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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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El primer libro oficial de los hermanos Jackson que celebra el 50 aniversario del lanzamiento del primer single del grupo, «Big Boy». Una obra exhaustiva y definitiva que explicará la historia del grupo en sus propias palabras, junto a imágenes y fotografías de sus archivos familiares, incluyendo algunas de Katherine, su madre. «En cuanto los vi supe que eran un grupo mágico. Luego los llevé a California y acabaron viviendo conmigo... No me importaba el ruido. Cantábamos, tocábamos y ensayábamos. Nos lo pasábamos en grande. Jugábamos al baloncesto todas las semanas, los Jackson contra los Gordy, y éramos muy competitivos». Berry Gordy
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Escrita desde una perspectiva única y privilegiada: la de la periodista Susan Masino, quien ha seguido los pasos de la banda desde su primer concierto, en el ya lejano 1977, hasta la actualidad, tras el cuadragésimo aniversario del álbum Back In Black en julio de 2020. A lo largo de sus páginas, el texto desgrana un sinfín de anécdotas y detalles que ayudarán a comprender todas las vicisitudes por las que han pasado estos músicos, incluida la triste muerte de su primer vocalista, Bon Scott, que marca un punto de inflexión en la trayectoria del grupo. Y más recientemente la de su guitarrista, compositor y fundador, Malcolm Young. Esta es una edición actualizada con nuevos capítulos y entrevistas a músicos y amigos de AC/DC.
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Freddie Mercury es uno de los líderes más legendarios del rock. Con su gran carisma, su presencia en el escenario electrizante, su innegable atractivo sexual y su extraordinaria destreza vocal, Mercury fue un talento singular: como estrella del rock, como icono de la moda, como compositor o como provocador y fiestero. Este libro recorre de la A a la Z la extraordinaria carrera de Freddie Mercury, todo ello en un formato brillantemente ilustrado.
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Un abecedario ideal escrito por un gran pianista: sabio, agudo, esclarecedor y personal. El vademécum de Alfred Brendel es un libro maravilloso para los amantes del piano, para el músico y para el aficionado.
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Este es el relato de un tiempo y un lugar: el momento en el que el rock 'n' roll cobró vida y los caminos de leyendas como Buddy Holly y Bo Diddley se entrecruzaban en clubs y moteles desde Texas a Toronto, la época en la que los Beatles, Hendrix, los Stones y Warhol se movían por las mismas calles y las mismas habitaciones de hotel. Es la crónica de los emocionantes cambios que se produjeron a finales de los sesenta y principios de los setenta, cuando una generación cimentada en la música, el amor y la libertad alcanzó la mayoría de edad. Pero sobre todo, es la historia de la profunda amistad entre cinco jóvenes que, juntos, crearon un nuevo tipo de música.
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EL LIBRO QUE TE HARÁ AMAR LA MÚSICA PARA SIEMPRE. ¿Qué es la música? Una aventura del espíritu, una rendija abierta a otros mundos, una panacea para la salud mental y física, un instrumento formativo para todas las edades, una ayuda pedagógica insustituible para los cerebros más frescos, una sonda para profundizar en nosotros mismos, la vía principal hacia el mundo de la fantasía y de los sueños. Es un misterio apasionante para los neurocientíficos, es una de las mejores formas de evocar emociones, poesía sin palabras, pintura sin colores, escultura sin materia, arquitectura sin ladrillos, forma de terapia y… Detengámonos aquí, porque es imposible describir adecuadamente todo lo que es la música clásica. Su defecto es que apenas la hayáis probado, ya no conseguiréis desengancharos de ella.
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La música Rap forma parte de ese larguísimo árbol genealógico que narra la tradición y evolución de la música negra en Estados Unidos y que ha ejercido una influencia sustancial en la música, la literatura, el cine, la filosofía, la televisión, el comercio, la publicidad, los medios de comunicación, el lenguaje, la moda, la pintura o la danza en las últimas cuatro décadas. Es la banda sonora de muchos movimientos activistas y sus letras siguen teniendo ese componente desgarrador y de combate que lo acerca a la crítica social. En España, por ejemplo, los procesos judiciales a Pablo Hasél y a Valtonyc han colocado al rap en una situación inédita, siendo las letras de sus cancions constitutivas de delitos. El estilo musical que ha revolucionado una época y se ha expandido por todo el mundo DJ Kool Herc: una leyenda considerada como el padre del Rap. «Rapper s delight» de The Sugarhill Gang: el primer disco de Hip Hop de la historia. La Era Dorada del Rap (1985-1995): el género se dota de contenido y se asienta su importancia cultural. Rap en español: De El club de los poetas violentos a C. Tangana y Ana Tijoux pasando por Calle 13.
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Curiosidades y anécdotas de la vida y obra de grandes músicos. Entre en el mundo de la música por sus bastidores y prepárese para un viaje insospechado por las intimidades de sus protagonistas. Un libro ameno, chispeante, divertido, que recrea sucesos de los principales artífices de la música, sus virtudes, defectos, disputas, altercados, rarezas y también excesos.
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Ibai Llanos: «Un libro fascinante. Es como vivir los orígenes del freestyle en primera persona. Bruno, eres el mejor». Mientras el fenómeno del freestyle (o rap improvisado) se expandía a una velocidad trepidante por todos los parques del país, Bruno Pol Feliu García (más conocido como Kapo 013) era un chico raro, regordete y cargado de inseguridades que pronto encontró en el universo raperil de las batallas callejeras un primer espacio de confort en el que sentirse parte de un movimiento. Hoy ese movimiento es una potente industria, la pasión de millones de hispanohablantes en todo el mundo que, más allá de las guerras dialécticas que se libran sobre el escenario, ha logrado erigirse como un arte cargado de amor. Un amor que a ojos de Bruno —,que, a sus 30 años, puede considerarse uno de los testigos y narradores más excepcionales de la escena—, poco tiene que ver con el afecto o el contacto físico, sino con compartir tiempo y lugar en explosiones de apasionada energía junto con otras personas. Y es que, aunque pueda parecer lo contrario, el freestyle va de eso, de servir como vehículo del amor, por mucho que también fabrique miedo, este lleve al odio y, por ende, al dolor. Porque, si algo queda claro después de leer este emotivo testimonio sobre la revolución del rap de estilo libre, es que amor y dolor riman siempre. «Lo contrario del miedo no es la valentía, es el amor. Y de eso voy sobrado, en parte, gracias al freestyle y a todo lo que me ha dado», Kapo 013.
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El astuto Pradera ha tramado en este libro un ardid diabólico (y muy propio de su ya inveterada perfidia): primero nos encandila con la añagaza de unos misterios sibilinos que algunos tacharían de capciosos: ¿sabéis cuáles eran las canciones favoritas de melómanos tan delicados como Sadam Huseín, Francisco Franco o Adolf Hitler, de sensibilidades tan exquisitas como Lauren Bacall, Audrey Hepburn o Isabel II (reina del Reino Unido)? Muñida esa intriga, el intrigante procede a saciar nuestros apetitos con una deliciosa (y, por cierto, divertidísima) catarata de anécdotas, calamidades y portentos que arrojan una luz nueva o hasta ahora inédita sobre varias decenas de piezas musicales (veinticuatro para ser exactos). ¿Sabíais, por ejemplo, que «As Time Goes By» debe su inmarcesible presencia en Casablanca al inoportuno corte de pelo que padeció la icónica Ingrid Bergman? (No hemos hallado adjetivos más vulgares.) Pues bien: ese incidente es apenas el principio de la fiesta. Después vienen cuantiosos despelotes. No obstante, debemos señalar que esta obra magna no se arredra frente a ciertas observaciones algo sesudas y muy musicológicas, pero su taimado autor las viste de tal modo que brillan por su claridad hasta en los oídos más obtusos. Milagros de la divulgación bien entendida.Aquí se nos ofrece un opíparo banquete musical (ya lo hemos dicho) cuyo rasgo más insólito es su riguroso catolicismo (eso no lo hemos dicho): imbuido de un admirable espíritu ecuménico, el padre Máximo acoge en su seno un tumulto de obras casi pecaminoso y desde luego insolente por su variedad: baja a las cabañas y sube a los palacios, transita desde lo cutre (e incluso lo chungo) hasta lo sublime sin mover una ceja displicente. Todo le interesa, nada humano le es ajeno. Así, de «Mambrú se fue a la guerra» pasamos a Lohengrin con pasión wagneriana, de Juanita Reina a Shostakóvich con folclórica alegría, de La marsellesa a «Like a Rolling Stone» con ardor guerrero y mala leche dylanita. Etcétera, etcétera. Los gustos que maneja el señor arzobispo (ya lo hemos ascendido) son severamente eclécticos porque las músicas del mundo son severamente heterogéneas: si la verdad puede brotar en cualquier sitio, la belleza brota en las melodías más dispares y el interés en los rincones más inesperados. Hasta ellos nos conduce el astuto Pradera. Que Dios se lo pague.
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Las series documentales conservadas en los archivos eclesiásticos conforman un corpus indispensable para el avance del conocimiento histórico de la música sacra hispánica. Entre ella, con asiento propio, se encuentran los libros denominados ''de fechos y negocios'' donde se atesoran los acuerdos con que los cabildos resolvían múltiples aspectos institucionales, entre ellos los relacionados con la música y los músicos de su capilla. Del mismo modo que en el volumen anterior, la heterogeneidad original ha obligado al autor a realizar un cribado auto por auto de los noventa y ocho legajos examinados. La transcripción de los documentos ha quedado fielmente ajustada a la normalización internacional, en ella han sido rigurosamente respetadas las particularidades del texto original y actualizada, en este caso, la ortografía de llegada. El texto incluye algunas instantáneas sobre aspectos históricos o sociales, añadidos por su interés contextual. En definitiva, el lector interesado dispone aquí de un libro que facilita enormemente la búsqueda archivística y aporte un sustrato veraz y fiable para abordar cualquier investigación relacionada.
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La fuerza y el exceso del hard rock contados por sus protagonistasEl heavy metal de los años 80 fue una fuente de escapismo hedonista que encarnó y marcó una década espectacularmente exagerada. Éxitos como «We're Not Gonna Take It» de Twisted Sister, «Girls, Girls, Girls» de Mötley Crüe y «Welcome to the Jungle» de Guns N' Roses están tan vinculados a esos años como el PAC-MAN y E.T.Nöthin' But a Good Time refleja la energía del hair metal a través de las palabras de quienes lo protagonizaron, como los miembros de Van Halen, Mötley Crüe, Poison, Guns N' Roses, Skid Row, Bon Jovi, Ratt, Twisted Sister, Winger, Warrant, Cinderella y Quiet Riot, así como Ozzy Osbourne, Lita Ford y muchos más.Esta es la crónica definitiva de una época en la que el exceso y el éxito iban de la mano, de una era musical en la que las bandas y sus fans solo buscaban pasar un buen rato... y lo consiguieron.
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Esta Vida de Mozart, junto con las de Haydn y Metastasio, es la primera obra de Henri Beyle, publicada bajo el alambicado seudónimo de Louis Alexandre César Bombet (todavía no usaba el de Stendhal) en 1814. Los datos están extraídos de algunas biografías ya existentes pero aquí se encuentran realzados por un estilo que persigue sobre todo la claridad y la elegancia. En la Carta sobre Mozart que la complementa es donde aparece la personalidad de Stendhal como avezado diletante musical, con sus certeros análisis de las óperas más importantes. Muy lejos de las minuciosas investigaciones del siglo xx, estas páginas dibujan un retrato de Mozart como artista romántico, subrayando diferentes anécdotas sobre su extraordinaria capacidad musical, su virtuosismo pianístico, su personalidad extravagante y las circunstancias de su temprana muerte, sin olvidar el misterioso encargo del Requiem. La vida de un genio de la música escrita por un genio de la literatura. Stendhal, seudónimo de Henri Beyle (Grenoble, 1783-París, 1842) es uno de los grandes escritores franceses del XIX, autor de dos novelas fundamentales (sus lectores se dividen entre los que prefieren Rojo y negro y los que prefieren La cartuja de Parma). Biógrafo de emperadores (Napoleón) y de músicos (Haydn, Rossini), fue un enamorado de Italia (escribió sobre Roma, Nápoles y Florencia) y se reveló póstumamente como un maestro de los géneros del yo (su Diario, Recuerdos de egotismo, Vida de Henry Brulard). Fue un agudo analista de la psicología de sus personajes y, partiendo de sus diversas experiencias sentimentales, escribió un delicioso ensayo, Del amor. Vaticinó que su fama comenzaría hacia 1880.
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Y ahora, para los detractores de los busca-orígenes, que son los elaboradores de las presunciones apriorísticas fáciles de hacer, unas palabras en prevención de sus anatemas con relación al caso presente, porque, en general, ya han sido descubiertos en sus interioridades y sacados a pública vergüenza por investigadores verdaderos, mejor que yo ?aspirante a investigador? pudiera llegar a realizarlo: ¿Quién, con el argumento de mi incapacidad, osará condenar mi aspiración y mi esfuerzo, tendentes a comprender y a gozar las creaciones culturales de mi país, ni, menos, mi intento de llegar a proporcionar nuevos elementos para la elaboración del juicio estético de los demás? Pues éste es todo el secreto de esta obra. AUTOR Nació el 5 de julio de 1885 en Casares (Málaga). Hijo de Luis Infante Andrade, secretario del Juzgado del pueblo. Su madre, Ginesa Pérez de Vargas, pertenecía a una familia de labradores de clase media. Tras cursar los estudios primarios en la escuela de Casares, ingresa como alumno interno en los Escolapios de Archidona (Málaga), donde estudia el bachillerato entre 1895 y 1899.
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El compositor Joan Magrané (guanyador, entre d’altres, del premi Reina Sofia de Composició i nominat als premis Grammy llatins) ens presenta les seves impressions sobre alguns dels principals compositors catalans de finals del s. XIX i inicis del XX.Amb la seva escriptura equilibrada, reivindica la vigència de figures com les de Serra, Mompou, Blancafort o Toldrà, tot transmetent-nos la seva passió per aquests. Magrané acaba el llibre amb una visió panoràmica de la situació actual de la música “clàssica” a Catalunya, fent un repàs dels principals compositors i intèrprets d’avui.
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Bessie Smith nació en Chattanooga, Tennessee, en 1894, y se quedó huérfana a una edad muy temprana. Pasó unos años cantando en la calle antes de juntarse con una célebre compañía de espectáculos itinerantes, con la que giró por todo el sur de Estados Unidos cuando todavía estaban firmemente implantadas las leyes de segregación racial. En 1923 realizó su primera grabación con la incipiente discográfica Columbia Records, que en pocos meses vendió la cantidad récord de 780.000 copias y la convirtió en una estrella. Conocida como la Emperatriz del Blues, Bessie Smith fue un personaje complejo con una vida difícil, cuya historia supera en muchos aspectos la ficción. Sus hazañas se han convertido en material de leyenda, y sus canciones sobre tragedias amorosas y el sufrimiento de las mujeres a menudo parecen un terrible presagio de las desgracias que a ella misma le sucederían poco después de escribirlas. Así lo explica Jackie Kay, laureada poeta y escritora escocesa, que cuando era adolescente encontró en Bessie alguien con quien podía identificarse, un espejo en el que reconocer su propia negrura y un modelo de magnanimidad y osadía al que nunca ha dejado de idolatrar. En este libro extraordinario que mezcla biografía, ficción, ensayo y poesía, la autora canaliza su enorme admiración por Bessie y agradece la fuerza transmitida por sus canciones y su excepcional ejemplo de vida. Publicado originalmente en 1997, Bessie Smith emerge por primera vez en castellano en 2022 como un clásico del ensayo biográfico y un libro imprescindible para conocer la turbulenta historia de la Emperatriz.
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A menudo olvidadas, casi siempre ignoradas, muy raramente reconocidas. Este ha sido el estado de la cuestión femenina en la música hasta hace bien poco. Consideradas meras intérpretes, musas o, simplemente, condimento visual en las actuaciones de los hombres, las pocas pioneras que se atrevieron a adentrarse en la industria musical sufrieron ostracismo y desprecio, cuando no fueron condenadas al más oscuro rincón de la memoria historiográfica —si no pasto del más inmisericorde anonimato—.Concebido y armado para contrarrestar el hegemónico discurso masculino en la literatura musical —mayormente escrita por y para hombres—, Música, maestra tiene por objeto, además de celebrar la obra de tan variopinto elenco de creadoras, saldar una cuenta largamente esperada: socavar de raíz el sesgo sexista que ha impregnado las esencias del canon en la música, la literatura y el cine. Y lo hace por medio de semblanzas compuestas por escritoras que reivindican a las mujeres cuya música, de una forma u otra, las ha acompañado a lo largo de sus vidas. Artistas que se encaramaron a la vanguardia de su tiempo, mujeres comprometidas que aunaron en su hacer música y activismo, transgresoras infatigables, cantautoras, intérpretes todas ellas queprovienen de todos los sustratos del espectro musical —folk, rock, rap, country, jazz, clásica, electrónica, etc.—.Desde Lhasa de Sela, amiga del instituto convertida en objeto de culto por Maggie Nelson, a Wendy Carlos, la pionera de la música electrónica que decidió alejarse del mundanal ruido, evocada aquí por Sinéad Gleeson, o la inefable Yoshimi, la baterista japonesa con la que compartió escenario y no pocas vivencias Kim Gordon. Dieciséis ensayos sobre música escritos por mujeres con los que arrojar un poco de luz sobre la vida y obra de estas y muchas otras artistas como Laurie Anderson, Ella Fitzgerald o Agnes «Sis» Cunningham con el muy necesario e impostergablefi n de empezar a equilibrar la balanza.
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La importancia de las series documentales conservadas en los archivos eclesiásticos justifica los trabajos de investigación y el volcado de contenidos con el fin de avanzar en el conocimiento histórico de la música sacra española. En el caso que nos ocupa, tenemos aquí la tercera entrega de las actas capitulares de la catedral de Cuenca, en el período de 1761-1810.
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Este magnífico libro de Manuel López Poy –uno de los mejores periodistas musicales de nuestro país– hace un retrato preciso y detallado del Rey del Rock que complementa con maestría la sensacional película Elvis del laureado Baz Luhrmann. Entre las numerosas biografías dedicadas a la figura de Elvis Presley, esta destaca especialmente por su capacidad para trasladarnos a los orígenes del genio de Tupelo, construyendo un libro que circula en paralelo entre la sucesión cronológica de una apasionante vida –con numerosos datos, anécdotas y frases del protagonista– y el retrato de un género musical en el que se dan cita el blues, el country y el rock. El resultado es sabido por todos: la mayor revolución en el mundo de la música y un icono cultural de primer orden. La leyenda maldita de la primera guitarra de Elvis. Sun Records, la puerta del futuro. La leyenda negra de un cantante blanco. La historia del hotel de los corazones rotos. El cuarteto del millón de dólares. La soledad de la reina de Graceland. Una digna despedida para un rey.
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Eclipsados e influidos por la televisión, en Estados Unidos los anuncios impresos de la década de 1970 se alejaron de las formas gráficas atrevidas y de los mensajes sutiles típicos de los sesenta. Los anuncios de los setenta, más literales y directos, buscaban captar la atención de un público acostumbrado a la estridente publicidad de la televisión.Pero no todo estaba perdido. Los anuncios son un signo de los tiempos, y la conciencia racial y ecológica se infiltró en todo, desde los cigarrillos hasta los anuncios de automóviles, para recordar a los estadounidenses que los productos cotidianos propios de la era moderna. En un intento por descubrir la mejor manera de comunicarse con las masas, los especialistas en marketing estudiaron los grupos de público objetivo con furiosa determinación, lo que dio pie a joyas del humor involuntarias como ?las hermanas son diferentes de los hermanos?, lema utilizado en un producto para el cabello afroamericano. Sin embargo, a finales de la década, la publicidad impresa había empezado a recuperarse y a ganar en originalidad y creatividad a medida que se enfocaba en los públicos objetivo con una presencia cuidadosamente elegida en publicaciones más pequeñas.Este contundente volumen, un estudio fascinante de la difusión de la cultura de masas en una nación post hippie obsesionada con la televisión, ofrece una visión exhaustiva y nostálgica de la publicidad de la década de 1970.
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Desde su nacimiento en Zanzíbar hasta su auge como artista en el Live Aid, de la persona tímida al frontman más descarado de la historia del rock, de sus increíbles giras a su estoico final, en estas páginas encontrarás la realidad y el deseo de un ser terrenal que sigue siendo un icono en el nuevo milenio. A través de más de cien entrevistados, buscando en hemerotecas, el autor de este libro intenta hallar en las palabras de quienes vivieron junto al cantante de Queen (productores, amigos, músicos o fans) la fuente de su creatividad. Una investigación que parte de la persona para afrontar el mito que nos sobrevivirá, tratando de encontrar el porqué de Mercury en Freddie. Todo lo que no te contaron en la oscarizada película Bohemian Rhapsody.
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Esta es la historia de cómo el hijo de un refugiado palestino y una profesora soriana, tras forjarse en el calor del circuito madrileño de las pequeñas salas, llegó a convertirse en todo un referente de la canción de autor actual, logrando llegar a multitudes. Además, su fértil creatividad paralela en la poesía ha provocado que sus libros alcancen cifras de venta impensables para cualquier poeta. Tras más de veinte años de actividad frenética, Marwán se ha consolidado como uno de los creadores esenciales de la música en castellano. Cuidadoso letrista y melodista, sabe aproximarse con soltura a géneros que, en apariencia, le son ajenos. Del mismo modo, sus textos reflejan la vida contemporánea en canciones que fijan nuestro tiempo. Para elaborar esta primera biografía ha sido imprescindible la colaboración y complicidad del propio Marwán, de sus familiares, amigos y compañeros de oficio. Un volumen en el que se analizan todas sus canciones y que es, a su vez, un sincero homenaje a toda una generación de cantautores que ha revitalizado un género musical que ya supera las seis décadas de historia en España. Incluye un prólogo de Pedro Guerra y un epílogo en forma de poema de Jorge Drexler.
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La primera vez que surgió el concepto Heavy Metal fue en una novela del gran maldito de la literatura, William Borroughs. Fue en 1962, el relato se llama «The soft machine», y la utilizoy 769, para de definir uno se sus personajes, Uranian Willy, como un «heavy metal kid». Desde entonces, el género hermano del rock se disparó en bandas, corrientes y seguidores. Estas páginas se adentran en un ecosistema musical que abarca una red mundial de fans que intentan escapar de la vulgaridad cotidiana y protestar contra las políticas establecidas, a través de la síntesis del rock and roll tradicional y el blues. Así conoceremos por primera vez, en un libro escrito en español, a estrellas épicas que viven en planetas lejanos con dioses de otras épocas que se ocupan de semanas llenas de sábados en la noche. Un ecosistema musical con una leyenda marcada por yonquis, satanistas, camorristas, cristianos renacidos, trotamundos millonarios, conciertos multitudinarios y mucha «buen rollo». Con un saber enciclopédico y una pasión inquebrantable por el género, Mariano Muniesa y Mariskal Romero, aunando el saber pionero con el gran presente de la crónica metalera, repasan la historia no canónica, jamás contada y muchas veces tergiversada del Heavy Metal. Historias de excesos pero también de gloria. De Ozzy Osbourne a Metallica pasando por Lemmy, desde la nueva ola del heavy británico hasta la escena underground del black metal noruego. Si asientes con la cabeza, si haces headbanging mientras lees estas líneas y se te disparan los cuernos con los dedos... este es tu libro. Pero si te has quedado de piedra, también deberías leerlo para entender, por fin, que el Heavy Metal es una forma de entender el mundo. «Basta ya de libros sesudos de RockyRoll. Aquí tienes a Mariano Muniesa, con el apoyo de Mariskal Romero, contándote historias inéditas y sorprendentes. Te enterarás de lo que nadie te contó nunca y, de paso, te echaras unas risas...que buena falta nos hace. Ya sabes, ¡Rock y Diversión!» El Pirata
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Luis de Pablo es uno de nuestros compositores más internacionales. Contamos con biografías y estudios sobre su obra, pero apenas trataban su mundo íntimo, sus experiencias ligadas a la música que creaba, su visión de las cosas y de la cultura. Conoceremos el modo en que componía, sus objetivos, sus deseos, su mirada única hacia el panorama cultural de nuestro tiempo y sus consideraciones críticas sobre la cultura en general y la música en particular. Veremos su casa, su ambiente íntimo y su día a día, las aspiraciones, éxitos y fracasos de uno de los artistas más relevantes de nuestro tiempo. Luis de Pablo poseía una mente privilegiada, fue un músico cultísimo, lector infatigable de filosofía, antropología, literatura, historia y música. Un artista único al que debemos conocer.
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LA BIOGRAFÍA DEFINITIVA DE NICO: LA ICÓNICA Y MISTERIOSA CANTANTE, SUPERESTRELLA DE WARHOL Y MUSA DE PHILIPPE GARREL, VOCALISTA DE THE VELVET UNDERGROUND E INFLUYENTE ARTISTA EN SOLITARIO Christa Päffgen nació en Colonia (Alemania) en 1938 y padeció de niña los horrores de la guerra. Su extraordinaria belleza pronto la condujo a posar de modelo internacional para los mejores fotógrafos y revistas, momento en el que adoptó el nombre de ''Nico'', que la acompañaría el resto de su tormentosa vida. Su fama se disparó cuando Federico Fellini le dio un papel en la mítica ''La dolce vita''. Poco después recaló en Nueva York, donde Andy Warhol la introdujo en el séquito de la Factory y, además de protagonizar muchas de sus películas —,entre otras, ''Chelsea Girls''—, y erigirla en Superstar, la embutió un poco a la fuerza en el grupo fundado por Lou Reed y John Cale, The Velvet Underground. Con ellos grabó el que posiblemente sea uno de los mejores discos de la historia del rock, el icónico vinilo del plátano, producido por el propio Warhol: ''The Velvet Underground & Nico'', donde la alemana cantó en ''Femme Fatale'', ''All Tomorrow's Parties'' y ''I'll Be Your Mirror'' con su particular voz de contralto de fuerte acento teutón. Después inició una fascinante y oscura carrera como artista en solitario, primero con el disco de versiones ''Chelsea Girl'', al que le siguieron ''The Marble Index'' y ''Desertshore'', que a pesar de pasar desapercibidos cuando se lanzaron, hoy son discos de culto y de una enorme influencia. Musa y pareja del cineasta maldito Philippe Garrel, con quien protagonizó, entre otras, ''La cicatrice intérieure'', ambos empezaron a consumir heroína de forma regular. Una adicción cada vez mayor llevó a Nico a una espiral de degeneración que la minó física y psicológicamente, cosa que no impidió que tuviera una prolífica carrera como música, sobre todo en directo. Nico murió en Ibiza en extrañas circunstancias a los 49 años. Tras cuatro años de investigación y más de cien entrevistas, Jennifer Otter Bickerdike construye una fascinante y documentadísima biografía de una de las voces más carismáticas de la música popular cuya vida fue un cautivador enigma que ''You Are Beautiful and You Are Alone'' trata de desentrañar.
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Esta impactante e innovadora colección de portadas de jazz presenta los diseños que definieron un sonido. El libro reproduce portadas de discos de la década de 1940 hasta principios de la de 1990, cada una acompañada de información general básica. Estas obras artísticas para álbumes, que incluyen fotografías e ilustraciones, representan la unión de la música y el diseño, y conforman una extraordinaria historia del jazz.
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Sin los Sex Pistols no existiría el punk. Y sin Steve Jones no existirían los Sex Pistols. Él fue quien fundó Kutie Jones and his Sex Pistols, la banda que posteriormente se convirtió en los Sex Pistols, con su compañero de clase Paul Cook, que inicialmente fue el líder del grupo. Coincidiendo con el medio siglo del nacimiento del punk, que celebra la inmensa influencia y la gran relevancia cultural que este movimiento tiene en la música, la moda o las artes visuales todavía hoy en día, Steve Jones se ha decidido por fin a contar su historia. Una historia que empieza en los barrios de Hammersmith y Sheperd's Bush, en el oeste de Londres, donde un chico solitario y descuidado que vivía de pequeños hurtos descubrió el glam de David Bowie y Roxy Music, y se acabó convirtiendo en uno de los primeros punks callejeros que Malcolm McLaren y Vivienne Westwood acogieron. Por primera vez, Jones escribe sobre la tristeza de no haber conocido nunca a su padre, del abandono y el abuso que sufrió por parte de su padrastro, y cómo su interés por la música y la moda lo salvaron de pasar una vida marcada por los centros de prisión preventiva y la cárcel. Desde el Kings Road de los años setenta, los años de Sex Pistols, el punk rock y la grabación del álbum inmortal Never Mind the Bollocks, hasta su exilio voluntario en Nueva York y Los Ángeles donde batalló con el alcohol, la heroína y la adicción al sexo, este libro es el relato de un improbable mago de la guitarra que con los Sex Pistols cambió el rumbo de la música para siempre.
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Joan Vich era un aficionado a la música que empezó trabajando como camarero en una de las primeras ediciones del Festival Internacional de Benicàssim y que acabó siendo su codirector el año anterior a la pandemia.Por su escalada en el escalafón de este legendario festival, el autor ha conocido a todo tipo de personajes, desde aficionados estrambóticos a los artistas más renombrados. Cada capítulo cuenta una historia distinta, que juntas dibujan la historia de un festival que marcó las biografías de muchos amantes de la música y que consolidó un modelo de ocio en España: los veranos de festivales.
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Enya es una de las mayores artistas superventas de la historia, y a la vez una figura maltratada desde sus inicios por la crítica musical. Canciones como «Orinoco Flow» y las del resto de su repertorio ...que Chilly Gonzales define, acertadamente, como versiones actualizadas de la canción de cuna... han enamorado a millones de personas en todo el mundo, y aun así todavía podemos encontrarnos a un gran número de personas que, por miedo a recibir una burla o reprimenda no se atreve a confesar públicamente su afición por discos como 'Watermark'. Esta circunstancia es la que lleva al autor a plantearse una pregunta crucial: ¿tiene la música que apelar a la inteligencia, o simplemente basta con que vaya directa al corazón? ¿Es mejor la música ingeniosa y compleja, o el mayor placer podemos extraerlo de la más eficaz simplicidad? 'Enya' no es exactamente un libro sobre Enya ...es decir, sobre su vida y su carrera..., sino acerca de las emociones profundas y duraderas que su música ha provocado en Chilly Gonzales, que aprovecha la circunstancia para abordar el misterio de la música en toda su complejidad. Enya, al fin y al cabo, es el señuelo a partir del cual poder hablar de la importancia de las melodías, de las emociones sin coartada, y justificar su defensa apasionada del efecto balsámico que estas provocan. Un placer (no) culpable, por tanto, del que no debemos avergonzarnos, pues es fuente de placer y de felicidad.
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Tras el éxito de 100 musicales que deberías ver (Amat, 2020), Joan Francesc Cánovas nos presenta una nueva selección de los mejores musicales de la historia que complementa y amplía su anterior obra. En 100 musicales MÁS que deberías ver aparecen muchas obras que han sido galardonadas con los premios Tony y/o Laurence Olivier (y que no habían sido citadas en el primer libro). Aparecen, también, muchas de las que han conseguido reabrir en Broadway y el West End después de la pandemia de la COVID-19 y algunos clásicos hasta los años ochenta/noventa.
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Una crónica del jazz clásico y moderno a través de sus pianistas.
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Un libro para saber cómo se hizo el legendario diseño de la portada del álbum REVOLVER de The Beatles y otras historias. “…es genial ver la otra parte de la historia que conozco tan bien y descubrir aspectos como el terrible pánico que Klaus debió sentir cuando se le pidió que realizara la portada de nuestro álbum. Al final, la portada del REVOLVER fue un clásico y este libro también lo es.” Sir Paul Mc- Cartney. “…tu libro REVOLVER – me ha traído grandes recuerdos – anteriores incluso a REVOLVER… ¡espero que vendas un millón de copias!... la portada del REVOLVER fue increíble y perfecta para ese álbum.” Ringo Starr.
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Julio Iglesias es un icono kitsch, un personaje de la prensa rosa, un galán machista y un baladista para la tercera edad. Pero Iglesias es también el cantante vivo que más discos ha vendido en la historia de la música junto a Madonna y Elton John, y fue el primer artista no anglosajón que consiguió triunfar a lo grande en los Estados Unidos. Durante varias décadas, fue además un sex symbol para millones de mujeres en todo el planeta. Julio, pues, se merecía un análisis que explicara su relevancia social más allá del meme en que ha acabado convertido. El eje central de este ensayo, profusamente documentado e ilustrado, es el exitoso plan de Iglesias para conquistar el mercado estadounidense a mediados de los años ochenta. Además de detallar los mecanismos que propiciaron esta gesta, el relato aborda otros temas como su estatus de celebridad, su encarnación del mito del latin lover, su particular estilo vocal o la construcción de su marca personal, que se anticipó a las estrategias de las estrellas globales del pop en la era de internet. Por último, el libro se ocupa de los claroscuros de su figura y de los costes personales que hay que pagar por alcanzar la fama.
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Mozart padecía el síndrome de Tourette, por lo que solía expresarse en términos escatológicos compulsivamente, las primeras notas de la Quinta de Beethoven equivalen, en morse, a tres puntos y una raya, que significa «V» de victoria, por lo que fueron utilizadas como código durante la gran guerra europea, Rossini era capaz de leer una partitura de derecha a izquierda y de abajo a arriba, Wagner embaucó a Luis II para que le construyera un teatro en Bayreuth, adonde debía llegar desde Inglaterra un inmenso dragón de cartón-piedra para el estreno de Sigfrido... Pero arribó en Beirut!... Hay anécdotas como éstas por decenas, pero ninguna pasa de eso, del puro cotilleo. Este libro aspira a dar otro tipo de respuestas a los claroscuros de algunos grandes compositores, y a hacer comprensibles muchas de las cuestiones que rodean a la música llamada clásica. ¿Es conveniente tener alguna noción previa para comprender el contenido de una melodía? ¿Es éste un arte ideado por las elites para consumo de minorías? ¿Monteverdi, Bach o Schoenberg son hoy como marcianos en un planeta ávido de inmediatez y ajeno a discursos de auténtica penetración intelectual? Pero, ¿acaso los compositores no tuvieron que padecer algo semejante en su tiempo, aun por otras razones? ¿Se ha convertido la música clásica en una autores hay que escuchar? ¿Todos son igual de recomendables? ¿Hay tops como en el mundo del rock? Son éstas preguntas, todas ellas y otras más, que encierran diversos e interesantes compromisos. Pero hay respuestas, siempre. Este libro, escrito por un reputado experto en la materia, pretende arrojar luz, de forma tan rigurosa como divulgativa, sobre esa gran desconocida que es la música clásica, pero fundamentalmente sobre los secretos de su escucha. AUTOR Pedro González Mira ha sido profesor de Matemáticas durante diecisiete años y crítico musical durante veinticinco. Desde su puesto de redactor jefe de la revista musical Ritmo ha publicado cientos de críticas de conciertos y discos, además de múltiples ensayos y varias decenas de trabajos sobre intérpretes famosos. Ha colaborado con RNE, en Radio Clásica, donde ha biografiado a grandes intérpretes como Claudio Arrau, Leonard Bernstein, Vladimir Ashkenazy, Arturo Benedetti Michelangeli o Jacqueline du Pré. Dirigió la sección de Música clásica de la Guía del Ocio durante una década, para pasar a realizar la misma actividad en el suplemento de El País, On Madrid, desde su número cero hasta su desaparición. Recibió el Premio Nacional de Crítica Discográfica en 1984. Es autor en Almuzara de los títulos: Jesús Villa-Rojo, a través de sus discos y de los aclamados Eso no estaba en mi libro de Historia de la Música y Eso no estaba en mi libro de Historia de la Ópera.
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Seis músicos esenciales en el desarrollo de la historia del rock, con notables cualidades artísticas tan diferenciadas que podrían completar el arcoíris musical: Freddie Mercury, George Harrison, Warrren Zevon, Johnny Cash, David Bowie y Leonard Cohen, sin embargo, tuvieron en común, entre otros elementos fundamentales en su canon creativo, el conocimiento riguroso de la proximidad de su muerte, tras ser diagnosticados con una enfermedad terminal. De modo que, en un último esfuerzo por trascender la vida, y con la conciencia articulada a la muerte, escribieron las canciones de un último disco póstumo dispuesto como legado para sus oyentes. Seis discos que albergan lo mejor que cualquier persona mordida por la muerte anhela abrazar en sus últimos días de vida para ser compartido y disfrutado, con sus autores ya instalados en una vida mejor. Alberto Manzano es un gran historiador de la música rock y un reconocido periodista musical que ha publicado para El País, El Mundo, La Vanguardia, ABC, El Periódico de Catalunya, Rockdelux y Ajoblanco. Desde 1980 ha traducido a los grandes poetas del rock en más de cien libros publicados. Es autor de ensayos biográficos sobre Bob Dylan, Lou Reed, Neil Young, Jackson Browne, Kevin Ayers, Jim Morrison y Leonard Cohen.
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Black Sabbath cambió la historia de la música. Con 19discos de estudio y más de setenta millones de discos vendidos, este grupo nacido en Birmingham revolucionó el panorama musical con la oscuridad de las letrasde sus canciones, unos poderosos riffs de guitarra yun sonido contundente, denso y distorsionado. Esta es la trayectoria de cuatro desconocidos que unieron sus vidas y su trabajo para crear un estilo que se conocería como heavy metal y que ha servido de faro y referencia fundamental a otros grupos. Escrito con conocimiento de causa y de la manera más amena por el periodista musical César Muela, este libro describe el camino que iniciaron Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería)y el recorrido -con todos sus altibajos- que les hallevado a ser considerada como una de las mejores bandas de todos los tiempos. De cómo Jethro Tull impulsóel nacimiento de Black Sabbath. Los gloriosos y devastadores años setenta: del disco Black Sabbath a Never Say Die! Los años de Ronnie James Dio. Ozzy Osbourne se hace una estrella de la televisión.
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