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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Maria del Mar Bonet, intensament
Ara que celebrem els 50 anys de Maria del Mar Bonet dalt dels escenaris, ara que l’artista mallorquina brilla més que mai com a referent cultural universal delnostre país, Jordi Bianciotto l’acompanya en un emocionant recorregut al llarg de la seva vida i la sevacarrera. Un relat escrit amb la col·laboració i la implicació de la cantant, fruit de moltes hores de conversa i concebut sense nostàlgia, amb la mirada alçadaal futur, amb tot el coratge i la sensibilitat de qui ha guiat els somnis de diverses generacions amb laseva veu. Recorrerem en primera persona els seus inicis a Palma i l’arribada a Barcelona, el pas per ElsSetze Jutges i la integració en la Nova Cançó. Viatjarem a l’origen de cançons d’abast popular com ara «Què volen aquesta gent», «Mercè» i «L’àguila negra», iseguirem amb detall la seva evolució com a artista inquieta, sempre disposada al repte i l’aventura, quel’ha portada a treballar amb músics d’arreu de la Mediterrània i d’altres mars i oceans. Des de Mallorca al món. Amb elegància i discreció, amb la seguretat dequi ha triat sempre el seu camí a través de la llengua, la música, el paisatge i l’emoció, de l’artesaniai de l’art: Maria del Mar Bonet, intensament.
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El segundo tomo de esta historia musical iberoamericana toma como punto de partida el renacer del repertorio lírico español, nos habla también del villancico sacro y otros géneros como la ensalada, de la música instrumental y la dedicada a la divinidad hasta llegar a la colonización musical en América. Ayuda, de una manera notable, a reforzar el conocimiento de la música hispana en lo referido al periodo del Renacimiento dentro del contexto de la cultura occidental, nutriendo esta edición con partituras, datos y grabados que permiten dar un panorama enriquecido de la evolución que esta práctica inherente al hombre ha tenido a lo largo de varios siglos.
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Cuando el hip-hop surgió en la década de 1970, nadie esperaba que se convirtiera en la fuerza cultural que es en la actualidad. Pero para un joven negro criado en una familia musical en Filadelfia, lo era todo. Se quedaba despierto hasta altas horas de la madrugada para escuchar las últimas canciones que emitía la radio. Ahorraba para comprar vinilos en cuanto salían. Incluso empezó a componer sus propias canciones. Ese chico era Questlove. Ahora, en este libro único en su género, Questlove rastrea las fuerzas creativas y culturales que crearon y moldearon el hip-hop en EEUU, destacando tanto las joyas olvidadas pero influyentes como los éxitos innegables que encabezaron las listas de éxitos, y entrelaza este relato con historias que nadie más conoce. Hip-Hop es historia es a la vez un relato íntimo y agudamente descrito, y una teoría exhaustiva de la evolución de uno de los grades movimientos artístico y sociales de nuestro tiempo. Questlove aborda esta crónica del hip-hop con la sabiduría enciclopédica de un fanático obsesivo y la experiencia y la fluidez únicas de alguien que estuvo presente en muchos de los momentos de la historia.
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Los tesoros de U2 es un homenaje a la imperecedera creatividad de la banda y a sus increíbles logros. Escrita por Brian Boyd, destacado periodista musical y estrecho colaborador de la banda, esta exclusiva recopilación contiene un libro ilustrado que documenta detalladamente y con autoridad la increíble carrera de U2.
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Piter G nos presenta un libro de contenido autobiográfico, en el que repasa las distintas fases de su trayectoria como rapero: desde el nacimiento del artista y la primera canción, hasta sus experiencias sobre el escenario, sus fuentes de inspiración,
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«...Esta idea surge casi como un autorregalo para poder explicar mejor a nuestros nietos, dentro de mucho tiempo, la maravillosa aventura que fue La Oreja de Van Gogh. Hemos querido retratar al grupo desde dentro hacia fuera y contar con esos matices que
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musica reservata fue un programa de referencia en radio clásica de rnedirigido por josé luis téllez, y así se denomina la sección quemensualmente firma desde hace años para la revista scherzo. el presentevolumen reúne una amplia selección de sus artículos publicados en losúltimos veinte años, junto a otros ensayos y textos de reflexión musicalmenos conocidos del autor, que conforman un verdadero jardín de lasdelicias y deparan a todo lector melómano no sólo al especializadohallazgos portentosos.
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Judith Mateo cambia en esta ocasión su violín eléctrico por las páginas de un libro que destila idéntica autenticidad que su música. Presentamos un recorrido a travésde una selección de sus canciones preferidas, su playlist más íntima y personal. Una
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Johannes Brahms (1833-1897), es un compositor alemánque llevó el Romanticismo a la cumbre de su expresión. Sus sinfonías, sus conciertos para piano o su música de cámara representan un compromiso con el arte modelo de la autenticidad. Y así también se comprometiócon su vida. Este recorrido biográfico nos acercará tanto a su ámbito privado, como al contexto creativo de su obra. En palabras de su autor: “no está concebido como una biografía, sino como una sucesión de estampas que quizá en su conjunto formen la imagen de unavida, al tiempo que pretende contribuir a la comprensión de sus obras más significativas -la contemplacióncomo un esfuerzo de acercamiento. Las opiniones personales son ineludibles y puede que aquí o allá susciten controversia. Las declaraciones de amor han de contar siempre con esto. Y como una declaración de amorha de entenderse este libro”.
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La gran biografía de Chet Baker, el legendariotrompetista y cantante de jazz. Desde 1950, cuando un atractivo joven de Oklahoma apareció en la Costa Oeste como nuevo príncipe del cool jazz, hasta su violenta muerte en Amsterdam relacionada con lasdrogas, la vida de Chet Baker lo convirtió en un mito. En esta biografía, que incluye cientos de entrevistas y fuentes inéditas, James Gavin hace un recorrido por la vida del trompetista. La historia de Chet Baker es desmenuzada desde su atormentada y traumática infancia: Gavin explora el nacimiento de esa melancólica forma de tocar la trompeta, su voz frágil,y el aura que lo llevó a la fama. Sexy, angelical, rebelde y querido, Chet Baker se convirtió en el JamesDean del jazz. Su misteriosa figura volvió locos a mujeres y hombres. Sin embargo, su verdadero amor, además de la música, fue la droga. La crítica ha dicho...«Arrebatadora y fascinante. Trae deregreso la persona de Baker entre los vivos. El corazón de este libro late muchísimo más fuerte que la inmensa mayoría de las biografías de músicos.»The Boston Globe «Una biografía extraordinaria y monumental.»La Stampa «Una formidable muestra de arte biográfico. No hay una sola página en este libro que no sea adictiva, que no estéviva, que no le exija al lector una reacción, ya seade horror o admiración.»Greil Marcus, Salon «Un retrato casi insoportablemente realista.James Gavin nos ha puesto al personaje tan cerca como la vida misma.»David Hajdu, New York Times Book Review «Una biografía divulgativa imprescindible.»Tony Gieske, Hollywood Reporter «El retrato más redondo y lúcido del trompetista que ha sido escrito jamás. Esta es la biografíadefinitiva de Baker.»Christopher Porter, JazzTimes «Completísima, una biografía de lectura compulsiva.»Jack Batten, Toronto Star «Un relato espeluznante. Debería atraer a todapersona interesada en una historia perfectamente narrada.»Greg Delaney, Independent «Unacomedia negra repleta de desenfreno, escrita con unritmo y visión a los que ni siquiera el purista del jazz más esencialista le encontraría un defecto.»Kenneth Wright, Sunday Herald «Un libronacido del amor artístico y la honestidad intelectual, escrito con la fluidez y el dramatismo de una novela.»Paolo Russo, La Repubblica «Unabrillante y oscura biografía de la leyenda blanca deljazz. Baker es un misterio al que James Gavin se asomó atento a las contradicciones.»Diego Fischerman, Página/12 En los blogs...«Esta biografía está repleta de momentos de jeringas,narcóticos y sangre. Temblores, sudores y dinero cambiando de manos en busca de una nueva dosis. Recetas robadas o falsificadas, intentos honestos y fracasadosde rehabilitación, y figuras patéticas de admiradores o amigos que tras una sincera admiración fueron capaces de suponer para él una nueva excusa para su reenganche.»Francismo Martínez, Blog Fantasymundo
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El Wu-Tang Clan es uno de los grupos de hip-hop másimportantes de todos los tiempos, y su impacto ha trascendido el ámbito meramente musical, sin embargo, ningún miembro del grupo había contado su historia hasta la aparición de En carne viva. Mi viaje con el Wu-Tang Clan, escrito por Lamont «U-God» Hawkins, quien aprendió a sobrevivir en los años setenta y ochenta enlas calles de los distritos más desamparados de la ciudad de Nueva York, donde la violencia era omnipresente y el futuro para un niño negro como él se cifraba, casi sin remedio, en clave de crack, armas y tragedia.
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Componer bajo el régimen de Stalin no fue fácil. Los músicos tuvieron que someterse a la línea ideológica del partido. Músicos de la altura de Shostakóvich y Prokófiev eintérpretes de fama internacional como Rostropóvich, Richter, Oistrakh, Kogan y Yúdin
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El corrido tumbado está cambiando de dueño. En un campo hasta ahora dominado por los hombres, las mujeres están empezando a reclamar su lugar. Así, figuras como Jenny 69, Michelle Maciel e Ivonne Galaz se perfilan como la contraparte femenina de Peso Pluma y Natanael Cano. Ellas son las morras tumbadas. Pero ¿cómo influyen estas nuevas voces sobre el género del corrido?, ¿qué cambios operan sobre él? y ¿cómo se relacionan con una tradición eminentemente masculina? Los corridos, derivados de la música regional mexicana, reflejan la realidad de las experiencias de jóvenes contemporáneos. En un campo musical fundado sobre códigos de virilidad y dominado por hombres, las mujeres han tenido que crear sus propias estrategias para tomar protagonismo. A través de la música, buscan participar en la cultura y sentirse fuertes, empoderadas, dueñas de sus propios cuerpos. Pero, a la vez, parecen no poder escapar de los intereses comerciales de un sistema salvajemente neoliberal: presentismo, desclasamiento y encumbramiento del dinero. Los corridos de las morras tumbadas han resignificado la escena de la música mexicana. Partícipes de discursos similares a los de sus equivalentes masculinos -con letras que ensalzan la violencia y la narcocultura-, las morras dan un sentido nuevo a los viejos códigos: si en el hombre la violencia es afán de sometimiento, en las mujeres es lucha de resistencia, intento de huida del control masculino. Sus propuestas se inscriben (de manera implícita y contradictoria) en una larga historia tapizada con esfuerzos libertarios de millones de mujeres y los intentos de los hombres para mantener incólume su dominación, dentro de un sistema capitalista, patriarcal y colonial.
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La Música y el Arte comparten un mismo origen, mágico y utilitario, y una misma evolución hasta convertirse en expresiones del genio creativo de unos pocos, privilegiados con el don de la creación artística, para el disfrute de muchos. El propósito de este libro es ofrecer al lector una variada muestra de obras de arte de todas las épocas y civilizaciones, desde el antiguo Egipto hasta la era digital. De este modo, “Historias de Arte y Música” pretende ser un punto de confluencia entre diversas modalidades artísticas a través de tres experiencias simultáneas: contemplar una obra, escuchar una pieza musical relacionada y leer un texto libremente inspirado por ellas. • El poder de la percusión y la leyenda de la batalla de Zhuo Lu. • Pitágoras, una cuerda, una tabla y el descubrimiento de los principales intervalos de la escala musical. • Los “puttos” músicos. • Alberto Durero: un vividor bienhumorado, ocasionalmente libertino, y un marido infiel. • Beethoven y una carta escrita a su misteriosa «amada inmortal». • Federico el Grande: el rey misógino flautista. • Richard Wagner y una bacanal bailada a destiempo.
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La increíble historia de Gonzalo García Pelayo empieza hacia el final de los años sesenta en un pequeño pub de Sevilla (Dom Gonzalo), donde un puñado de músicos ansiosos por fusionar el rock con la idiosincrasiaandaluza se mezclan con los jóvenes políticos del nuevo PSOE llamados a protagonizar la transición a la democracia. Por allí pasan Felipe González y Gualberto,Alfonso Guerra y el malogrado Julio Matito, Amparo Rubiales y Henrik Michael. Allí se gestan las primeras, legendarias, grabaciones de Smash y allí arranca lacarrera pública (artística, empresarial, lúdica y cuantos adjetivos quiera uno adjudicarle) de Gonzalo García Pelayo, el auténtico factótum del sello Gong, una de las iniciativas editoriales más insólitas, ambiciosas y fértiles de la historia del pop español. Antes de su aventura como productor discográfico (artífice de los primeros discos de Triana y figura esencialdel rock andaluz), Gonzalo había creado y dirigido laprimera emisora musical (Radio Popular FM) con personalidad y criterio de nuestra historia, y después consolidó su carrera como director de cine y su reputación como jugador profesional. Muchas vidas en una sola, tan fértil como fascinante, que el propio García Pelayo ha rememorado, desde su niñez hasta ahora, a lolargo de muchas horas de conversaciones con Luis Lapuente plasmadas en este libro. Muchas vidas, en fin, que se resumen en una idea central que ha vertebrado todos sus actos: nunca mirar hacia el pasado, nostalgia solo del futuro.
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Vencido el primer cuarto del siglo XXI, un cantautor vasco como Gontzal Mendibil, un juglar heredero de aquellos representates del grupo Ez dok amairu que compartieron proyectos y amistad con Blas de Otero, echa al viento (como José Martí) los versos necesarios de entonces y de siempre, de hoy y mañana, para que suenen libres y vivos y espontáneos.
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Hai moitos anos, as nosas avoas, bisavoas e tataravoas cantaban fermosas cancións mentres traballaban e celebraban festas. Para que esas melodías non se perdesen, unha señora de Suíza chamada Dorothé Schubarth, que quedou marabillada coa música e as paisaxes de Galicia, decidiu recollelas nun libro moi especial: o Cancioneiro Popular Galego. Para escribilo, contou coa axuda do lingüista galego Antón Santamarina.
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UNA NOVELA GRÁFICA QUE ROMPE BARRERAS El metal, con su deseo de tocar más rápido que nadie y la necesidad de expresar su malestar y su rebeldía, ha abierto desde hace más de cincuenta años un furioso camino hasta los tímpanos de un público apasionado. Del heavy metal clásico al grindcore, de Motörhead a Slipknot, desde las deprimentes periferias estadounidenses hasta los animes japoneses, este libro describe veinte estilos extremos de música, con sus características, sus filosofías y sus historias. Un cómic incandescente para arrojar luz sobre un género musical y unos artistas dotados de una creatividad y un virtuosismo sobresalientes.
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EL GÉNERO MUSICAL MÁS RECONOCIBLE, EXTRAVAGANTE, BELLO Y ORDINARIO QUE HA DADO EL ROCK. El arranque de la década de los setenta trajo consigo el nacimiento del “glam”, una sorprendente e inimitable variante del rock que se materializó en tres elementos esenciales: la vestimenta, el uso del maquillaje para favorecer la androginia (al menos en sus inicios) y la teatralidad. También fue considerado un movimiento social, ya que incorporó en el discurso de la industria temáticas relacionadas con la ambigüedad sexual y los géneros fluidos. Esta es la historia de una época que, aunque efímera, permitió a los artistas crear propuestas muy singulares. La gran mayoría lo hicieron con absoluta libertad creativa, a través de personajes y estilismos únicos, aunque también fueron cuestionados por quienes querían mantener el virtuosismo y la formalidad técnica característica de la psicodelia y la contracultura. • New York Dolls: laca, “eyeliner” y mucho “rock’n’roll”. • Lady Gaga, la criatura del “shock pop”. • Mötley Crüe: el exceso por defecto. • La escandalosa e irreverente Jayne County. • Brakaman, vena y espíritu “art rock”. • Jobriath, el chico que ni pudo ni quiso ser estrella.
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Enrique Morente: Universe Morente presents the fascinating work of one of the most important flamenco 'cantaores' of all time - Enrique Morente (Granada, 25th December 1942- Madrid, 13 December 2010).He was also a composer, interpreter and creator. Enrique Morente was brave, revolutionary and visionary. Gifted with genius and talent, he is one of those that root themselves in the purest traditions in order to renovate them: making flamenco an art of the vanguard, with no borders or prejudice.This book comprises over 400 pictures, numerous quotes from Enrique Morente, and texts by José Manuel Gamboa, Balbino Gutiérez, Pedro G. Romereo, José Luis Ortiz Nuevo, Miguel Mora and Antonio Pradel. It includes essays that reflect on the discography, the coplas, the life, personality, ethics, aesthetics, friends and family of the Maestro.
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Pasión y Deseo. Cantares, cuerpos y resiliencias en el folclore andaluz es un viaje a las formas en las que la cultura popular andaluza ha sido —y sigue siendo— un espacio de expresión y resistencia para las disidencias. Conjugando historia del arte, sensibilidad poética, investigación académica y memoria sentimental, Roy del Postigo desgrana los ecos de una tradición que, más allá de interpretaciones erróneas e interesadas, ha sido refugio y altar para quienes han habitado los márgenes.La figura de Isabel Pantoja, tonadillera por la gracia, el duende y el ángel de Andalucía cuya carrera musical corre paralela a las últimas cinco décadas de la historia de España, es convertida por el autor en punto de partida y faro. La voz de la cantante de «Marinero de luçê» o «Çe me enamora el arma» hace un llamamiento en muchos de sus temas a quienes se identifican con las murmuraciones, el señalamiento, las críticas y la incomprensión. Mariquitas de alfileres en pechos de divas virginales, señoras de sus labores que están atacás de tanto aguantar, sáficas amigas rocieras, trans-Maribelê, travestís de La Nogalera y toda una pléyade de hechuras disidentes desde el Sur acompañan a Isabel en su peregrinar de cantares hechos senderos de liberación.Pero la historia no empieza ni acaba con ella: el folclore del Sur ya tejía y sigue tejiendo una bata de cola confeccionada por anhelos y gestos subversivos en la piel de artistas como Lola Flores, Marifé de Triana, Diana Navarro, María Peláe o Pastora Soler. Referentes musicales que han sido y serán objeto de inspiración de transformistas como La Esmeralda de Sevilla, Satin Greco o Jota Carajota.Con grandes dosis de erudición y un arte que quita er çentío, Roy del Postigo ofrece una obra donde el Sur no es solo un paisaje de postal, sino una potencia política, creativa y espiritual guiada por las Dolorosas andaluzas, folclóricas y subalternas. Un libro que es, al mismo tiempo, un ensayo, un altar de coplas y una carta de amor a quienes convirtieron el arte en libertad. Porque en estos cantares la identidad se borda con lentejuelas y se pasea en procesión.
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La obra de Joan Manuel Serrat no puede entenderse sin esas canciones en las que musicóa los poetas. Desde aquel inolvidable disco de 1969 dedicado a Antonio Machado, que esparte imprescindible de la memoria básica de nuestra música popular, ha alumbrado obrasmonográficas dedicadas a Miguel Hernández, Joan Salvat-Papasseit y Mario Benedetti.Pero, además, gran parte de su discografía incluye, aquí y allá, poemas de diferentesautores transformados en canciones: León Felipe, Joan Vergés, Ernesto Cardenal, JoséAgustín Goytisolo, Josep Carner, Pere Quart, José María Fonollosa, Luis Cernuda, LuisGarcía Montero... la nómina es extensa.Tan importante fueron «Cantares» o «Para la libertad» «Mediterráneo» u «Hoypuede ser un gran día»: los poetas son claves para entender y conformar su propia obra.Serrat y los poetas, de la mano del experto Luis García Gil, profundiza en la historiade esos poemas cantados. Un relato que, golpe a golpe y verso a verso, ha ido tejiendoel propio Serrat, quien ha colaborado especialmente en este libro con su testimoniopersonal, aportando sus recuerdos y reflexiones.
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Juan Bermudo es uno de los teóricos musicales más relevantes del Renacimiento español. Nacido en Ecija, en 1560 fue elegido como miembro del órgano de gobierno franciscano en Andalucía. Descubrió la importancia de la música no tanto durante sus años de estudios universitarios sino durante la convalecencia de una enfermedad. Es en esa etapa cuando nace en él un gran interés por compendiar todo ese conocimiento sobre las leyes y reglas fundamentales de la música y los instrumentos de su época siendo, en gran medida, un autodidacta. Surgieron así tres tratados de los cuales se brinda esta edición transcrita del primero de ellos. Nos encontramos pues ante los cimientos del ambicioso plan de trabajo de Bermudo.La primera impresión de este libro debía constituir la parte inicial de un conjunto de libros sobre los instrumentos y estaba dedicado a Juan III de Portugal, monarca conocido por su aprecio por la música y al que ya algún relevante maestro le había dedicado alguna obra impresa. De acuerdo a su enfoque, el músico verdadero será aquel que tenga conocimiento de las razones de la música. El intérprete que las desconozca, aunque toque o cante bien, no merece la denominación de músico. Es decir, la mera pericia o el virtuosismo en la ejecución instrumental no hacen al verdadero músico. El éxito final de los escritos de Bermudo no solo es el de aunar de modo novedoso teoría y práctica y el de convertirse en un referente teórico-práctico en siglos posteriores, sino el de promover y hacer accesible a todos el arte musical. Esta obra aspira a difundir la ingente aportación de esta crucial figura de la música española.
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Este libro se estructura en torno a la presentación y profundización de los contenidos que se desarrollan en la asignatura de Educación Musical en Primaria, tomando como punto de partida los principios psicopedagógicos en los que se asienta esta disciplina, para abordar pormenorizadamente cuestiones sobre la programación, la audición musical, la interpretación musical tanto vocal como instrumental, y el movimiento y la danza, como contenidos exclusivamente disciplinares. Además, se incluye un apartado específico centrado en la utilización de las TIC en el aula de música, así como un capítulo sobre atención a la diversidad para completar un manual con el que trabajar todos los aspectos básicos para la enseñanza y aprendizaje de la música, y que sirve para estudiantes y docentes que desarrollan su labor dentro de la etapa formativa de la Educación Primaria.,Todos los autores son profesores especialistas de diversas universidades españolas.
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Desde el nacimiento de la modernidad, la producción visual y la música han tenido una relación especialmente íntima. Desde el manifiesto futurista de 1913 de Luigi Russolo L'Arte dei Rumori (El arte de los ruidos) hasta los discos de doble cara Rotereliefs de Marcel Duchamp, el siglo XX produjo un fértil intercambio entre sonidos y formas, entre símbolos y melodías, y entre los diferentes campos de la composición y la interpretación.En esta antología única realizada por Francesco Spampinato, que reúne 450 portadas de discos concebidas como obras artísticas en sí mismas desde la década de 1950 hasta hoy, descubrimos el ritmo de una historia creativa singular. Un despliegue que revela cómo el modernismo, el arte pop, el conceptual, el postmodernismo y diversas expresiones de arte contemporáneo han dado forma a este particular campo de producción visual y ha ayudado a la distribución popular de la música a través de imágenes míticas. Un imaginario que evoca de manera sugerente e inmediata la experiencia auditiva.En el camino, nos encontramos con los jeroglíficos urbanos de Jean-Michel Basquiat para su propio sello discográfico, Tartown el grafiti de Banksy para Blur y la mariposa ensartada de Salvador Dalí para Lonesome Echo, de Jackie Gleason. Las portadas vienen acompañadas de breves análisis de cada una de ellas, además de una ficha con el nombre del artista, el intérprete, el título del álbum, la discográfica y el año de lanzamiento, así como información sobre la obra de arte original. Entrevistas con Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen y Raymond Pettibon añaden reflexiones y puntos de vista personales sobre esta relación colaborativa y cautivadora entre artistas visuales y músicos.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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A pesar de ser considerada unánimemente la primera ciudad española en la que se dejaron notar con fuerza los efluvios contraculturales internacionales, Sevilla reclamaba aún un estudio pormenorizado que diera consistencia histórica a dicha consideración.A través de la realización de un centenar de entrevistas a protagonistas directos más un exhaustivo trabajo de hemeroteca, el periodista Fran G. Matute ha conseguido levantar un minucioso relato de las principales transgresiones culturales que se sucedieron en la Sevilla de entonces, ofreciendo por el camino un retrato generacional inequívoco de una parte importante de su juventud, en pleno proceso de toma de conciencia antifranquista.Esta vez venimos a golpear. Vanguardismos, psicodelias y subversiones varias (1965-1968) se erige así como el primer gran texto que se publica sobre la materia, llamado a convertirse en referencia ineludible en cualquier investigación futura que se lleve a cabo sobre los movimientos contraculturales en España.
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Música moderna a Catalunya
Aquest llibre és un viatge en l'espai i el temps cap a una època musical poc valorada malgrat la seva importància. Es tracta d'un exercici de memòria per rescatar músiques i músics, comunicadors, aventurers, diletants, de temps en què fer música no era tan fàcil com semblava. Es tracta també de recordar com unes generacions que van abraçar l'energia del rock and roll es van llançar a donar llum i color a un país massa gris i trist, dominat pel silenci i la mediocritat d'un règim fratricida que no va saber entendre els canvis, les diferències i, ni de bon tros, la música popular. Tot això vist des de Catalunya, aquell petit país des del qual es mirava (i escoltava) Europa buscant sortides, amarant-se de novetats i d'esperances amb què construir un futur millor. En aquest primer volum, es reconstrueix la història de la música popular a Catalunya, en totes les seves expressions, des de l'impacte del rock and roll fins a la bogeria ie-ie, des de les caves de jazz i cançó fins als envelats de festa major. Tot amb la intenció de reconstruir la memòria, que tantes vegades s'ha fragmentat i ocultat, perquè aquells que treguin el cap a aquestes pàgines puguin, potser, trobar aquelles peces que es van quedar pel camí i que avui poden ajudar a entendre millor el nostre paisatge musical.
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Sempre a la contra i avant
ZOO és un dels grups més important de la història del nostre país. Amb més de 100 milions de reproduccions, les seues cançons són ja clàssics populars que han connectat de manera profunda i íntima amb un públic intergeneracional. Els seus directes massius han estat capaços d’assaltar els grans recintes de dins i fora de casa nostra, i la seua trajectòria irreverent i fecunda ha arrasat prejudicis lingüístics.En aquest llibre, el crític musical Josep Vicent Frechina s’endinsa en la història d’aquesta formació a partir de les lletres de les seues cançons. El resultat és un viatge emocionant pel context polític i social d’un grup que ha sobreviscut a un gran incendi musical. El retrat d’una època en què la música en la nostra llengua ha aconseguit trencar nous dics de contenció. L’aventura d’un grup d’amics armats d’ironia i sensibilitat, de literatura de carrer i autocrítica i, sobretot, d’una actitud vital: sempre a la contra i avant.
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La biografía largamente esperada de una de las figuras más incomprendidas, reconocidas y estigmatizadas («la bruja que separó los Beatles») de los últimos años. Yoko Ono, con la participación directa de la protagonista. Descrita por John Lennon como la artista desconocida más famosa del mundo, «todo el mundo conoce su nombre, pero nadie sabe lo que hace», la biografía definitiva de David arrojará nueva luz sobre este individuo tan complejo, permitiendo un replanteamiento de la narrativa que ya conocemos. La balada jamás contada de Yoko y John. David describe cómo el arte de Yoko «doblega las mentes, haciendo que el espectador o el público piensen en sí mismos y en el mundo de forma diferente», y eso es lo que promete hacer este libro. Nos hará pensar en Yoko bajo un nuevo prisma, al tiempo que pensamos en nosotros mismos y en el poder de la percepción pública a la hora de distorsionar e incluso destruir una vida.
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La Banda de Música d'Esporles
Les bandes de música han estat, des de sempre, una part essencial del teixit cultural i social dels nostres pobles. La Banda de Música d'Esporles. 150 anys d'història, d'Antoni Aulí i Bartomeu Garau, ens convida a descobrir el llegat d'aquesta institució a través d'una recerca rigorosa que combina documents històrics, cròniques periodístiques i testimonis orals. Aquest estudi umpl un buit en la bibliografia musical mallorquina i ens apropa a la memòria col·lectiva d'Esporles. Una obra imprescindible per als amants de la música, la història local i la cultura popular.
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Durante un año en el estudio hubo cantidades ingentes de drogas, alcohol, temperamento, celos, dudas e inseguridades. Tres parejas se separaron y tres se engañaron. Pero eso es sólo el telón de fondo. La verdadera historia es cómo los cinco jóvenes músicos de Fleetwood Mac —tan talentosos como problemáticos— consiguieron hacer uno de los mejores álbumes jamás grabados. En Making Rumours, el coproductor Ken Caillat te lleva entre bastidores para que seas testigo de los retos personales, creativos y técnicos que él y la banda superaron para hacer historia de la música, inspirando a toda una generación de artistas como Taylor Swift, Florence & The Machine, Haim o libros como Todos quieren a Daisy Jones de Taylor Jenkins Reid.Rumours consiguió colocar cuatro singles en el top 10, encabezó la lista de álbumes más vendidos durante treinta y una semanas, ganó el premio Grammy al Álbum del Año en 1977 y se convirtió en el quinto álbum más vendido de la historia con más de 40 millones de copias. Pero además convirtió en superestrellas a una banda que había estado luchando por hacerse un nombre durante casi dos décadas. Ken Caillat narra la alocada, conmovedora y fascinante historia que hay detrás de su creación. Su potente combinación entre melodramas de estrellas del rock, apasionantes detalles técnicos y el retrato de cinco artistas en su apogeo creativo, cambiará para siempre la forma de escuchar el álbum.Repleto de fotografías nunca antes publicadas de la colección personal de Caillat, Making Rumours es una lectura obligada para los fans de Fleetwood Mac, los aficionados a la historia del rock y cualquiera que ame un relato entre bastidores de grandes músicos.
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En los años sesenta, el rock y el pop arrasaban en las listas de ventas, y en Nashville, la capital de la música country, los ejecutivos de la industria decidieron plantar batalla. Para ello desarrollaron un sonido que tomaba la esencia del country pero la adornaba con orquestaciones y arreglos pop que lo hacían más agradable para los mansos oídos urbanos. Y para lograrlo, debían controlar por completo lo que hacía cada artista. En ese contexto, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson lideraron una revolución artística en la que fue clave la singular idiosincrasia tejana, estado en el que hippies melenudos con camisetas y zapatillas convivían, bebían y bailaban junto a rudos vaqueros con sus botas y sombreros. Con Hank Williams como padre espiritual y Johnny Cash como referente directo, este grupo de artistas logró romper con lo establecido –desde la música a la forma de grabar o de vestir–, e incluso romper con los poderosos sindicatos. Hacían las cosas a su modo, y por ello les apodaron Outlaws: los forajidos de la música country. Bob Dylan, Gram Parsons, Merle Haggard, Emmylou Harris, Townes Van Zandt, Billy Joe Shaver, Jessi Colter, The Byrds, Guy Clark, David Allan Coe, Johnny Paycheck, Rosanne Cash o el “archienemigo” Chet Atkins son solo algunos de los artistas que se asoman a estas páginas, que recorren la historia de la música country desde la creación del programa seminal Grand Ole Opry, en 1925, hasta la última gira de los Highwaymen (el supergrupo de Cash, Nelson, Jennings y Kristofferson), setenta años más tarde.
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Entre la divulgación musical y la irreverencia, el pianista Miguel Baselga desvela la (casi) siempre oculta cara B de la música clásica en este libro en el que tienen cabida batallas de chelos, armonías, panettones y la suegra de Marilyn Monroe. Para acercarse a un mundo tan cerrado y eminente como el de la música clásica, a veces no solo basta con llamar a la puerta: hay que tirarla abajo y desmitificar a sus venerados y peculiares habitantes. Miguel Baselga, el concertista de piano con el espíritu más rock and roll de la escena nacional (e internacional), se enfrenta como nadie a los clichés y paradojas que siempre han rodeado la música clásica. Y lo hace con humor, con su particular estilo irreverente y apasionado, con rigor y, sobre todo, con mucha erudición. ¿Qué le pasaba a Puccini con los panettones? ¿Cómo se construye una armonía? ¿Por quién hay que apostar en una pelea de chelos? ¿Cuál es la diferencia entre la intensidad de un sonido y su frecuencia? ¿Qué tiene que ver la suegra de Marilyn Monroe con el director de orquesta alemán Wilhelm Furtwängler? ¿Los estudiantes del conservatorio escuchan reggaetón? Lo que no me contaron en el conservatorio es un ensayo que surge de la sección homónima que Miguel Baselga presenta cada semana en ''Las Mañanas'' de RNE, en el que se entremezclan la divulgación musical y con las inconfesables confidencias de un pianista.
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Arvo Pärt es uno de los compositores más importantes e interpretados dentro de la música clásica de nuestro tiempo. Su obra, después de un primer periodo de experimentación de corte vanguardista bajo el régimen soviético, transitó hacia temáticas de hondo carácter místico y religioso en las que el maestro estonio profundizó gracias a la creación de un estilo minimalista, por él denominado «tintinnabular», que no tardaría en convertirse en inconfundible y ejercer una enorme influencia en otros músicos. El hermoso itinerario que aquí despliega Mercedes Menchero Verdugo -la maravillosa voz de Radio Clásica- por las músicas de Arvo Pärt se podría equiparar al camino que el propio autor de Tabula rasa o Spiegel im Spiegel tuvo que transitar para alcanzar las cimas y valles de sus composiciones. Ilustrándolo con diez obras que recorren otros tantos capítulos, la autora asume el acendrado ideario de Pärt, quien concibe a sus oyentes como prismas en los que la Luz sonora, esa claridad blanca originaria que son sus partituras, se separa en colores en cada escuchante, según la sensibilidad de cada cual, para reflejar su personal audición y experiencia. «Dios entra en mi vida a través de la música», afirmó el músico al recoger el Doctorado Honoris Causa en Teología por la Universidad de Friburgo, y es esa la ofrenda que se recoge y se vuelve a ofrecer en esta obra íntima y emocionante.
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La intención de este libro es rendir homenaje a la música, siendo la Μελωδία uno de los elementos fundamentales de la misma. Su grafía en lengua griega, que aparece en varios lugares de la obra, alude a la gran importancia que tuvo este recurso sonoro en la cultura que nos ha servido de base para tantas disciplinas artísticas en el mundo occidental.La fusión de la pintura, la lírica y la narración responde a la intención del editor de mostrar la alianza entre estas tres funciones del desarrollo intelectual y sensorial de la especie humana. Son pequeñas aportaciones que despertarán en el lector la emoción por la belleza que se desprende de cualquiera de sus manifestaciones.Los tres autores que participan en la obra gozan de una amplia trayectoria en el desarrollo de los elementos que la integran y han conseguido fundir en una expresión conjunta sus respectivas vivencias.
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El Candela abrió sus puertas en octubre de 1982, en el corazón de Lavapiés. Era un tiempo en el que Madrid y toda España se agitaban al ritmo de sonidos musicales, sociales y políticos muy diversos. A lo largo de casi cuarenta años, el local cobijó durante noches interminables a la práctica totalidad de los artistas flamencos, con el cantaor Enrique Morente como prócer, pero también con la presencia habitual de Paco de Lucía, Camarón y muchos otros. Estas páginas narran la historia de aquel mítico lugar hasta su cierre en 2022, con dos etapas marcadas por el punto de inflexión que supuso la muerte del fundador Miguel Aguilera en 2008. A partir de entrevistas con varias personalidades del mundo flamenco -Pablo Tortosa, La Tati, Antonio Benamargo, Israel Fernández, Josemi Carmona, Antonia Jiménez, etcétera-, Jacobo Rivero construye un relato coral que refleja la efervescencia social y cultural del Madrid de esos años y, en particular, de Lavapiés y el Rastro, cuyas calles han acogido a los más virtuosos talentos del arte jondo. Partiendo de la mirada particular del flamenco, este relato trasciende la mera historia del Candela para reivindicar la memoria de un barrio y una ciudad atravesados en sus entrañas por una irrepetible tensión creativa, en un momento de incierta transformación a todos los niveles.
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