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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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'Nosotros, los artistas, somos la gente capaz de cambiar la estructura molecular del corazón y de la cabeza de quienes habitan este planeta''. Más que unas memorias, un testimonio visceral. Sin protección es un libro honesto, divertido y desgarrador. Todo empieza en Pittsburgh, donde un joven Billy canta en el coro góspel de su iglesia y va a terapia desde los cinco años para «corregir» su afeminamiento. Acosado en la escuela y abusado por su padrastro, Porter se aferra a su talento excepcional y, con el apoyo de algunos «ángeles» que encuentra por el camino, logra convertirse en el artista galardonado de Broadway y Hollywood que se pasea por la alfombra roja, con sus looks espectaculares que rompen todos los moldes. Un relato poderoso que nos habla de raza, sexualidad, trauma y la capacidad el arte para sanar.
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Paco Cepero: repasando mi vida es mucho más que la biografía de un guitarrista legendario. Es el retrato de una época, el eco de los tablaos de Madrid, los días en Jerez y las noches de inspiración donde nacieron algunas de las composiciones más emblemáticas del flamenco. A lo largo de estas páginas, Paco Cepero revive sus primeros pasos, sus aprendizajes junto a grandes figuras, las anécdotas en los tablaos y su evolución como compositor y acompañante de los más grandes cantaores. Francisco Cuaresma capta con maestría la esencia de un hombre que ha hecho historia en el flamenco, conservando siempre su autenticidad y su toque único. Esta obra es un tributo a la dedicación, el talento y la pasión de un artista que ha sabido mantenerse en la cima durante décadas sin renunciar a su esencia. Un libro indispensable para los amantes del flamenco, la música y la cultura de Andalucía.
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Para el personaje central de esta novela, la música fue, primero, un misterio indescifrable, luego, una pasión, y, finalmente, una razón de ser. Pedro González Mira lo sitúa en un pequeño pueblo valenciano, donde crece escuchando las campanas de la iglesia, los sonidos de la radio familiar y la banda municipal ensayando en insólitos y polvorientos rincones. Gloria Lasso, Los Cinco Latinos, las madrugadas de Radio Luxemburgo, el piano almibarado y decadente de Eddy Duchin, bañado en sesiones de cine al aire libre, o las canciones de Led Zeppelin lo conducen a una lenta metamorfosis que lo llevará hasta Bach, Mozart o Beethoven. Formado lejos de las academias y con la intuición musical como bandera, descubre que posee el don de la curiosidad permanente y la necesidad de expresarse a través de las emociones, desentrañando obsesivamente los secretos que esconden los sonidos hasta convertirse en crítico musical. Tras el éxito de Eso no estaba en mi libro de historia de la música y Los músicos de Hitler, el autor se pregunta qué nos enseñan los sonidos que nos rodean. Con la mirada afilada del escrutador y la emoción intacta de quien sigue sorprendiéndose ante una melodía inesperada, traza un relato fascinante que no solo nos sumerge en su propia historia, sino que también nos ayuda a comprender la nuestra. «Una moderna y reflexiva Bildungsroman en la que la crítica musical actúa a la vez como brújula, faro y túnel sin salida. Su protagonista, Gastón, se embarca en un tránsito, a veces doloroso, de la vida a la música y de la música a la vida». Luis Gago, crítico musical de El País.
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Este es el libro de un periodista. Urdido, hilvanado, profundamente vivido desde el latido cotidiano de la redacción de un periódico, con apremios de los de siempre, con memorias divertidas, con encuentros memorables, con personajes históricos, con polémicas eternas sobre los temas palpitantes del día… y todo ligado y debatido con ánimo participativo, en un estilo directo, eminentemente periodístico, pero narrado desde la distancia que proporciona el humor.
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Este ensayo fundamental ahonda en el análisis de su rica colección musical, que transciende las fronteras habituales entre épocas, géneros e instrumentos. Partiendo de una notable selección de piezas analiza en detalle el método compositivo de Bach. Wolff
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Un acercamiento a la cultura urbana a partir de las músicas que la vertebran (con especial atención a los géneros más populares, el trap y el reguetón) a través de un análisis sociocultural necesario para comprender el fenómeno musical que ha conquistado al mundo. Monótona. Machacona. Sexista. Artificial. Vacía. Hacía mucho, muchísimo tiempo que la música juvenil no provocaba un choque entre generaciones como el desencadenado por el auge del reguetón y la música urbana. Es el género más odiado por los adultos y el favorito de los jóvenes y adolescentes. Mientras los unos se indignan con las letras, los bailes, la jerga y hasta la manera de vestir de los reguetoneros, los otros cantan, bailan, hablan y se visten como ellos. Y nada indica que este conflicto vaya a resolverse pronto. El fondo del debate en torno al reguetón y la música urbana trasciende lo estrictamente musical. Remite a una sucesión rapidísima de cambios socioculturales difícil de asumir para la Generación X, la de los padres de los fans de Bad Bunny, J Balvin y Karol G. En las últimas dos décadas el pop ha sufrido un seísmo comparable al que en su momento supuso el nacimiento del rock'n'roll. Las transformaciones en las maneras de producir, distribuir y consumir música no tienen precedentes. Tampoco las circunstancias que han precipitado estas mutaciones. Matar al papito interpela principalmente, aunque no de manera única, a los adultos que desean, necesitan comprender qué ha pasado en estos veinte primeros años del milenio: de dónde proviene el hechizo del sonido urbano, su capacidad para conectar con los deseos y las ansiedades de los jóvenes del siglo xxi, y cuáles son estos deseos y estas ansiedades. De ahí el subtítulo, Por qué no te gusta el reguetón (y a tus hijos, sí). Con este objetivo, en Matar al papito se despliega una genealogía detallada de las músicas urbanas -el reguetón, claro, pero también el trap y el dancehall, entre otras- conjugada con un análisis de las coyunturas sociales, culturales, políticas y tecnológicas que las han alumbrado, para entender (y quizás valorar) de qué va todo esto.
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Entre la divulgación musical y la irreverencia, el pianista Miguel Baselga desvela la (casi) siempre oculta cara B de la música clásica en este libro en el que tienen cabida batallas de chelos, armonías, panettones y la suegra de Marilyn Monroe. Para acercarse a un mundo tan cerrado y eminente como el de la música clásica, a veces no solo basta con llamar a la puerta: hay que tirarla abajo y desmitificar a sus venerados y peculiares habitantes. Miguel Baselga, el concertista de piano con el espíritu más rock and roll de la escena nacional (e internacional), se enfrenta como nadie a los clichés y paradojas que siempre han rodeado la música clásica. Y lo hace con humor, con su particular estilo irreverente y apasionado, con rigor y, sobre todo, con mucha erudición. ¿Qué le pasaba a Puccini con los panettones? ¿Cómo se construye una armonía? ¿Por quién hay que apostar en una pelea de chelos? ¿Cuál es la diferencia entre la intensidad de un sonido y su frecuencia? ¿Qué tiene que ver la suegra de Marilyn Monroe con el director de orquesta alemán Wilhelm Furtwängler? ¿Los estudiantes del conservatorio escuchan reggaetón? Lo que no me contaron en el conservatorio es un ensayo que surge de la sección homónima que Miguel Baselga presenta cada semana en ''Las Mañanas'' de RNE, en el que se entremezclan la divulgación musical y con las inconfesables confidencias de un pianista.
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Cançons en bell llemosí aplega les cent trenta cançons que ens ha llegat fins ara la carrera en solitari de Quimi Portet. Despullades de la música moderadament moderna que les vesteix, les seves lletres brillen amb llum pròpia, imprevisibles i emocionants. D’adjectiu audaç i imatges hiperestimulants. Populars i sofisticades. D’abstracta precisió i metafísica local. Quimi Portet és el poeta que de vegades nega ser. La seva lírica ha llegat un fotimer d’himnes inoblidables i ha contribuït a fer més ric i més gran l’imaginari col·lectiu de diverses generacions de catalans.Així mateix, l’Astre Intercomarcal escriu sobre les seves diferents èpoques creatives i sobre cadascun dels onze discos en català que ha concebut. Aquests textos conformen una memòria de vida farcida de reflexions d’alt nivell ludicointel·lectual. Quim Monzó signa un magne estudi introductori i Manolo García, company de mil batalles, un colossal epíleg.
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¿Quién no se ha sentido alguna vez conmovido, turbado, exaltado, hechizado o arrebatado por las emociones y los sentimientos que despierta y desata la música? Desde la noche de los tiempos, viene atribuyéndose al arte de las musas toda suerte de propiedades que pueden alterar o condicionar el estado de ánimo e incluso la conciencia de sus oyentes. Presuntas cualidades que intuitivamente advertimos y apreciamos en algunas de las grandes obras de la música clásica occidental, y de cuyas virtudes se hace eco (y también se mofa) la cultura popular, sobre todo la comedia —recuérdese a Woody Allen, en Misterioso asesinato en Manhattan (1993), proclamando: «No puedo escuchar a Wagner más que en pequeñas dosis. Si me excedo, enseguida me entran ganas de conquistar Polonia»—, y que ilustran cómo la música puede, en efecto, encarnar e inflamar toda suerte de pasiones y querencias.Melodías del alma nos invita a embarcarnos en un viaje musical a través del tiempo, apelando a los clásicos de ayer y de hoy —al compás de las estaciones del año—, y a sumergirnos en las resonancias musicales de las profundidades del alma —recorriendo la cartografía de las emociones que cada estación suscita en la autora a lo largo de las cincuenta y dos semanas del año—. En este singular ejercicio de maridaje, cada una de las trece emociones asociadas a cada estación se acompaña de una composición que la representa. Sin ampararse en un discurso lineal, Vega recurre a los ejemplos que ofrecen la literatura y otras expresiones artísticas sustanciando sus propuestas con didácticas acotaciones filosóficas e históricas al tiempo que revelándonos las interioridades del repertorio seleccionado para acompañar la lectura con la audición de sus recomendaciones —grabaciones a las que el lector puede acceder a través de los códigos QR habilitados para tal fin en cada capítulo, y con la selección completa al finalizar la lectura—.Un espléndido compendio, en suma, de la estética, la música y el pensamiento occidental a través de las emociones expresadas en la música clásica.
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UNA CRÓNICA BRUTALMENTE HONESTA SOBRE LA VIDA EN LA CARRETERA EN LOS AÑOS 70 Diario de una estrella del rock es el testimonio crudo y directo de Ian Hunter sobre la mítica gira americana de cinco semanas que llevó a cabo con Mott the Hoople en noviembre y diciembre de 1972. En este relato, considerado por muchos como la primera autobiografía de un rockero, Hunter desmitifica la imagen de «la estrella» y ofrece una mirada sincera sobre la otra cara de la fama: la vida en la carretera. Lejos de los reflectores y el glamour, el libro habla de moteles baratos, noches interminables y un agotamiento físico y mental difícil de sobrellevar. Publicada por primera vez en 1974, esta obra incluye ahora contenido inédito, como el diario de la gira japonesa que Hunter realizó en 2015, nuevas fotografías, un prólogo especial del actor Johnny Depp, una introducción de Campbell Devine que contextualiza la época dorada del rock y un epílogo del propio Ian Hunter, escrito más de cuatro décadas después.
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Este libro es un viaje apasionado al corazón de las sevillanas, un género que late con la fuerza de la tradición andaluza y que ha tejido, a lo largo de los siglos, una historia de emociones, fe y arte. Feliciano Pérez-Vera Hernández nos invita a descubrir cómo estas coplas han sido testigo de amores, devociones y costumbres populares, desde su infancia en Hinojos hasta los escenarios más emblemáticos de la cultura flamenca. Con un estilo cercano y lleno de vivencias personales, el autor nos comparte anécdotas entrañables, el proceso creativo tras sus composiciones más icónicas y su lucha por preservar la esencia de un género que une generaciones. Además, el libro ofrece un homenaje a las figuras que marcaron el auge de las sevillanas y una reflexión sobre su transformación a lo largo del tiempo.
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Arvo Pärt es uno de los compositores más importantes e interpretados dentro de la música clásica de nuestro tiempo. Su obra, después de un primer periodo de experimentación de corte vanguardista bajo el régimen soviético, transitó hacia temáticas de hondo carácter místico y religioso en las que el maestro estonio profundizó gracias a la creación de un estilo minimalista, por él denominado «tintinnabular», que no tardaría en convertirse en inconfundible y ejercer una enorme influencia en otros músicos. El hermoso itinerario que aquí despliega Mercedes Menchero Verdugo -la maravillosa voz de Radio Clásica- por las músicas de Arvo Pärt se podría equiparar al camino que el propio autor de Tabula rasa o Spiegel im Spiegel tuvo que transitar para alcanzar las cimas y valles de sus composiciones. Ilustrándolo con diez obras que recorren otros tantos capítulos, la autora asume el acendrado ideario de Pärt, quien concibe a sus oyentes como prismas en los que la Luz sonora, esa claridad blanca originaria que son sus partituras, se separa en colores en cada escuchante, según la sensibilidad de cada cual, para reflejar su personal audición y experiencia. «Dios entra en mi vida a través de la música», afirmó el músico al recoger el Doctorado Honoris Causa en Teología por la Universidad de Friburgo, y es esa la ofrenda que se recoge y se vuelve a ofrecer en esta obra íntima y emocionante.
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'Sin música la vida sería un error'', he aquí el lema que preside este libro. La música nos ayuda a romper el silencio y el aislamiento a los que conduce la sociedad de nuestro tiempo, en la que el otro es percibido como una amenaza, un competidor o un enemigo. Frente a ello, la música llega desde afuera, requiere de nosotros el gesto de ponernos a la escucha, y nos permite así salir de nuestro encierro y ponernos en movimiento hacia lo Otro, hacia otros mundos, hacia otros seres. Este libro se detiene sobre todo en algunos de los principales creadores de rock, pop y jazz (The Rolling Stones, The Smiths, The Beach Boys, David Bowie, Frank Zappa, Raffaella Carrà, Kraftwerk, Radiohead, Sex Pistols, Nirvana, Phil Ochs, Cecil Taylor, Nina Simone y Laibach) que, desde finales de los sesenta del siglo pasado, nos han ayudado a soportar los tiempos de vacío existencial. Estos músicos nos han mostrado nuestras patologías, pero también nos han enseñado cómo debería ser la resistencia contra los males de nuestro tiempo. Incluso nos han permitido sentir y pensar los límites de una rebeldía juvenil que no nos emancipa. Esta obra nos recuerda que la música popular contemporánea nos vuelve conscientes de los quebrantos que sufrimos, pero también nos ofrece una esperanzadora alegría de vivir.
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Quienes se han acercado a intentar comprender el fenómeno lo han atisbado. Digo que no sólo están los libros, tampoco la red repleta de enlaces que son como caminos hacia el corazón del cantaor de San Fernando, sobre todo quienes guardan un recuerdo vivo como un diamante y quienes no lo conocieron y andan contritos con esa circunstancias. Porque Camarón es cada vez más una fuerza de la naturaleza.Beñat Arginzoniz lo comprendió enseguida, por eso se decidió a hacer el libro que faltaba, un texto heterodoxo, agenérico, singular como una bulerías múltiple de José Monje Cruz. Digo lleno de registros diversos, iluminaciones, brillos, conocimiento y, sobre todo, un inmenso amor por el cantaor que cerró los ojos en 1992. Un libro extraordinario.ENRIQUE MONTIEL
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Descubre el arte y la ciencia de la música ¿Por qué hay determinadas melodías que nos emocionan? ¿Por qué nos conmueven las sinfonías de Beethoven o las canciones de Céline Dion? Desde las teorías de los antiguos griegos, pasando por los más recientes hallazgos sobre la neuroplasticidad cerebral, este libro expone de forma clara y accesible todo lo que sabemos sobre los maravillosos procesos cerebrales que hacen posible la experiencia musical a todos los niveles, desde escuchar hasta interpretar y crear música. El divulgador científico, compositor y pianista Michel Rochon nos guía en una fascinante exploración del cerebro musical y profundiza en cómo nuestro cerebro percibe, procesa y responde a los sonidos musicales. Nos revela los descubrimientos más recientes en inteligencia artificial, neuropsicología, lingüística e incluso matemáticas que nos aportan una nueva comprensión de las armonías sonoras. Más aún, Rochon examina el papel decisivo que la música ha tenido y tiene en la historia del ser humano, como medio de expresarse y de relacionarse con el mundo y con los demás, y cómo la música nos aporta bienestar y nos hace más humanos.
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Este disco abanderó la corriente más gamberra del pop y el punk de los primeros años 80, con un descacharrante sentido del humor, delirante ironía, incorrección intelectual y una completa libertad artística.Alentados por el espíritu del punk, los insurgentes Siniestro Total sorprendieron en 1982 con ¿Cuándo se come aquí?, su revolucionario primer elepé. Por entonces, pocos podían imaginar que la banda de Vigo lograría alcanzar las cuatro décadas de existencia reinventándose en diversas formaciones y manteniendo su vocación transgresora primigenia. Aquel disco abanderó la corriente más gamberra del pop español de los primeros años ochenta, con un descacharrante sentido del humor y una delirante ironía fruto de su incorrección intelectual y una completa libertad artística. Así alumbraron un álbum absolutamente rompedor y delirante que sorprendió a todos los que lo escucharon y se convirtió en uno de los primeros superventas de DRO, pequeño sello referente de la independencia, ayudando a consolidar la nueva escena pop y rock española en tiempos de «movidas».En ¿Cuándo se come aquí? El gran golpe de Siniestro Total, Sara Morales, a modo de historia oral, recrea con detalle el nacimiento de la banda y la gestación, grabación y desarrollo comercial de tan libérrimo disco. Para ello cuenta con los supervivientes de aquella primera formación, Julián Hernández, Alberto Torrado y Miguel Costas, y recupera declaraciones del malogrado Germán Coppini, además de las voces de su entorno de entonces: Servando Carballar, Óscar Mariné, Paco Trinidad, Jesús Ordovás, Diego A. Manrique, Javier Soto, Antón Reixa, Teo Cardalda, Pablo Novoa… Con todos esos testimonios como hilo conductor, la autora construye un magnífico y adictivo relato sobre una de las obras esenciales del rock español de todos los tiempos.
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En esta nueva edición de la Guía del flamenco se expone el origen y el desarrollo del flamenco, y se analizan los periodos fundamentales de su evolución, así como los enclaves geográficos más significativos. También se analizan las características básicas del cante, el baile y el toque. Se aporta, a su vez, un glosario de términos específicos al tiempo que se incluye una relación, por orden alfabético, de casi 600 fichas de artistas relevantes de todas las épocas con sus datos biográficos y profesionales. Esta nueva edición contiene, además, un capítulo dedicado al piano flamenco y otro a las nuevas tendencias. Dos apartados finales –discografía y bibliografía– completan el trabajo.
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Con gran cantidad de información, Alain Derbez lleva a cabo un recorrido desde las primeras huellas del jazz en México hasta fines del siglo XX, pasando lista a opiniones de notables conocedores e intérpretes de este género como Henry West, Juan José Calatayud, Chilo Morán, Enrique Nery, Tino Contreras, Francisco Téllez y Gerardo Bátiz, entre otros Esta edición ha sido revisada y ampliada por el autor.
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FRAGMENTOS ESENCIALES DE LA HISTORIA DE LA MÚSICA POPULAR Canciones imprescindibles que transmiten emociones y sentimientos con los que se identifican millones de aficionados a la música Todas las canciones son fruto de un momento y unas circunstancias concretas. Y algunas son tan poderosas, que incluso logran sobrevivir a sus creadores. Para este libro el autor ha seleccionado cincuenta temas que son himnos del pop y rock y que son auténticos pilares de la música. Canciones que nos cuentan multitud de historias, anécdotas, rumores, evidencias y contradicciones. Un amplio espectro que abarca el medio siglo que transcurre desde los primeros riffs de Chuck Berry en «Johnny B. Goode» al nuevo soul de Amy Winehouse reflejado en «Back to Black», pasando por los grandes clásicos de los Beatles y los Stones, Dylan y Cohen, Clapton, Mitchell, Springsteen, Pink Floyd, Fleetwood Mac, Led Zeppelin, Metallica o Madonna, entre muchísimos más. • «The End»: Jim Morrison y un extintor vaciado sobre los instrumentos. • «Gimme Shelter»: Una canción apocalíptica sobre el fin del mundo. • «Perfect Day»: Lou Reed y una referencia a la carta de san Pablo a los Gálatas. • «Tom Traubert’s Blues»: Tom Waits o cómo perseguir tus sueños. • «Heroes»: David Bowie o cómo el amor florece incluso en las peores circunstancias. • «Another Brick in the Wall»: Pink Floyd y una rebelión inusitada. • «Purple Rain»: un lugar utópico donde Prince aspira a encontrar la libertad. «Este libro nos aporta inapreciables entretelones de melodías imperecederas de la historia de la música popular.»
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La Barcelona actual, a través de los cinematográficos ojos de Loquillo. Paseo de gracia, más allá de una autobiografía, es un recorrido por la ciudad de Barcelona, por sus calles y su esencia. Por todos los cambios y evoluciones que ha vivido la Ciudad Condal y quienes viven en ella. La propia historia, pasada y presente, de Loquillo es parte intrínseca de esa ciudad y la influencia en su arte es palpable. Paseo de gracia también rescata aquellos artistas, de diversos ámbitos, que ayudaron a conformar al Loquillo actual. Todo ello es narrado con un estilo muy lírico y que se dirige al lector para hacerle partícipe de toda esta historia. Además de un testimonio de su evolución y crecimiento como artista, es un homenaje a su ciudad y a sus raíces, aquella que lo vio convertirse en un icono del rock español.
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Las memorias del líder de la legendaria banda de heavy metal más grande de todos los tiempos: Iron Maiden.Dickinson recuerda con su voz singularmente anárquica las explosivas hazañas de su excéntrica niñez, el ascenso meteórico de los Maiden, la trayectoria, los conciertos y las giras del grupo junto a su inseparable Eddie, pero también cuenta la filosofía de la esgrima, la experiencia brutal de pilotar un Boeing o su firme victoria contra el cáncer. Unas memorias muy esperadas que captan la vida, el corazón y la mente de un auténtico icono del rock.
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Por que a túa tataravoa estaría contenta co Día das Letras de 2025? Que son as ''recolleitas'' que fascinaron a C. Tangana? Por que os Séculos Escuros tamén foron Séculos Radiantes? Que ten a cultura tradicional galega para abrir tanto os ollos de quen a descobre?
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Cincuenta años después de haber nacido en una fiesta del Bronx, en 1973, el Hip Hop es el género musical más popular de Estados Unidos. Sus innovadores DJs y MCs —en su mayoría personas de color provenientes de las comunidades más marginadas de Estados Unidos— llevaron los límites de la música a nuevas fronteras, cautivando a la juventud del país y transformando la moda, el arte e incluso el lenguaje. A lo largo de más de trescientas entrevistas, el galardonado autor y periodista del New York Times Jonathan Abrams ha capturado las historias de algunos DJ, ejecutivos, productores y artistas que fueron tanto testigos como artífices de la historia del hip-hop. Combinando magistralmente estas voces en una narrativa sin fisuras y casi sinfónica, The Come Up relata cómo el género surgió de la creatividad de una población marginada en el sur del Bronx y se extendió a otros distritos de Nueva York e incluso más allá: desde electrizantes reuniones en vivo, pasando a la radio y al vinilo, cruzando el sur bajo la línea Mason-Dixon y llegando hasta Los Ángeles con el gangsta rap y el G-funk. Mediante testimonios como los de Grandmaster Caz, Edward ‘Duke Bootee’ Fletcher, DMC, Ice Cube y Kool Moe Dee, Abrams transmite con una viveza única la determinación, los desafíos y la creatividad imparable que encendieron una de las mayores revoluciones de la música moderna.
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La música andalusí, como género emanado de una civilización avanzada, y creado primordialmente, por un filósofo racionalista como lo era Avempace, goza de una coherencia inteligible en todos sus aspectos estructurales. Por dicha razón, el análisis filosófico del mismo se revela posible, y capaz de aportar no solo una visión racional de sus melodías y aspectos culturales, sino también el cómo tratarlos y a fín de gozar del mismo sin alterar su esencia. En Filosofía de la música andalusí, el célebre músico y musicólogo tetuaní Amin Chachoo realiza un recorrido histórico por la música andalusí, desde sus orígenes más remotos en el mundo árabe oriental y el mundo grecolatino occidental, hasta la era contemporánea. Un análisis de las melodías andalusíes en base a la filosofía de su autor, quién no solo define los estados de los seres y su devenir, sino también una cierta jerarquía de los intelectos que se revela estar en armonía con las diferentes dimensiones de la música andalusí, en sus vertientes estática y dinámica.
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El corrido tumbado está cambiando de dueño. En un campo hasta ahora dominado por los hombres, las mujeres están empezando a reclamar su lugar. Así, figuras como Jenny 69, Michelle Maciel e Ivonne Galaz se perfilan como la contraparte femenina de Peso Pluma y Natanael Cano. Ellas son las morras tumbadas. Pero ¿cómo influyen estas nuevas voces sobre el género del corrido?, ¿qué cambios operan sobre él? y ¿cómo se relacionan con una tradición eminentemente masculina? Los corridos, derivados de la música regional mexicana, reflejan la realidad de las experiencias de jóvenes contemporáneos. En un campo musical fundado sobre códigos de virilidad y dominado por hombres, las mujeres han tenido que crear sus propias estrategias para tomar protagonismo. A través de la música, buscan participar en la cultura y sentirse fuertes, empoderadas, dueñas de sus propios cuerpos. Pero, a la vez, parecen no poder escapar de los intereses comerciales de un sistema salvajemente neoliberal: presentismo, desclasamiento y encumbramiento del dinero. Los corridos de las morras tumbadas han resignificado la escena de la música mexicana. Partícipes de discursos similares a los de sus equivalentes masculinos -con letras que ensalzan la violencia y la narcocultura-, las morras dan un sentido nuevo a los viejos códigos: si en el hombre la violencia es afán de sometimiento, en las mujeres es lucha de resistencia, intento de huida del control masculino. Sus propuestas se inscriben (de manera implícita y contradictoria) en una larga historia tapizada con esfuerzos libertarios de millones de mujeres y los intentos de los hombres para mantener incólume su dominación, dentro de un sistema capitalista, patriarcal y colonial.
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EL GÉNERO MUSICAL MÁS RECONOCIBLE, EXTRAVAGANTE, BELLO Y ORDINARIO QUE HA DADO EL ROCK. El arranque de la década de los setenta trajo consigo el nacimiento del “glam”, una sorprendente e inimitable variante del rock que se materializó en tres elementos esenciales: la vestimenta, el uso del maquillaje para favorecer la androginia (al menos en sus inicios) y la teatralidad. También fue considerado un movimiento social, ya que incorporó en el discurso de la industria temáticas relacionadas con la ambigüedad sexual y los géneros fluidos. Esta es la historia de una época que, aunque efímera, permitió a los artistas crear propuestas muy singulares. La gran mayoría lo hicieron con absoluta libertad creativa, a través de personajes y estilismos únicos, aunque también fueron cuestionados por quienes querían mantener el virtuosismo y la formalidad técnica característica de la psicodelia y la contracultura. • New York Dolls: laca, “eyeliner” y mucho “rock’n’roll”. • Lady Gaga, la criatura del “shock pop”. • Mötley Crüe: el exceso por defecto. • La escandalosa e irreverente Jayne County. • Brakaman, vena y espíritu “art rock”. • Jobriath, el chico que ni pudo ni quiso ser estrella.
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Probablement els goigs és el gènere cantat més difós i amb més presència històrica en un seguit de països de la mediterrània nord-occidental. Avuiés una tipologia de cant només coneguda per sectors socials molt concrets, i gairebé tothom n’ignora la profunditat històrica, l’amplíssima difusió geogràfica i la intensa presència que ha tingut durant més de cinc segles.En aquestes centúries, cada setmana a milers d’esglésies i capelles s’ha cantat aquesta enunciació col·lectiva davant d’un sant o d’una marededeu per demanar la salut i l’ajuda en el pas de la mort. Aquest llibre en mostra la important dimensió social i cultural (ritual, literària i musical): és el gènere cantat de més abast que sorgit de la cultura catalana —amb arrels a l’occitana— s’ha escampat pel món.Fins ara no en sabíem els límits geogràfics, que abasten tres continents — l’Europa mediterrània occidental, l’Amèrica llatina i les Filipines— i una sorprenent diversitat de llengües —català, castellà, sard, occità, eusquera, nàhuatl, tagàlog, ilocano, cebuà i ilongo, a més d’algun exemple en francès i de l’oració final en llatí. Encara, però, s’acostuma a pensar que és només un cant local –folklòric— i identitari.Aquest treball estudia quines són les estructures literàries i musicals dels goigs cantats oralment, en quines situacions i països es canten, quan van sorgir i com funcionen musicalment, tant els religiosos com les paròdies profanes. Per fer-ho s’han analitzat més de 2.000 enregistraments de devocions diferents, diversos dels quals podreu sentir a través de QR.
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Aquest llibre és un viatge en l'espai i el temps cap a una època musical poc valorada malgrat la seva importància. Es tracta d'un exercici de memòria per rescatar músiques i músics, comunicadors, aventurers, diletants, de temps en què fer música no era tan fàcil com semblava. Es tracta també de recordar com unes generacions que van abraçar l'energia del rock and roll es van llançar a donar llum i color a un país massa gris i trist, dominat pel silenci i la mediocritat d'un règim fratricida que no va saber entendre els canvis, les diferències i, ni de bon tros, la música popular. Tot això vist des de Catalunya, aquell petit país des del qual es mirava (i escoltava) Europa buscant sortides, amarant-se de novetats i d'esperances amb què construir un futur millor. En aquest primer volum, es reconstrueix la història de la música popular a Catalunya, en totes les seves expressions, des de l'impacte del rock and roll fins a la bogeria ie-ie, des de les caves de jazz i cançó fins als envelats de festa major. Tot amb la intenció de reconstruir la memòria, que tantes vegades s'ha fragmentat i ocultat, perquè aquells que treguin el cap a aquestes pàgines puguin, potser, trobar aquelles peces que es van quedar pel camí i que avui poden ajudar a entendre millor el nostre paisatge musical.
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