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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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«Maslowska no perdona a nadie. En sus textos no hay buenos, todos se llevan, como diríamos hoy, un buen zasca. Esta perspectiva dificulta mucho la representación teatral, porque el teatro tiende a buscar el bien,a moralizar, a señalar a los villanos por ser villanos. Pero no se trata de eso. Todos somos culpables, todos hemos transgredido las normas de la decencia. Todos tenemos las manos manchadas de sangre de la humanidad, que se ha convertido en una manada de bestias.Tampoco se trata del poshumanismo, sino de la pérdidade los sentimientos nobles. Las obras de Masłowska son divertidas, pero al ver lo que esconden, se nos ponen los pelos de punta». Piotr Gruszczyński
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De algún tiempo a esta parte narra la angustiosa existencia de una mujer de ascendencia judía en la Viena de 1938, tras el Anschluss, la anexión de Austria a la Alemania nazi, en la vigilia de la Segunda Guerra Mundial. Emma, la protagonista, habla con su marido muerto y le cuenta cómo se ha convertida en víctima y espectadora de los cambios que han venido sucediendo, a la vez que recuerda otros momentos más felices de su pasado, junto a él y a su hijo Samuel. A pesar de haber sido escrita en 1939, esta pieza es de una actualidad rotunda: nos alerta del peligro de los discursos del odio y las complicidades que despierta en la sociedad. La obra ha sido considerada por la crítica como uno de los mejores monólogos escritos durante el siglo xx. Y es que Max Aub, emblemático autor del exilio republicano español de 1939, crea un texto impecable, fuerte, brutal, estremecedor, impactante, visual, acongojante, profundo, humano, ¡vivo!... Max Aub (París, 1903-México D.F., 1972) llegó a España con once años, exiliado de la Primera Guerra Mundial. De ideales progresistas y republicanos, al final de la guerra civil tuvo que exiliarse en París. Tras un periplo de tres años por campos de concentración en Francia y el norte de África, llegó a México en 1942, donde vivió hasta su muerte. Sólo volvió a España unos meses en 1969 y en 1972. Cultivó todos los géneros: narrativa, teatro, poesía, ensayo, crítica, teoría literaria, diarios... De su obra destacan las novelas de El laberinto mágico, el diario La gallina ciega, la tragedia San Juan o los microrrelatos Crímenes ejemplares, entre otros. Esther Lázaro es miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL). Ha publicado trabajos en revistas especializadas y obras colectivas, mayormente sobre exilio teatral republicano y teatro español contemporáneo. Se ha encargado de la edición del epistolario entre Max Aub y José Monleón (2016) y de El texto insumiso, de José Sanchis Sinisterra (2018).
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Casa con dos puertas, mala es de guardar ejemplifica la maestría en el engranaje preciso de un dramaturgo ya maduro que domina a la perfección el juego teatral de este tipo de piezas (comedias de capa y espada) e ilustra con claridad la actitud de un poeta dramático que sabe evadirse con oficio de la repetición formularia de un artilugio teatral a través de la experimentación y la aplicación de nuevas e ingeniosas formas de resolver un enredo excesivamente tipificado.
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Lluís Pasqual i Joan Yago van convidar onze dramaturgs catalans a compondre cadascú una peça breu sobre els fets relatius al referèndum d'autodeterminació de Catalunya de l'1 d'octubre del 2017, basats en tres principis: deu minuts de duració, cap escenografia i implicació de fins a tres actors. El projecte, en què van participar Esteve Soler, Victòria Szpunberg, Marc Artigau, Marta Galán, Guillem Clua, Lali Álvarez, Llàtzer Garcia, Cristina Clemente, Clàudia Cedó, Helena Tornero i Sergi Belbel, reafirma el paper social del teatre i renova el model del teatre d'urgència, capaç d'enregistrar la història i la realitat immediata i sensibilitzar el públic. Tanmateix, la iniciativa i els seus resultats transcendeixen el context en què s'han concebut i es projecten en una dimensió global, perquè reflecteixen principis socials, humanitaris i polítics universals.
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Estamos en el siglo XVIII, apoteosis de la Ilustración y Siglo de las Luces. El vitriólico Voltaire creía en las virtudes de la razón, la ciencia y el arte como artífices del progreso civilizatorio y el explosivo Rousseau sostenía que tales factores arruinan la libertad y la inocencia del hombre, que es bueno -¡el buen salvaje!- mientras permanece vinculado a las pautas de la naturaleza. Hélas! Tan antagónicas posiciones encizañaron la amistad de dos polemistas natos y corrosivos que, hacia 1741, habían unido recursos en torno al luminoso y transformador proyecto de la Encyclopédie. Que una conversación sobre el escenario entre dos filósofos mantenga durante 1,5 horas pegados a sus asientos a los espectadores que abarrotan cada noche el teatro María Guerrero de Madrid conduce a una reflexión: ¿no será que la filosofía no es tan aburrida como se dice?, -¿de verdad que la filosofía es superflua e improductiva como mucha gente sostiene? La obra Voltaire/Rousseau. La disputa, interpretada por Josep Maria Flotats y Pere Ponce, supone un reto por cuanto no es habitual ver la filosofía convertida en materia prima de una obra teatral y a dos filósofos como sus protagonistas.
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Escrita en 1605, «El rey Lear» es una de las obras pertenecientes a la etapa de plenitud creadora de William Shakespeare (1574-1616). Ambientada en la Inglaterra pagana anterior al cristianismo, esta historia de las desgracias desencadenadas cuando Lear, por vengar su vanidad herida, arroja de su lado a la menor de sus hijas, corre paralela a otros temas que enriquecen el catálogo de los grandes retratos shakespearianos. La presente edición, a cargo de M. Á. Conejero, ha sido realizada por el equipo del Instituto Shakespeare de la Universidad de Valencia.
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Puños narra la lucha por la reconquista de una misma.La trama se va desvelando como un edificio construido de manera que toda su parte interior se pueda ver desde un solo punto. Es decir, una especie de panóptico que permite observar, a modo de partitura, una historia de amor tóxica, desde el momento inicial del encuentro hasta la ruptura, contada desde la perspectivade una mujer que busca un sentido a la relación queha vivido. Tres voces (Tú, Yo, El) con sus respectivas fugas y choques que hacen latir corazones, palabrasy cuerpos en cinco movimientos cardinales: Oeste, Norte, Sur, Puntos y Este.
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Cnemó és un vell morrut, garrepa i rondinaire que viu recl.s a la seva finca només amb la filla, fins i tot la dona l'ha deixat, exasperada, per anar-se'n a viure amb el fill que havia tingut d'un matrimoni anterior. Amb tot, l'atzar, sempre tan esgarriacries, fa que S.strat, un jove de casa bona, caçant en les terres del malcarat, vegi la noia i se n'enamori bojament. Com calia esperar, el vell es nega a donar-l'hi per muller, per., després d'un seguit de trifulgues, l'esquerperia li serà castigada d'una manera ben alliçonadora. També coneguda ?ja a l'antiguitat? amb el nom d'El misantrop, aquesta comèdia presenta l'arquetip d'un personatge altiu i br.fec que, per via de les adaptacions llatines, acabà influint en l'obra mestra de Molière.
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El arquetipo de Don Juan, entroncado con la tradición literaria del Siglo de Oro español, se convirtió durante el siglo XIX en uno de los personajes favoritos del romanticismo europeo. Estrenado en 1844, el drama de José Zorrilla (1817-1893) incorporó def
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Anne Carson nos entrega no sólo una parodia que muestra un sentido ético y estético en su más elevada dimensión. La Guerra de Troya es el pretexto para urdir el texto, para bordarlo, abordarlo desde el origen de la palabra guerra y sus derivados: pelea, combate, batalla, lanza, muerte, violación, crimen, abandono, sinsentido, deshumanización, todo acto que navega en contra de lo que debería ser el último fin de nuestra existencia. No hemos sabido escuchar, no hemos sabido descifrar ni mucho menos cuestionarnos. La lucidez y erudición de Anne Carson nos llevan a navegar hacia un puerto en el que no sabemos si es la muerte misma la que nos espera o si es una niña violada o el infierno o una madre en su más ahogada desesperación. La palabra que no está sustentada en un texto tramado desde su raíz etimológica no tiene sentido en la concepción literaria de esta autora. Ella nos ha entregado las versiones más frescas y actuales de Safo, Catulo, Eurípides... para presentarnos en este innovador libro a una Helena de Troya, símbolo de la pérdida del sentido, del amor. Carson nos dice que bordamos el tapiz del mundo como ciegos, sumidos en una indiferencia lacerante que atropella otras vidas sin siquiera darnos cuenta. En nueve lecciones de historia, con sus concomitantes enseñanzas, la poeta desarrolla un pensamiento por asociaciones que entrega al lector con su usual dejo de ironía, y una indignación punzante. Muestra que hemos puesto en la guerra una obtusa forma de obtener la gloria, eso que llamamos poder, posesión, mancha, sangre, ceguera. Vivimos en la oscuridad navegando hacia la orilla donde se libra una guerra que no sabemos cómo se inició. Al hacerlo, obnubilamos el otro lado del dolor, es decir, la altísima belleza que todo dolor trascendido alcanza.
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Única obra dramática del poeta, en forma de auto navideño en torno al nacimiento de Cristo. El desarrollo tiene lugar en Galilea, Belén, Nabatea y Egipto, con dos ángeles intérpretes que señalan, predicen o exaltan lo que va a ocurrir o está sucediendo. Fue estrenada en 1962 y obtuvo el premio Calderón de la Barca. El texto hace evocar el mejor teatro de Lope de Vega. La crítica ha dicho: «Nueva edición de la única obra dramática del poeta, en forma de auto navideño en torno al nacimiento de Cristo» Revista, OMNES.
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Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: ''Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos''. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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Alejandro Casona juega con la fantasía y la realidad en el teatro. Estamos, y se ve desdela primera escena, ante una escenificación del teatro dentro del tetaro, no al modo pirandelliano, sino instrumentando elementos del vodevil. Esta obra nos ofrece un mundo tocado de fantasía y unos personajes que ejemplifican una idea moral. Desde la escena pretenden mostrar y demostrar al espectador el bien, la belleza, la vida en su expresión más genuina, bondadosa y maravillosa. Su función es orientar hacia el sendero de las fuentes cristalianas y limpias de una vida mejor.
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L'illa deserta és la història d'Ella i d'Ell. De tot allò que hauria pogut ser. Ella, que treballa en un banc i que pintava grafits per la ciutat. Ell, que és repartidor a domicili i que somia amb ser actor. Ella i Ell ens expliquen com van ser, com són i com seran, ara que una trobada fortuïta, tancats dins d'un ascensor, els pot canviar (o no) l'existència per sempre. Què t'enduries a una illa deserta? Una vida explicada des del principi fins al final, tenint en compte totes les possibilitats, totes les variables. Aquella mateixa nit quan, per fi, surten de l'ascensor, una xifra mal entesa, un cinc per un sis, pot fer que no es tornin a veure mai més o pot ser el principi d'una llarga història.
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¿Qué relación guarda Lope de Vega con la inteligencia artificial? ¿O el sobrepeso con la obra más emblemática de Velázquez? ¿Y qué papel juega el perro como animal de compañía en los tiempos que corren? Sergio Adillo ha sabido articular tres historias recurriendo a la entelequia irónica propia de las situaciones hilarantes. Inteligencia artificial para hacer comedias en este tiempo es una crítica a los generadores informáticos de contenido y su uso en la industria cultural, con las consecuencias que todos imaginamos, pero también una fotografía de los enfermos de alzhéimer, sin recurrir al dramatismo que entraña la enfermedad pero sí al drama propio de la representación escénica. Menina y gorda es una obra compleja con una única lectura. Sergio Adillo plantea, en la piel de una niña, la necesidad de que la sociedad vea más allá de los cuerpos normativos y acepte la pluralidad de físicos como modo de superar el acoso delirante que sufren aquellos que no tienen un cuerpo que sigue los estándares de la moda. Por último, Un tiempo de perros es un texto que recurre a la figura del perro como sujeto activo para presentar la evolución de las relaciones interpersonales y de nosotros con los animales.
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Estamos ante un teatro escrito en la década de los cuarenta del pasado siglo, muy superior al escrito en España en esos años, salvo muy escasas excepciones. Un teatro del que, sin saberlo, tomaron el relevo jóvenes como Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre, que, por supuesto, no lo habrían leído. Pasado el tiempo, queda la literatura. Aquí está, para que se considere su calidad, su interés, su hondura y, tal vez, su posible vida sobre los escenarios. La literatura, esa «historia de los que no salen en los libros de Historia», es a menudo el modo más hondo de mostrar lo que somos, lo que es nuestro mundo. Y los personajes de Max Aub no pueden ser más humanos, buenos, malos, estúpidos, inteligentes, generosos, miserables... personas. Siquiera, por fragmentos, en las escuelas, esta obra debería sonar en los oídos de nuestros jóvenes.
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En la actualidad, se reconoce unánimemente a Ana Caro de Mallén como la mejor dramaturga áurea nacida en España. De orígenes moriscos, fue hija adoptiva de una familia noble, instalada primero en Granada y en Sevilla después. Fue en esa última ciudad donde inició su carrera literaria y también donde se dieron a imprenta sus primeros textos. Conocida y alabada por su talento para versificar y componer comedias, Caro de Mallén obtuvo en vida éxito literario, tanto entre el resto de los escritores de su tiempo como entre el público teatral. La presente edición recoge toda su producción dramática conservada, que consta de las comedias largas ''Valor, agravio y mujer'' y ''El conde Partinuplés'', una loa sacramental y una pieza breve: ''Coloquio entre dos''.
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Dos obras maestras de uno de los dramaturgos más grandes de la literatura universal.Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, llevó a escena la crítica de su sociedad en un momento en que Luis XIV pretendía hacer de su corte un espacio de civilidad, el cambio que quería imprimir a su reinado tuvo en el dramaturgo un agente que reprobaba por primera vez desde el escenario costumbres como el poder omnímodo de los padres sobre los hijos, la falta de libertad de las mujeres a la hora de elegir marido o la hipocresía tanto religiosa (El Tartufo) como social (Don Juan). Las preciosas ridículas le ganó el favor de Luis XIV, el rey vio en el comediógrafo una posibilidad para difundir desde el escenario nuevos comportamientos sociales que ayudaran al cambio que pretendía. La comedia ridiculiza el movimiento de las «preciosas», que trataban, desde los salones aristocráticos, de imitar el lenguaje de esos ambientes. El éxito fue tan inmediato y rotundo que hizo de Molière en ese momento un «colaborador» de las intenciones reales. Con Los enredos de Scapín el dramaturgo volvía, tras El Tartufo, Don Juan y El misántropo, a la comedia-farsa, con un criado enredador que heredaba la comicidad de la commedia dell'arte. Sus intrigas logran cumplir los deseos de sus «protegidos», dos jóvenes enamorados que solo quieren salvar su amor, burlando los intereses matrimoniales de los padres.
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Texto inédito de la adaptación dramática de la novela A.M.D.G. de Pérez de Ayala, realizada por Martín Galeano y López de Carrión. Su estreno en 1931 provocó uno de los escándalos más recordados de la Segunda República y un intenso debate con repercusiones internacionales. El montaje de esta obra de teatro político y de tesis antijesuítica fue boicoteado por los sectores clericales dentro de una campaña más amplia cuyo fin era desestabilizar al nuevo gobierno. Se trata de un documento imprescindible para conocer los intentos de creación de un repertorio teatral republicano. La reescritura de los adaptadores potenció la crítica a la Compañía de Jesús, ya presente en la novela, con la intención de justificar la expulsión de los jesuitas de España. Pérez de Ayala realizó modificaciones posteriores para que su desenlace no fuera entendido como incitación a la violencia anticlerical en su estreno. El volumen incluye un detallado estudio del contexto que explica la adaptación, así como un examen en profundidad del texto. La obra dramática y la gran polémica que produjo la puesta en escena iluminan de forma extraordinaria este apasionante momento de la historia de España.
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'El enfermo imaginario'' es la obra por antonomasia de Molière, así como una de las más famosas y representadas de la historia del teatro. Escrita en el periodo de máxima madurez creativa de su autor, esta comedia, que critica y satiriza a los médicos de su tiempo, se centra en la irónica situación vital de su protagonista, Argán, un hipocondriaco a quien el miedo a las enfermedades y a la muerte le impide disfrutar de la vida.
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Una reflexión sobre la maternidad en general y la gestación subrogada en particular.Mater dolorosa es una reflexión sobre la maternidad en general y la gestación subrogada en particular. Las protagonistas de esta obra son las dos caras de una misma moneda, las dos caras de una historia atravesada por los deseos que nos mueven, que nos arrastran. Pero ¿dónde nacen esos deseos? ¿Cuánto tiempo hace que la maternidad no es un anhelo propio? ¿En qué momento se convirtió en un deseo impuesto? ¿Queda alguien realmente libre para desear?
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Aquest volum reuneix tres obres de Salvador Espriu, centrades en dues figures mítiques gregues que la tradició occidental sempre ha tingut presents: Antígona i Fedra. Com explica Carles Miralles en el pròleg que ha escrit expressament per a aquesta edició, en la seva Antígona (escrita el 1939 i reescrita entre 1963 i 1964), Espriu replanteja la tragèdia homònima de Sòfocles: 'La mítica guerra civil tebana s'hi convertia en rerefons de la guerra civil espanyola, des del punt de vista de Catalunya ja perduda tant políticament com culturalment'. El 1937, Espriu s'havia enfrontat per primera vegada al mite de Fedra, l'esposa del rei d'Atenes enamorada del seu fillastre Hipòlit, en una esplèndida peça narrativa, quaranta anys més tard, a petició de l'actriu Núria Espert, va escriure l'obra dramàtica Una altra Fedra, si us plau, en què, valent-se del recurs del teatre dins el teatre, dóna una visió distanciada i irònica del mite.
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El mercader de Venecia y Como gustéis pertenecen al grupo de las llamadas «comedias románticas» de William Shakespeare. En ellas, con el amor como motor principal de la acción, los protagonistas alcanzan la solución feliz en un mundo alternativo de fantas
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Dos pallassos vells amb poca gràcia i dos fills perduts en si mateixos, la transgressió de l'art i l'èxit. Es tracta d'una família de joglars, embrancada en la creació d'un nou espectacle, que s'entenen més posant-se màscares que mirant-se als ulls. Serà l'últim espectacle? 'Travy' és un homenatge a la família Pla-Solina alhora que un (des)encontre entre dos corrents teatrals: el clown i el teatre folklòric, d'una banda, així com les formes postdramàtiques i teatrals, de l'altra.
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A les darreries del segle XIII, Marco Polo, un jove florentí, acompanyà el seu pare en el segon viatge que aquest feia a la cort del gran Khan a la Xina. Durant vint-i-quatre anys va recórrer tot el continent asiàtic, fins aleshores desconegut per a una Europa feudal i rural tancada en si mateixa des de feia segles. En retornar va dictar els records del seu viatge a Rustichello di Pisa. El fruit seria el Llibre dels viatges de Marco Polo, en el qual, de forma precisa i apassionada, es descriuen totes les meravelles que els fascinats ulls de Marco Polo van poder veure durant la seua llarga estada en aquelles llunyanes contrades. Ben aviat el text seria conegut com el Llibre de les meravelles, i despertaria l'interés dels lectors per conéixer un món que, de sobte, ampliava considerablement les seues dimensions. La versió que presentem del Llibre dels viatges de Marco Polo es basa en una traducció que es conserva en la nostra llengua, feta per un autor anònim en la segona meitat del segle XIV. Al llarg de les seues pàgines podem viure un viatge fascinant i descobrir totes les meravelles d'un immens continent com si fórem autèntics viatgers del segle XIII.
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La vida dels habitants d'un petit poble d'interior mallorquí, Galilea, es veu profundament trastocada quan la Laia, de nou anys, diu que ha respost la telefonada (literal) de Déu a la cabina del poble. Una cabina que està a punt de ser retirada de circulació. La Laia defensa que Déu li ha dit que tornarà a telefonar d'aquí set dies. Qui agafarà el telèfon quan torni a cridar-los? Es convertirà el poble en un destí atractiu amb el possible miracle? O és la salvació del poble el miracle en si? I, sobretot, per què els ha telefonat Déu?
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Mariana Pineda, estrenada el 24 de junio de 1927, en Barcelona, por lacompañía de Margarita Xirgu. Tragicomedia de Don Cristóbal , Retablillode Don Cristóbal (1931), La zapatera prodigiosa (1930 ) y la conferenciaCharla sobre teatro . Primer volumen de la obra dramática del granpoeta, con prólogo, edición y notas de Miguel García Posada.
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Tartufo, de Molière (9788468209852).Nueva edición de la clásica obra del dramaturgo francés Molière.De la colección Clásicos Hispánicos de Vicens Vives, para Lengua y literatura de la E.S.O.
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Lejos en el tiempo y el espacio de los alborotados teatros de la Inglaterra isabelina, esta reescritura de Eduardo II le da nueva vida a la trágica historia de un rey condenado a la desdicha por su incontenible amor por otro hombre, su mejor amigo y amante.Esta recreación del texto de Christopher Marlowe lo lleva al vivo dialecto rioplatense y lo enriquece con fragmentos de la obra de William Shakespeare y John Webster, además de incorporar aportes originales. La obra resultante se vale del pasado para hablar de los movimientos reaccionarios y violentos de nuestra realidad política y social actual.Como la obra original del siglo xvi, escrita en tiempos de persecuciones políticas y religiosas, como la versión de Bertolt Brecht, estrenada al año siguiente del inicialmente fallido golpe de estado de Hitler, como la versión cinematográfica de Derek Jarman, dirigida contra el gobierno y las ideas de Margaret Thatcher, la versión escrita por Carlos Gamerro con la colaboración de Alejandro Tantanian encuentra fatalmente su razón de ser en los tiempos más hostiles, que parecen serle connaturales.
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El teatro de Borja Ortiz de Gondra se caracteriza por su exploración de la memoria, la identidad y los conflictos familiares e históricos a través de una escritura reflexiva y una estructura narrativa compleja. Sus obras rompen la linealidad temporal, alternando tiempos, superponiendo acciones y mezclando realidad con imaginación, lo que refuerza la subjetividad del recuerdo y la tensión entre pasado y presente. En «¿Dos?» el reencuentro inesperado entre Irune y Nerea revive un secreto del pasado que desafiará sus vidas y su amistad, llevándolas a confrontar lo que fueron y lo que son ahora. «Metropolitano» relata cómo Oscar, en el metro de París, se enfrenta a su soledad y frustración, mientras la rutina y la deshumanización urbana lo rodean, con la amenaza de un destino incierto acechando. «Dedos (vodevil negro)» es una comedia desquiciada que aborda temas como el sida, el desempleo y la violencia urbana, mientras retrata las relaciones entre dos parejas atrapadas en un juego de poder y desesperanza. «Mane, thecel, phares» explora el racismo, la multiculturalidad y la violencia en las sociedades europeas, utilizando un lenguaje experimental y una narrativa fragmentada que desafía al espectador a reconstruir el significado. En «Perro del mejor amo», se retrata la tensa relación entre un padre y su hijo, marcada por la incomunicación, la violencia y el sufrimiento emocional, sin posibilidad de redención. «Hacia el olvido» narra el viaje de mujeres que se enfrentan al olvido y la búsqueda de identidad en un contexto de sufrimiento y desplazamiento a lo largo del siglo XX. En «Del otro lado (danzón)», conocemos la historia de dos hermanos divididos por la violencia y el pasado, mientras lidian con sus decisiones, el dolor del terrorismo y las cicatrices emocionales que el conflicto ha dejado en sus vidas. «Herida en la voz» narra la crisis personal y profesional de Adela, una intérprete en una cumbre internacional, mientras se entrelazan las tensiones de la globalización, la protesta política y las relaciones interpersonales.
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Morales Lomas, creador de Caníbal Teatro, es uno de los dramaturgos con más proyección en este siglo XXI. Su dramaturgia, que sigue la estela de grandes maestros como Plauto, Lope de Rueda, Valle-Inclán, Arrabal, Beckett, Ionesco, Adamov, Fo, Pinter…, persigue renovar esta visión en el siglo XXI. En el estudio inicial, el dramaturgo Rafael Ruiz Pleguezuelos considera que el legado de Morales Lomas, por su calidad, cantidad y ambición, es un conjunto admirable, una suerte de comédie humaine teatral enraizada en el absurdo y lo grotesco. Su gran tema es el respeto a la libertad individual. Prácticamente todas las piezas aquí contenidas denuncian a su manera las consecuencias de cuestionar, coartar y reducir la libertad del individuo, sin importar quién lo haga. Su teatro es un acto de resistencia frente a cualquier forma de opresión que restrinja la libertad individual.
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José Zorrilla recreó con deslumbrante maestría una figura de la literatura universal de dimensiones míticas: el personaje de don Juan, que nuestro autor bautizó como don Juan Tenorio. Siguiendo la tradición romántica, Zorrilla situó la acción dramática en la Sevilla del siglo XVI, y siguiendo también a sus modelos creó su versión del burlador de mujeres y desafiador de los muertos. Sin embargo, este don Juan de Zorrilla brilla con luz más intensa: doña Inés consiguió hacer de él, hombre sin escrúpulos, un hombre delicado y amante, y al ligar su destino al del pecador, logró su arrepentimiento póstumo.
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Una brillante obra teatral sobre una revolución, por el autor de ¡Ay Carmela! Los figurantes de la obra, habitualmente relegados a papeles de poca trascendencia, toman el control del escenario. Pero esta nueva realidad impone algunos problemas y algunas inseguridades desconocidas entre los personajes, tradicionalmente subalternos, no tardan en aflorar. ¿Serán capaces de enfrentarse a su nueva condición? Los figurantes constituye una luminosa disección de un proceso revolucionario. La presente edición incluye una introducción de Gaston Gilabert que alumbra las cuestiones esenciales de la obra y de la poética de José Sanchis Sinisterra, uno de los dramaturgos españoles más influyentes de los siglos XX y XXI.
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'' El caballero de Olmedo '' figura entre las obras perfectas de Lope de Vega. Historia, leyenda y literatura se han unido con singular maestría en este drama.La historia de un antiguo crimen cometido en el camino de Medina del Campo a Olmedo se convierte en leyenda y cristaliza en los versos de un cantarcillo popular que Lope recogen el momento culminante de la acción: '' Que de noche le mataron / al caballero, / la gala de Medina, / la flor de Olmedo '' . Tales elementos bastaron para construir una trágica intriga de amory celos, fundiendo leyenda popular y tradición cultay adaptándolo todo a la nueva fórmula teatral inventada por Lope. Así nació esta obra bellísima, colmadade intensa emoción lírica y patético dramatismo en laexpresión de angustiosas vivencias y miedos del hombre ante su destino.
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Enric V (9788468273327), de William Shakespeare, és una edició en català de l'editorial Vicens Vives. Una traducció de Salvador Oliva Llinàs de la col·lecció Obra Completa de William Shakespeare.
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En Deesses per nassos, Demèter i Persèfone decideixen desobeir la imposició per la qual mare i filla s'han de separar cada tardor. Persèfone no tornarà als inferns i les dues deesses s'amagaran de la policia de l'Olimp entre els humans i aterraran en distintes èpoques i distintes cultures. Amb els ingredients i l'esperit desimbolt propis de la comèdia, es va perfilant en l'obra una revisió de la història de la humanitat i dels seus valors.
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.