue sobre todo la claridad y la elegancia. En la Carta sobre Mozart que la complementa es donde aparece la personalidad de Stendhal como avezado diletante musical, con sus certeros análisis de las óperas más importantes. Muy lejos de las minuciosas investigaciones del siglo xx, estas páginas dibujan un retrato de Mozart como artista romántico, subrayando diferentes anécdotas sobre su extraordinaria capacidad musical, su virtuosismo pianístico, su personalidad extravagante y las circunstancias de su temprana muerte, sin olvidar el misterioso encargo del Requiem. La vida de un genio de la música escrita por un genio de la literatura. Stendhal, seudónimo de Henri Beyle (Grenoble, 1783-París, 1842) es uno de los grandes escritores franceses del XIX, autor de dos novelas fundamentales (sus lectores se dividen entre los que prefieren Rojo y negro y los que prefieren La cartuja de Parma). Biógrafo de emperadores (Napoleón) y de músicos (Haydn, Rossini), fue un enamorado de Italia (escribió sobre Roma, Nápoles y Florencia) y se reveló póstumamente como un maestro de los géneros del yo (su Diario, Recuerdos de egotismo, Vida de Henry Brulard). Fue un agudo analista de la psicología de sus personajes y, partiendo de sus diversas experiencias sentimentales, escribió un delicioso ensayo, Del amor. Vaticinó que su fama comenzaría hacia 1880.
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Todo lo que nunca se ha contado sobre Mari Trini Yo no soy esa que tú te imaginas nos acerca a una de las artistas más populares y quizá más enigmáticas de la música española, una cantautora inigualable que abrió caminos, en todos los sentidos, a las generaciones que la siguieron. Tras un largo proceso de investigación, esta biografía indaga en las facetas que, durante medio siglo, han alimentado la leyenda en torno a su figura: la singularidad de su aspecto, la enfermedad que marcó su infancia, la relación con Nicholas Ray -menos idílica y desinteresada de lo que aparentaba-, el pulso constante con una industria discográfica manejada por hombres o las razones del injusto ostracismo al que se vio sometida en sus últimos años de vida. Liberada de la falsa imagen que siempre la presentó como solitaria, arisca y triste, Mari Trini se nos muestra ahora como una mujer luchadora y valiente, empoderada, pertida y solidaria, capaz de vivir su sexualidad sin ocultarse, de plantar cara a la censura y al machismo, y de mantenerse siempre fiel a sus ideas. A medio camino entre la nostalgia y la reivindicación, este libro recupera la voz de una estrella, icono de los movimientos feministas y LGTBIQ+, que se apagó demasiado pronto en el olvido después de haber brillado con intensidad suficiente para iluminar nuestros días.«Cuando Mari Trini canta, ¡hasta Dios se levanta !» Gloria Fuertes «Me parece que, sin figuras como la de Mari Trini, sería difícil que yo, por ejemplo, existiera.» Rozalén
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