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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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50 años de historia que redefinieron la música. Íconos, ritmos y revoluciones musicales. ¿Cómo nacieron el rock and roll, el rhythm and blues, el folk, el glam rock, el soul, el heavy metal, el techno, el hip hop? ¿Cómo se convirtieron en grandes ídolos de masas Elvis Presley, los Beatles, los Rolling Stones, Bob Dylan, Queen, Kiss, AC/DC, Madonna, entre tantos artistas extraordinarios que han hecho la historia del rock? Una época fascinante con acontecimientos asombrosos como el festival de Woodstock, el Live Aid, la guitarra Fender Stratocaster, el Rock and Roll Hall of Fame, etc. Este libro hace un recorrido a través de cinco décadas de rock y pop. Cada página es una explosión de imágenes y da-tos críticos sobre la historia, los sonidos y las influencias que marcan los ritmos del mundo moderno.
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Este libro analiza un fenómeno musical sin precedentes en nuestro país: Mecano sigue siendo, más de dos décadas después de su separación, la formación española con más discos vendidos en el mundo. La obra nos sumerge en sus letras para señalar su dimensión poética y mostrar las influencias literarias, pictóricas y cinematográficas de sus autores, En el terreno musical, se detiene en la evolución del sonido del grupo, desde el tecnopop hasta una propuesta de raíces españolas, De este modo, el estudio de las letras y la música de Mecano permiten valorar en su justa medida la notabilísima aportación del grupo a nuestro cancionero popular contemporáneo, Sus autores se preguntan también si Mecano nació para ser una banda políticamente correcta, cuyas letras exhibieran algunos asuntos de calado sociológico sin hacer mover los pilares del statu quo establecido, El estudio de los motivos líricos y musicales de sus canciones invita a concluir que el grupo fue rupturista en todos los sentidos, también en el plano social y cultural,
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LA HISTORIA DEL GRUNGE, CONTADA POR ALGUIEN QUE ESTUVO ALLÍ DESDE EL PRINCIPIO. Escrito por Steve Turner, el legendario guitarrista de Mudhoney y uno de los padres fundadores del grunge, este libro es una crónica veraz y sin pelos en la lengua del nacimiento y la evolución de la escena grunge de Seattle: unos chavales punk inadaptados que se encontraron en pistas de skateboard y en conciertos underground de hardcore, y luego terminaron montando bandas juntos. Así, aparecen las influencias musicales y los experimentos que dieron forma al sonido grunge, y se relata la historia de las bandas de Turner, Green River y Mudhoney, que saltaron de los conciertos en locales de mala muerte a tocar en estadios repletos junto a Nirvana y Pearl Jam. «El libro es una montaña rusa de recuerdos musicales, tan lúcida a veces como lunática en otras ocasiones, extraña y sorprendente, y siempre propulsiva. Turner nos relata desde su perspectiva privilegiada la génesis del sonido de Seattle y de su espíritu, todo con humor, drama y esas pepitas de oro históricas que tanto aprecian los fans.» Jonathan Evison, novelista «Steve Turner me enseñó todo lo que sé sobre punk rock, arte folk y sobre cómo hallar el curso de tu vida: cómprate una guitarra barata, un ampli pequeño que ya no fabriquen más, y funda un grupo.» Stone Gossard autor del prólogo, guitarrista y miembro fundador de Pearl Jam «Este libro es un documento esencial: la historia de esa estética y de ese estilo que vino a denominarse grunge, de boca de uno de sus padres intelectuales y esprituales.» Greg Vandy, presentador de radio y autor del libro 26 Songs in 30 Days (Woody Guthrie) PRÓLOGO DE STONE GOSSARD (PEARL JAM)
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Las memorias de Duke Ellington, el composisitor más célebre y prolífico de la era dorada del jazz y de las grandes orquestas. Cincuentenario de su muerteAcaso no haya mejor tributo al legendario compositor Edward Kennedy Duke Ellington, en el cincuentenario de su muerte, que exhumar del olvido sus memorias, ni puede que tampoco haya otro caso, en la literatura memorialística del jazz, en el que una gran estrella se resistiera con tal vehemencia a la labor de dar brillo y esplendor al medallero. Sea como fuere, ni el jazz, en su conjunto, ni probablemente buena parte de la música contemporánea serían explicables sin Ellington, y él mismo seguiría siendo un misterio de no ser por este alegato prepóstumo, puesto que el gran compositor fue terco enemigo siempre de la literatura confesional (hasta que un cheque in extremis lo indujo a ceder cuando su vida ya se agotaba).Siempre que el compositor hacía referencia a este texto subrayaba que «se asemejaba más a una de sus actuaciones que a unas memorias». A decir verdad, nunca quiso prestarse a componer una autobiografía al uso, y es preciso aclarar, en su descargo, que se salió con la suya. A fin de acometer el encargo a su manera el libro vería la luz en 1973, año escaso antes de su muerte resolvió dividir en ocho actos este explosivo texto en el que deambula con brío por lo sagrado y lo profano, retrata cordialmente a sus compañeros de fatigas, canta las cuarenta, cuenta mil anécdotas, elogia, discute, conversa y afronta un esmerado interrogatorio con infalible agudeza no exenta de cierta acritud. Si antes había callado, aquí escribe por los codos, sin intermediarios y haciendo alarde de un bullicioso estilo cargado de ingenio y salpicado, en más de una ocasión, con las notas del genio.Ellington se movía por las calles de Harlem con igual soltura que por los pasillos de la Casa Blanca, y en todas partes gozaba y a todos brindaba su inagotable vitalidad. Apasionado del arte y compadre de cuantos consagraban sus vidas a tan noble oficio, contaba entre sus amigos con decenas de personajes de instrumental importancia para la trayectoria sonora del siglo XX: Armstrong, Basie, Bechet, Coltrane, Davis, Fitzgerald, Parker o Sinatra son solo algunos de los muchos que desfilan por estas páginas (aliñadas, por cierto, con cien fotografías que nos acercan al mundo visible del pianista). Lo que emerge, una y otra vez, de ellas es su lujurioso matrimonio con la música, la amante y señora a quien siempre reservó el fuego más sagrado del swing: «las queridas van y vienen, pero solo mi amante permanece», sentencia el enamorado zumbón.
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Rapats
A començaments de la dècada dels vuitanta, l’estil skinhead es va concretar inicialment a ciutats com Barcelona, Madrid i València. Aviat, es va propagar i evolucionar, així es van anar definint les peculiaritats que el van convertir en un estil singular i atractiu per a un segment rellevant de la joventut. Fruit d’una tesi doctoral i d’anys de recerca, l’obra reconstrueix a través d’entrevistes, documents, fanzines, bibliografia i testimonis els orígens, el desenvolupament, el procés de politització i la popularització que va caracteritzar l’estil skin a l’Estat espanyol a partir de l’anàlisi d’un conjunt d’elements –estètics, culturals, esportius, musicals i iconogràfics– que permeten interpretar-ne el recorregut heterogeni. Lluny del cúmul de relats alarmistes precedents, Rapats ofereix una panoràmica rigorosa, extensa i detallada d’un estrat subcultural que al seu moment de màxim apogeu va fascinar milers de joves.¿A quién va dirigido el libro Rapats?Rapats está dirigido a un público interesado en la historia social y cultural, especialmente a aquellos que deseen comprender la subcultura skinhead en España durante la década de 1980 y posteriores. Se recomienda para lectores a partir de 14 años, dada la complejidad del tema y la profundidad del análisis. El libro resulta atractivo tanto para investigadores como para lectores con interés en la sociología, la antropología, la historia reciente de España y la cultura juvenil. También puede ser de interés para aquellos que buscan una comprensión más matizada y contextualizada de este movimiento subcultural, alejada de los estereotipos y los relatos alarmistas.Temas que trata el libro RapatsRapats ofrece un análisis exhaustivo de la subcultura skinhead en España, desde sus orígenes hasta su desarrollo y politización. El libro explora una amplia gama de temas, entre ellos:Orígenes y desarrollo de la subcultura skinhead en España: El libro rastrea la evolución del movimiento skinhead en España, desde sus inicios en ciudades como Barcelona, Madrid y Valencia, hasta su expansión y diversificación. Se analiza la influencia de las tendencias internacionales y las particularidades del contexto español.Aspectos estéticos, culturales, deportivos, musicales e iconográficos: Rapats examina los diferentes elementos que conforman la identidad skinhead, incluyendo la moda, la música, los deportes, las ideologías y los símbolos. Se presta especial atención a la heterogeneidad del movimiento y a la evolución de sus expresiones a lo largo del tiempo.Politización de la subcultura skinhead: El libro analiza el proceso de politización que experimentó el movimiento skinhead en España, incluyendo las diferentes ideologías que lo atravesaron y su relación con la política y la sociedad.Popularización y fascinación juvenil: Rapats explora las razones por las que la subcultura skinhead llegó a fascinar a miles de jóvenes en su momento de máximo apogeo. Se analiza el atractivo del movimiento y su impacto en la sociedad española.Metodología de investigación: La obra se basa en una extensa investigación que incluye entrevistas, documentos, fanzines, bibliografía y testimonios, ofreciendo una perspectiva rigurosa y detallada del fenómeno.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro RapatsAún no hay opiniones o críticas sobre Rapats.
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La primera biografía escrita sobre Raffaella Carrà en España repasa la vida y la carrera de una de las artistas internacionales más queridas de nuestro país.¿Cómo era Raffaella Carrà cuando se apagaban los focos? ¿Qué la llevó a ser la presentadora mejor pagada de Europa? ¿Por qué la censuró el Vaticano? ¿Qué le supuso España a nivel personal y profesional? A estas y a otras muchas preguntas responde Pedro Ángel Sánchez en Nada es eterno salvo la Carrà, una biografía que nos desvela la cara más íntima de la artista italiana.Con más de 60 millones de discos vendidos y audiencias televisivas millonarias, la figura de la Carrà siempre estará ligada a una parte de nuestras vidas y de nuestra memoria sentimental, a esas canciones que derrochaban alegría y a esos programas de televisión que, entre risas, bailes, entrevistas y llamadas telefónicas, nos permitían soñar con un mundo sin preocupaciones. Pero Raffaella era mucho más que esa estrella de melena rubia que contagiaba entusiasmo y una vitalidad desbordante: era una trabajadora infatigable que siempre demostró su amor por las cosas bien hechas.Pedro Ángel Sánchez, periodista al que Raffaella Carrà concedió su última entrevista en España en diciembre de 2020, nos guía por la trayectoria vital y profesional de la cantante de Fiesta o Hay que venir al sur a través de sus propias palabras y de testimonios exclusivos de decenas de personas que vieron en ella un referente o que formaron parte de su círculo más próximo, entre ellas: Danilo Vaona, Ramon García, Loles León, Miriam Díaz-Aroca, José Luis Gil, Isabel Gemio, Enrique del Pozo, Juan Luis Iborra, Mónica Naranjo, Supremme de Luxe, Paco Clavel o Jorge Javier Vázquez, autor del prólogo.Este libro, que presta especial atención a la relación de la italiana con España, cuya sociedad evolucionó al ritmo de sus canciones, sirve de homenaje a una leyenda del espectáculo que en vida parecía inmortal y que, tras su marcha, ha demostrado que nada es eterno… ¡salvo la Carrà!
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Si los críticos se equivocaron tanto con la música disco en los 70, ¿quién nos dice que hoy no se equivocan con Britney Spears? ¿Por qué el pop tiene que ser un placer inconfesable? ¿Por qué no dejarse llevar simplemente por el propio placer? A menos que te entusiasmen los himnos del supremacismo blanco, no tiene por qué avergonzarte de tus gustos. Tarareamos canciones que decimos detestar. Solo nos emocionamos cantando cuando nadie nos ve. Lloramos con baladas de las que nos hemos burlado antes. Mentimos sobre lo que nos gusta para que nos acepten. Y decimos que los demás tienen muy mal gusto. Considerado uno de los mejores ensayos estéticos sobre el gusto musical de la década, Música de mierda investiga el mal gusto y la sensiblería musical a partir de una contradicción: ¿por qué la persona que más discos vende es de la que más gente se ríe? Carl Wilson quiso hacer una investigación sobre el éxito de Céline Dion pero se descubrió escribiendo un ensayo maravilloso sobre el amor (a la música), el esnobismo como coraza y la capacidad de emoción en tiempos de cinismo. «Un ensayo profundo, provocador, que te obliga a preguntarte quién diablos eres realmente.» NICK HORNBY «Leyéndolo sentí que me acercaba un poco más al gran misterio de la música.» ALEX ROSS, autor de «El ruido eterno»
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Entre la divulgación musical y la irreverencia, el pianista Miguel Baselga desvela la (casi) siempre oculta cara B de la música clásica en este libro en el que tienen cabida batallas de chelos, armonías, panettones y la suegra de Marilyn Monroe. Para acercarse a un mundo tan cerrado y eminente como el de la música clásica, a veces no solo basta con llamar a la puerta: hay que tirarla abajo y desmitificar a sus venerados y peculiares habitantes. Miguel Baselga, el concertista de piano con el espíritu más rock and roll de la escena nacional (e internacional), se enfrenta como nadie a los clichés y paradojas que siempre han rodeado la música clásica. Y lo hace con humor, con su particular estilo irreverente y apasionado, con rigor y, sobre todo, con mucha erudición. ¿Qué le pasaba a Puccini con los panettones? ¿Cómo se construye una armonía? ¿Por quién hay que apostar en una pelea de chelos? ¿Cuál es la diferencia entre la intensidad de un sonido y su frecuencia? ¿Qué tiene que ver la suegra de Marilyn Monroe con el director de orquesta alemán Wilhelm Furtwängler? ¿Los estudiantes del conservatorio escuchan reggaetón? Lo que no me contaron en el conservatorio es un ensayo que surge de la sección homónima que Miguel Baselga presenta cada semana en ''Las Mañanas'' de RNE, en el que se entremezclan la divulgación musical y con las inconfesables confidencias de un pianista.
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Arvo Pärt es uno de los compositores más importantes e interpretados dentro de la música clásica de nuestro tiempo. Su obra, después de un primer periodo de experimentación de corte vanguardista bajo el régimen soviético, transitó hacia temáticas de hondo carácter místico y religioso en las que el maestro estonio profundizó gracias a la creación de un estilo minimalista, por él denominado «tintinnabular», que no tardaría en convertirse en inconfundible y ejercer una enorme influencia en otros músicos. El hermoso itinerario que aquí despliega Mercedes Menchero Verdugo -la maravillosa voz de Radio Clásica- por las músicas de Arvo Pärt se podría equiparar al camino que el propio autor de Tabula rasa o Spiegel im Spiegel tuvo que transitar para alcanzar las cimas y valles de sus composiciones. Ilustrándolo con diez obras que recorren otros tantos capítulos, la autora asume el acendrado ideario de Pärt, quien concibe a sus oyentes como prismas en los que la Luz sonora, esa claridad blanca originaria que son sus partituras, se separa en colores en cada escuchante, según la sensibilidad de cada cual, para reflejar su personal audición y experiencia. «Dios entra en mi vida a través de la música», afirmó el músico al recoger el Doctorado Honoris Causa en Teología por la Universidad de Friburgo, y es esa la ofrenda que se recoge y se vuelve a ofrecer en esta obra íntima y emocionante.
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La intención de este libro es rendir homenaje a la música, siendo la Μελωδία uno de los elementos fundamentales de la misma. Su grafía en lengua griega, que aparece en varios lugares de la obra, alude a la gran importancia que tuvo este recurso sonoro en la cultura que nos ha servido de base para tantas disciplinas artísticas en el mundo occidental.La fusión de la pintura, la lírica y la narración responde a la intención del editor de mostrar la alianza entre estas tres funciones del desarrollo intelectual y sensorial de la especie humana. Son pequeñas aportaciones que despertarán en el lector la emoción por la belleza que se desprende de cualquiera de sus manifestaciones.Los tres autores que participan en la obra gozan de una amplia trayectoria en el desarrollo de los elementos que la integran y han conseguido fundir en una expresión conjunta sus respectivas vivencias.
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Un manual de lectura obligada para todos los músicos que busquen vivir de su oficio en el actual negocio de la música.Cómo triunfar en el negocio de la música hoy es una guía esencial para músicos independientes que desean hacerse un hueco en la voluble industria de la música actual. Con ejemplos reales, consejos prácticos y estrategias paso a paso, el músico, compositor y escritor Ari Herstand ⸺estableciendo metas realistas⸺ explica cómo los artistas pueden construir una carrera musical sólida sin depender de las grandes discográficas.
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Eric Clapton pasa por ser uno de los mejores guitarristas de la historia de la música. Un genio. Pero es también un personaje poliédrico como pocos. En las páginas que siguen vas a conocer la turbulenta vida de «mano lenta»: sus desencuentros con John Mayall o con sus compañeros de la superbanda Cream. Sus intentos de convertirse en algo parecido a sus admirados The Band y de levantarle la mujer a su amigo George Harrison. Sus recurrentes caídas en manos de las drogas y el alcohol. Y su redención. Este es el verdadero Clapton: con sus contradicciones e inseguridades, con sus aciertos y errores.
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El esperadísimo manifiesto del líder del mejor grupo de rap de la historia. Estructurado a partir de varios pasajes fundamentales de su vida, vamos entendiendo lo que aprendió el rapero de sus aciertos y sus errores, todos ellos siempre salpicados por sus diversos intereses: el ajedrez, la religión, la música y las artes marciales. Desde las peores zonas de New York en los años ochenta y noventa hasta las más elevadas cumbres del templo de Shaolin, las lecciones de RZA deslumbran, divierten e inspiran a partes iguales. Una guía filosófica que ilumina e inspira. Un libro fundamental para los amantes del rap. Filosofía oriental, creatividad, estoicismo, artes marciales, espiritualidad, sabiduría callejera y rap. Toda la sabiduría de RZA ''líder del más increíble grupo de rap de todos los tiempos: Wu-Tang Clan'' en un solo libro. «Sorprendente, profundo y provocador: un Siddharta para el siglo XXI.» THE NEW YORK TIMES¿A quién va dirigido el libro El tao de Wu?El tao de Wu se dirige a un público amplio interesado en la filosofía oriental, el rap, las artes marciales, la espiritualidad y el desarrollo personal. El libro resulta especialmente atractivo para los seguidores del grupo Wu-Tang Clan y para aquellos que buscan inspiración en la vida y obra de RZA. Su estilo accesible y la combinación de experiencias personales con conceptos filosóficos lo hacen adecuado tanto para lectores con conocimientos previos en estas áreas como para aquellos que se acercan a ellas por primera vez. La obra puede ser de interés para personas que buscan una guía filosófica práctica y aplicable a la vida cotidiana, así como para quienes aprecian las reflexiones sobre la superación personal y el crecimiento espiritual.Temas que trata el libro El tao de WuEl tao de Wu explora una variedad de temas interconectados, entrelazando la experiencia personal de RZA con principios filosóficos y espirituales. Algunos de los temas principales que se abordan son:Filosofía oriental: El libro integra conceptos del taoísmo, el budismo y otras filosofías orientales, mostrando cómo RZA ha aplicado estos principios a su vida y carrera. Se exploran ideas como la búsqueda de la armonía, la importancia de la meditación y la conexión con la naturaleza.Artes marciales: La experiencia de RZA en las artes marciales, especialmente en el Shaolin, se presenta como una metáfora para el desarrollo personal y la superación de obstáculos. Se analiza la disciplina, la perseverancia y la importancia del entrenamiento mental y físico.Música y creatividad: El libro profundiza en el proceso creativo de RZA como músico y productor, ofreciendo una visión interna de su trabajo con el Wu-Tang Clan. Se exploran temas como la inspiración, la colaboración y la búsqueda de la innovación artística.Espiritualidad: Se aborda la búsqueda espiritual de RZA, mostrando su evolución personal y su integración de la fe en su vida. Se reflexiona sobre la búsqueda del significado, la conexión con lo trascendente y la importancia de la introspección.Vida en la calle y superación: El libro describe la dura realidad de crecer en los barrios marginales de Nueva York, contrastándola con la búsqueda de la superación personal y el éxito artístico. Se explora la resiliencia, la perseverancia y la capacidad de superar adversidades.Ajedrez: El ajedrez se utiliza como una metáfora para la estrategia de la vida, la planificación y la toma de decisiones. Se analiza la importancia del pensamiento estratégico y la anticipación de los movimientos del oponente.Estoicismo: Se incorporan elementos del estoicismo, mostrando cómo la aceptación de la realidad y el control de las propias emociones pueden contribuir al bienestar personal.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro El tao de WuAún no hay opiniones o críticas sobre El tao de Wu.
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Una historia sobre la fidelidad y el amor... a un formato Más que un libro de noventa capítulos dedicados a noventa discos, ¡Lo tengo en vinilo! es una banda sonora. La de la vida de su autor, músico y fan que, desde su infancia, recuerda haber estado rodeado de discos. Discos que han trazado una cartografía musical y emocional a lo largo de sus cincuenta años de existencia y cuyos estilos fluctúan tanto como cualquier trayectoria vital. Discos tristes, alegres, salvajes, intimistas o juerguistas que le han acompañado durante momentos tan importantes como sus primeros pasos profesionales, sus amores y desamores, el fallecimiento de sus padres o incluso una pandemia mundial. Y es que, a entender de Oscar Avendaño, miembro del grupo Siniestro Total durante 21 años, el rock 'n' roll es la música perfecta para acompañar éxitos y fracasos.
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¿Qué es el underground? No es esa idea ahora demodé, importada de los americanos y los beats, tampoco esa adorada “Movida”. Es una actitud, la adolescente pretensión de sentirse diferente, de querer huir de la cultura paternal impregnada de sangre y guerra.A lo largo de la historia siempre nos hemos encontrado con seres inadaptados que han sentido la necesidad de alejarse de los suyos para vivir su vida al margen de la sociedad, el sistema o la ley vigente. Se les ha llamado de mil formas: juglares, errantes, vagabundos, hobbos, bohemios, piratas, malhechores, artistas...De esa actitud y estos seres inadaptados habla este ensayo. Defiende una forma de vivir y actuar que parece de otra época: “otro mundo es posible”. Debemos reivindicar ese estilo de vida, explicarlo y, por qué no, admirarlo. Existe un camino hacia la desviación a través del único medio capaz de camuflar su mensaje para que sólo aquellos que sepan escucharlo se reconozcan: la MÚSICA.
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Un activity book con Taylor Swift como protagonista, la reina de la música mundial.CREA 13 INCREÍBLES DISEÑOS DE MOSAICOS CON PEGATINAS. ¡Para los swifties! ¡Crea alucinantes imágenes de la única e inimitable Taylor Swift con pegatinas geométricas! Da vida a los momentos clave de la carrera meteórica de la superestrella del momento valiéndote de secciones numeradas y originales stickers. Con cada diseño, te sumergirás en la historia de los álbumes, canciones, premios, citas y curiosidades que hacen de Taylor Swift mucho más que una cantautora. Descubre qué la convierte en un ídolo de masas.
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El jazz es uno de los fenómenos artísticos y estéticos más importantes del siglo xx. Su influencia, tanto en el mundo de la música clásica como en los movimientos de vanguardia y sus diversas manifestaciones, lo convierte en un hecho digno de estudio. El libro que el lector tiene en sus manos se ha convertido por méritos propios en uno de los textos clásicos más influyentes y ambiciosos jamás publicados sobre el jazz. Gunther Schuller abarca desde los orígenes del género a finales del siglo xix y principios del xx hasta el primer gran florecimiento en la década de 1930: explora la obra de los grandes solistas de la década de 1920-Jelly Roll Morton, Bix Beiderbecke, Bessie Smith y Louis Armstrong, entre otros-, las big bands más destacadas y los arreglistas más notables-especialmente, Duke Ellington-, y sitúa la música en el contexto de otras tradiciones musicales de la época ofreciendo brillantes análisis de muchas de las grandes grabaciones. Un estudio imprescindible de las primeras décadas del jazz y una guía esclarecedora que deslumbrará a especialistas y aficionados por igual.
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Ensayo breve que mezcla las dos pasiones del renombrado traductor: la literatura y la percusión. -Libro de música, pero marcadamente literario. Tanto se habla de Walter Brundy y John Bonham como de Faulkner y W. G. Sebald. -No hay libros tan literarios con la batería como protagonista principal: tu-pa tu-tu-pa. -Para melómanos.«De ritmo solo carece lo muerto», afirma Ce Santiago, y la vitalidad de este ensayo lo demuestra. Enamorado de la batería desde siempre, Santiago recorre la historia del instrumento y del arte de tocarlo, pero el compás de su prosa única también nos arrastrará hasta el filo del tiempo, el breve aunque crucial lapso que media entre un tic y un tac, allí donde convergen la literatura, la música y la vida entera, donde la tríada ritmo-cuerpo-instrumento se funde en un solo mandato que dice: bailemos.
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Drogas, hedonismo, fin de semana y música de baile. Una historia de la Fiesta en España por el guionista de la serie Megamix BrutalFiesta relata el origen, auge y caída de uno de los fenómenos juveniles más masivos de la historia reciente: los fines de semana discotequeros, la música electrónica de baile y el consumo de drogas recreativas. Un movimiento que evolucionó y fue asimilado de formas distintas por la realidad social y política de nuestro país.Desde 1982 hasta la actualidad, Asier Ávila recorre la intrahistoria de algunos de los hitos más influyentes de eso que llamamos «salir de fiesta»: la llegada de la primera pastilla de éxtasis a España y su posterior masificación, la conversión del baile en expresión generacional o el reinado de los disyoqueis y el apogeo de las discotecas más míticas. También se sumerge en el lado oscuro de este éxito, muchas veces tragicómico, que generó imperios multimillonarios, atentados terroristas, adicciones y violencia.Un viaje lisérgico en compañía de Antonio Escohotado, Nando Dixkontrol y Abel Matutes a través de las pistas y cabinas de Ku, Radical o Ars Studio mientras por los altavoces suenan las notas finales de una sesión de acid house o el último Máquina Total.
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En Bodies, Ian Winwood explora los muchos fallos de la industria musical, desde la adicción y los problemas de salud mental hasta la continua explotación de los artistas.Winwood presenta un argumento convincente y da la vuelta a algunas nociones arraigadas sobre el 'exceso de rock and roll', uniendo hábilmente una gran cantidad de información... y aderezándola generosamente con humor negro y autocrítico.Mucho más que un reportero de la línea de banda, cuenta también la historia de su propio colapso de salud mental, tras la espeluznante muerte de su padre, en la que una industria imprudente dio perfecta cobertura a un comportamiento en vías de extinción.Se trata de un libro astuto, divertido, psicológicamente perspicaz, franco, bien escrito y asombroso.
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Descubra la historia detrás de cada álbum, cada era. De sus singles de éxito a las joyas ocultas, desde temas que escribió en determinados momentos de su vida en que produjo sus álbumes hasta nuevas versiones. Fascinantes detalles de cada una de las canciones que ha lanzado Taylor Swift. Existe una muy buena razón por la que Taylor Swift y su música llevan tiempo siendo un eje central, y sus melodías continúan resonando entre innumerables generaciones de swifties. Sus canciones son clases magistrales de narración, verdaderas crónicas de los altibajos que implica el crecer y tratar de encontrarse a uno mismo. Todas sus letras son ricas en elaboradas metáforas, alusiones religiosas, referencias históricas y literarias, y cuidadísimos puentes repletos de giros argumentales. En muchos casos, las canciones de Swift son incluso profundamente autorreferenciales, con imágenes y giros que van enlazando la época de sus álbumes con delicadas cuerdas que no siempre son tan invisibles. Annie Zaleski se sumerge en el catálogo más importante del pop mediante el análisis de la inspiración de la artista, su proceso de creación de las letras y mucho más, y así relata la historia de la increíble carrera de Taylor a través de su música.¿A quién va dirigido el libro Taylor Swift. Historia detrás de sus canciones?Este libro está dirigido a los seguidores de Taylor Swift, conocidos como "Swifties", que desean profundizar en el significado y la creación de sus canciones. También resultará atractivo para aquellos interesados en el análisis de la narrativa musical, la evolución de la carrera de una artista icónica y la influencia de la cultura popular en la música. La obra ofrece una perspectiva detallada sobre la composición de las letras, la inspiración de la artista y el proceso creativo detrás de cada álbum, lo que lo convierte en una lectura enriquecedora tanto para los fans acérrimos como para aquellos que buscan una comprensión más profunda del trabajo de Taylor Swift. Se presenta como una herramienta para comprender la complejidad y la riqueza de las letras de la artista, analizando las metáforas, las referencias históricas y literarias, y las conexiones entre diferentes épocas de su carrera.Temas que trata el libro Taylor Swift. Historia detrás de sus cancionesEl libro explora la trayectoria musical de Taylor Swift a través de un análisis exhaustivo de sus canciones. Se centra en:Análisis de las letras: Se examinan las letras de las canciones de Taylor Swift, desentrañando sus significados, metáforas, referencias culturales y conexiones entre diferentes álbumes. Se profundiza en la narrativa presente en cada canción y cómo esta se relaciona con la vida personal y las experiencias de la artista.Inspiración y proceso creativo: Se investiga la inspiración detrás de cada canción, incluyendo las experiencias personales, las relaciones, los eventos de la vida de Taylor Swift y las influencias literarias y musicales que han dado forma a su obra. Se describe el proceso creativo de la artista, desde la concepción de una idea hasta la grabación final de la canción.Evolución musical: El libro rastrea la evolución musical de Taylor Swift a lo largo de su carrera, analizando cómo su estilo ha cambiado y evolucionado a través de sus diferentes álbumes. Se exploran las diferentes etapas de su carrera y cómo estas se reflejan en su música.Conexiones entre álbumes: Se analiza la interconexión entre los diferentes álbumes de Taylor Swift, identificando temas recurrentes, imágenes y metáforas que unen su obra en un todo coherente. Se revela cómo las canciones de diferentes épocas se relacionan entre sí, creando una narrativa más amplia.Contexto cultural: Se contextualiza la música de Taylor Swift dentro del panorama cultural más amplio, analizando su impacto en la sociedad y su influencia en la música popular. Se explora la recepción de su música por parte del público y la crítica.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Taylor Swift. Historia detrás de sus cancionesAún no hay opiniones o críticas sobre Taylor Swift. Historia detrás de sus canciones.
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Una cartografía tan detallada como contextualizada de los grupos e intérpretes que han marcado las últimas décadas de nuestro rock.Un bestiario. Así le gusta definir a su autor este ensayo sobre la historia del rock en el Estado español entre 1991 y 2021. Pero este no es un bestiario de animales míticos y fabulosos. Sus protagonistas existieron y fueron muy reales, por mucho que una gran mayoría no dejase rastro en los medios de comunicación. De eso va este libro. De devolver a la luz una música y a sus protagonistas.El inicio del periodo señalado lo marca el nacimiento del rock alternativo y su cierre apunta tanto a la pandemia del coronavirus como a la irrupción de nuevas músicas urbanas (reggaetón y trap) que darían carpetazo al tiempo anterior. Durante esas décadas se vivió en el Estado un momento dulce para una música hecha de abajo arriba, antisistema y contestataria. Sus artistas a menudo pelearon contra el marco musical imperante, identificado a veces con la Movida y que hoy señalaríamos como Cultura de la Transición. Piedra contra tijera buceará ahí para cartografiar el heterogéneo conjunto de movimientos que se asoció durante ese tiempo al rock. Realizará su labor con esmero, intentando combinar exhaustividad y profundidad con ánimo pedagógico y regocijo en la escritura. Es el manual de trabajo de un apasionado del rock y la política, un libro de historia que mira de frente a su tiempo y toma la palabra con atrevimiento. Un libro que no pretende cerrar un conocimiento, sino mostrar los poliédricos caminos de lo cultural y lo social e invitar a recorrer nuevas sendas colectivas.
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En esta obra, considerada desde hace años un clásico de la disciplina, Enrico Fubini arroja luz sobre los temas fundamentales, las corrientes más importantes y los problemas clave de la estética musical. Proporciona así una síntesis cronológica del pensamiento musical en Occidente, desde los poemas homéricos hasta las últimas tendencias contemporáneas, que comprende las reflexiones sobre la música no sólo de los propios músicos y estudiosos de la estética, sino también de filósofos, matemáticos, físicos y pedagogos.
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L'era dels àlbums
Un llibre imprescindible per descobrir les històries humanes darrere dels millors àlbums de la història de la música moderna.Aquest llibre no pretén ser exhaustiu. Tampoc aspira a ser consistent respecte a un criteri universal. No té intenció, tampoc, de fer equilibris sobre cap mena de paritat. Àlex Torío ha mirat de distribuir els discos amb una certa equitat cronològica i s'ha sacrificat per no posar més d'un disc d'un mateix músic o banda. Per tant, és un llibre injust en què tothom pot trobar a faltar alguna cosa. Ell hi troba a faltar molts discos, però ha acabat acceptant que no feia una enciclopèdia. Es podria haver fet el mateix llibre amb 40 discos diferents. Amb tries alternatives, es podrien haver fet altres llibres que no serien secundaris. No es descarta que es faci. Sintetitzar la història del pop-rock, música d'arrel negra i anglosaxona, és una tasca inabastable, i sempre serà incompleta, però ens ho podem passar bé considerant-la encara que només sigui parcialment.
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La biografía definitiva de Chuck Berry, el legendario inventor del rock and rollConocido principalmente por ser el compositor de clásicos como «Johnny B. Goode», «Maybellene», «You Never Can Tell» y «Roll Over Beethoven», Chuck Berry fue un hombre sumamente contradictorio cuyos propósitos e intenciones siempre estuvieron envueltos en un halo de misterio. ¿Cómo llegó un joven delincuente a componer tantas canciones que transformaron la cultura estadounidense? Y una vez que logró fama y reconocimiento, ¿por qué puso en peligro su carrera con su comportamiento imprudente?Dotado de un talento sin igual, Chuck Berry alcanzó una enorme repercusión social y política con sus canciones, que consiguieron que el mundo se pusiera en pie y empezara a bailar. Sin embargo, su poca predisposición a hablar, tanto de sus logros personales como de sus pasos en falso, hizo que la complejidad de su vida y su música quedara en gran medida inexplorada…… Hasta ahora.
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Pocos compositores han gozado de la aceptación crítica o la longevidad de Jean Sibelius, que murió en 1957, a los 91 años, después de haber puesto a Finlandia en el mapa de la cultura europea, por mucho que su figura superase con creces los límites nacionales para llegar a ser uno de los pilares centrales de la música clásica contemporánea.A través de un fascinante recorrido que no explora únicamente su vida y su obra, sino también su relación con las artes visuales, la literatura, la arquitectura o la política de su tiempo, Daniel M. Grimley ofrece tanto una introducción accesible y provechosa para el público general como una novedosa y provocadora interpretación de las múltiples facetas de este creador excepcional para aquellos ya familiarizados con su música.
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Este manual es el primer programa didáctico completo escrito en castellano que aborda con profundidad y rigor todas las áreas de la industria musical. Estructurado en dos volúmenes complementarios y con la colaboración de más de una treintena de especialistas del sector, ofrece una visión transversal, actualizada y didáctica de uno de los sectores más dinámicos, complejos y apasionantes del ecosistema cultural y creativo.La caja incluye además una colección de infografías en una carpeta aparte que recorren la historia de la industria musical de forma gráfica.A través de 35 capítulos organizados en seis bloques temáticos, el manual analiza tanto los pilares fundamentales —como la figura del artista, los derechos, el marketing o las fuentes de financiación— como los grandes retos contemporáneos —desde la salud mental y la innovación tecnológica hasta la sostenibilidad y el impacto del Big Data—. En sus páginas se exploran también las realidades específicas de la música grabada, la edición musical y la música en directo, con especial atención al marco legal, las audiencias, la producción y los modelos de negocio del futuro.Con un enfoque pedagógico pero accesible, cada capítulo está acompañado de gráficos, imágenes y recursos visuales que facilitan la comprensión lectora, convirtiendo esta obra en una herramienta esencial tanto para quienes se inician en el sector como para profesionales que deseen actualizar conocimientos.Nacido del espíritu colaborativo y del respeto por quienes hacen posible la música, este manual se proyecta como semilla para desarrollos futuros, consolidando un punto de partida sólido para la profesionalización, vertebración e internacionalización del sector musical en el ámbito hispanohablante.
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La presente edición recoge el conjunto de los versos que el P. Antonio Soler escribió para el órgano en el monasterio de El Escorial. Los versos de Regina caeli y Te Deum ya habían sido editados por este mismo autor.Los versos para la Misa se editan ahora por primera vez y suponen una enorme aportación a la obra organística del P. Soler, no solo porque no eran conocidos, sino por ser un conjunto de tres juegos perfectamente ideados y simétricos en su conjunto.Cada juego de versos, escritos para las partes del común de la misa, consta de 19 versos, correspondientes a las partes de los Kyries (4), Gloria (8), Sanctus (3) y Agnus Dei (3) más uno para el final llamado Coreado y que, en realidad, no podría llamarse verso, porque no alterna con ningún otro canto, sino que sirve para cerrar el final del acto, teniendo un carácter improvisatorio muy destacado. Un total de 57 versos.Una característica importante del conjunto consiste en que se indican siempre el tempo y los registros del órgano, que suelen coincidir casi exactamente en cada uno de los juegos, consiguiendo una perfecta unidad y equilibrio.La estructurada mente de Antonio Soler muestra con esta obra una nueva aportación para el conocimiento de la historia de la música en el monasterio de El Escorial, obra que tiene su más exacta presentación con la música de los cantorales escurialenses y su estilo de interpretación.
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Con un tono irreverente y siempre cargado de humor, el Olimpo Rock es una original sitcom protagonizada por las estrellas del rock que por degracia ya no están entre nosotros. Además de servir como homenaje póstumo, nos permite conocer varias de sus historias y sus rasgos de personalidad. El Olimpo Rock fue creado en octubre de 2010 por Álvaro Ortega y desde entonces ha sido publicado bimensualmente en la revista TMEO. Este libro recopila los 20 mejores capítulos, que han sido revisados, actualizados y complementados con textos de Iñaki García.
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Si todos sabemos (o intuimos) que la música nos despierta los sentidos, este libro nos ayudará a entender cómo lo hace. El músico y neurocientífico Daniel J. Levitin compone en estas páginas una amena sinfonía de la mano de Mozart, Ella Fitzgerald o los Beatles para mostrarnos por qué escuchar música es un gran placer. «Una visión de conjunto maravillosa, a manos del único neurocientífico que podía hacerlo. Un libro importante». OLIVER SACKS
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El 12 de julio de 1962, los Rollin' Stones ofrecieron su primer concierto en el Club Marquee de Londres. Poco después, se añadió una «g», se encendió una chispa y su destino quedó sellado. Ya no había marcha atrás. Estos cinco chavales blancos británicos se proponían tocar música afroamericana. Perfeccionaron un estilo rebosante de matices de blues mezclados con oscuras insinuaciones a las mujeres, al sexo y a las drogas. Denunciados como «corruptores de la juventud» y «mensajeros del diablo», crearon algunas de las canciones más electrizantes jamás grabadas. Su sonido y actitud parecen ahora más fuertes e influyentes que nunca. Elvis ha muerto y los Beatles ya pasaron, pero Jagger y Richards dominan el mundo. Contradiciendo al proverbio inglés, puede que acumulen musgo, pero son culos de mal asiento y no pueden dejar de rodar. Sin embargo, ¿cómo se convirtieron estos sumos inadaptados antisistema en la marca global que hoy conocemos? ¿Quiénes fueron sus víctimas? ¿Cuál es el legado olvidado? ¿Alguna vez realmente puede el artista separarse del arte? El nuevo relato de Lesley-Ann Jones sigue la huella de esta banda contradictoria, perturbadora, granítica e imparable a través de las ilusiones, la gloria y el exilio, durante sus años de fuerza arrolladora y en su posterior ajuste de cuentas con el rock, donde los Stones parecen estar más en desacuerdo que nunca con los valores y la herencia contra los que siempre se han rebelado. Buenos, malos y a menudo feos: señoras y señores, los Rolling Stones como nunca se habían visto.
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Viajando por entre la neblina púrpura del idealismo y la paranoia de los años sesenta, Jimi Hendrix fue el hombre que hizo que Eric Clapton se planteara dejarlo, ante quien Bob Dylan se plegó en su canción «All Along the Watchtower», quien obligó a Miles Davis a replantearse su estilo convencional, y cuyo «Star Spangled Banner» marcó Woodstock. Y cuando su estrella, que con tanta fuerza brilló, se extinguió tan prematuramente, su leyenda perduró en la música y el misterio que rodeó a su muerte. Rompiendo con el tradicional formato de las biografías del rock, Vida y muerte de Jimi Hendrix es una exploración oportunamente psicodélica y caleidoscópica de su vida y su muerte, y un viaje al oscuro corazón de los años sesenta.
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Que pagui Pujol
Un relat político-musical del panorama punk a la Barcelona dels 80, torna 13 anys després de la seva publicacióDeia Galeano que la història és sempre pura profecia: pel que no ha estat, i contra el que ha estat, anuncia el que serà.Per això, quan pretenen exiliar-nos de la nostra pròpia història, endinsar-se en aquesta crònica músico-sentimental d'ascendència montalbaniana que tragina pels Somorrostros invisibles de l'escena musical alternativa de la Barcelona vuitantera és aire fresc. I tots els interrogants oberts: de nou i un cop més. Amb rivet de crònica salvatge.En el triple salt mortal d'uns joves que van saltar al buit per no caure en l'abisme que els oferia un sistema d'exclusions.Joves lliures contra la seva pròpia història, contra el destí buit que algú els havia dissenyat. Lliures, a voltes, fins a l'extrem d'una autodestrucció desesperada, via speed o via heroïna.De les restes d'aquell naufragi, de les runes i engrunes d'aquell laboratori econòmic repressiu edificat amb la transició, van néixer les pasteres des d'on seguim resistint.
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Cecilia 2 nació bajo el signo de los discos malditos. En 1973 Evangelina Sobredo era una artista que había cosechado un gran éxito comercial con su primer álbum, pero de la que mucha gente esperaba más de lo mismo. En su segundo trabajo, en cambio, la artista se sinceró emocionalmente y decidió abordar temas espinosos, que llevaban décadas silenciados —,la memoria de la Guerra civil, la emancipación femenina, el suicidio—,, pero que pronto transformarían el país arriba abajo. No obstante, la valentía de Cecilia no fue secundada por una discográfica que privaría al álbum de su cubierta y su nombre originales, a lo que se sumó el autoritarismo de una censura que, a pesar de la agonía del régimen, aún sacó fuerzas para prohibir que uno de sus temas —,«Un millón de sueños»—, sonase en las radios. Despojado de sus señas de identidad, el disco fue un fracaso en ventas, aunque medio siglo después es su álbum más elogiado. Este ensayo reconstruye el proceso de creación de este esperado segundo LP de Cecilia y aporta el contexto necesario para entender la importancia de la artista como icono transgresor en nuestra historia musical.
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Ricardo Pérez Montfort presenta un conjunto ensayístico que, mediante la música como hilo conductor, reconstruye la historia cultural de México durante el siglo xx desde distintos ángulos y provee un diálogo con todos los factores que propiciaron la construcción de una identidad para lo mexicano. Es una obra que no sólo brinda una nueva perspectiva y premisas interesantes sobre la música mexicana, sino que también incorpora su discurso a un recorrido histórico y político donde distintas ideologías, una sociedad latente y un espíritu inigualable surge entre el resto.
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Rumours, obra maestra de Fleetwood Mac, 50 años después de ver la luz, sigue siendo uno de los discos más valorados de la historia, manteniéndose, año tras año, entre los más vendidos. Este libro revela todos los detalles alrededor de él. Tras casi cinco décadas desde que viera la luz, Rumours sigue siendo uno de los discos más valorados de la historia de la música, y uno de los cinco más vendidos año tras año. Esta obra capital de Fleetwood Mac continúa atrayendo a nuevos oyentes interesados en lo que se creó bajo el sol de California vadeando aguas turbulentas. Cualquier otra banda se habría separado tomando como excusa uno solo de los múltiples contratiempos que se le cruzaron a Fleetwood Mac en el camino… o que ellos mismos provocaron. Sin embargo, se negaron obstinadamente a darse por vencidos y desaparecer. Solo así se explica que Rumours, su obra maestra, surgiese en el peor momento de sus vidas personales, regado por abundante cocaína, alcohol y hasta tanques de óxido nitroso. Compuesto en medio de torbellinos de dimensiones verdaderamente épicas, con rupturas sentimentales de cada uno de sus cinco componentes, dos parejas rotas y relaciones cruzadas entre ellos, todo aquello que se conjuraba para hacerlo imposible fue precisamente lo que convirtió a Rumours en un disco excepcional e irrepetible. La trascendencia de este álbum a través del tiempo se explica a partir de un sinfín de factores externos e internos. Eso es precisamente lo que Xavier Valiño descifra en este libro, reparando hasta en el más mínimo detalle y rememorando además los antecedentes y sus consecuencias, así como las once canciones que incluye, y que son, en suma, la esencia de un triunfo único e inopinado, tanto artístico como comercial.
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