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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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GUÍA DEL ARTE URBANO DE MADRID Una historia de Madrid a través de su arte urbano y su grafiti Este libro es un recorrido por las calles y barrios de Madrid, pero también un viaje a través de la historia del arte urbano y el grafiti. Una historia en la que Madrid ha jugado un papel singular desde los ochenta hasta hoy y que cuenta con unos antecedentes que se remontan a finales del siglo XIX. Un relato cuajado de enfoques y anécdotas que dan acceso a los secretos del arte en la calle, que obligan a replantear mitos sobre su pasado y trazan constantes vínculos con la historia y el mapa de Madrid. En estas páginas descubrirás los personajes, momentos y lugares que han marcado el rumbo del arte callejero de la ciudad. Artistas míticos como Muelle, Suso33, SpY o Eltono, barrios clásicos como Lavapiés o Malasaña, y espacios emblemáticos como La Tabacalera o Noviciado 9. El autor de esta guía no es un observador cualquiera, Javier Abarca es un influyente pionero del grafiti español que durante cuatro décadas ha compartido conversaciones y aventuras con grandes figuras del arte callejero madrileño. Actualmente es un investigador especializado de fama internacional.
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Gimme Some Sugar es la muy esperada primera monografía de Genesis Tramaine, el renombrado artista estadounidense cuya estrella continúa ascendiendo en el mundo del arte internacional. Arraigada en su educación en la ciudad de Nueva York de la década de 1980 y su fuerte espiritualidad, Tramaine imbuye sus retratos abstractos de hombres y mujeres con una emoción trascendente, devoción y musicalidad silenciosa, nacida de pinceladas rítmicas y un uso visceral del color cromático. En su estilo gestual, busca, al mismo tiempo, representar y universalizar la humanidad del rostro negro estadounidense al oscurecer la especificidad de los rasgos individuales, eligiendo en cambio retratar la agitación interna y la alegría interna de la mente y el ser.El libro presenta más de 125 imágenes vibrantes y a todo color de los dinámicos y fascinantes retratos de la artista, que son un homenaje inextricable a su profunda fe, su sentido de sí misma y sus domingos por la mañana en la iglesia. Encuadernado en un rico y táctil estuche de piel sintética índigo destinado a evocar una Biblia moderna, Gimme Some Sugar también presenta un mini cuaderno de bocetos cuyas páginas revelan los estudios de dibujo lineal crudo e instintivo de las pinturas maestras a gran escala de Tramaine.
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Jeff Zimmerman: Glass Light Space, que cubre el período más creativo de la producción de este destacado artista del vidrio, documenta cómo ha superado los límites de la fabricación de vidrio durante más de tres décadas. Formado en técnicas clásicas del vidrio, Zimmerman crea instalaciones y objetos escultóricos que interactúan activamente con la experiencia del color, la luz y el entorno natural.Publicado en colaboración con la reconocida galería R & Company de Nueva York, este libro demuestra la singular capacidad de Zimmerman para aprovechar las propiedades únicas del vidrio para enfatizar la experiencia estética y emocional de los objetos funcionales, inspirando a una generación de coleccionistas, artistas del vidrio y diseñadores de iluminación.Incluye una conversación entre Zimmerman y Brett Littman
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Made by MSCHF es un estudio del trabajo del colectivo de arte MSCHF, con sede en Brooklyn, conocido por sus proyectos eclécticos que critican las mismas áreas de la cultura popular que habitan. Desde una línea de bolsos de diseño que solo son visibles bajo un microscopio hasta un juego de citas anime que ayuda a los jugadores a generar una declaración de impuestos funcional, las obras de MSCHF son incisivas, a menudo virales y siempre están imbuidas de su estilo único de humor subversivo.Con imágenes nunca antes vistas, este libro presenta estudios de casos que exploran en profundidad 12 de los proyectos de MSCHF, brindando a los lectores un modelo de cómo se desarrollan sus trabajos desde la idea hasta el lanzamiento. Escrito por dos de los cofundadores del colectivo, el libro presenta 6 ensayos temáticos adicionales y un archivo de todas las obras de arte del MSCHF hasta la fecha, que en conjunto revelan el alcance y la evolución del grupo experimental.Los proyectos incluyen: Big Red Boot, un par de botas de goma grandes y caricaturescas, Jesus Shoes, sus zapatillas de deporte de marca llenas de agua bendita, ATM Leaderboard, un cajero automático instalado en Art Basel Miami Beach que clasificaba a los usuarios por saldo bancario, y Severed Spots, en el que recortaron manchas de grabados de Damien Hirst y las vendieron como obras de arte individuales.
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El cine, como la literatura o la fotografía, tiene lacapacidad de reflejar las transformaciones sufridaspor una ciudad a lo largo de su historia, y al mismotiempo participa en la construcción del imaginario asociado a ella, influyendo en nuestra manera de percibirla y recordarla. Este libro realiza un recorrido através de diversas películas rodadas en Barcelona desde mediados del siglo XX hasta la actualidad, un lapso de tiempo en el que tanto la fisionomía como la imagen de la ciudad han sufrido grandes cambios. Así, laautora toma el cine como una fuente histórica para investigar la evolución sufrida por la ciudad en las últimas décadas, a la vez que lo caracteriza como un instrumento capaz de influir en la percepción del espacio urbano y en la construcción de su imagen, lo quecontribuye, de forma más o menos voluntaria, a su promoción y comercialización en el mercado turístico global. Sara Antoniazzi es doctora en Lenguas, Culturasy Sociedades Modernas por la Università Ca? Foscari de Venecia, donde actualmente enseña literatura y cultura catalana, y doctora en Humanidades por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Sus principales campos de investigación son la literatura española y catalana del siglo XX, el cine europeo y las representaciones literarias y cinematográficas de la ciudad de Barcelona. Barcelona en pantalla es su primer libro.
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Diàleg entre una esfera i una calavera
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Escrito como un relato autobiográfico en tres tramos—periodístico, industrial, artístico— relaciona los grandes acontecimientos y procesos sociales de las últimas décadas (de la Transición a la Covid19, del optimismo económico de la segunda mitad de los noventa aal crack de Lehman Brothers, de la muerte de Elvis al15M, del boom gentrificador al #MeToo) con una largalista de personajes vistos a corta distancia: Lou Reed, Patti Smith, Miles Davis, Radio Futura, Jarvis Cocker, Debbie Harry, David Bowie, Morrisey, Ramones, R.E.M., Tom Waits, Bob Dylan, John Lee Hooker, Joe Strummer, Oasis, Antonio Vega, Prince, U2, Iggy Pop, Rolling Stones, Joaquín Sabina, Andrés Calamaro, Radiohead, Nacho Vegas, Manu Chao, Sex Pistols, Nick Cave, Enrique Morente, Rosalía… Entre el diario, el ensayoy el anecdotario, Toma de tierra —título que hace referencia al misterioso cable suelto de la parte trasera del tocadiscos, pero también a un aterrizaje forzoso personal y colectivo— es un contenedor de asombros,peripecias, intimidad y nostalgia.
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La nit portuguesa
A principis de setembre de 2018, l'excèntric equip d'Andergraun Films, liderat pel director Albert Serra i la productora i actriu Montse Triola, arriba a l'Alentejo, al sud de Portugal, per rodar la que serà la pel·lícula més provocadora i procaç del cineasta de Banyoles: Liberté , que acabarà guanyant el prestigiós premi especial del jurat al Festival de Cannes de 2019, dins la secció Un Certain Regard. Entre els actors destaquen dues velles glòries del cinema europeu: Helmut Berger ?adonis del cinema de Visconti? i Ingrid Caven ?musa de Fassbinder. La pel·lícula es rodarà de nit, en ple bosc, on s'escenificaran les sàdiques trobades sexuals d'un grup de llibertins del segle XVIII. Per documentar aquesta aventura, Albert Serra va convidar el poeta Gabriel Ventura a escriure una crònica del rodatge. La nit portuguesa s'endinsa en la peculiar manera de treballar ?oberta a l'imprevist i l'atzar? d'un dels directors més originals del cinema contemporani.
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Desde Mozart, a mediados del siglo xviii, hasta AlbanBerg ya bien entrado el siglo xx, veintidós compositores desnudan su alma en estas cartas, que hablan deamor, pero también de la vida cotidiana, las ideas, los sueños y los sentimientos personales. Su autor, que dedicó su vida al estudio de los protagonistas, plantea: ?Alguno de ellos tal vez se desvele ante el lector de un modo del todo inesperado: su música o su retrato presagiaban una persona completamente distinta. ¿Es entonces la carta de amor la auténtica vía de acceso a un alma siempre oculta??.
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La temática de este libro, la estimulación musical, se refiere al conjunto de actividades que utilizan el sonido o la música para desarrollar capacidades y habilidades musicales y no musicales, implicando la activación sensorial, motora, emocional, cognitiva, expresiva y creativa, en su conjunto o parcialmente. Se aborda desde una doble perspectiva, la integral, aplicada al desarrollo global del infante, y la terapéutica, aplicada a mejorar su estado general de salud y bienestar.Esta publicación va dirigida a profesionales que trabajan con población infantil (0-6 años) dentro de amplio espectro: educadores musicales, maestros de educación infantil, maestros de educación especial, estudiantes de educación superior de las áreas de ciencias de la educación o logopedas, entre otros. Asimismo, es también recomendable para consulta de los padres, entendido como una guía orientativa en el proceso de estimulación musical de sus hijos.La Dra. Laura Cuervo Calvo es profesora del Departamento de Didáctica de las Lenguas, Artes y Educación Física de la Facultad de Educación de la UCM.
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Un impresionante libro de arte que abarca más de 3000 años Una selección de obras de arte para los que desean aprender más: cómo pintaba Miguel Ángel los desnudos, qué es el cubismo o cómo surgió la abstracción. Un libro que apasionará a todos los amantes del arte. Con obras de todo el mundo y de los periodos más importantes. Con explicaciones de los símbolos, los detalles y las técnicas para entender cada obra. Desde los frescos el Antiguo Egipto hasta Joan Miró o Banksy. En este maravilloso libro de arte encontrarás: -Obras de todo el mundo. -Elementos clave como la composición, el color, la técnica y el simbolismo. -Más de 450 artistas de numerosas culturas diferentes. -Abarca todos los periodos y movimientos artísticos importantes. -Sitúa las obras en su contexto histórico. Repleto de información y lleno de inspiración, este libro te muestra las mejores pinturas y esculturas de todos los tiempos. Es el libro de consulta definitivo para todos los amantes del arte.
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A quienes la escuchamos, una canción nos evoca laépoca en que la descubrimos. A aquella persona con quien la compartimos. El sentimiento que nos provocó.Para quien la crea, el proceso es similar: transitarpor ella es reencontrarse en otro espacio y tiempo. Tras veinte años de carrera, en este libro, Rayden toma prestadas las letras de toda su discografíapara viajar al pasado y a esos múltiples yo que fue.Son esas canciones que le sirven de excusa para descubrir la intimidad que se encuentra tras ellas, los motivos vitales que le llevaron a escribirlas. Es así como todas esas canciones, testimonio de una carrera musical ascendente, pero también de un crecimiento y desarrollo tanto artístico como personal, dan pie a reflexiones muy íntimas y poemas inéditos sobre la identidad, el amor, la libertad y el sentido de la vida.
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Este libro reúne consejos y advertencias para los actores y actrices que piensan orientar su carrera haciael teatro musical y, en este empeño, tendrán que pasar una y otra vez por las temidas «audiciones». Estapráctica recurrente e ineludible es siempre u
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Una ficción científico-política, una narración fantástica de estilo cuidado, que anuncia y nos imagina a nosotros mismos desde la distancia y nos previene antepeligros inminentes: el autoritarismo y la opresión,los riesgos de la guerra, el progreso técnico, la búsqueda de una verdad absoluta
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Los acrílicos se han convertido en el material artístico más adaptable a la era moderna. Los avances en la industria de los pigmentos han dado a los acrílicos una paleta notablemente permanente, rica y abundante, convirtiéndolos en el medio favorito de muchos artistas contemporáneos. A medida que se desarrollan los colores, también se mejoran sus componentes químicos para lograr una mejor textura y manipulación.Los vendedores de materiales de arte ahora ofrecen medios acrílicos para diluir, espesar, glasear, moldear, verter, texturizar y docenas de otros usos. Incluso los pintores acrílicos experimentados pueden sentirse confundidos e incluso intimidados por esta asombrosa diversidad de productos. El pintor y experto en materiales artísticos Rhéni Tauchid simplifica este tema desalentador, explicando claramente cada tipo de medio y sugiriendo formas en que puede mejorar su práctica de pintura.Más de veinte demostraciones paso a paso le enseñarán cómo aplicar medios para crear colores vibrantes, superficies sensuales y efectos visuales sorprendentes. Cientos de hermosas fotografías ilustran el potencial casi ilimitado de los medios y le muestran cómo otros artistas, tanto abstractos como realistas, están empleando medios para impulsar su arte en nuevas direcciones creativas. El primer libro de este tipo, esta referencia esencial pertenece al estante de todo pintor acrílico.
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El libro que ha ido construyendo Antonio García Omedes y que configura esta publicación es una apasionante reflexión sobre la imagen que tenemos de la catedral de San Pedro de Jaca, especialmente sobre esa riqueza decorativa que constituye la aportación escultórica que va adueñándose de las partes más notables de la arquitectura catedralicia, tanto para decorar como para enseñar el mensaje cristiano que emerge especialmente en los capiteles que son la razón del libro. Si nos paramos a pensar, todo ese aporte de imágenes constituye la mejor forma de narrar visualmente el contexto histórico, incluso cultural, en el que se produjeron. (Domingo Buesa Conde)
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Nacido en Milán en 1931, Alessandro Mendini creó una obra vívida, excéntrica y transgresora que se ubica en un universo estético propio. Estuvo en el corazón del movimiento de diseño radical de Italia en las décadas de 1960 y 1970 y, más tarde, del posmodernismo, defendiendo un enfoque sensible e intelectual del diseño, editó la revista Domus a principios de los años 1980, y colaboró con marcas que van desde Alessi, Swarovski y Hermès hasta Supreme. Junto con sus contemporáneos Ettore Sottsass y Gaetano Pesce, Mendini ayudó a redefinir el concepto de diseño y arquitectura italianos.Presenta una gran cantidad de documentos e imágenes inéditos. Escrito por el crítico Stefano Casciani, quien trabajó con Mendini durante muchos años, el libro ofrece un relato personal único ilustrado por fotografías, material efímero y muchos de los bocetos idiosincrásicos y divertidos de Mendini.Presentado en un paquete dinámico inspirado en la estética distintiva de Mendini, el libro es un objeto de diseño por derecho propio, con una cubierta de tela rosa que presenta una de las portadas de revistas icónicas de Mendini en el frente, un boceto de su famosa silla Proost en la parte posterior y abridores de capítulos laminados troquelados con bordes ondulados.
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Artistes envinats
Abocat als vasos, o a punt de ser servit de les gerres o ampolles que el contenen momentàniament, el vi fa de testimoni dels costums domèstics dels ciutadans amb alguna sensibilitat artística. Entre els objectes que caracteritzen els bodegons o les natures mortes, els artistes sovint hi han fet aparèixer el vi, ja sigui envoltat d'altres aliments o de diaris, guitarres, violins i jocs de cartes o d'escacs, ...
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A través de un fragmentario conjunto de fotografías, recuerdos e intuiciones, Rodrigo Hernández reconstruye en Conchita la historia de su abuela materna, nacida en el País Vasco, a la que la Guerra Civil llevó de muy niña a México, apartándola de su familia y de un origen al que jamás volvió. A través de un juego de espejos invertidos, teje una biografía escindida y el paisaje común transitado por abuela y nieto, que, como en un sueño que quisiéramos atrapar, se dibuja y desdibuja a golpe de memoria.El artista comienza en el callejero de Durango («El nacimiento de Conchita aparece ligado al número 25 de la calle de Barría en Durango, provincia de Vizcaya. El año es poco claro si se comparan todos sus documentos, cada uno dotado de alguna incongruencia con respecto al resto, quizás 1932, el 30 de noviembre o el primero de diciembre. Nadie sabe a ciencia cierta») y termina visitando a su abuela en la residencia donde pasa sus últimos años: «Recuerdo que en alguna ocasión entramos a su cuarto y nos sentamos juntos al borde de su cama. Sacaba una cajita con fotos, cartas y pequeños recuerdos que mirábamos mientras ella los describía uno a uno. No sabía entonces —ni sé ahora tampoco— qué pasaba realmente en el corazón de mi abuela, qué o quién era lo primero que aparecía en su mente cuando despertaba en esa habitación pequeñita, en ese edificio lleno de personas solitarias. Me preguntaba qué la hacía o la había hecho feliz durante su vida, cuál era su idea del amor. A quién recordaba. Qué provocaba ese recuerdo en el presente».
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El dibujo ha sido durante siglos una práctica desdeñada, perseguida o relegada a los márgenes del arte. Sin embargo, mientras los grandes museos llenaban sus salas de óleos monumentales, generaciones de dibujantes e ilustradores creaban las imágenes que han dado forma a nuestra memoria colectiva. Carlos Cubeiro, experimentado ilustrador y profesor, traza un brillante recorrido por maestros y épocas, desde los anónimos miniaturistas medievales hasta los innovadores artistas del siglo xx. La primera historia de un arte que, pese a su omnipresencia en nuestra vida cotidiana, ha permanecido invisible en los grandes tratados. A través de estas páginas desfilan los autores que redefinieron la ilustración científica, los maestros que elevaron la caricatura a arte de guerra, las creadoras que abrieron caminos prohibidos y los visionarios que transformaron el libro infantil. Profundiza en figuras esenciales como Dürer, Blake, Doré o Steinberg, analiza fenómenos como el impacto del ukiyo-e en el arte occidental y explora territorios poco transitados: los pliegos de cordel, las revistas satíricas, los cuadernos de viaje o la ilustración de los grandes clásicos literarios. El recorrido abarca desde la abadesa Herrada de Landsberg, primera directora de arte, hasta las revolucionarias portadas del Saturday Evening Post o The New Yorker. Examina el trabajo de los ilustradores científicos que dieron cuerpo al conocimiento, los caricaturistas políticos que sacudieron conciencias, y artistas como Edward Gorey o Roland Topor, que crearon universos visuales únicos. Un libro riguroso y exhaustivo que destaca la relevancia histórica de la ilustración y el dibujo, reivindicando su merecido lugar en la historia del arte. La línea y el trazo no son meros instrumentos subsidiarios, sino lenguajes primordiales que han dado forma a nuestros sueños, que nos devuelven a ese instante de asombro, ese momento preciso en que una línea sobre el papel deja de ser una marca para convertirse en una ventana a otros mundos. Esperamos que al recorrer estas páginas sienta ese cosquilleo especial que surge cuando un libro nos hace ver el mundo con ojos nuevos, porque esta historia es, en el fondo, la historia de cómo hemos aprendido desde niños a ver, a imaginar y a soñar.
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¿Cuáles son los patrones climáticos, los mitos e historias, los ritmos, los colores y las formas, los habitantes humanos y no humanos que conforman el Noroeste Ibérico en su realidad y ficción? Queriendo conocer los rituales y formas expresivas de personas, animales, plantas, elementos y minerales, fuimos en busca de las raíces, terminaciones y tentáculos del Noroeste Ibérico, tratando de encontrar, conocer y permanecer en los lugares donde pudieran residir. Al hacerlo, consideramos el pasado, pero sobre todo afrontamos el presente-futuro de estos espacios concretos e imaginados entre mares, bosques y asentamientos. Norte Silvestre Agreste es una exposición que recorre caminos y líneas de intensidad, fuerzas centrífugas que nos llevan más allá de Oporto, hacia esos supuestos márgenes donde estallan los intercambios para descubrir y compartir referencias, historias, palabras y conexiones con estos lugares con un largo pasado y un futuro aún más largo.Textos de Federico García Lorca, Miguel Torga, Filipa Ramos y Juan Luis Toboso, Chus Martínez, Ángel Calvo Ulloa, Ánxela do Canto, Belén Senín, Carlos Lixó, Lorena Conde, Cem Raios T’Abram, Luz Pichel, ¡Von Calhau!, Daniel Moreira e Rita Castro Neves, São Martinho de Dume.Con el trabajo de Alejandra Pombo Su, Cem Raios T’abram, Daniel Moreira y Rita Castro Neves, Diego Vites, Judith Adataberna, Lara y Noa Castro Lema, Lois Patiño, Mariana Barrote, Mariana Caló y Francisco Queimadela, Maruja Mallo, Óliver Laxe, Salvador Cidrás, Vicente Blanco, Von Calhau!.
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Edición inspirada en el libro original Tomon Hyakka (Cien diseños de cosas hermosas de la capital), de 1891, conservado en el Gabinete de dibujos, estampas y fotografíasdel Museo Nacional del Prado. El Tomon Hyakka es un espléndido conjunto de diseños p
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El arte de Star Wars: The Mandalorian llevaa los aficionados a descubrir los detalles tras lascámaras de la serie de imagen real de Disney+ nominada al premio Emmy®. Repleto de arte conceptual, bocetos y entrevistas con creativos y miembros clave del equipo, entre los que destacan el productor ejecutivo/responsable/guionista Jon Favreau (Iron Man, El rey león) y el productor ejecutivo/director Dave Filoni (Star Wars: The Clone Wars, Star Wars: Rebels), El artede Star Wars: The Mandalorian proporcionará a los lectores una mirada exclusiva y definitiva a un nuevo universo de personajes, localizaciones y vehículos de Star Wars. Liderados por el director creativo ejecutivo Doug Chiang (Star Wars: El despertar de la Fuerza, Rogue One: Una historia de Star Wars), los incomparables artistas, diseñadores y soñadores del departamento artístico de Lucasfilm conocidos como los ''visualistas'' aunaron esfuerzos en esta serie de Disney+ gestada durante años para desarrollar nuevas y originales versiones del icónico lenguaje visual de Star Wars. El arte de Star Wars: The Mandalorian es el único libro que explora la visión artística de esta innovadora serie, sumergiendo a los lectores en una profunda panorámica del desarrollo de increíbles nuevos mundos. Entrevistas exclusivas con loscineastas y los visualistas de Lucasfilm proporcionanuna narración continua sobre el innovador arte y losdiseños de The Mandalorian, revelando a la vez la inspiración que se esconde tras el aspecto y el estilode la serie. El encargado de arte creativo Phil Szostak ha trabajado conjuntamente con los departamentos artísticos de Star Wars en Lucasfilm desde el año 2008
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Elvis Presley es una figura de talla mundial de lacultura popular, un artista cuyo talento y fama sólofueron igualados por sus excesos y su trágico final.Con su deslumbrante voz, este ícono del siglo XX incorporó influencias del rhythm and blues y delfolk de raíces americanas para crear un tipo de música completamente nuevo y una nueva manera de expresar la sensibilidad masculina.En Ser Elvis. Una vida solitaria, el veterano periodista derock Ray Connolly ofrece una revisión de la carreradel cantante más famoso de la música popular, ubicándolo no sólo bajo las chillonas luces de neón de Las Vegas, donde concluyó su carrera, sino también en el contexto del sur de Estados Unidos, en los barrios pobres donde Elvis se creció y formó musicalmente asintiendo a conciertos clandestinos de blues, frecuentandoiglesias donde escuchaba góspel y aprendiendo a tocar la guitarra entre melodías de country y hillbilly.A través de entrevistas a músicos que lo conocieron personalmente, como John Lennon,Bob Dylan, B. B. King, Sam Phillips y Roy Orbison, entre muchos otros, Ray Connolly logra uno de los retratos más matizados y maduros escritos hasta el presente del fenómeno cultural que fue Elvis Presley.
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Quan la música ho és tot
En aquest llibre formidable, Haruki Murakami es reuneix amb el gran director d'orquestra Seiji Ozawa per a un seguit de converses entorn de la seva passió compartida, la música. Amb entusiasme absorbent i contagiós, Murakami i Ozawa parlen de tot: comenten obres de Beethoven, Mahler o Brahms, entre d'altres, evoquen l'art de directors com Leonard Bernstein o Herbert von Karajan i gaudeixen de la singularitat radical de solistes com Glenn Gould mentre escolten i disseccionen enregistraments de les seves interpretacions preferides. Col·leccionisme de discos, clubs de jazz, òpera i música de cambra, auditoris, partitures, bandes sonores i molt més s'encalcen en aquesta meravellosa conversa que viatja de la música a l'escriptura i, en darrer terme, ens porta a l'essència mateixa de la creació artística.
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Escrita bajo el influjo del romanticismo de Lord Byron, Cumbres borrascosas, la novela de Emily Brontë, hasoportado el paso del tiempo y, a lo largo de los años, ha sido adaptada al cine en varias ocasiones. Alicia Mariño repasa muchas de ellas, pero se detiene enla dirigida por William Wyler en 1939, con Merle Oberon, Laurence Olivier, David Niven y Flora Robson. Una historia que lleva a sus máximos extremos el amor yla venganza despiadada del amargado Heathcliff, queuna vez alcanzada la riqueza regresa al territorio desu infancia para recuperar a su amor de juventud, del que se vio privado por su bajo estrato social. Junto a carteles, fotografías y fotogramas de la película, se repasan detalles del rodaje y se reconstruye esta historia de amor imposible donde las tormentas no solo están en la naturaleza agreste que sirve de escenario a la historia, sino tambien en el interior de sus protagonistas.
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El monte Fuji ha sido durante mucho tiempo un elemento central del imaginario cultural japonés, y nada lo ha representado con más virtuosismo que la histórica serie de xilografías Treinta y seis vistas del monte Fuji de Katsushika Hokusai (1760-1849). El famoso grabador documenta el Japón del siglo XIX con un talento y devoción excepcionales, y rinde homenaje al campo, a las ciudades, a la gente y a su serena belleza natural. Producida en la cima de la ambición artística de Hokusai, la serie es una obra fundamental del ukiyo-e que le valió el reconocimiento mundial como maestro indiscutible de su oficio.Los grabados ilustran la obsesión de Hokusai con el monte Fuji y el florecimiento del turismo doméstico a finales del período Edo. Del mismo modo que la vista de la montaña era muy apreciada por los viajeros que se dirigían por la carretera Tōkaidō a la capital Edo (Tokio en la actualidad), el monte Fuji se erige como telón de fondo infalible de cada una de las escenas de la serie. Hokusai captura el paisaje distintivo y el encanto provincial de cada escenario con colores vívidos y detalles exquisitos. La serie, que incluye la famosa estampa La gran ola de Kanagawa (también conocida como La gran ola), es un tesoro de la historia del arte internacional apreciado en todo el mundo.Esta edición XL, una de las pocas reimpresiones de toda la serie, rinde homenaje a los llamativos colores y las composiciones de Hokusai con un cuidado y magnitud sin precedentes. Encuadernada siguiendo la tradición japonesa, Treinta y seis vistas del monte Fuji reúne las 36 estampas originales y otras 10 que el propio artista añadió posteriormente. El presente volumen presenta una imagen encantadora del Japón preindustrial y es un monumento impresionante al arte de la xilografía.
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