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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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¿Quién es Helena Bianco? La respuesta parece sencilla: la cantante de Los Mismos, uno de los tríos más exitosos y vendedores de la historia del pop español. Sin embargo, ¿no es acaso, también, aquella Elena Vázquez Minguela quien siendo todavía una cría era capaz de sorprender a los radioyentes de su Valladolid natal en cada concurso para nuevos talentos en el que participaba? Pero no hay dos sin tres, pues Helena Bianco ha sido y sigue siendo una artista de plena actualidad, aunque en evolución constante. Fue, también, la voz tras la modernidad de Jara o el talento frente al micrófono de unos Bianco ya subidos a la Nueva Ola madrileña. Interpretó en el teatro a la inolvidable Eliza Doolittle de My Fair Lady y se desempeñó como entertainer de la sala de fiestas Casablanca. Ha hecho volar sobre un pentagrama los poemas de su admirado Rafael Alberti o volver a sus raíces probándose frente al público de nuevo, sin rasgarse las vestiduras por partir otra vez desde cero. Así alcanzó el triunfo absoluto en La Voz Senior el año 2019.
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El presente volumen reúne una porción de la memoriahistórica de Juan Formell, gran exponente de la música cubana. Es un regalo para aquellos que aman a Los Van Van y llevan en vena su ritmo, para que puedan revivir algunas de esas historias y canciones más representativas de su repertorio, esas que han arrasado sincompasión en Cuba y por el mundo durante cincuenta años de trayectoria artística. Se incluyen la discografía, una selección de canciones, así como entrevistasy criterios de importantes músicos, compositores, investigadores, entre otros apartados, de incuestionable valor, que resumen el legado de este músico-creadorinigualable. Esas contribuciones -al decir del Dr. C. Frey Vega Veranes- analizadas, sitúan lo cubano enel panorama musical del universo, mediante la reinterpretación de recursos sonoros, líricos y populares.
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Tocats de l'ala: Història oral del rock
El 14 de juny de 1991, 21.104 persones van assistir al Palau Sant Jordial concert més multitudinari celebrat a Europa en un recinte tancat, onvan actuar Sau, Sopa de Cabra, Els Pets i Sangtraït, els quatre bastionsdel fenomen que es va donar a conèixer com a rock català. Era laculminació d’un moviment que havia començat a mitjans dels anys vuitantaamb la irrupció de bandes que, en lloc de fer servir el castellà com allengua dels seus versos, com la resta dels grups catalans —quemajoritàriament van optar pel castellà seguint l’estela de l’èxit delsgrups de la Movida madrilenya—, van començar a cantar en català. Aquestspioners —Duble Buble, N’Gai N’Gai i Quimi Portet en solitari, entred’altres— van topar amb la indiferència institucional (almenys alprincipi) i el menyspreu de la premsa, sobretot l’especialitzada. Aixòno va evitar, però, que joves amb ganes de menjar-se el món a través dela música rock i pop anessin formant les seves bandes i comencessin acantar «T’estimo» en comptes de «I love you» o «Te quiero» i a compondrealguns dels himnes que han passat a la història de la música popular enla nostra llengua com «L’Empordà », «Boig per tu», «Miami Beach», «Bondia» i «La cachimba i Els rostolls d’Angelina». Va ser un fenomenmarcadament «comarcal» que, d’arreu del país —excepte, simptomàticament,a Barcelona, amb molt poques excepcions—, va començar a nodrir una novaescena musical amb grups que ràpidament es van donar a conèixer, primer,a escala local, esperonats per l’entusiasme dels seus joves seguidors iles ràdios locals, i després, arreu del país, en interminables gires quevan ser cada cop més multitudinàries, un fenomen que els ressorts delpujolisme rampant van voler assimilar per a la seva causa.Aquest llibre, fruit de dos anys de treball i més de 60 entrevistes, ésel primer que analitza aquest fenomen musical i social, a partir deltestimoni en primera persona dels principals músics, gestors culturals,propietaris de discogràfiques, productors i periodistes que hi van tenirun paper rellevant. Al llarg d’aquestes pàgines, coneixerem com vansorgir els grups que van crear la banda sonora emocional de les dècadesdels vuitanta i noranta a Catalunya i en català, com Sopa de Cabra, Sau,Els Pets, Sangtraït, Lax’n’Busto, Tancat per Defunció, Ja t’ho Diré,Gossos, Kitsch i Umpa-Pah, entre molts d’altres. Tocats de l’ala és laseva història, que va culminar amb el concert del Palau Sant Jordi i vatrobar un final simbòlic en la tràgica mort del carismàtic líder de Sau,Carles Sabater, l’any 1999.
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Es de amplísimo interés para los lectores en general y para los amantes del rap en particular las memorias de Haze, ya que se trata de una figura señera en el mundo de la música. «Me he criado en el barrio de Los Pajaritos, uno de los más pobres de España. Mi infancia coincidió con el boom de la heroína, que me marcó musicalmente. De los pequeños delitos a la cárcel por no acudir a un juicio, el éxito de una maqueta que acabó en el top manta, entrevistas los medios más reputados... Esto llegó por mezclar el RAP y el FLAMENCO, algo único. De ahí vino mi contrato con una multinacional y los conciertos por todo el país. Con la crisis, pensé en un plan B. Decidí estudiar. Viví en una casa de ocupación y pasé malos momentos. Realicé la prueba de acceso a la universidad para mayores con 32 años, aprobé, hice filología hispánica con un 8,5 de nota media, luego un máster por el que fui premiado por la universidad por ser el mejor expediente. Por segunda vez había sido noticia a nivel nacional. Posteriormente, solo quedaba opositar, en pandemia, tras un año y medio saqué una plaza fija como profesor de Lengua y Literatura de Educación Secundaria».
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La primera biografía de María Dolores Pradera en el centenario del mito La primera biografía de María Dolores Pradera, reputadísima actriz hasta la década de los 60 y popular cantante a partir de la de los 70. Tiene un repertorio de más de 1.000 canciones, muchas de ellas conocidísimas tanto en España como en Hispanoamérica, así como más de 2000 conciertos en ambos continentes. La biografía se ha escrito con la colaboración de su entorno más cercano: amigos (de Raphael a Serrat, de Bunbury a Quique González), colaboradores y familiares, especialmente de su hijo Fernando Fernán-Gómez, inspirador del proyecto, custodio del archivo de la artista y músico y técnico de sus actuaciones durante más de tres décadas en las que la acompañó en múltiples giras por dos continentes. AGUILAR Y CABRERIZO, documentalista Santiago, historiador y periodista Felipe, juntos y por separado, han demostrado su solvencia en libros que aúnan erudición, nostalgia y memorabilia como la biografía de Loquillo o la antología de La Codorniz.
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David Ritz nos ofrece el muy necesario contrapunto alas memorias de Aretha Franklin (inéditas también encastellano), echando mano de las fuentes que componían el círculo familiar de la artista, y contrastando cuanto compiló, al oficiar como negro, con los testimonios de quienes convivieron y trabajaron con Aretha.He aquí la biografía definitiva de una de las más excelsas y atormentadas voces de la música sacra y popular de la cultura estadounidense. Un apabullante inventario de las tribulaciones, aciertos, disfunciones, iluminaciones, ambiciones y despropósitos que jalonaron la azarosa existencia de la Reina del Soul. Un documento de época heroico, honesto, entrañable y sin censura.
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Enrique Morente: Universe Morente presents the fascinating work of one of the most important flamenco 'cantaores' of all time - Enrique Morente (Granada, 25th December 1942- Madrid, 13 December 2010).He was also a composer, interpreter and creator. Enrique Morente was brave, revolutionary and visionary. Gifted with genius and talent, he is one of those that root themselves in the purest traditions in order to renovate them: making flamenco an art of the vanguard, with no borders or prejudice.This book comprises over 400 pictures, numerous quotes from Enrique Morente, and texts by José Manuel Gamboa, Balbino Gutiérez, Pedro G. Romereo, José Luis Ortiz Nuevo, Miguel Mora and Antonio Pradel. It includes essays that reflect on the discography, the coplas, the life, personality, ethics, aesthetics, friends and family of the Maestro.
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«El acto de escribir una canción es una experiencia única, diferente a todo lo que conozco.Tienes que estar de buen humor y empezar con la mente despejada. Debes confiar en tus sentimientos iniciales porque al principio no sabes realmente a dónde vas.» (Paul McCartney) «Con más frecuencia de las que puedo contar, mehan preguntado si escribiría una autobiografía, peronunca ha sido el momento adecuado. Lo único con lo que siempre me las he arreglado para hacer, ya sea encasa o de viaje, es escribir canciones nuevas. Sé quea algunas personas, cuando llegan a cierta edad, lesgusta ir en busca de su diario para recordar los acontecimientos del día a día del pasado, pero yo no tengo esos cuadernos. Lo que sí tengo son mis canciones,cientos de ellas, de las que he aprendido que tienenel mismo propósito. Y estas canciones abarcan toda mi vida. Espero que lo que he escrito le muestre a la gente algo sobre mis canciones y mi vida que no hayan visto antes. He intentado decir algo sobre cómo ocurre la música y lo que significa para mí, y espero que pueda significar también algo para los demás.» (Paul McCartney) «A partir de las conversaciones que mantuve con Paul McCartney duranteun período de cinco años, estos textos son lo más parecido a una autobiografía que jamás podríamos haber escrito. Sus conocimientos sobre su propio proceso artístico confirman una noción que ya habíamos adivinado: que Paul McCartney es una figura literaria importante que se basa y extiende en la larga tradición de lapoesía inglesa. Durante sesenta años ha encarnado la inquietud que asociamos con el artista de primer nivel. Y más allá de eso, Paul McCartney es notable porque es uno de los pocos que no solo está influenciado por su tiempo sino que su trabajo ha definidosustancialmente ese tiempo.» (Paul Muldoon)
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El 27 de mayo de 1784, Wolfgang Amadeus Mozart conoció en una tienda vienesa a un coqueto estornino que cantó una versión improvisada del tema de su Concierto para piano n.º 17 en sol mayor. Al percibir un espíritu afín en el joven pájaro, Mozart lo compró y se lo llevó a casa como mascota. Durante tres años, el estornino vivió con Mozart, influyendo en su obra y sirviéndole de compañero, distracción, consuelo y musa. Dos siglos después, los estorninos son vilipendiados incluso por los conservacionistas más compasivos. Como especie invasora no autóctona, invaden hábitats sensibles, compiten con las aves locales por los lugares de anidación y el alimento, y diezman los cultivos. Lyanda Lynn Haupt, ornitóloga y naturalista experimentada, conoce bien las difíciles y a menudo tensas relaciones de estas aves con otras especies y el medio ambiente. Pero después de rescatar a un estornino bebé, Haupt se encontró encantada con la misma inteligencia y el mismo espíritu juguetón que habían encantado a su compositor favorito. En 'El estornino de Mozart', Haupt explora el improbable y extraordinario vínculo entre uno de los compositores más apreciados de la historia y uno de los pájaros más comunes de la Tierra. Las historias entrelazadas de la querida mascota de Mozart y del propio estornino de Haupt ofrecen una ventana inesperada a la amistad entre humanos y animales, a la música, al mundo secreto de los estorninos y a la naturaleza de la inspiración creativa. Una mezcla de historia natural, biografía y memorias, 'El estornino de Mozart' es un tour de force que despierta una sorprendente conciencia de nuestro lugar en el mundo.
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Inauguramos la colección Clepsidra con una preciosaconferenciadel músico Paul Hindemith sobre Bach. Pronunciadael 12 de septiembre de 1950 en la Bachfest deHamburgo conmotivo del segundo centenario de la muerte de Bach, lleva porsubtítulo una frase significativa: “Una herencia obligatoria”.¿Qué herencia es esa? Analiza Hindemith su visión y su comprensiónde la obradel gran músico alemán desde su propiaexperiencia como creador, “comparado con Bach, cualquiermúsico, incluso el más dotado, se sitúa de entrada en desventaja”,anticipa.
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Little Richard abrió el camino para generaciones de músicos: los Beatles, James Brown, los Everly Brothers, Jimi Hendrix, los Rolling Stones, Elton John, Prince...La lista es interminable. Él era «el Origen», «el Innovador» y el autoproclamado «Rey y Reina del rock and roll». Cuando falleció el 9 de mayo de 2020, La gran vida de Little Richard, que estaba casi terminado, se actualizó inmediatamente para cubrir la respuesta internacional a su muerte. Esta es pues la gran biografía de Richard Wayne Penniman de Macon (Georgia, Estados Unidos), quien fue, hasta su fallecimiento, el último dios vivo del rock, el gran Little Richard. Mark Ribowsky, aclamado biógrafo de íconos musicales, explora la maestría musical de Little Richard, su vida familiar, su lucha contra el racismo, sus relaciones con otros personajes famosos de la época y con los medios de comunicación, y su eterno conflicto interior entre su religión y su sexualidad.
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La biografía oficial y definitiva de Loquillo, basada en materiales de archivo y entrevistas inéditas a su protagonista. Figura polémica y esquiva, Loquillo alcanzó el éxito en compañía de Intocables y Trogloditas pero, incómodo ante un personaje que había dejado de ser el suyo, no dudó en abandonarlo. Fue el inicio de una larga travesía en la que muchas veces estuvo cerca de perder el pie y de la que solo consiguió salir tras reinventarse como artista en solitario. Casi medio siglo después de su debut en un cabaret de las Ramblas, el Loco afronta una de las etapas más plenas de su carrera convertido en un referente para la cultura español y rehuyendo cualquier asomo de conformismo. Un recorrido largo y sinuoso analizado minuciosamente en este volumen, primera biografía del cantante. Escrita con gran ritmo por el reconocido periodista musical Felipe Cabrerizo, que ha entrevistado al protagonista y su círculo, la historia acaba capturando no solo una figura, sino toda una época de nuestra cultura. Sobre la biografía y el biografiado:«Loquillo nunca está dónde se le busca. Es Batman en la baticueva, Dino con los amigos, un tipo listo en los negocios y una estrella en el escenario, en el cancionero y en el imaginario de este país. Y Cabrerizo ha tenido la osadía de tomarle las hechuras con pasión y rigor a nuestro roquero de guardia, superviviente de todas las batallas».Carlos Zanón «El Loco es un tipo excéntrico que no hace concesiones. Desenfunda las palabras y las dispara con una lucidez que a veces da hasta miedo. Es un personaje de western. Se lo puede permitir. Porque él no es un cantante. Es un artista. Una estrella del Rock and Roll con cicatrices, historias que contar y un enorme talento para hacerlo a su manera. Un grande dentro y fuera del escenario, capaz de todo: incluso de romperse con un verso».Marta Robles «El Loco es un animal salvaje en peligro de extinción. Este libro es lo más cerca que va a estar de reproducirse encima de un escenario».Manuel Jabois «De Loquillo conocemos su épica. Sus hombros firmes, su mandíbula apretada. Sus frases de epitafio. Pero en este libro se adentra en terra incognita. Desvela el espíritu aún intacto del hijo único que leía a Dickens después de meterse en peleas de barrio. Del adolescente que sigue contando emocionado, como el que lanza una canasta perfecta, su paseo en un Bentley con Johnny Hallyday por los Campos Eliseos. Loquillo es todos esos. Valiente, leal, arrogante y libre. Loquillo es el gran romántico, en el sentido más alemán y menos manido del término».Silvia Grijalba «Loquillo es un Jack London de la aventura musical, un caballero andante del rock, un paladín del honor y de la amistad».Luis Alberto de Cuenca
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Falcon & Firkin - Si no fos per tu
Aquest llibre és un recull de les seixanta cançons editades per Jordi López Cayuelas en el seu projecte musical, Falcon & Firkin. S'inclouen també anècdotes, la història del grup, fotos promocionals, àlbums i singles...
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Los escritos sobre música de Robert Schumann son, como su obra musical, piedras angulares del romanticismo alemán. Piden ser leídos casi como páginas de una novela de Jean Paul, profusas en injerencias y en perspicacia crítica. Tuvieron su origen en las reuniones que, hacia 1833, mantenía en Leipzig un grupo de artistas jóvenes que querían honrar a los maestros pasados, descubrir a los futuros y combatir el filisteísmo. El año siguiente empezó a publicarse la Neue Zeitschrift für Musik, donde aparecieron la mayoría de los ensayos aquí recogidos. Danzas de la Liga de David llamó Schumann a uno de sus ciclos para piano. Esta Liga no existía más que en su cabeza, la integraban Florestan, Eusebius y Meister Raro, el mediador entre ellos, personajes todos que se inventó para emitir sus juicios. Dijo él mismo: ''Esta Liga de David es un hilo rojo que anuda poesía y verdad''. Robert Schumann (Zwickau, 1810-Bonn, 1856), compositor mayor del período romántico, era hijo de un librero y desde muy temprano estuvo solicitado parejamente por la literatura y por la música. Sus ciclos de lieder (Liederkreis, Dichterliebe, Frauenliebe und Leben), con poemas de Heinrich Heine y Adelbert von Chamisso, son una prueba de esta duplicidad, lo mismo que sus piezas para piano (Papillons, Kreisleriana, Davidsbündlertänze y Kinderszenen), escritas bajo el influjo de la pianista y también compositora Clara Wieck, su esposa. Fue además un activo y sumamente original crítico, sobre todo en la publicación Neue Zeitschrift für Musik, que él mismo fundó. Compuso cuatro sinfonías, un concierto para piano, otro para violonchelo, la ópera Genoveva y numerosas piezas de cámara. Pablo Gianera (Buenos Aires, 1971) es ensayista y crítico de música. Escribió los libros Formas frágiles. Improvisación, indeterminación y azar en la música (2011), La música en el grupo Sur. Una modernidad inconclusa (2011), Componer las palabras. Ensayos sobre música y lenguaje (2018), Lo pasajero, lo que queda (2019), La segunda puerta del sueño. Letras, imágenes, música (2022) y Persecución de la belleza (2023). Dicta clases de Estética en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla de la Ciudad de Buenos Aires. Tradujo libros de Novalis, Friedrich Hölderlin, Hugo von Hofmannsthal, Jack Kerouac, John Cage y John Banville, entre otros. Pablo Gianera (Buenos Aires, 1971) es ensayista y crítico de música. Escribió los libros Formas frágiles. Improvisación, indeterminación y azar en la música (2011), La música en el grupo Sur. Una modernidad inconclusa (2011), Componer las palabras. Ensayos sobre música y lenguaje (2018), Lo pasajero, lo que queda (2019), La segunda puerta del sueño. Letras, imágenes, música (2022) y Persecución de la belleza (2023). Dicta clases de Estética en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla de la Ciudad de Buenos Aires. Tradujo libros de Novalis, Friedrich Hölderlin, Hugo von Hofmannsthal, Jack Kerouac, John Cage y John Banville, entre otros.
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Este libro es un viaje en el espacio y el tiempo hacia una época musical poco valorada a pesar de su importancia. Se trata de un ejercicio de memoria con el que rescatar músicas y músicos, comunicadores, aventureros, diletantes, de tiempos en los que hacer música no era tan fácil como parecía. Se trata también de recordar como unas generaciones que abrazaron la energía del rock and roll se lanzaron a dar luz y color a un país demasiado gris y triste, dominado por el silencio y la mediocridad de un régimen fratricida que no supo entender los cambios, las diferencias y, ni mucho menos, la música popular. Todo ello visto desde Cataluña, ese pequeño país desde el que se miraba (y escuchaba) a Europa buscando salidas, empapándose de novedades y de esperanzas con las que construir un futuro mejor. En este primer volumen, se reconstruye la historia de la música popular en Cataluña, en todas sus expresiones, desde el impacto del rock and roll hasta la locura ye-yé, desde las cavas de jazz y cançó hasta los entoldados de fiesta mayor. Todo con la intención de reconstruir la memoria, que tantas veces se ha fragmentado y ocultado, para que aquellos que se asomen a estas páginas puedan, quizá, encontrar aquellas piezas que se quedaron por el camino y que hoy pueden ayudar a entender mejor nuestro paisaje musical.
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Música moderna a Catalunya
Aquest llibre és un viatge en l'espai i el temps cap a una època musical poc valorada malgrat la seva importància. Es tracta d'un exercici de memòria per rescatar músiques i músics, comunicadors, aventurers, diletants, de temps en què fer música no era tan fàcil com semblava. Es tracta també de recordar com unes generacions que van abraçar l'energia del rock and roll es van llançar a donar llum i color a un país massa gris i trist, dominat pel silenci i la mediocritat d'un règim fratricida que no va saber entendre els canvis, les diferències i, ni de bon tros, la música popular. Tot això vist des de Catalunya, aquell petit país des del qual es mirava (i escoltava) Europa buscant sortides, amarant-se de novetats i d'esperances amb què construir un futur millor. En aquest primer volum, es reconstrueix la història de la música popular a Catalunya, en totes les seves expressions, des de l'impacte del rock and roll fins a la bogeria ie-ie, des de les caves de jazz i cançó fins als envelats de festa major. Tot amb la intenció de reconstruir la memòria, que tantes vegades s'ha fragmentat i ocultat, perquè aquells que treguin el cap a aquestes pàgines puguin, potser, trobar aquelles peces que es van quedar pel camí i que avui poden ajudar a entendre millor el nostre paisatge musical.
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El inicio y el auge de la popularidad de la cantante Estrellita Castro, entre 1921 y 1936, a través del prisma de los acontecimientos sociales y políticos de la época.La trayectoria de Estrellita abarca desde que actuó con 11 años ante la reina Victoria Eugenia hasta que logra salir del Madrid republicano de la guerra, gracias al ministro socialista Indalecio Prieto, sin olvidar la dictadura de Primo de Rivera, la proclamación de la II República, la Revolución de Asturias, el terrorismo y el inicio de la Guerra Civil. Fruto de tales hechos, la artista pasa de ser apolítica a considerarse públicamente republicana de Lerroux y a simpatizar con el sindicalismo de Pestaña, años en los que, entre las violencia social, se dedicó a crear la canción andaluza, como génesis de la copla española. La novela, que toma como hilo conductor de las convulsiones sociales la vida de Estrellita Castro, hace un homenaje a los espectáculos de variedades, a olvidados y recordados artistas y compositores y a los teatros que daban vida tanto a los pueblos de la España de los años 20 y 30 como a los concurridos music-hall barceloneses y los teatros madrileños. Junto con esto, se muestra la realidad de los movimientos obreros, principalmente el anarquismo, y las perspectivas de la educación reglada. El ansia de libertad motiva y cambia la vida de los personajes. La novela contiene información desconocida o novedosa sobre Estrellita Castro hallada en la prensa de la época.
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Como producto del romanticismo europeo, el flamenco andaluz ha sido entendido durante mucho tiempo como una misteriosa expresión de la poesía y la música de los gitanos andaluces, transfigurada y utilizada comercialmente. Desde una perspectiva crítica y científica, el presente estudio desmitifica el flamenco como fenómeno del romanticismo gitano, iniciado hacia finales del siglo XVIII en el teatro menor, y lo analiza en el contexto del folclore urbano agitanado y popularizado que hacia 1850 se perfiló como género artístico propio de la modernidad emergente. Así, las bases del surgimiento del flamenco se describen a partir de la dialéctica entre tradición y modernización en la transición de la cultura popular rural-agraria a la cultura popular urbana de la sociedad burguesa que imperaba en España en el siglo XIX. Partiendo de los datos existentes, Steingress analiza esta manifestación cultural andaluza como expresión de un arte gitano imaginario y artificial, donde la tradición, la inquietud artística y la autoconciencia del pueblo gitano se afirmaron y desarrollaron hasta convertirse en un elemento clave de la cultura andaluza. Al igual que en los casos del blues, el rebético, el tango, el fado, la samba o el raï, el flamenco se comprende entonces como una música del pueblo español étnicamente polifacética y surgida de una serie de hibridaciones transculturales que han contribuido a la consolidación de Andalucía y sus regiones colindantes como espacio culturalmente autónomo, capaz de aportar su singularidad al desarrollo de la música y el arte a escala mundial. Libro revolucionario desde su primera edición a principios de los años noventa, Sociología del cante flamenco marcó el inicio de una profunda reconsideración en la hasta entonces dominante flamencología tradicional.
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A cuarenta años de la publicación del álbum de debut de The Smiths, primer fruto de la irrepetible alianza entre Morrissey y Johnny Marr, su eco no se apaga, al contrario: ha trascendido generaciones. Aquel fue el paso inicial que combinaba el talento del letrista y vocalista más singular de su generación y el más imaginativo de sus guitarristas. Una alianza breve en el tiempo pero fructífera en obra e influencia, que fue prolongada, principalmente, por la inimitable carrera de Morrissey en solitario, cubriendo desde finales de los años ochenta hasta la actualidad. Una historia, narrada con maestría por Carlos Pérez de Ziriza en este Morrissey y los Smiths. Tanto por lo que responder, repleta de romanticismo, humor, sorna, miseria, aflicción, tragedia, comedia y drama. No exenta tampoco, por supuesto, de las luces y las sombras que rodean a un creador tan controvertido más aún por sus desconcertantes declaraciones de los últimos años como Morrissey.
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A través de los ojos de una sagaz reportera musical, un veterano fotógrafo exhibe con orgullo una selección de instantáneas muy especiales. En ellas aparecen Jim Morrison, Keith Moon, Freddie Mercury y Nikki Sixx. Cuatro fenómenos con muchas diferencias pero con dos grandes aficiones en común: el descontrol y las drogas. Ellos, como tantos otros, se tomaron muy al pie de la letra aquello de vivir como un rockstar. Esta novela gráfica ilustra de manera descarnada pero real escenas desquiciadas de estos cuatro genios de la música, auténticos iconos e ídolos de masas. Cuatro nombres consagrados que dejaron estupendas obras maestras pero cuyas vidas fueron sinónimo de descontrol y exceso, reflejo de una época y de una manera de vivir la música.
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El cant i les melodies tradicionals dels goigs
Probablement els goigs és el génere cantat més difós i amb més preséncia històrica en un seguit de pa¯sos de la mediterránia nord-occidental. Avui és una tipologia de cant només coneguda per sectors socials molt concrets, i gairebé tothom n ignora la profunditat històrica, l amplíssima difusió geográfica i la intensa preséncia que ha tingut durant més de cinc segles.En aquestes centúries, cada setmana a milers d esglésies i capelles s ha cantat aquesta enunciació col·lectiva davant d un sant o d una marededeu per demanar la salut i l ajuda en el pas de la mort. Aquest llibre en mostra la important dimensió social i cultural (ritual, literária i musical): és el génere cantat de més abast que sorgit de la cultura catalana ''amb arrels a l occitana'' s ha escampat pel món.Fins ara no en sabíem els límits geográfics, que abasten tres continents '' l Europa mediterránia occidental, l América llatina i les Filipines'' i una sorprenent diversitat de llengües ''catalá, castellá, sard, occitá, eusquera, náhuatl, tagálog, ilocano, cebuá i ilongo, a més d algun exemple en francés i de l oració final en llatí. Encara, però, s acostuma a pensar que és només un cant local Ófolklòric'' i identitari.Aquest treball estudia quines són les estructures literáries i musicals dels goigs cantats oralment
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La música viaja en Tren explora el entrelazamiento del ferrocarril y sus canciones a través de la historia. Las melodías con inspiración ferroviaria se extienden por los cuatro puntos cardinales y llegan hasta el infinito (y más allá). Los más grandes de la música contemporánea se suben al tren desde hace un siglo. En estas páginas se narra la herencia del caballo de hierro en la vida y obra de gigantes como Bessie Smith, Jimmie Rodgers, Sister Rosetta Tharpe, Duke Ellington, Woody Guthrie, Johnny Cash, Bob Dylan, Beatles, Rolling Stones, Tom Waits o Van Morrison, entre otros. Muchos artistas han utilizado los recursos expresivos del ingenio mecánico que abrió las puertas al mundo moderno, iluminando los mil ángulos del alma humana. Su poder metafórico despertó incontables canciones por donde viaja sin desmayo la savia ferroviaria primigenia que alumbró la música de nuestro tiempo. El autor describe la coincidencia de la época dorada del tren con los años en que blues, jazz, góspel o el soul forjan su identidad en Estados Unidos y Europa, a partir de un tronco común afroamericano. También se abordan los hitos musicales del tren español, desde su origen en Cuba hasta hoy. La era ferroviaria sembró el planeta de inéditas relaciones económicas, sociales y culturales. La música y las sociedades crecen gracias a mezclas de lo existente, y casi nada entre las invenciones humanas ha contribuido tanto al mestizaje cultural como los trenes. Las locomotoras y vagones desdibujaron la frontera entre razas y rompieron confinamientos sonoros que transformaron las formas de entender la vida. La presencia del tren en el cancionero ha menguado con el paso de los años, aunque las melodías actuales siguen nutriéndose del tren, al igual que las de mañana y las de ayer. Aquí se cuentan cientos de historias sobre ese viaje que une en el infinito las vías paralelas sobre las que avanzan la música y el tren.
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LA HISTORIA DE LOS JESUS AND MARY CHAIN CONTADA POR LOS HERMANOS REID Durante cinco años, los hermanos William y Jim Reid conversaron hasta altas horas de la madrugada en el salón de la casa de sus padres en East Kilbride, Escocia, imaginando cómo sería su grupo de rock ideal. Sabían que no podían tocar en la misma banda porque discutirían sin parar, así que se describían mutuamente sus grupos de ensueño, hasta que finalmente se percataron de que esas dos bandas perfectas eran en realidad la misma, y que el nombre de ese grupo tenía que ser The Jesus and Mary Chain. Poco después grabarían un single para la recién creada discográfica de Alan McGee, Creation, que los puso en boca de todos, y de allí forjarían uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos: ''Psychocandy''. Seguirían una serie de conciertos caóticos, inundados de acoples, imprevisibles y beodos que cimentaron la leyenda. Retomando esas conversaciones nocturnas más de cuarenta años después, William y Jim cuentan por primera vez la historia completa y sin tapujos de una de las bandas de guitarras más influyentes e imperecederas del rock británico: una crónica hilarante y conmovedora de luchas fratricidas, feedback, disturbios y adicciones contada a dos voces por dos sempiternos outsiders.
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El Candela abrió sus puertas en octubre de 1982, en el corazón de Lavapiés. Era un tiempo en el que Madrid y toda España se agitaban al ritmo de sonidos musicales, sociales y políticos muy diversos. A lo largo de casi cuarenta años, el local cobijó durante noches interminables a la práctica totalidad de los artistas flamencos, con el cantaor Enrique Morente como prócer, pero también con la presencia habitual de Paco de Lucía, Camarón y muchos otros. Estas páginas narran la historia de aquel mítico lugar hasta su cierre en 2022, con dos etapas marcadas por el punto de inflexión que supuso la muerte del fundador Miguel Aguilera en 2008. A partir de entrevistas con varias personalidades del mundo flamenco -Pablo Tortosa, La Tati, Antonio Benamargo, Israel Fernández, Josemi Carmona, Antonia Jiménez, etcétera-, Jacobo Rivero construye un relato coral que refleja la efervescencia social y cultural del Madrid de esos años y, en particular, de Lavapiés y el Rastro, cuyas calles han acogido a los más virtuosos talentos del arte jondo. Partiendo de la mirada particular del flamenco, este relato trasciende la mera historia del Candela para reivindicar la memoria de un barrio y una ciudad atravesados en sus entrañas por una irrepetible tensión creativa, en un momento de incierta transformación a todos los niveles.
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Si en el primer volumen de la trilogía de los dones de Mario Satz accedíamos a los secretos y pormenores del arte de los jardineros, cuyas vidas y aventuras nos mostraba ''El jardinero de Chahar Bagh'', en el segundo, ''Los maestros músicos y la flauta encantada'', seguimos con creciente interés las historias de una flauta encantada en la India, la construcción de una pirámide en Egipto con sus obreros consolados por arpistas, accedemos al Israel bíblico para oír la salmodia de los levitas en las escalinatas que conducían al templo o vemos, en el Japón del siglo XVI, la relación entre la música y los juegos del incienso. Explorados los usos y costumbres de las flores, árboles y huertos, el autor nos conduce en este libro a las vidas y obras de todos aquellos que en el tañido de una cuerda, la percusión de un tambor o el sonido de un instrumento de viento, exponen su ambición más alta: cantar la vida y, de ser posible, superar, por la música, las tristezas de la muerte. El poeta persa Hafiz cuenta que, habiendo hecho el Creador una criatura semejante a sí mismo en barro, intentó insuflarle el alma, pero como ésta se movía de aquí para allá, era inquieta, oscilante y ubicua, y se resistía a entrar en el cuerpo humano, el Hacedor mandó a llamar a los ángeles músicas para que tocaran la mejor de sus melodías y, al oírla, fascinada, el alma entró en éxtasis. Sin embargo, al constatar que su percepción acústica no era lo bastante fina como para captar aquella belleza sonora, el alma se introdujo entonces en el hombre de barro para servirse de él como concha acústica. Fue a partir de ese instante que, música mediante, cuerpo y alma enlazaron su destino del modo más armónico posible. De entre todas las artes, la música es la que está más cerca del límite de lo que puede expresarse. Penetra en lo invisible y nos conduce, con sus ritmos y melodías, a lo más hondo, a la vez que lo más inasible de nosotros mismos.
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TODO LO QUE TE GUSTARÍA SABER SOBRE LOS GRANDES FESTIVALES DEL ROCK Descubre las interioridades de Woodstock, Monterey, Rock in Rio, Reading, Live Aid, Isla de Wight, Glastonbury, etc. Este es un libro sobre los festivales y conciertos más decisivos en la historia del rock a ambos lados del Atlántico. El autor ha sido capaz de recopilar toda la información posible al respecto, los comentarios de quienes asistieron a esos eventos y eliminar cualquier tipo de sesgo redactado por el crítico de turno. Sin duda, la lectura es imprescindible para quienes quieran conocer cómo fueron en realidad esos conciertos. Acompañar la lectura de la lista de reproducción en Spotify o de los vídeos en Youtube es el mejor complemento para una experiencia única. • ¿Es cierto que Leonard Cohen actuó en el Isla de Wight en pijama, sin afeitar y recién levantado de la cama? • ¿Sabías que The Beatles decidieron no actuar en Woodstock al exigir Lennon que actuase con ellos Yoko Ono? • ¿O que Glastonbury no pudo celebrarse en 2012 alegando que fue imposible encontrar baños portátiles debido a la celebración de los Juegos Olímpicos en Londres? • ¿Por qué Sisa no pudo actuar en la primera edición del Canet Rock? • ¿Es cierto que a Metallica le lanzaron una cabeza de cerdo en el Monsters of Rock Donington?
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La biografía explosivamente íntima que consagra a la reina del rock como la gran revolucionaria musical, la pionera mujer que dinamitó para siempre las fronteras de género en la música. Janis Joplin ha pasado a la historia como un alma impulsiva y apasionada, un ser con un destino sentenciado por el dolor que generaba una de las voces más extraordinarias que ha dado la historia del rock. La célebre autora y biógrafa Holly George-Warren fue elegida expresamente por el Janis Joplin Estate para escribir el libro definitivo sobre su vida y su música, un complejo retrato revelador y profundo de una artista extraordinaria. Así, los hermanos de Joplin, Laura y Michael Joplin, proporcionaron a George-Warren acceso exclusivo y privilegiado a miles de archivos, documentos, incluidas transcripciones, correspondencias, fotografías, entrevistas perdidas y recuerdos, así como el acceso directo a la familia, compañeros de banda y amigos de la cantante. Joplin fue una leyenda del rock, una perfeccionista, una música erudita y apasionada que poseía un talento innato, pero su música no había sido aún examinada a fondo en biografías anteriores. Su estilo vocal llenó la brecha entre el blues tradicional y el hard rock, y sus actuaciones mostraron que su estilo podía ser sensual y romper a la vez los roles tradicionales de género. Cuando produjo su último álbum, Pearl, Joplin estaba explorando una variedad de géneros que había absorbido en su Texas natal, incluyendo folk, country, blues, jazz, pop y gospel, así como los diferentes estilos de rock, psicodelia, soul y funk. Desde su colorido guardarropa hasta sus comentarios ingeniosos y extraordinariamente abiertos a los medios, Janis Joplin se convirtió en un ícono en sus propios términos. Sin embargo, su impacto en la música y la cultura popular sigue siendo extrañamente subestimado en los libros sobre la historia del rock. Esta biografía corrige por fin esta distorsión.
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Descubra la historia detrás de cada álbum, cada era. De sus singles de éxito a las joyas ocultas, desde temas que escribió en determinados momentos de su vida en que produjo sus álbumes hasta nuevas versiones. Fascinantes detalles de cada una de las canciones que ha lanzado Taylor Swift. Existe una muy buena razón por la que Taylor Swift y su música llevan tiempo siendo un eje central, y sus melodías continúan resonando entre innumerables generaciones de swifties. Sus canciones son clases magistrales de narración, verdaderas crónicas de los altibajos que implica el crecer y tratar de encontrarse a uno mismo. Todas sus letras son ricas en elaboradas metáforas, alusiones religiosas, referencias históricas y literarias, y cuidadísimos puentes repletos de giros argumentales. En muchos casos, las canciones de Swift son incluso profundamente autorreferenciales, con imágenes y giros que van enlazando la época de sus álbumes con delicadas cuerdas que no siempre son tan invisibles. Annie Zaleski se sumerge en el catálogo más importante del pop mediante el análisis de la inspiración de la artista, su proceso de creación de las letras y mucho más, y así relata la historia de la increíble carrera de Taylor a través de su música.¿A quién va dirigido el libro Taylor Swift. Historia detrás de sus canciones?Este libro está dirigido a los seguidores de Taylor Swift, conocidos como "Swifties", que desean profundizar en el significado y la creación de sus canciones. También resultará atractivo para aquellos interesados en el análisis de la narrativa musical, la evolución de la carrera de una artista icónica y la influencia de la cultura popular en la música. La obra ofrece una perspectiva detallada sobre la composición de las letras, la inspiración de la artista y el proceso creativo detrás de cada álbum, lo que lo convierte en una lectura enriquecedora tanto para los fans acérrimos como para aquellos que buscan una comprensión más profunda del trabajo de Taylor Swift. Se presenta como una herramienta para comprender la complejidad y la riqueza de las letras de la artista, analizando las metáforas, las referencias históricas y literarias, y las conexiones entre diferentes épocas de su carrera.Temas que trata el libro Taylor Swift. Historia detrás de sus cancionesEl libro explora la trayectoria musical de Taylor Swift a través de un análisis exhaustivo de sus canciones. Se centra en:Análisis de las letras: Se examinan las letras de las canciones de Taylor Swift, desentrañando sus significados, metáforas, referencias culturales y conexiones entre diferentes álbumes. Se profundiza en la narrativa presente en cada canción y cómo esta se relaciona con la vida personal y las experiencias de la artista.Inspiración y proceso creativo: Se investiga la inspiración detrás de cada canción, incluyendo las experiencias personales, las relaciones, los eventos de la vida de Taylor Swift y las influencias literarias y musicales que han dado forma a su obra. Se describe el proceso creativo de la artista, desde la concepción de una idea hasta la grabación final de la canción.Evolución musical: El libro rastrea la evolución musical de Taylor Swift a lo largo de su carrera, analizando cómo su estilo ha cambiado y evolucionado a través de sus diferentes álbumes. Se exploran las diferentes etapas de su carrera y cómo estas se reflejan en su música.Conexiones entre álbumes: Se analiza la interconexión entre los diferentes álbumes de Taylor Swift, identificando temas recurrentes, imágenes y metáforas que unen su obra en un todo coherente. Se revela cómo las canciones de diferentes épocas se relacionan entre sí, creando una narrativa más amplia.Contexto cultural: Se contextualiza la música de Taylor Swift dentro del panorama cultural más amplio, analizando su impacto en la sociedad y su influencia en la música popular. Se explora la recepción de su música por parte del público y la crítica.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Taylor Swift. Historia detrás de sus cancionesAún no hay opiniones o críticas sobre Taylor Swift. Historia detrás de sus canciones.
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El fenómeno musical es tratado en este ATLAS DE MUSICA de forma eminentemente didáctica, mediante la yuxtaposición de texto y gráficos a color que ilustran las relaciones en las estructuras musicales. El primer volumen abarca la totalidad de la parte sistemática, organográfica, teoría, géneros y formas, y la historia de la música desde los orígenes al Renacimiento.
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Para algunos, el metal es poco más que ruido, una maraña de sonidos violentos que apenas merece el estatuto de música, para muchos, es una obsesión, una auténtica forma de vida. ¿A qué se debe esta discrepancia? ¿Qué hace del metal algo que suscita a la vez repugnancia y fascinación? Además de uno de los sociólogos más importantes de nuestro tiempo, Hartmut Rosa es también un metalero veterano. Desde que descubrió el género de joven, este ha marcado el compás de sus días: escucha cada disco, lee todas las revistas e incluso ha tocado en una banda. En este libro, Rosa bebe de su experiencia íntima con una música que le ha acompañado toda la vida para abrirnos las puertas del metal -de su historia, de sus rituales- y estudiar qué puede decirnos este fenómeno de nuestra forma de relacionarnos con el mundo. Con un estilo esmeradamente divulgativo, apto para lectores no especializados, Rosa encuentra en el metal, y en la música en general, un eje de resonancia con el mundo, un compañero que resiste al paso de los años y nos permite llamar «hogar» a algo tan abstracto como el riff de una guitarra o el grito de un vocalista.
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Tras más de cinco décadas desde su disolución, Màquina! sigue siendo aquel grupo de culto que ha quedado como una referencia en la historia del rock underground de nuestro país. Esta historia se desarrolló durante una época compleja, en una lucha para sacar adelante un proyecto musical ambicioso, singular y al margen de concesiones, en cada una de sus diferentes etapas. Màquina! resulta un caso único, heroico, de un enorme mérito en una época musicalmente convulsa pero de gran creatividad en la que simbolizó una nueva manera de hacer y vivir la música.A pesar de todas las dificultades, Màquina! se convirtió en un reducto de creatividad y talento. A lo largo de su trayectoria, pasaron muchos músicos por el grupo y todos ellos acabaron siendo reconocidos profesionales de la música.Mientras la mayoría de conjuntos en España apostaban por la música comercial, este grupo introdujo la improvisación en la música pop, algo inusual en este país y más propio del jazz, un género con poca tradición aquí por aquel entonces.Un libro que explica fielmente la historia de Màquina!, un grupo que simplemente quería dar salida a sus ideas musicales, a sus ansias juveniles de hacer algo distinto, innovador y personal y, por supuesto, divertirse.
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La melodía del violín de Lev fascinó a Helena Attlee desde la primera vez que la oyó en un concierto. Pronto averiguó que se trataba de un viejo instrumento italiano que llevaba el nombre de su antiguo propietario ruso y contaba con una rica historia. Ávida por descubrir los detalles de su origen y el resto de secretos que albergaba su delicado cuerpo de madera, Attlee se dirigió a Cremona, la cuna del violín italiano y el punto de partida de un extraordinario viaje de fin inesperado. A través de las visitas a talleres polvorientos, bosques alpinos, iglesias venecianas, lujosas cortes florentinas y remotos mercadillos rusos, El violín de Lev nos lleva del corazón de la cultura italiana a sus más lejanos confines. Una historia asombrosa de lutieres y científicos, príncipes y vagabundos, instrumentistas, compositores y viajeros, que es a la vez una conmovedora meditación sobre el poder de los objetos, de los relatos y de la música para crear culturas enteras y transformar la vida de las personas.
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La denuncia de Bob Dylan. La nostalgia de Rocío Jurado. La soledad según los Beatles. Los hechos reales que inspiraron a Nirvana y The Cranberries y las leyendas inventadas sobre Silvio Rodríguez y Luis Eduardo Aute. Las disputas de Oasis. Leonard Cohen y Enrique Morente unidos por García Lorca. Una historia de amor de Joan Baez, otra de Joaquín Sabina. La malinterpretación de Bruce Springsteen. Las coplas de Carlos Cano, Concha Piquer y Joan Manuel Serrat. El suicidio de Alfonsina Storni en la voz de Mercedes Sosa. Y mucho más.Hasta donde le alcanza la memoria, Jorge Decarlini siempre quiso escribir palabras para ser cantadas, pero tuvo que conformarse con escribirlas para ser leídas: el músico frustrado devino en escritor. De ese deseo incumplido surge esta declaración de amor y curiosidad hacia el delicado arte de ponerle palabras a una melodía. Decarlini desmiga veinte canciones emblemáticas, les aporta contexto, identifica referencias, deshace mitos y malentendidos, descubre secretos, valora prosodias, les aplica la ciencia de la métrica de la poesía, escarba en entrevistas y hemerotecas, y de cada letra construye una pieza precisa de arqueología social y mitomanía melómana. Un libro para escuchar en el sofá, mientras lees canciones. «Igual que cada persona tiene una historia que contar, cada canción tiene la suya. Gracias a este libro divertido y sorprendente podemos conocer íntimamente 20 canciones, su biografía y su árbol genealógico», Leonor Watling
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Teplitz, julio de 1812. Dos de las figuras mayores de la cultura alemana, Johann Wolfgang von Goethe y Ludwig van Beethoven, se encuentran en la que es por entonces una de las ciudades-balneario más frecuentadas por la aristocracia centroeuropea de la época. El 9 de agosto, sin embargo, Beethoven escribe a Bernhard Christoph Breitkopf, editor de sus partituras: «A Goethe le agrada el aire de la corte. Más de lo que conviene a un poeta». Apenas un mes más tarde, es Goethe quien desliza sus impresiones sobre el compositor en una carta dirigida a Carl Friedrich Zelter: «He conocido a Beethoven en Teplitz. Su talento me ha llenado de asombro, sólo que, por desgracia, es una personalidad completamente desenfrenada». Siguiendo la espiral de los acontecimientos a través de la correspondencia de sus protagonistas y de los testimonios (en ocasiones, de lo más subjetivo) de Bettina Brentano, quien despertase en ambos un interés recíproco con el afán de unirlos en una suerte de amistad estelar, el premio Nobel francés Romain Rolland incluye en Goethe y Beethoven un compendio de ensayos narrativos en los que reconstruye con tanto aliento como sutileza aquella ocasión perdida y aborda magistralmente el retrato conjunto de dos genios cuya sombra creadora se extiende hasta nuestros días.
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La aventura de escribir una canción a cuatro manos con uno de los genios de la música española contemporánea: Joan Manuel Serrat. «Si, como en la Antigüedad, los escritores fueran aquellos hombres sabios a los que acudíamos para iluminarnos sobre los arcanos de la vida, abuen seguro habría colas de peregrinos en la calle de Barcelona donde habita Jordi Soler».Xavi Ayén, La Vanguardia Y las cantó con esa misma voz que yo oía con devoción cuando era un niño, con esa bendita voz que tantas veces nos ha puesto la carne de gallina. Parece una tontería, pero pensé: ¡es Serrat!».Jordi Soler recibió un mensaje de Joan Manuel Serrat en el que le hablaba de un pájaro de plumaje esponjado y nombre imposible que el novelista menciona en una de sus ficciones. ¿Es real o imaginado?, le pregunta el compositor. Es imaginado, confirma el autor. Y Serrat le propone inventar juntos una canción sobre él, de ambiente selvático y llena de color. Este libro narra la increíble historia del proceso de escritura colaborativa, y, sobre todo, cómo se consolida una amistad a través de la literatura. Aquí están los temores del escritor, el vértigo ante la aventura junto a un músico que es un referente sentimental no solo para él sino para varias generaciones en España y América Latina. Pero también encontramos la generosidad del músico que pone su sabiduría al servicio de una obra conjunta. Y uno se cree es un relato honesto, revelador y lleno de humor sobre el arte de crear, y también la historia de una canción que nunca llegó a ser.La crítica ha dicho: «Un narrador fuera de serie».Delphine Peras, Lire «Soler saca a flote las fuerzas profundas de la naturaleza, el espíritu de la tierra, para mostrar la manera en que se imbrican en el alma de la gente».C. Rubio Rosell, Zenda«Jordi Soler es, ante todo, un poeta».Xavier Houssin, Le Monde «Un autor imposible de olvidar».Jesús Martínez Gómez, Mercurio «Los hijos del volcán se lee igual que aquel éxito mayor de su carrera: con la cadencia que regaló Juan Rulfo a sus mejores alumnos».Juan Cruz, La Opinión de Murcia «De vez en cuando encontramos un libro que nos atrapa y nos transporta, que nos hace sentir y pensar, que nos sacude y nos entusiasma como una descarga eléctrica. A mí me pasó esta semana, y el libro se llama Los rojos de ultramar».Ignacio Martínez de Pisón
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¿Cómo se escribe una canción? Es una buena pregunta. Y como muchas buenas preguntas, no hay una respuesta única y simple. De hecho, hay un número prácticamente infinito de formas geniales de escribir una canción. Este libro te guiará a través de un proceso muy simple y elemental para escribir una canción en prácticamente cualquier género una y otra vez, sin importar el nivel de experiencia que tengas. Además, el autor ha realizado grabaciones de audio de todos los ejemplos musicales que podrás encontrar en el libro para que puedas escucharlos a la vez que los ves en su página correspondiente.
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