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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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PREMIO PULITZER Y MEDALLA ROBERT FROST «La mejor poeta desde Safo.»Poetry «Liberada y talentosa, dramática y frívola, osada y fiestera, se alzó como la voz de su generación. [...] En sus versos no temía ser exuberante, desafiante y también indiferente, como las caprichosas heroínas de Scott Fitzgerald.»Andrea Aguilar, El País Edna St. Vincent Millay es una de las escritoras norteamericanas más fascinantes y menos conocidas del siglo xx. Perteneciente a la generación de T. S. Eliot y Wallace Stevens, su militancia feminista y su radical independencia provocaron que su obra tardara en difundirse, a pesar de haber ganado el Premio Pulitzer por su «Balada de la hilandera del arpa», de contar con una personalidad arrolladora y de congregar a multitudes en sus lecturas y polémicas apariciones públicas, que hicieron de ella una precursora de una nueva forma de ser mujer. Nunca temió proclamar sus ideas políticas y proponer innovadoras vías de expresión de la experiencia femenina. Millay escribió libretos de ópera, teatro y prosa, pero destaca sobre todo por su poesía, extraordinariamente virtuosa -es autora, con Robert Frost, de algunos de los mejores sonetos del siglo xx en inglés-. Aunque vinculada con la vanguardia anglosajona, su voz única es capaz de cantar la belleza como una poeta emotiva y de componer a su vez poemas satíricos y provocadores. Lumen presenta la antología más completa en castellano de su obra poética, en una magnífica edición y traducción de Ana Mata Buil. La crítica ha dicho:«Preocupada simultáneamente por la indagación formal y por la instancia política de su escritura, Edna St. Vincent Millay ha quedado opacada a ojos de la historia por coetáneos masculinos como T.S. Eliot o Robert Frost, con los que trabajó cerca. Décadas más tarde, su voz rebota con fuerza en las paredes.»Zenda «La mejor poeta mujer desde Safo.»Harriet Monroe, Poetry «Una de las figuras más fascinantes de los felices años 20. [...] El amor y el dolor, la soledad y la muerte, la naturaleza y la imagen recurrente del mar son lugares habituales en su poética, en la que se rebeló contra las máscaras de la feminidad y que debió ser un clásico.»Vanessa Graell, El Mundo - La Esfera de Papel «Una de las autoras en lengua inglesa que han asumido en vida la categoría de poeta clásica.»Edmund Wilson «Consiguió que la poesía pareciera algo sencillo que cualquiera podía hacer, pero naturalmente no era así.»Dorothy Parker «La lectura de esta Antología poética convencerá a los más escépticos de que este renovado interés no se trata de una ocasional moda. Hay en ella una verdad y una maestría que no han envejecido, junto a un puñado de poemas que nos cortan el aliento [...] y siguen igual de vivos y heridores hoy como en el momento en que fueron escritos, y no solo en el original, sino también en esta traducción al español gracias al buen hacer de Ana Mata Buil.»José Luis García Martín, El Comercio «Un talento literario incandescente. [...] Millay ofreció una atrevida visión de la experiencia femenina, con una gran carga sexual. [...] Su poesía brilla aún más cuando refleja las ansias de rebelión contra el espacio reservado a las voces de mujeres en la literatura y en la vida.»Amandas Ong, The Guardian «Una de las poetas más exitosas y respetadas de Estados Unidos. [...] Consiguió algunos de los mejores sonetos del siglo XX, al igual que Frost.»Poetry Foundation
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pieles muertas se acumulan sobre las hojas a veces son grillos que olvidan carcasas de un blanco translúcido todo se entrega a la sequía de enero un cielo que anula cantos rodados arranca golondrinas de los cables nada de lo que existe impide el paso de la luz BYRON SALAS (San José, Costa Rica, 1993). Cursó estudios de filosofía en la Universidad de Costa Rica. Ha publicado las novelas Mercurio en primavera (Lanzallamas, 2017, Premio Nacional de Literatura Aquileo J. Echeverría, Punto de Vista editores, Madrid, 2021) y Mar de fondo (Lanzallamas, 2021), el libro de cuentos Gloria al amor sombrío (Encino ediciones, 2019) y el conjunto de poemas Zarcillos (Libros Humildes, 2022).
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Ofrecemos unha selección da poesía rosaliana, un percorrido cronobiográfico e un estudio da súa poética.
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Amalia Iglesias Serna nos presenta en Tampoco yo soy un robot una obra poética de profunda reflexión sobre la naturaleza humana, la memoria y la tecnología. Con un lenguaje incisivo y emotivo, la autora explora la vulnerabilidad del ser humano en un mundo dominado por la incertidumbre, el progreso tecnológico y la desconexión emocional. A través de imágenes poderosas y metáforas contemporáneas, estos poemas nos invitan a cuestionar nuestra relación con lo que nos rodea, desde la inteligencia artificial hasta las cicatrices que deja el paso del tiempo. Una obra imprescindible para los amantes de la poesía que buscan una mirada crítica y a la vez íntima del mundo moderno.
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Aunque me extinga es un libro escrito desde la migración, la extranjería y el desarraigo, hilado a través del deseo y el amor como barricadas que se levantan ante el asedio de la muerte y el silencio. Escrito durante el proceso de «regularización» de la situación migrante de la autora, este poemario es una evocación del pasado familiar, de la distancia con el origen y de la llegada a un nuevo país, la construcción de un imaginario y la voluntad de encontrar formas alternativas de expresar y compartir el amor. Porque el amor es, en estos poemas, una reverberación que transforma y subvierte, un modo de identificación individual y colectiva, un proceso, más que un estado o un destino. Atravesado por la poesía y la figura de César Vallejo, Aunque me extinga se convierte en un canto contra el dolor y contra el abandono, un poemario fuertemente enraizado en el presente, en un contexto social que reclama nuestra atención y que nos exige maneras más generosas de comprender a quienes dejan atrás su lugar de origen.“Este libro es una mano que nos empuja hacia la vida. Ya lo recuerda la autora: ‘escribir es alejar la muerte’, hacer un nuevo nido, un refugio de belleza que no está desprovisto de conflicto, pero sí de violencia. Es por eso que aquí hay una voz que pasa de las heridas migratorias al centro creativo del amor. El adiós y el deseo movilizan el lenguaje hacia las fronteras geográficas, las del poema y las del cuerpo —verdadero mapa de caderas, pies y misterios—. Sofía Crespo Madrid nos recuerda, con la sensibilidad de una gran poeta, que la escritura también puede ser una casa, una tierra donde recrearnos y donde amar con mayor intensidad”.Mónica Ojeda
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Un pez en la ciudad es un trabajo donde el más leve pestañeo o pensamiento, motores del mundo, se vuelven materia, hálito y reflexión de un personaje poético que se busca a sí misma en un círculo abierto cuyo inicio y fin es el mismo existencialismo latente en forma de SER que nunca acaba. Un existencialismo con las manos abiertas y la mirada atenta en el horizonte siempre nuevo y, a la vez, anclado en el devenir. Sin lugar a duda, un canto a la razón, a los recuerdos que nos configuran y al sentir que nos define.
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Es sabido que en los siglos xvi y xvii la poesía burlesca fue ampliamente cultivada y también, aunque nos pueda sorprender, lo fue la poesía erótica y la pornográfica, difundidas casi siempre a través de copias manuscritas para evitar la censura. La poesía erótica carecía de prestigio y, por tanto, solía ser anónima. Sin embargo, los poemas en que se describían sueños eróticos eran, en muchos casos, de autor conocido y se difundieron también a través de la imprenta. No eran meras representaciones explícitas del acto sexual sino que, en muchos casos, el poema se confunde con el propio sueño.
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Cuando esas, las noches es el poemario con el que Victoria Marín presenta sus cartas en el espacio extenso del quehacer poético. Parece como si hubiere hecho caso a los consejos de Rainer María Rilke y Platón, dos de los grandes maestros para los que el saber de hondura, con registro humano, requiere madurez, haber vivido lo suficiente, experiencia. Ambos fueron conscientes de que el canto poético y la reflexión filosófica solo echan raíces profundas en la madurez de la vida. Este es el espacio apropiado para el poetizar y la reflexión profunda: el poso que deja la vida. Ajenos a la experimentación y al recurso fácil a la metapoesía, los versos de la autora rezuman sencillez y verdad.
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La maduresa de Maria Josep Escrivà.La poesia de Maria Josep Escrivà ha arribat a la plena maduresa. Ho demostra aquest llibre, en què tenen cabuda un seguit de poemes nascuts de la urgència per parlar de les coses del món o per homenatjar els amics («En l'arbre del meu cor») i també unes quantes suites de poemes breus («Lluny de qui sap què») que capturen espais d'intimitat en instantànies verbals d'una precisió exquisida.
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Este esperado libro, dice Teresa Gómez, nació de la contemplación de la intérprete de un concierto de violín, cuando la danza de pequeños músculos de su espalda sugirió a la autora el contraste entre el silencioso trabajo de sus brazos y la fluidez del sonido resultante, que aparentaba brotar sin esfuerzo alguno. Del mismo modo la poeta, que aspira a la difícil sencillez, pule sus versos hasta lograr que suenen desprovistos de retórica, apelando a sentimientos que llevan implícita una profunda carga reflexiva. Ya desde el título, La espalda de la violinista nos sitúa en un ámbito donde se conjuganla música y la palabra, que caminan al paso de una sinfonía compuesta por un preludio y tres movimientos. Combinando el tono conversacional con el despliegue de imágenes sorprendentes, la poesía de Teresa Gómez explora la realidad a través de las emociones: el amor, la distancia, el desamor, la angustia, el desencanto o la esperanza laten bajo cada verso constituyendo la clave de una voz con un alto grado de autoconciencia, que por una parte construye una identidad propia y elegida, frente a los condicionantes ideológicos impuestos, y por otra analiza y cuestiona el discurso dominante desde una voluntad de resistencia.
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POETA, dramaturga y novelista, antes también profesora universitaria en Montreal (UQAM), Louise Dupré (Sherbrooke, Canadá, 1949) es miembro de la Academia de letras del Quebec y de la Sociedad Real de Canadá desde 1999. Es una reconocida autora en Quebec que plasma en más de una veintena de obras, tanto en verso como en prosa, las heridas que inflige la vida. Su escritura de la fragilidad, la vulnerabilidad, el sufrimiento y la esperanza, ha obtenido numerosos galardones, entre los que destacan el premio Ringuet, El premio del Gobernador General, uno de los más importantes concedidos en Canadá junto con el premio internacional Jaime-Sabines /Gatien- Lapointe o el Gran Premio Quebecor del Festival Internacional de la poesía obtenido en dos ocasiones. En 2014, recibe la Orden del Canadá por el conjunto de su obra. “Escribir empieza siempre por una traición” confiesa Louise Dupré en Muy cerca, la de la mano izquierda, continúa, ella que es zurda. Traición sutil, pudorosa, donde se dibuja una poeta de lo íntimo, reflexiva y comprometida con la subjetividad femenina cuyo imaginario esculpe —y renueva— poema a poema. A través de un lenguaje depurado que adopta el ritmo pausado de una respiración suave, los poemas de Louise Dupré se rinden al arte de la lentitud para exponer con voz de mujer la cotidianeidad y sus menudencias. Pero en este día a día, laten soledades y pesares que despejan las noches, despoblándolas de sus sueños, y convierten la escritura de Louise Dupré en una escritura de la herida. Su poesía, profunda e intuitiva en torno al ciclo de la vida, se instala en la durabilidad y nos acerca a las grandes verdades: “Tarde o temprano los humanos /se dejan caer al fondo de un hoyo/ donde sus cabelleras se enredan…”/ en un sólo despojo...
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La sutura y la piel es una invitación a trascender la superficie de las cosas en busca de un sentido. Propone un paseo y una mirada a escenas donde algo parece estar desmantelándose y reconstruyéndose, destejiéndose e hilándose, tachándose y reescribiéndose. La búsqueda es un trenzado que ata la reflexión y el abrazo, el silencio y la proclama, la niebla y el aliento.
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Inèdit fins ara al nostre país, Edward Hirsch (Chicago, 1950) és un dels poetes nord-americans més reconeguts de l'actualitat. Atent al valor comunicatiu de la poesia, amic de l'expressió cenyida i essencial, reflexiona sobre la seva pròpia condició humana (il·lustrada, urbana i jueva), sense deixar mai de convertir les vivències en situacions generals que obren al lector la porta a la reflexió sobre si mateix, com si cada poema fos una pausa per pensar una mica. Aquest tret estilístic aparentment simple -la indagació en la quotidianitat de la vida moderna- assoleix tanmateix altes fites de torbament, un desfici quasi filosòfic o religiós que intensifiquen els imprevistos i els arcans d'una existència inaprehensible i plena de matisos. De factura impecable i profunditat extraordinària, la seva poesia traça un itinerari que va de l'hostilitat del destí i els elements exteriors al goig més gran i elemental. L'antologia que teniu a les mans, que recorre el corpus anterior a Gabriel (2014) i pren com a base The living fire (2010), mostra l'obra d'Edward Hirsch per primer cop traduïda al català. Edward Hirsch és una de les figures cabdals de la poesia nord-americana dels nostres dies. Nascut a Chicago el 1950, ha estat professor a la Universitat Estatal Wayne i a la Universitat de Houston, col·laborador en diaris i revistes -cal destacar, per la seva popularitat, els articles setmanals sobre poesia a The Washington Post Book World del 2002 al 2005- i actualment és president de la Fundació John Simon Guggenheim de Nova York. Autor de set poemaris publicats entre els anys 1981 i 2008, va recollir el millor de la seva producció fins aleshores a The living fire (2010). El 2014 va aparèixer la seva darrera obra, Gabriel, un llarg poema elegíac a la mort del seu fill. També ha escrit diversos assaigs literaris, entre els quals destaca How to read a poem and fall in love with poetry (1999), que va esdevenir un supervendes. Ha rebut nombrosos premis, com ara el MacArthur Fellow el 1997. Aquest volum antològic comprèn una tria significativa de la poesia de Hirsch, per primer cop traduïda al català.
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El haiku, tal como lo entiende la tradición japonesa, es una forma de adoración de «lo sagrado», que se manifiesta incesantemente, y nos provoca ese asombro cuya naturaleza mística se desentraña en estas páginas. Mediante el cultivo del arte poético del haiku iniciamos una vía de contemplación en la Naturaleza y hacia la Naturaleza. No se trata de mirar intensamente ningún objeto, sino de «estar». El mundo es una realidad efervescente que nos ofrece la posibilidad de vibrar con ella, de ser parte del cambio, de la transformación del Todo, de la vida que nos circunda y late en nosotros. Y es esencial comprender que esta contemplación no es la contemplación de un «yo» huérfano y abandonado. Si hay algo que nos enseña el haiku es que no estamos desamparados en este mundo, porque también nosotros somos parte del misterio.
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A lo largo de más de tres décadas, tanto los Cuadernos como los Almanaques o los Zaquizamíes han sido dedicados, en muchas ocasiones a temas monográficos: Erotismo, Jardines, El Agua, La Imprenta, el Amor, La República, Picasso, La Fotografía, El Cómic, El Tiempo, Los Heterodoxos. Y de nuevo, un largo etcétera. Con ello hemos querido conciliar los temas eternos de la poesía y el arte con la actualidad, la urgencia con la oportunidad. Pero siempre movidos por un espíritu libre y festivo: compartiendo, colaborando, discutiendo, manteniendo la amistad por encima de todo. Y aun siendo conscientes de lo efímero de unas hojas volanderas de poesía o unos Cuadernos de poemas y dibujos, nuestra apuesta colectiva sigue la máxima latina, más como deseo que como certeza, de que el tiempo pasa pero lo escrito permanece. Tempus fugit, scripta manet. El tiempo, precisamente, lo dirá. Cuadernos de Roldán es un colectivo de poetas, pintores, músicos, dibujantes, que ha venido desarrollando una actividad ininterrumpida durante treinta y tres años. Desde que el 21 de abril de 1988 se presentara el número cero, De trovos y artes de todas suertes, hasta el último Cuaderno, número 100, dedicado a Itálica y presentado esta primavera, se han editado Libros, Cuadernos, Almanaques, Zaquizamíes, Ad Libitum y Hojas de San Lorenzo. (2 de diciembre) «Cuadernos de Roldán» es un grupo de poetas andaluces, buena gente, amante de la poesía y militante convicta del culto a Baco, que no acostumbra a salir en las páginas de Cultura ni en los suplementos de los periódicos importantes. A mí, a pesar de que ya no escribo versos y de ser bastante parco en el beber, me hicieron socio del gremio, quiero decir, inquilino, que es así como nos designamos en la cofradía. José Saramago, Cuadernos de Lanzarote I (1993-1995)
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Poemario ganador del Premio Internacional de Poesía Gerardo Diego, que patrocina el Gobierno de Cantabria, en su edición de 2024.
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Este libro de Mario me ha parecido fresco, sincero y amigable, y porque me han gustado y divertido mucho los versos que contiene y, sobre todo, porque Mario es un cowboy de medianoche, un fiel seguidor de las conversaciones radiofónicas de cuatro señores mayores que han decidido, como Peter Pan, no crecer y seguir siendo eternamente jóvenes
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G. K. Chesterton no necesita presentación en España. Narrador universal, el polemista hace tiempo que resulta difícil encontrarlo en librerías, mientras el poeta apenas está traducido entre nosotros. Sin embargo, su poesía es la puerta de entrada al resto de su obra. Cuando Chesterton necesita explicar su idea del mundo, recurre con frecuencia a sus propios versos y sus dos novelas más reconocidas se inician con sendos poemas introductorios. Chesterton es un poeta vitalista y activo, que canta a Dios, a la naturaleza y a los hombres con optimismo y jovialidad. Como señala Auden, todos sus poemas de amor son un hallazgo. La presente traducción da muestra de todas esas facetas líricas. Ha sido hecha por poetas españoles de muy diversa condición, edad y obra literaria. La poesía de Chesterton, que tiene algo de coral, ha sido interpretada por cada poeta procurando no desentonar del coro.
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En estas páginas tan delicadas como fuertes encontrarás sentimientos que probablemente hayas sentido, ya que muestran los días más grises y negros que puede tener cualquier persona. Cosiéndome el alma es un grito al cielo para dar visibilidad a todos aquellos sentimientos que a veces orecen y que dañan el alma.
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'Vida y época de la ausente Eileen'' es un poemario que describe la biografía de una enfermera marcada por la derrota. A través de su relación con otras mujeres, la enfermedad de su padre, el frío invierno de Nueva York, el consumo de ansiolíticos y su lucha contra el alcoholismo, Eileen construye una personalidad insólita, que desafía a la vida misma con una arrogancia teñida de frustración.
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TRADICIONALMENTE vinculada a la estética modernista, Delmira Agustini (Montevideo, 1886-1914) ingresó en el territorio poético rioplatense a una edad temprana y en tan solo siete años alcanzó la cumbre del éxito gracias a la publicación de tres libros de poemas que tuvieron una extraordinaria acogida entre sus contemporáneos: El libro blanco (Frágil) (1910), Cantos de la mañana (1910) y Los cálices vacíos (1913). Su asesinato a manos de su exmarido interrumpió esta fulgurante y fecunda carrera cuyos últimos frutos vieron la luz en 1924 en Los astros del abismo, una edición póstuma publicada con el beneplácito de su familia. Admirada y censurada a partes iguales, Delmira Agustini, pese a las tensiones y contradicciones propias del periodo finisecular a las que tuvo que enfrentarse, supo imprimir un nuevo aliento al Modernismo literario hispanoamericano en una época en la que el movimiento se acercaba a su inexorable ocaso, convirtiéndose, además, en la precursora de otras voces poéticas femeninas que, retomando su legado, no tardaron en despuntar en el continente americano.
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No sabemos nada, aunque nos creamos pequeños dioses. Ignoramos qué es la conciencia o cuál es nuestro destino tras la muerte o antes del nacimiento. La única certeza es que estamos aquí, ahora, mientras leemos estas líneas, o eso creemos. Esa franja de luz, segundo poemario de Recaredo Veredas, no especula sobre lo que solo puede desconocerse, al contrario, enuncia preguntas y, al mismo tiempo, recorre el amplio espectro de las emociones humanas. Y lo hace desde un territorio poco habitual, emplazado entre lo que consideramos real y el mundo de los sueños. Entre la vida y la muerte.
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Dins el bosc, salvatge per definició, s’hi enfonsen uns camins que tot de cop es perden is’endinsen en espessors impenetrables i uns altres que sempre porten a llocs previstos onomés entrevistos. N’hi ha que, per indrets escarpats, s’aventuren per mons improbables.Donant a llum el vers per concepció i escriptura, Quim Vilar traça per boscos terrestres icelestes un camí pel qual penetra per posar en poesia, amb un rar enginy, la natura que elmira i que ell mira.
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El periodista Dani Ramírez presenta un poemario cuyas protagonistas principales son las canciones de los Beatles, hilo conductor y banda sonora de este libro.Un homenaje a las canciones que nos han visto crecer, al grupo que compuso el imaginario de nuestra infancia. El amor y la vida con la melodía de Here comes the sun, la nostalgia al son de Yesterday o Across the universe y el tiempo y su voraz paso mientras se escucha Help. Dani Ramírez habla de él, habla de todos nosotros a través de poemas conmovedores, pequeños artefactos con una banda sonora de excepción.
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Dius mare el món és senzill davant l’olla. Hi ha l’aigua, per exemple. Arreu, o sota la sorra. Orificis crus que s’obren i es tanquen amb breus foc i gel que ens semblen gegants. Bernats pescaires, talps, teixons morruts, simis petits, llegums i esparregueres, llavis de pedra on el vent és senzill. La dona que talla mongeta tendra i la que es mor. Un pa al forn. Com de pedra. La nena que jugava amb el cabrit, la dona que s’ha bullit amb la vida i la que es mor, tendre el rostre i la nit. El món és senzill. Un llavi de pedra.
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Mira quantes ratlles escric. Et parlo amb els núvols que van i venen per separat. Desapareixen en el trànsit com paraules perdudes. Escriptura blanca i fugaç que no sap qui la llegirà.
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Entre los precedentes inmediatos de Garcilaso y el fulgor un tanto crepuscular de sor Juana se desarrolla la poesía más considerada en términos de canon en la tradición hispánica, la «lírica áurea». La antología pretende dar cuenta de ella en una perspectiva tan renovada como permite el diálogo entre la tradición crítica y las líneas de estudio recientes, de la cultura del impreso al feminismo, de los estudios culturales al nuevo historicismo, de la composición del libro de poesía a la de la imagen autorial. La estructura del estudio conjuga algunas claves del desarrollo de la poesía a lo largo de dos siglos y su articulación en una cronología interna del género, complementando la organización de los textos por autores. Para estos se ha optado por una cierta amplitud, para presentar un panorama suficientemente representativo y útil para la contextualización de los grandes hitos. Las composiciones se acompañan de una presentación sintética y el mínimo de notas para la comprensión literal del texto. En conjunto, se ofrecen una selección de poemas válidos para una lectura moderna y los elementos para una apreciación filológica de su historia y su significación literaria.
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250 anys després que França arrabassés la independència de Còrsega, un grapat de poetes fidels a la seva llengua han estat capaços, en una mena de Renaixença (Riacquistu), d’incorporar la poesia corsa a la modernitat. Entre aquests: Ghjacumu Fusina, que es va consolidar aviat com la figura indiscutible de la lírica, la llengua i la universitat, amb poemes musicats molt populars, Pasquale Ottavi, poeta, narrador, pedagog i lingüista, Francescu Micheli Durazzo, professor, poeta i traductor dedicat a la projecció de la literatura corsa més enllà de les seves fronteres, Patrizia Gattaceca, cantant de renom, actriu i pedagoga, i Stefanu Cesari, atent a tot el que s’escriu arreu i en el que la poesia corsa s’afirma amb tota la violència de la modernitat. Cap d’ells, però, ha renunciat a donar substància a una percepció singular del món ni ha seguit les estèrils errades dels menyspreadors del lirisme. Mediterranis, llatins, illencs, canten amb una malenconia elegíaca i amb una energia combativa un món en ruïnes, pobles deserts, cares inoblidables, l’amor i la mort com una fe, així i tot, en el ressorgiment de la vida.
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FERNANDO PESSOA desarrolló una labor especialmente intensa en los seis últimos años de su vida, en los que escribió muchas páginas esenciales de su Libro del desasosiego y de su Fausto y dio forma definitiva a Mensagem (Mensaje), único de sus libros en portugués publicado por él mismo.En este periodo escribió también numerosos poemas, tanto atribuidos a los heterónimos de su drama em gente como poesias ortónimas, a las que pertenecen las agrupadas por Ángel Crespo en este libro. En ellas, a los temas tradicionales del desasosiego, del tedio de vivir, de la génesis y justificación de la heteronimia y de los demás tratados en sus obras anteriores, venían a unirse el del rompimiento con Ofelia, el de unos nuevos amores, el del presentimiento de la muerte y otros muy relacionados con ellos.Estos poemas ortónimos de Pessoa son una sintesis de la tradición lírica portuguesa y del simbolismo contemporáneo, y punto de partida de los atribuidos a los heterónimos. En oponión de David Mourão Fereira, stales documentos poéticos constituyen un manantial imprescindible para la perfecta exegesis de la poesía de Fernando Pessoa».El poeta Ángel Crespo, responsable de esta edición, publicó numerosos articulos, libros y traducciones de y sobre Pessoa. Su ingente tarea como traductor fue oficialmente reconocida en 1993 al otorgarsele el Premio Nacional de Traducción por el conjunto de su labor.
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L’activista, poeta i raper Pablo Hasél fou privat de llibertat el 16 de febrar del 2021 degut a la seva persistent denúncia de les injustícies i per la seva militància. En tot aquest temps ha escrit 99 poemes que ara veuen la llum en aquest llibre que tens a les mans.«He escrit els poemes que veus per recordar-los amb el cor prohibit, que mai podran escriure el nostre destí perquè no podríem caminar dempeus sense tractar d’atravessar els seus murs. Per sumar gotes als desbordaments futurs i deixar-los clar que pot tallar-nos el filat, però no el mirall amb la vergonya de claudicar. Per exercir l’urgent autodefensa celebrant que ni tota la seva maquinària gegant pot sepultar el millor que tenim com a humans. He escrit uns quants poemes perquè la poesia oficial es ven i davant tanta injustícia despietada no dispara cap sentiment. Per combatre el maleït oblit que amaga el que sempre ha aconseguit la perseverància d’un poble valent.»
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Veus és un poemari dividit en dues parts principals:«Veus d'aigua» i «Veus de fum», així com un apartatbreu anomenat «Trilogia del matrimoni».
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Abecedari de crepuscles és una excel·lent autoantologia, on Joan Perelló ens dóna la seva visió, la seva lectura crítica de la seva pròpia obra poètica. Per aquest motiu el llibre porta entre parèntesis un descriptor molt exacte i precís com a subtítol: «Tria personal, 1973-2016». Es tracta d'un recull de 55 poemes emblemàtics que Perelló ha escollit per la seva qualitat i la seva representativitat. Ara bé, Perelló és un poeta intel·ligent i sensible i sap perfectament que abans que cap altra cosa, una antologia és un llibre, un llibre que s'ha de poder llegir independent de l'obra general d'on ha sorgit. Ha de ser, en primera instància, una creació artística autònoma, un llibre únic fet a partir d'altres llibres, un llibre que s'aguanti pel seu propi pes artístic. Abecedari de crepuscles compleix amb escreix aquest requisit inicial de tota bona autoantologia, oferint-nos, de base, simplement un llibre ben ideat i ben construït de poemes ben memorables.
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Torcuato Tasso (1554-1595) es una de las figuras señeras del Renacimiento europeo y, probablemente, el poeta más grande que ha dado nunca la lengua italiana. Si bien debe su mayor celebridad a ser el autor de la Jerusalén liberada, una de las cimas de la poesía épica occidental, fue, y no en menor medida, un extraordinario poeta lírico y dramático. Ejemplo de esto último son la Aminta (el drama pastoril más bello del Renacimiento) o El rey Torrismondo, una tragedia singular. Muy admirado por escritores de la talla de Milton, Goethe, Byron o Leopardi, Tasso publicó sus Poemas etéreos en un momento especialmente dulce de su vida. Era un joven poeta que había escrito ya, y publicado con éxito, un poema épico de la envergadura del Rinaldo, ante el que se abrían grandes expectativas en la carrera cortesana, y que estaba profundamente enamorado. Aunque con posterioridad sometió estas composiciones a una revisión más o menos profunda según los casos, resulta innegable que en ellas ya se muestra todo el genio de Torquato Tasso, la innegable singularidad de su estilo, y el maravilloso poder y la modernidad de su palabra.
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Transmutado en un libro admirable, este Jardín seco, de Alejandro Duque Amusco, más que seco, se nos presenta frondoso, por su variedad métrica (lograda tanto en los versículos como en los poemas de «Hojas del verano» o en otros de mayor sobriedad) y por la presencia continua de la naturaleza. Como en entregas anteriores, esta poesía se acerca a la meditación pero, gracias al dominio de los distintos tonos, al acierto de las imágenes y a la sensorialidad de las palabras, la convierte en tangible y sensual sin desviarla de lo profundo. Cobran aquí importancia el recuerdo, la infancia como un territorio siempre presente, el amor expresado en poemas de gran belleza. En resumen, en este Jardín seco se celebra la fiesta inagotable de la vida. Juan Lamillar
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¿Se puede desear a quien no quiere vivir? ¿Se puede uno guiar por la presencia obsesiva de la esperanza y, a la vez, afirmar que la vida no es más que un curso avanzado de escepticismo? ¿Cómo esconderse de alguien cuando ocupa toda tu vida? ¿Cómo no esperar nada si te educaste en la verdad incuestionable de intercambio de golpes y recompensas? Este poemario se adentra, a través de un lenguaje descarnado repleto de exabruptos medidos, en la historia de un amor ciego y extraordinario, la agonía consciente, la muerte inesperada, la amenaza de suicidio y la locura del psiquiátrico. Ésta es la jodida intensidad de vivir.
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A pesar de que podríamos creer que es un horror ser alguien, Iliana Toro dialoga poéticamente con Emily Dickinson para convencernos de lo contrario: de que hay autoras a las que una debe conocer por su nombre y apellidos, como sus obras, como esta que tenemos entre las manos. En sus versos, acordes elogiables, con voz sencilla -que no pequeña- y descarnada y precisa como aguijón -versos breves como disparos-, la poeta, para nosotros, no llega a destiempo sino en el momento justo, en el momento necesario de nombrar el deseo arrebatado, la importancia del recreo y los tonos tristes de los pájaros. Sentados lejos de los espacios asignados, entregados a la caída, Iliana Toro enumera una a una las palabras que caben en la belleza. Porque ella sabe que, aunque Nada es perfecto en este mundo, en una casa con fantasmas, una se reconcilia con una fiesta en el jardín. MARIBEL ANDRÉS LLAMERO
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