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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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¡El miedo acecha al territorio! reúne los escritos del músico Thom Yorke y el artista visual Stanley Donwood entre los años 1999 y 2000, un período marcado por el proceso creativo que dio lugar a dos de los discos más experimentales y aclamados de Radiohead, Kid A y Amnesiac.Faxes, notas, letras de canciones, dibujos, listas, garabatos, todo un collage que documenta el trabajo de dos artistas en plena ebullición. El resultado es una fascinante inmersión en dos álbumes que son ya dos clásicos de la música contemporánea, reflejo de los miedos, augurios y fantasías que el mundo provocaba con la llegada del nuevo milenio.«Los temas que el libro explora -el calentamiento global, la vigilancia gubernamental, el poder corrosivo de internet- siguen siendo sorprendentemente vigentes».The Scotsmanrix de Flore y el Prix Maison Rouge, esta divertid¡sima y afilada sátira llena de matices sobre la cultura de la cancelación y el choque generacional ha confirmado a su autor como una de las voces más interesantes del actual panorama literario francés.uando la atracción femenina entra en conflicto con una cultura masculina en crisis.el Manzano Martos, protagonista, junto con Chueca, del rescate del Arco de la Latina y su subsiguiente reconstrucción en la Ciudad Universitaria.
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A las puertas del vigésimo quinto aniversario de la muerte de Frank Sinatra, se edita por primera vez en España, con una nueva introducción del autor, el sentido recuerdo que, a modo de semblanza, compuso Pete Hamill (confidente y compañero de correrías ùa quien Sinatra trató de convencer, sin suerte, para que escribiera sus memoriasù) cuando la noticia de la muerte de «La Voz» le sorprendió en la sala de embarque de un aeropuerto.En este singular homenaje al crooner acaso más idolatrado de la canción estadounidense, el periodista y galardonado autor ofrece una evocación ponderada de la esencia de Sinatra, examinando su arte y su leyenda desde el punto de vista de un confidente y fan. A partir de las conversaciones íntimas mantenidas a lo largo de muchos años, Hamill revela cómo Francis Albert Sinatra fue cincelado por la xenofobia con la que se trató a la comunidad ítaloamericana durante su infancia, pero también por las iniquidades que trajeron consigo la Ley Seca, la Depresión, y pasó una juventud marcada por la guerra, tras la cual hizo suya la lucha contra el racismo, con lo que se hizo acreedor a la furia de laderecha y de los medios sensacionalistas que lo asociaron a la mafia para afearle su apoyo a las causas progresistas que abrazó con bravura desde temprana edad, y acabó convirtiéndose en el trovador de la soledad urbana.Engendros ambos del mismo paisaje urbano, tanto a Hamill como a Sinatra se les puede atribuir el mérito de haber dado voz a la ciudad y a sus gentes. Con sus canciones, Sinatra permitió a millones de personas cantar sus propias historias, dotando a toda una generación de un sentido de la tradición musical al tiempo que legando la banda sonora de una época en la que le cupo el privilegio de nutrirse, en compañía de grandes intérpretesy arreglistas, de las grandes obras del American Songbook. Con él, una América más joven se abría paso en una época, para mayor colmo y gloria, más inhóspita, durante la cual Sinatra sería la viva encarnación de la lealtad, la humildad, el remordimiento, la fuerza, el hundimiento y el éxito del ángel caído y renacido.
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Stephen Johnson, compositor, dirige en la BBC un programa de música clásica y explora en este texto cómo la música de Shostakovich se fue gestando bajo la época del Terror de Stalin, y cómo logró dar forma a losmiedos y esperanzas de un pueblo castigado por la guerra y la historia. Johnson escribe sobre el poder terapéutico de la música para quienes padecen desórdenesmentales y cuenta cómo la música de Shostakovich leinsufló a él mismo una fuerza insospechada en su lucha contra el trastorno bipolar. El texto enlaza episodiosautobiográficos con entrevistas realizadas a músicosrusos coetáneos de Shostakovich y con reflexiones sobre la particular lectura que hace Johnson de filósofos, psicoanalistas y neurólogos, hasta dibujar ante nosotros una imagen profunda y convincente de cómola música concebida por una persona encierra el hechizo que permite salvar la vida de otra persona.
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La biografía oficial y autorizada de Joaquín Sabina. La publicación en el año 2000 de la biografía Perdonen la tristeza supuso una excelente noticia para la legión de seguidores que Joaquín Sabina tiene repartidos entre España y Latinoamérica, pues contenía la mayor información hasta esa fecha de su vida y obra. Permaneció durante meses en las listas de los libros más vendidos, y Sabina dijo de ella: «A mí se me había olvidado mi vida y Javier Menéndez Flores me la ha recordado. He leído el libro con placer». La presente edición, ampliada y puesta al día, supone el retrato biográfico más completo del artista andaluz. El autor, el único periodista que ha escrito un libro sobre Sabina con el propio Sabina, el que más veces lo ha entrevistado y quien mejor conoce las claves de su cancionero, ha revisado el texto original y analizado los aspectos más relevantes de su trabajo a partir del irrepetible 19 días y 500 noches: discos de estudio, recopilatorios y en directo giras propias y compartidas colaboraciones con otros músicos libros. Un libro imprescindible para conocer a fondo la impronta creadora y el carácter audaz de uno de los más brillantes escritores de canciones en español de todos los tiempos.
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Compuesto a partir de más de 250 nuevas entrevistas con miembros de ''Nirvana'', ''Pearl Jam'', ''Soundgarden'', ''Alice in Chains'', ''Green River'' y muchos más, esta obra es un retrato a la vez conmovedor, divertido, escandaloso y enormemente perspicaz de una era musical extraordinaria. Captura los antecedentes, auge y apogeo de la era grunge en las palabras de los músicos, productores, representantes, etc.
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Con El ruido eterno, Alex Ross consiguió un éxito sin precedentes con un libro sobre música: la unanimidad crítica y la popularidad entre los lectores lo convirtieron en el gran autor internacional sobre el tema. Su apasionada exploración de este arte «nos demuestra que comprender la música es una forma de entender el mundo» (Time). Con Wagnerismo, el segundo volumen que contiene este estuche, ha vuelto a repetir un asombroso ejercicio de historia cultural, tan ambicioso como accesible, cuyas páginas esconden tanto un fascinante análisis de la influencia de alcance universal de Richard Wagner como una mirada emocionante a la cultura europea y estadounidense del último siglo y medio.
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Paco Loco es nuestro productor musical más emblemático. Es nuestro Phil Spector. Grammy nominated, columnista ocasional, víctima de un síndrome de Audiógenes incurable, Paco Loco nos abre las puertas de su estudio y nos invita a descubrir los secretos de su sabiduría chiflada y de sus míticas grabaciones.Conoceremos a Muni, pero también a Hiss & Hum, huiremos de coches que explotan, entenderemos lo de los ruidos que no se oyen, pero sí que se escuchan, aprenderemos cómo se puede ser un yonqui de lo retro y afirmar que el futuro es el pasado y que hay que volver al cassette y que lo peor es la rutina (Turner) y que los Pactos Locos (Donald, Lucas) es un gran nombre de grupo y que… Hay que leer este libro que cuenta con la participación de algunos de los nombres más significativos del panorama musical: Muni Camón, Nacho Vegas, Fran Nixon, Joaquín Pascual, John Agnello, Paco Neuman, Steve Wynn, Mikel Erentxun, David Carabén, Juan Santaner, Pedro Vigil, Miguel Fuentes, Pablo Errea, Josh Rouse, Gary Louris…
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Parte notable y muy viva de la cultura popular española, la copla ha sido durante décadas, salvo honrosas excepciones, injustamente ignorada por el mundo intelectual y académico, víctima de prejuicios ideológicos que resulta obligado remover de una vez por todas. Ha llegado la hora de escucharla, de pensarla, de tomarla en serio. De pensar su lugar en la vida cotidiana de quienes la han cantado, de quienes la han escuchado y de quienes, tarareándola, la han convertido en la melodía de fondo de sus vidas. Antropólogos, sociólogos y psicólogos sociales deben sentirse concernidos. Y porque, nacida antes de la guerra civil, siguió presente en la posguerra tanto en el interior como en el exilio y se hizo escuchar igualmente durante la transición, los historiadores pueden también mostrarse interesados. No menos los filósofos y los psicoanalistas, dada la intensidad con la que en la copla se escucha el deseo de la mujer en tantas de sus modulaciones, incluso en tiempos en los que a ellas les estaba prohibido nombrar su deseo. Qué decir de los musicólogos, quienes encontrarán ocasión de ocuparse de un ámbito que suele permanecer alejado de sus agendas. También pueden sentirse implicados los teóricos de la literatura, los historiadores del arte y los artistas plásticos que abordan la copla como tema literario o estético. Y tanto más los analistas y estudiosos del cine, dada la intensa presencia de la copla en la historia del cine español. El presente libro recoge una selección de las valiosas aportaciones presentadas en el X Congreso Internacional de Análisis Textual que, con el título «De cómo la copla canta el deseo de la mujer», se celebró en Córdoba durante los días 6, 7, 8 y 9 de febrero de 2019. Nombres tan dispares y reconocidos como los de Julio Anguita (su escrito póstumo sobre la copla se incluye aquí), Martirio, Josefina Molina, Pive Amador, Jesús González Requena, Paco Clavel, Juana Martín, Carmen Agredano, Luis Martín Arias y otros muchos confluyen en sus páginas. El resultado es una obra que muestra, en todas sus vertientes, el inapreciable legado de la copla a nuestro acervo cultural.
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La increíble historia de Gonzalo García Pelayo empieza hacia el final de los años sesenta en un pequeño pub de Sevilla (Dom Gonzalo), donde un puñado de músicos ansiosos por fusionar el rock con la idiosincrasiaandaluza se mezclan con los jóvenes políticos del nuevo PSOE llamados a protagonizar la transición a la democracia. Por allí pasan Felipe González y Gualberto,Alfonso Guerra y el malogrado Julio Matito, Amparo Rubiales y Henrik Michael. Allí se gestan las primeras, legendarias, grabaciones de Smash y allí arranca lacarrera pública (artística, empresarial, lúdica y cuantos adjetivos quiera uno adjudicarle) de Gonzalo García Pelayo, el auténtico factótum del sello Gong, una de las iniciativas editoriales más insólitas, ambiciosas y fértiles de la historia del pop español. Antes de su aventura como productor discográfico (artífice de los primeros discos de Triana y figura esencialdel rock andaluz), Gonzalo había creado y dirigido laprimera emisora musical (Radio Popular FM) con personalidad y criterio de nuestra historia, y después consolidó su carrera como director de cine y su reputación como jugador profesional. Muchas vidas en una sola, tan fértil como fascinante, que el propio García Pelayo ha rememorado, desde su niñez hasta ahora, a lolargo de muchas horas de conversaciones con Luis Lapuente plasmadas en este libro. Muchas vidas, en fin, que se resumen en una idea central que ha vertebrado todos sus actos: nunca mirar hacia el pasado, nostalgia solo del futuro.
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A lo largo de su vida, John Coltrane concedió algunas entrevistas a periodistas, pero nunca llegó a ser una actividad que le interesara especialmente. Se mostraba reticente a conversar porque, aseguraba, no tenía claro que las palabras que él dijera pudieran llegar a expresar su pensamiento con tanta claridad como lo hacía con su música. Quienes le trataron describen a un hombre calmado, afable y modesto, una imagen que contrastaba profundamente con la del artista encima del escenario o en el estudio de grabación, siempre volcánico y espiritual, capaz de desplegar una intensa fuerza musical en busca de lo desconocido. En efecto, aquella profunda aventura sonora era difícil de traducir a palabras y frases. Sin embargo, Coltrane nos dejó algunas reflexiones profundas que nos ayudan a comprender lo que pasaba por su cabeza, y cuál era el ideal estético que palpitaba en lo más profundo de su alma. En 1962 y 1963, Coltrane actuó en París, y allí conversó con el crítico Michel Delorme, una de las figuras más relevantes en la difusión ...tanto en lo periodístico como en su trabajo como director artístico de importantes sellos discográficos... del jazz en Europa. Estas entrevistas, tan raras y a la vez tan clarividentes, abren la puerta a la mente del genio y son, por tanto, una excelente manera de acercarse lo máximo posible a lo más inexpresable e inefable de su música, y refuerzan el significado profundo de aquella famosa frase de Charles Lloyd: «el mundo era un poco mejor cuando lo habitaba John Coltrane».
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Us presentem un recull de seixanta-cinc melodies escrites per l?autor per a ser interpretades amb dolçainaa una o dues veus i per a ser tocades en les manifestacions festives de la ciutat de Morella: retaules, cercaviles, etc. Han estat escrites entre 1980 i el maig de 2020. La pandèmia i el subsegüent confinament,que, a més del patiment i la preocupació, ens van regalar bona cosa de temps lliure, han servit per acabar-ne i completar-ne algunes i fer-ne alguna de nova. S?han interpretat, moltes per primera volta, al balcódecasa ?no podíem eixir? uns minuts abans de les vuit de la tarda justet al punt de l?aplaudiment veïnal,desdel 16 de març fins al 2 de maig, sense repetir-ne cap. Algunes d?aquestes melodies ja són de dominipúblic, com El carrer de les Calçades, que ja sona per totel País Valencià, La plaça de la Font, dedicadaper l?autor als dolçainers de Vilafamés, i altres que ja fa temps que interpreten els dolçainers de Morella, entre elles una que tenen dedicada i que porta per títol Gaiteros de Morella. La intenció és deixar constància escrita d?un conjunt de tonades dolçaineresque jafa temps que sonen i altres que no s?han sentit mai,perquè puguen interpretar-se en l?àmbit de lamúsica festiva popular. També es pretén donar una certa continuïtat a l?estil dels dolçainers de Morella,atés queen algunes de les melodies es refan fragments que l?autor recorda de menut, quan sentia tocar lescercaviles a Elías Royo Garrafa.
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«Cada estrella lleva escrito su nombre y su color,pero la mía era distinta. Viajó en mi bolsillo por muchos años, sin nombre, sin luz, sin amor. Si algunavez brilló, ni siquiera se dio cuenta, permanecióen la sombra, esperando paciente a ser descubierta.Hace un tiempo la escuché, miré en mi bolsillo y ahíestaba, tranquila, como si quisiera decirme algo. Laabracé y la presenté al mundo. Y brilló, brilló tanfuerte que ya no fue capaz de ocultarse más. Y hoy quiere que te quedes conmigo, abrazándonos para oír su historia…,».Blas Cantó repasa los momentos que más le han marcado a lo largo de su vida,tanto a nivel personal como profesional, en un recorrido lleno de sensibilidad y emotividad, en el que desvela su lado más íntimo.
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Playlist. Rebels i revolucionaris de la música
James Rhodes és una de les grans estrelles del moment. La seva formació acadèmica musical va començar als catorze anys i va acabar quatre anys després, quan va deixar de tocar el piano durant una dècada. Des que va tornar a la música, ha llançat set àlbums, ha actuat en alguns dels escenaris més prestigiosos del món i ha publicat 3 llibres supervendes.
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Seguro que más de una vez has hecho ''el paso del caballo'' para bailar la canción Gangnam Style o te suenan grupos como BLACKPINK o BTS, si es así, déjame darte la bienvenida al mundo del K-pop.En K-POP ROOKIEconocerás sus orígenes, desde Seo Taiji and Boys, pasando por BIGBANG, hasta grupos más recientes de la cuarta generación como Stray Kids o ITZY. Conoce el vocabulario imprescindible para entender cómo funciona la industria musical surcoreana que está arrasando enlas listas de éxitos de todo el mundo.El libro incluye también un capítulo especial dedicado al grupo de K-pop que está conquistando el mundo, BTS. Descubre cómo se formó el grupo, la trayectoria desde el debut hasta llegar al nº1 de las listas Billboard y la historia de cada uno de sus integrantes.
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En 1969 los Beatles se reunieron en sus estudios Apple para grabar un proyecto inicialmente llamado Get Back, título homónimo de la canción que debíadar nombre a su último álbum publicado, y que finalmente se acabó llamando Let It Be. Durante veintiún días, y sin precedentes en su trayectoria, se rodearon de cámaras, grabadoras y fotógrafos que archivaron sus últimos días como cuarteto y documentaron sutrabajo diario, así como el ensayo de nuevas y antiguas canciones para la preparación de su legendario último concierto en la azotea del edificio de Apple el30 de enero de 1969. Estas sesiones dieron lugar al álbum y la película Let It Be, lanzadosen mayo de 1970, con el grupo ya disuelto, y que representan el único momento en la historia de los Beatles que fueron grabados durante tanto tiempo creando música. Todas las fotografías y las grabaciones tomadasen exclusiva (más de 120 horas) han estado almacenadas durante más de 50 años. Ahora, por fin, y tras todo este tiempo, Get Back revela, por primera vez, el contenido de esas sesiones.
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Curtis Mayfield fue uno de los intérpretes y compositores más influyentes de la historia de la música popular estadounidense. Sus letras reivindicativas tuvieron sobre el soul y el rhythm & blues un efecto liberador, pero fue aún más importante su papel como referente social y el peso que su música tuvo sobre el Movimiento por los Derechos Civiles.
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Hilario Camacho nace en el barrio de ChamberŪ. Con veinticuatro aŮos, Alan Milhaud, el productor mŠs ambicioso, lo lanza como el nuevo Dylan hispano-elťctrico.CorrŪa el aŮo 1972 y, para entonces, Hilario ya llevaba seis aŮos de recorrido, desde su arranque en Canciůn del Pueblo. Fue siempre dos pasos por delante, luchando consigo mismo y expresando esa lucha a travťsde cientos de sobrecogedoras canciones. Camaleůnico,con un don para calzar el verso en la melodŪa asombroso, Hilario fue no solo pionero en la concreciůn delfenůmeno de la canciůn de autor en EspaŮa, sino que se atreviů a ser su propio molde, poniendo por delantesu libertad al ťxito masivo o la continuidad artŪstica. Son famosas sus escapadas (hasta llegaron a darlopor muerto). Y siempre volvŪa, sorprendiendo. Su final es casi tan legendario como su propia vida.
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¿Qué nos sucede cuaño nos enamoramos de una voz?***A los cuatro años, Nick Coleman escuchó a Mick Jagger en la tele y sintió vértigo. Desde entonces, ha vivido obsesionado con las voces: los Ramones cantan sobre el bullying desde el punto de vista del quélo padece. Las canciones de Roy Orbison son como esculturas que querrías tocar. Aretha Franklin representa el espíritu del éxtasis definitivo.***Coleman repasa en este ensayo personal pero enciclopédico la importancia délas grandes voces en la música y la cultura. Lo hace con los atributos quéle pide a una voz: pasión, emoción y, sobre todo, autenticidad. Los que hacen que escuches una canción y pienses que te habla a ti y solo a ti.
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El guitarrista Francisco Gómez Amaya (Morón de la Frontera, 1944) es hoy el máximo exponente de lo que muchos conocen como «toque de Morón». Paco del Gastor hadesarrolla de manera genial el inconfundible toque de su tío Diego del Gastor al armonizar una música aparentemente sencilla pero de gran profundidad, hasta alcanzar una personalidad propia. Este libro está escrito a partir de una serie de conversaciones que RamónSoler ha mantenido con el maestro de Morón en las que desgrana todos sus recuerdos desde sus inicios, dela mano de su tío y mentor Diego Amaya Flores, hastasus últimos pasos como profesor de guitarra en el Conservatorio de Música de Morón de la Frontera. La doble faceta como tocaor solista y de acompañamiento (Bambino, Juan Talega, Mairena, Fernanda y Bernarda, Paquera de Jerez, El Funi, Gaspar de Utrera, Chano Lobato, José el de la Tomasa, El Cabrero ), y su amistad con maestros como Niño Ricardo, Sabicas, Marote y Pacode Lucía salen a relucir en Paco del Gastor, de otracuerda, libro que cuenta con numerosas fotografías yque se completa con glosas sobre su figura por partede amigos y compañeros y con la discografía de este tocaor gitano. AUTOR Ramón Soler Díaz (Málaga, 1966) es licenciado en Matemáticas y profesor de esta materia. En el ámbito del flamenco tiene publicado varios libros, dos de ellos en colaboración con su tío Luis Soler Guevara (Antonio Mairena en el mundo de la siguiriya y la soleá, 1992, Los cantes de Antonio Mairena:comentarios a su obra discográfica, 2004). Otro libro en solitario está dedicado también al maestro de los Alcores: Cuatro estudios sobre Antonio Mairena (2012). En 2003 publicó la biografía Antonio el Chaqueta,pasión por el cante, y en 2011 Lírica acuática. Coplas sobre el agua en la poesía tradicional y el flamenco. Con Paco Roji y Paco Fernández escribió La Repompa de Málaga (2012), y a medias con Roji La Cañeta deMálaga, José Salazar y La Pirula (2013) y Ángel de Álora, lo dulce que yo cantaba (2018). Ha escrito la parte correspondiente a los cantes en los tres libros de la Colección Carlos Martín Ballester: Don Antonio Chacón (2017), Manuel Torres (2018) y Tomás Pavón (2019). Soler ha publicado decenas de artículos en revistas especializadas, ha leído conferencias, producido discos y ha dirigido montajes teatrales sobre música flamenca.
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En 1991, un hombre de 24 años llamado Kurt Cobaintrastocó la industria musical al convertir su disco Nevermind, un fragmento de cultura punk rock, en un éxito millonario. Fue el principio de una carrera meteórica que hizo de Cobain el referente de toda una generación. Su breve vida truncada por un trágicosuicidio es el reflejo de una personalidad compleja,atormentada e inconformista. Sus excesos, filias, fobias e hitos de su carrera se ven reflejados en este tributo ilustrado que llegará al corazón de todos susfans.
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El anillo del nibelungo es sin duda una de las mayores obras de la música moderna, y ha fascinado tanto a críticos como a melómanos durante más de un siglo. Ningún trabajo reciente ha estudiado la obra maestra de Richard Wagner con la exhaustividad y la agudeza del filósofo Richard Scruton, que no sólo examina los aspectos dramáticos y musicales, sino también la simbología y la filosofía del ciclo del Anillo. El íntimo vínculo entre la estructura musical y dramática permite a Scruton descubrirnos la singular concepción de la humanidad en Wagner, para quien la nalidad del arte consistía en «mostrarnos la libertad en su forma más inmediata, contingente y humana, recordándonos lo que signi ca para nosotros». La dramatización de temas como el amor, la muerte, el sacrificio y la libertad permitieron a Wagner mostrar las más profundas verdades de nuestra condición y, con ello, renovar nuestra fe en ellas.
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Su voz desgarrada cambió la historia del flamenco.José Monje Cruz, Camarón, empezó a desplegarsu don cuando era solo un niño y llegó a conquistar las audiencias de París y Nueva York. Inquieto, pasional, magnético, su arte creció imparable y revolucionario. Desde su nacimiento en San Fernando (Cádiz) hasta su temprana muerte, pasando por su estancia en Madrid, su etapa con Paco de Lucía, su boda con la Chispa, sus trabajos con Tomatito y sus conciertos más memorables, este libro es un homenaje con duende a un hombre de breve biografía pero huella infinita.
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Una inmersión en la historia del rock and roll conmás de 500 fotografías inéditas, anotaciones,relatos de su diario íntimo y recuerdos personales.Casada con el legendario guitarrista de los Rolling Stones Ronnie Wood durante 30 años, Jo Wood vivió desde dentro la vida de estas incansables estrellas del rock. Su increíble colección de tesoros nunca antes vistos supone una mirada única a la vida tras los bastidores de la banda de música más grande del mundo.
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Las Cosas por su Nombre es una sincera autobiografía,una certera recopilación de recuerdos y reflexionesde alguien que alcanzó el éxito, ha dirigido compañías discográficas, ha sido promotor y agitador cultural. Desde el profundo conocimiento, narra en primera persona las reglas básicas del movimiento mod... y critica sin ambages a quien vive anclado en el pasado conactitud reaccionaria.
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Reflexions De Pau Casals
En aquesta obra Pau Casals reflexiona sobre la seva època i ens ofereix el conmovedor relat de la seva extraordinària vida. És la història de la recerca apassionada de la bellesa i la justicia en un període d unaenorme turbulència. La història d un músic que va tocar per la reina Victoria del Regne Unit a finals delsegle XIX i per al president John F. Kennedy poc abans de la mort d aquest.
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Richard Lloyd vivió en carne propia una de las épocasmás fértiles y convulsas de la historia del rock. Apartir de una serie de recuerdos, traumas, experiencias al límite y pensamientos entre visionarios y delirantes, el mítico guitarrista y fundador del grupo ''Television'' da buena cuenta de la gestación de uno delos mejores discos de rock de todos los tiempos: elseminal ''Marquee Moon'' (1977).
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Wolfgang Sandner nos brinda, por fin, el esperado salvoconducto a las celosamente custodiadas entrañas del artista, de cuya vida poco sabíase hasta la fecha. Su tiempo le llevó hacerse acreedor a la confianza del pianista, pero pudo regalarse largas conversaciones en los cuarteles de invierno de Jarrett y congeniar, además, con los que forman parte de la constelación artística y personal del genio. Desde su irrupción en escena cual niño prodigio,contando apenas siete años, a su posterior adiestramiento con Art Blakey y a su ulterior reclutamiento por algunos de los más grandes del jazz contemporáneo (Charles Lloyd, Miles Davis), Sandner nos conduce por el camino de su deslumbrante consagración hasta la plácida madurez que sonríe al artista, próximo ya a su septuagésimo quinto aniversario.
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Un honesto relato en primera persona sobre los límites del éxito y el fracaso, del amor y el odio a uno mismo.Una historia de amor, música, ansiedad, sueños y locura. Volvió otra vez la primavera y yo volví a sacar del bolso un cuaderno. Pero no era el cuaderno de las canciones. Era este cuaderno que tienes entre las manos. Al principio estaba asustada, no te voy a engañar, pero esta vez me sentía más tranquila. Sonreía con los ojos llenos de polvo de estrellas... Espera, espera... ¿te has perdido? No te preocupes, te explico rápido: en 2002 entré en Operación Triunfo, pero me expulsaron la primera. Me convertí en la perdedora más famosa de España. Tres años después, formé el grupo Nena Daconte. No era la primera vez que tenía un grupo, pero en esta ocasión dimos en la diana. Nos fichó Universal y llegó el éxito arrollador. En qué estrella estará sonaba grande y con derecho propio. Premios, giras, todas las puertas abiertas... Pero en aquella época fumaba porros y empecé a abusar del alcohol. Comenzó una etapa de autodestrucción que terminó en mi primer brote psicótico. Un año después, con la canción Tenía tanto que darte el éxito fue imparable, demoledor. Continuaron las paranoias, la ansiedad y el miedo. Difícil combinación. Todo era malo en mi cabeza. El triunfo me sentaba fatal, la culpa me comía por dentro y destruía todo lo que viniera de mí. Hicimos más de doscientos conciertos en un año. Mi salud mental empeoró. Desde entonces, tuve varios diagnósticos psiquiátricos diferentes: depresión psicótica, trastorno bipolar de la personalidad, ansiedad... Un médico me dijo una vez que con los años se iría agravando. Y así fue. De todas las relaciones tóxicas que tenía, la peor de todas era con la música, así que lo dejé. Abandoné. Desaparecí. Hui. Al menos hasta hoy, cuando volví a sacar del bolso este cuaderno... He hecho un largo viaje hasta llegar aquí. ¿Quieres saber cómo fue? María Isabel Meneses nació en Madrid en el seno de una familia numerosa que, por motivos laborales, se mudaba a menudo de ciudad. Desde niña se interesó por la música, influenciada por sus hermanos mayores. Y siendo ya una adolescente formó su primer grupo, con el que hacía conciertos en pequeñas salas. En 2002 entró en Operación Triunfo. Tras su fugaz paso por el programa musical, formó junto a su entonces pareja, el músico Kim Fanlo, el grupo Nena Daconte, nombre tomado del personaje de una novela de Gabriel García Márquez. En 2006 publicaron su primer álbum, He perdido los zapatos, que logró el Disco de Oro y por el que Nena Daconte recibió el Premio Ondas como Artista Revelación. El segundo sencillo de ese álbum, En qué estrella estará, fue escogido como la canción oficial de La Vuelta Ciclista a España 2006 y se convirtió en el primer número 1 de Nena Daconte en Los 40 Principales. En 2008 publicaron su segundo trabajo, Retales de Carnaval, que alcanzó ese mismo año el Disco de Platino. Tenía tanto que darte fue el primer sencillo de este álbum y estuvo varias semanas en el número 1 de la lista de Los 40 Principales. El videoclip de la canción ha tenido más de doce millones de visualizaciones en YouTube. En 2010 el dúo Nena Daconte se separó y Mai continuó su carrera en solitario. Publicó tres discos, Una mosca en el cristal, Solo muerdo por ti y Suerte# Este año sacará su nuevo álbum con la discográfica Subterfuge.
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Un viaje a la nostalgia de los 90 a través de las 90 canciones que marcaron la década. Los 90 fueron una época caótica, descarnada y tremendamente mágica para la música. Grandes estrellas, nuevas maneras de crear, estilos diversos: del grunge al hiphop, del suntuoso rythm and blues al disonante ska, de Britney Spears a Radiohead, de las Spice Girls a Sinéad O'Connor o de Blur a Nirvana. Mezclando los ritmos como si nos lanzase a una enorme pista de baile, en Los 90 en 90 canciones (o más) el periodista musical Rob Harvilla revisita los empalagosos, pegadizos e icónicos hits de la generación X, en un relato que combina la solidez narrativa y el análisis agudo a un ritmo vertiginoso. Aderezado con reflexiones personales, mucha ironía y grandes dosis de humor, Harvilla repasa las canciones más extrañas, alegres e inolvidables de una década musical que, al mismo tiempo que nos sonrojamos, añoramos tremendamente. --- «Esto es más que un tributo a la música con la que crecimos: es una exploración de cómo las canciones significan más para nosotros ahora.» Elie Honig, CNN Senior Legal Analyst «Instructivo y a menudo conmovedor.» Kirkus Reviews «Una carta de amor divertida y conmovedora a una década.» Publisher's Weekly «Una sólida introducción a la música de los 90, útil tanto para los lectores que no están familiarizados con la era de la cultura pop como para aquellos que quieran sumergirse de nuevo en sus clásicos.» Booklist Reviews
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Vencido el primer cuarto del siglo XXI, un cantautor vasco como Gontzal Mendibil, un juglar heredero de aquellos representates del grupo Ez dok amairu que compartieron proyectos y amistad con Blas de Otero, echa al viento (como José Martí) los versos necesarios de entonces y de siempre, de hoy y mañana, para que suenen libres y vivos y espontáneos.
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Hai moitos anos, as nosas avoas, bisavoas e tataravoas cantaban fermosas cancións mentres traballaban e celebraban festas. Para que esas melodías non se perdesen, unha señora de Suíza chamada Dorothé Schubarth, que quedou marabillada coa música e as paisaxes de Galicia, decidiu recollelas nun libro moi especial: o Cancioneiro Popular Galego. Para escribilo, contou coa axuda do lingüista galego Antón Santamarina.
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UNA NOVELA GRÁFICA QUE ROMPE BARRERAS El metal, con su deseo de tocar más rápido que nadie y la necesidad de expresar su malestar y su rebeldía, ha abierto desde hace más de cincuenta años un furioso camino hasta los tímpanos de un público apasionado. Del heavy metal clásico al grindcore, de Motörhead a Slipknot, desde las deprimentes periferias estadounidenses hasta los animes japoneses, este libro describe veinte estilos extremos de música, con sus características, sus filosofías y sus historias. Un cómic incandescente para arrojar luz sobre un género musical y unos artistas dotados de una creatividad y un virtuosismo sobresalientes.
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Los acordes de Orfeo nos ofrece un recorrido por algunas de las obras más señeras y consagradas del género operístico, desde sus orígenes, entre el Renacimiento y el Barroco, con Monteverdi, pasando por Mozart, Donizetti y Bizet, hasta las óperas de Alban Berg y Stravinsky, bien entrado el siglo XX.
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Este libro es un viaje apasionado al corazón de las sevillanas, un género que late con la fuerza de la tradición andaluza y que ha tejido, a lo largo de los siglos, una historia de emociones, fe y arte. Feliciano Pérez-Vera Hernández nos invita a descubrir cómo estas coplas han sido testigo de amores, devociones y costumbres populares, desde su infancia en Hinojos hasta los escenarios más emblemáticos de la cultura flamenca. Con un estilo cercano y lleno de vivencias personales, el autor nos comparte anécdotas entrañables, el proceso creativo tras sus composiciones más icónicas y su lucha por preservar la esencia de un género que une generaciones. Además, el libro ofrece un homenaje a las figuras que marcaron el auge de las sevillanas y una reflexión sobre su transformación a lo largo del tiempo.
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* Este libro celebra y rinde homenaje a las importantes aportaciones, a menudo fundamentales y en algunos casos legendarias, de las artistas femeninas al rock, al pop, al R&B y a los diversos géneros de la música actual. * Estas mujeres, pioneras o estrellas de hoy, son figuras inspiradoras cuya música resiste la prueba del tiempo y cuyos logros alientan y alentarán a generaciones de niñas y de jóvenes a perseguir sus sueños, ya sean artísticos o de cualquier índole * A pesar de las dificultades, las mujeres han desempeñado un papel crucial en la historia del rock, de sus antecedentes y de sus estilos derivados hasta llegar al presente. Chrissie Hynde, lideresa de la banda de rock The Pretenders, comentó en una ocasión que no le gustaba que la catalogaran como una «mujer en el rock» sino que desearía ser vista como una intérprete de rock, que es mujer, y cuya música es apreciada por sus cualidades inherentes y no por el género de quien la ejecuta. Sin Sister Rosetta Tharpe, tal vez el rock nunca habría nacido. Janis Joplin y Grace Slick estuvieron a la vanguardia de la subcultura hippie que definió la década de 1960, Aretha Franklin puso voz al movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos, riot grrrl contribuyó tanto al feminismo como al punk.
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