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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Amal es un niño huérfano, adoptado por Madhav, a quien su médico ha prohibido salir a la calle. Un día descubre que han situado una oficina de correos frente a su casa, lo que despierta su imaginación: su gran sueño es recibir una carta del rey. De entre las piezas teatrales de Tagore, quizá ninguna es tan popular y conocida como El cartero del Rey, la cual tiene la virtud de ser, al mismo tiempo, una de las obras que refleja con más profundidad el pensamiento de su autor. La presente traducción de José Antonio López de Letona es una versión que, conservando la delicadeza y autenticidad del texto original, logra hacer llegar al gran público castellano al inolvidable personaje que es el niño Amal.
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Sis comèdies pretén fer un recorregut per la trajectòria dramatúrgica de Jordi Galceran, a partir de sis de les seves millors peces teatrals. El lector podrà resseguir la seva evolució des dels seus incicis fins a les seves darreres creacions: Dakota (1994), Paraules encadenades, Fuita (1994), El mètode Grönholm (2003), Carnaval (2005) i la inèdita Cancun (2007), que es va representar amb gran èxit el passat 2009, són les obres que componen aquesta antologia. Aquesta edició incorpora un pròleg a càrrec d'Enric Gallén, que ofereix al lector una mirada incisiva sobre els aspectes clau de l'obra del dramaturg.
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MAGIA, pieza teatral que Chesterton escribió a partir de un relato que hoy anda perdido, se estrenó en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres. La obra entonces alcanzó las 165 representaciones. Bernard Shaw fue sin duda el principal impulsor para que Chesterton se decidiera a escribir teatro y fue quien posteriormente lo elogió hasta el punto de situar a su amigo dentro de la tradición prestigiosa de Shakespeare. En Magia, en palabras de Felipe Benítez Reyes, encontramos a un Chesterton en toda la pureza de su método: un arranque misterioso, el desenmascaramiento, digamos, de ese falso misterio, una situación trivial, y de repente, el ascenso a un mundo especulativo, abstracto y paradójico en el que se enredan los dogmas y las dudas, la esencia y la apariencia, lo real y lo extraordinario, de modo que la trama se aleja de la linealidad y deriva en espiral, con todas las asimetrías de un discurso que crece en torno a sí mismo satisfecho de sí mismo, orgulloso de su poder. Desde el principio de la obra las palabras comienzan a tejer una tela de araña, territorio verbal, donde van quedando atrapados los sofismas, las tergiversaciones y los sinsentidos, los axiomas paradójicos, todo lo que siempre y sólo es ya propio y único de Chesterton.
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Cruma (1957) i Homes i No (1958) són dues obres teatrals de Manuel de Pedrolo que van tenir una acollida notable quan van ser portades a escena. Tot i que van patir l'assetjament de la censura franquista i les dificultats que condicionaven la representació del teatre català d'aquell moment, van ser rebudes com a obres innovadores, que trencaven una dinàmica conservadora i fomentaven la creació d'un públic nou i exigent.Deixant de banda la consideració com a teatre de l'absurd -seguint la petja de Samuel Beckett o d'Eugène Ionesco- o existencialista, l'obra escènica de Manuel de Pedrolo és una exploració de la condició humana, en què són ben presents la idea de llibertat i una actitud de revolta.Estudi preliminar amb propostes de treball i comentaris de text a cura d'Anton Carbonell, professor de llengua catalana i literatura a l'IES Castellar de Castellar del Vallès.
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El humor de la farsa anima a los personajes de esta obra teatral. Tras la apariencia de un cuento de hadas, una bella infantina a punto de ser devorada por un dragón y un valiente príncipe que será su salvador, se esconden muchas referencias históricas
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Dos actors de teatre parlen al camerino poc abans de començar la que pot ser la seua última funció junts, Espasmes. Dalt de l'escenari troben una felicitat que contrasta amb les seues vides quotidianes, bastant anodines. Després de més de 20 anys xafant escenaris per tot arreu, només la ficció podrà donar-los tot allò que la vida els nega. Això sí, només necessiten per a aconseguir-ho una miqueta de sort.Que tinguem sort! és una comèdia agredolça que ens parla del pas de la vida, dels amics, de la mort... Un text que ens arriba amb la ironia i l'estil inconfusible de Carles Alberola i el segell creatiu d'Albena Teatre.
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Según la crítica, Tamerlán el Grande es la obra de Marlowe de más consistente intensidad y más generosos recursos poéticos. Se la señala como una creación de extraordinaria fuerza, concentrada en su protagonista, Timur el Cojo (del persa Timür-i lang), el último de los grandes conquistadores nómadas de Asia Central.Christopher Marlowe nació en 1564 en Canterbury –el mismo año que Shakespeare– y murió en 1593. Ya desde el estreno de Tamerlán el Grande en 1587, Marlowe consiguió triunfar en los escenarios londinenses. Su carrera como dramaturgo fue sumamente exitosa, y todas sus obras, representadas en exclusividad por la compañía Admiral’s Men, fueron muy aplaudidas.
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La traducción, el texto que ustedes van a leer, muestra el potencial humano que supondría dejar de hablar el idioma de los hombres en un momento de la historia donde ha empezado a ser sustituido por las imágenes y la inteligencia artificial. Dejar de hablar, como dejó de escribir Lord Chandos, protagonista del libro del escritor austriaco Hugo Hofmannsthal, ''La Carta de Lord Chandos'', porque ya no ve que tenga ningún sentido seguir escribiendo si es para no decir nada y se siente desconcertado ante la incapacidad del lenguaje para seguir dialogando con lo que le rodea. La propuesta e interpretación de Joana Preiss nos permite descubrir que también nosotros necesitamos liberarnos del lenguaje impuesto, deseando que, al mismo tiempo, alguien tenga la capacidad de traducir aquello que expresamos sin palabras para comunicar y ser escuchados, ser traducidos, ser comprendidos. La edición que les presentamos está compuesta de cuatro textos que son la traducción en cuatro idiomas del texto original de la obra ''La traducción''. Los cuatro idiomas son catalán, castellano, francés y el lenguaje creado por Joana Preiss, la mujer de lenguaje indescifrable, seguido de un documento fotográfico que nos permite observar la puesta en escena de la obra y las interpretaciones de la autora y el actor Enric Llort. La lectura de ''La traducción'' en el lenguaje de Joana Preiss nos permite recuperar la fascinación que sienten los hombres y mujeres en dar testimonio de sus vidas y escuchar las que otros narran.
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Federico García Lorca escribió Bodas de sangre en 1932. Ejemplo fundamental de su obra dramática, en ella ahonda en las pasiones decuerpo y alma y en las raíces de las mujeres y la tierra española. A partir de un hecho real, una pequeña noticia en un per
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Sin duda una de las más famosas y mejores obras de William Shakespeare (1564-1616), '' El mercader de Venecia '' se estructura en torno a la anécdota del fracaso de un aval y la sanguinaria reclamación del usurero Shylock, y la relación amorosa entre el noble Bassanio y Porcia, rica y hermosa huérfana. Pese a estar teñida del antisemitismo propio de la época, el judíoShylock se revela como uno de los grandes tipos shakespearianos y el personaje de más fuste y vigor de laobra. Y si las tres parejas de amantes que acaban felizmente unidas en el último acto representan el ladoamable del drama, para nuestros tiempos -apunta en suprólogo Vicente Molina Foix- son los personajes delarruinado y derrotado Shylock y de Antonio, '' el mercader de Venecia '' , tan desdichado al final con suganancia como el judío con su pérdida, los auténticosprotagonistas del mismo.
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En aquesta joia de la dramatúrgia francesa del segle XVII, Isaac de Benserade reescriu la faula ovidiana d'Ifis i Iante per convertir-la en una peça moderna i absolutament innovadora en què trobem el primer personatge principal lèsbic del teatre francès. Amb una reeixida adaptació del mite clàssic, l'autor ens presenta la relació de dues dones que s'enamoren, es casen i arriben a consumar el matrimoni amb l'aparent benedicció dels seus progenitors. L'autor desafia, doncs, les normes del seu temps amb aquesta obra transgressora i lliure de prejudicis que explora temes tan vigents com la identitat de gènere i l'homosexualitat femenina, i demostra, així mateix, que la fèrria rigidesa de les convencions socials pot doblegar-se de tant en tant.
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Teatro en este caso. Una nueva forma de crear historias desde los trabajos del microteatro.Julio Navarro Albero, nuestro socio de honor, abandera esta interesantísima selección con los mejores trabajos seleccionados entre los más de 250 presentados. Teatro a lo grande con las más variadas temáticas, pero con el hilo conductor de Teatro en verde
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En No n'eren deu? (1960) tot no està en la curació miraculosa que Jesús fa dels leprosos. Tot no està en les diferents històries que aquest fet connecta i revela. Captiva, a més, la vida, palpitant i quotidiana alhora, de l'abans i del després del prodigi, amb gratituds i ingratituds totalment actuals, per damunt dels anys en què s'inspiren (època evangèlica) o s'escriuen (1960) i tan eternament humanes i teatrals com la trama que reflecteixen.
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Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramáticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1781). Comedia calificada de inmoral y prohibida expresamente por el rey Luis XVI, en Las bodas de Fígaro volvemos a encontrar a los personajes de El barbero de Sevilla, pero inspirados ahora por una visión de la sociedad corrosiva, aunque a la vez divertida y alegre, que aúna «frivolidad y razón». Plagada, en efecto, de burlas e invectivas contra todas las bases en que se sustentaba el Antiguo Régimen, la obra -estrenada tras múltiples peripecias en 1784- conoció un éxito clamoroso que Mozart iba a potenciar componiendo, con libreto de Da Ponte, la genial ópera del mismo título: desde entonces, la obra sigue ocupando un lugar indiscutible en la historia del teatro y de la ópera.
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Edición de Juan Montero.Todas las literaturas han conocido el sueño de un mundo ideal, de pasiones y valores absolutos. El Renacimiento lo concibió con disfraces de pastor, en España, bajo los rasgos de La Diana, que gozó de un enorme éxito editorial desde su publicación (1558-1559). Con una trama geométrica, perfecta, y con una sapientísima mezcla de naturalidad y artificio, la obra maestra de Jorge de Montemayor ofrece a un tiempo una absorbente novela psicológica y una enciclopedia de la erótica renacentista. Gracias a Juan Montero, la novela ha sido objeto de una auténtica edición crítica, fundada en los tres diferentes estados de la princeps, la impresión milanesa en que intervino el autor y el resto de la tradición textual, incluidas las versiones manuscritas de los numerosos poemas insertos en el relato, que constituyen una antología lírica de la época. El estudio y las notas del editor no dejan resquicio del libro por considerar.
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Alceste, el protagonista de esta obra, ocupa todo el escenario: odia su tiempo, odia los versos de Oronte, tiene un pleito por unos rumores que hacen correr sobre él. Y como enamorado, paradójicamente, no cesa de reprochar los defectos a su amada (de l
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¿Cómo diablos puede convertirse una familia obsesionada con la limpieza en la fuente de polución más horrenda de la historia de la humanidad? Esta es la incógnita que se resuelve en El 6º continente, la obra teatral creada a partir de las innumerables improvisaciones de un grupo de actores bajo las órdenes de la directora francesa Lilo Baur. Estrenada en el teatro parisino Bouffes du Nord, este drama familiar-planetario es a su vez una ópera bufa que, ante el inevitable desastre ecológico que vaticinan sus páginas, no deja otra salida al espectador (y al lector) que la risa. Precede a esta pieza teatral el monólogo Ex paciente de los hospitales de París, en el que un médico residente de un hospital público de París relata una larga y accidentada noche de guardia, una noche en la que encontró la fe, la perdió, la reencontró y la extravió de nuevo. Con su habitual y aguda ironía, y echando mano del lenguaje escénico, Daniel Pennac nos enfrenta con la realidad de una sociedad posmoderna llena de excesos, inconsciente y egoísta, cuyos integrantes desestabilizan un sistema sanitario precario y un equilibro medioambiental ya prácticamente inexistente.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva ante todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este tercer volumen de la serie que recoge su «Teatro completo» incluye cinco piezas escritas entre 1928 y 1930: «La ópera de cuatro cuartos», «Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny», «Vuelo sobre el océano», «Pieza didáctica de Baden sobre el acuerdo» y «El consentidor y el disentidor». Traducción de Miguel Sáenz
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En «La señorita Julia» el dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912) lleva a las últimas consecuencias el enfrentamiento de caracteres y la despiadada crueldad que presiden las relaciones humanas, elementos presentes siempre en su teatro. Este intenso drama naturalista en el que, mediante la reducción temporal y espacial y una admirable economía de recursos expresivos, se desarrolla el conflicto entre una aristócrata y su criado, convierte a Strindberg, como advierte Eugene O'Neill, en «el precursor de cualquier forma de modernidad en nuestro teatro presente». En el prólogo a la obra, el autor expone, con gran precisión, sus ideas teatrales. Traducción de Francisco J. Uriz
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Brick Pollitt, antic jugador de rugbi, ara deprimit i alcoholitzat, i la seva dona Margaret -Maggie la Gata- són els preferits del pare d'ell, un vell terratinent a qui els parents amaguen que està a les portes de la mort. L'altre fill, l'advocat Gooper, i la seva muller Mae, que constitueixen el prototípic matrimoni «perfecte», procuren de totes passades obtenir l'herència del malalt. En aquesta obra extraordinària, Tennessee Williams ens regala una magistral descripció de les enveges, la mesquinesa i la perversitat entre familiars, i nosaltres hi descobrim la hipocresia de l'Amèrica del seu temps... i potser també del nostre.
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En la madrugada del 15 de octubre de 2016, se produce a las puertas del bar Koxka, en Altsasu (Navarra) un altercado en el que se vieron implicados varios vecinos del pueblo, dos agentes de la Guardia Civil y las parejas de éstos. El resultado fue de dos detenidos y un tobillo, el del teniente, roto. En menos de 24 horas Altsasu se convierte en un plató de televisión y el caso en un asunto de Estado. Altsasu es una ficción creada a partir del «caso Altsasu» que nace en el seno del proyecto «Cicatrizar» (Nuevo Teatro Fronterizo) y que busca promover la reflexión sobre la memoria y la dramaturgia contemporánea.
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Es una colección compuesta por grandes clásicos de laliteratura universal, pensada principalmente para estudiantes del ciclo de secundaria. La mayoría de lostítulos incluye una breve introducción histórica y literaria, una presentación del autor y de la obra, lasnotas más relevantes en el texto escogido y una propuesta de actividades para el aula.
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A cinc informàtics l'empresa els anuncia una dràstica reducció depersonal. Què cal fer davant d'un conflicte tan habitual al món d'avui?Ells no ho dubten: oposar-s'hi col·lectivament, tots a l'una, com s'hafet sempre en els conflictes laborals. Però no trigaran en adonar-se quela seva és una actitud del món d'ahir. Els dubtes i els ressentimentsacumulats entre ells sorgeixen aviat, i els acaben abocant al pitjordels errors: lluitar tots contra tots, a la desesperada. Estrenadaprofessionalment al Versus Teatre de Barcelona amb bona acollida depúblic i crítica, La peixera (premi de teatre Ciutat d'Alcoi) és unapeça de gran força dramàtica on l'autor, Toni Cabré, hi retrata un delstemes constants de la seva dilatada producció teatral: la perversitat aquè pot arribar l'individu en la nostra societat.
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La comedia burlesca constituye un gťnero que conoce su momento culminante en el siglo XVII. Se denominaronen la ťpoca comedias de disparates, de chanza o de chistes, tťrminos que reflejan su caracterŪstica comicidad absurda y carnavalesca que despliega sus mecanismos en un universo al revťs donde la lůgica y la racionalidad se hallan excluidas.
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El 25 d octubre de 1971 se celebrava el norantè aniversari de Picasso. L artista malagueny era considerat el gran exponent universal de la modernitat artística i emblema de l exili i la resistència antifranquista. Palau i Fabre havia esdevingut el gran biògraf Picasso. A més dels llibres que li va dedicar i publicar aquell any, Palau i Fabre li volgué fer un regal: l'obra de teatre ''Homenatge a Picasso''.
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Tercera entrega de la traduccció inèdita de les obres que van ser maleïdes mentre l'autor era viu, però que als ulls del lector/espectador del segle XXI adquireixen una nova dimensió i permeten gaudir d'una experiència poc habitual: descubrir un nou vell autor i, en tot cas, apreciar de manera global la magnitud i la qualitat variada i polièdrica del dramaturg estatunidenc més prolífic del segle xx.
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Sobre las tablas tres hombres: un narciso, un conservador, un tibio. Irrumpe en escena una pintura moderna, provocativa, indescifrable y cara. Así es ella, igual de blanca que las gélidas rubias de Chandler a las que nadie puede acercarse demasiado porque se encuentran lejos, siempre distantes, sumidas en la lectura de La tierra baldía u otra obra semejante. Por supuesto, la lógica tribal que rige la amistad del cerrado grupo de observadores convertirá la nueva pieza en el enemigo perfecto.El diálogo se enredará entonces como una espiral para remover las aguas límpidas de una amistad que pronto se enturbia con los rencores, miedos y ansiedades que van aflorando a la superficie. De este modo, mucho más que cuestionar el mercado o sopesar cómo se adquiere el gusto, Arte trata sobre todo aquello que no nombra directamente. Y me recuerda que hablar de pintura es la forma más rápida de conocer a la gente y que el arte es el detector de mentiras más eficaz.María GainzaIlustración de cubierta Antrios
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Una obra de teatro inédita de Manuel y Antonio Machado. Entre 1935 y 1936 Manuel y Antonio Machado escribían La diosa Razón, ambientada en los inicios de la Revolución Francesa alrededor de Teresa Cabarrús, figura clave en la caída del Terror jacobino. El manuscrito, que sufrió las consecuencias de la guerra civil, ha sido recuperado por la Fundación Unicaja y restaurado en esta edición a cargo de Rafael Alarcón Sierra y Antonio Rodríguez Almodóvar.«La diosa Razón dramatiza la vida de la famosa Teresa Cabarrús entre 1786 y 1799, principalmente en los años de la Revolución Francesa, y a través de la relación con sus sucesivos esposos y amantes. (...) La nueva heroína de los Machado es coqueta, curiosa, atractiva, y sabe hacer uso de sus encantos para conseguir la voluntad de los hombres. Pero, en medio de la Revolución Francesa, también muestra una gran inteligencia y un alto sentido para saber lo que es mejor para su nación. Su apoyo a Napoleón (el orden, sí, pero también una nueva tiranía), no dejaría de ser polémico a mediados de los años treinta, dados los paralelismos que se podían establecer con la situación española y hasta europea.»«Posiblemente la obra teatral más arriesgada y quizá más importante de cuantas escribieron a dúo Manuel y Antonio Machado.»
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Una fábula sociofantástica y psicológica, una bellísima reflexión sobre la enfermedad y lo corrompido. El gran escritor mexicano Juan Villoro inició su andadura novelística en 1991 con El disparo de argón, que obtuvo el inmediato respaldo de la crítica y se tradujo al alemán y al francés. Dos temas articulan la sugerente trama de esta novela: la mirada y la ciudad. Un espacio definido les sirve de vínculo: la clínica oftalmológica del doctor Suárez, versión mexicana de la célebre Clínica Barraquer en Barcelona. Casa de los signos, el edificio levantado por Suárez pretende servir a la vista y a la visión, a la salud y las formas trascendentes que entran por los ojos. Pero este ideal ocurre en un México convulso, donde el tráfico de órganos es una activa variante de la economía informal. El sueño ha sido pervertido y Suárez no puede ser localizado, el gran profeta de la vista se ha vuelto invisible. Su discípulo Fernando Balmes debe buscar el hilo que lleve al maestro. Todo lo que pasa por sus ojos -la ciudad, la clínica, los otros- se somete al rigor del oftalmólogo hasta que algo nubla su horizonte: una mujer altera el cristal con que mira el mundo y una trama de sombras lo adentra en un país donde la urgencia no es curar los ojos sino venderlos.
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Miquel, un professor que no suporta els seus alumnes, desperta en la mateixa habitació d'hospital que Clara, una jove que ha oblidat com somriure. Els dos detesten la seua vida, per això, desitgen eixir d'allí per tal d'acabar el que van deixar a mig fer. Però per a poder marxar, necessitaran l'ajuda de l'altre. Aprendran Clara i Miquel a abraçar-se malgrat sentir-se com a éssers sense extremitats? Aconseguiran la metamorfosi que els permeta emprendre el vol?
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«En la persona de Rita Hayworth trobem elements que avui dia són tema de preocupació social, com l'Alzheimer, els abusos a menors, la violència masclista o la figura de la dona com a objecte sexual en la indústria audiovisual. Tanmateix, en l'època de Rita Hayworth eren tabú o formaven part de la normalitat.» (del text interior de Víctor Alexandre)En aquesta mirada íntima i sincera a la vida de l'actriu, Alexandre ens fa reflexionar sobre el vertigen de l'èxit, el preu de la fama i la complexitat de la condició humana. Una història que ens commou i que ens recorda que, fins i tot, els estels més brillants poden acabar perdent-se en el firmament dels records.Víctor Alexandre alterna la novel·la, el relat, l'assaig i el teatre. Entre els seus llibres destaquen Set dones i un home sol, Una història immoral i Els amants de la rambla del Celler.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva sobre todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este volumen, correspondiente al quinto de la serie que recoge su «Teatro completo» y que ha venido publicando Alianza Editorial, incluye dos obras escritas entre 1931 y 1934: La madre -inspirada en la obra homónima de Gorki- y Cabezas redondas y cabezas puntiagudas, una parábola satírica contra los mecanismos del régimen nazi.Traducción de Miguel Sáenz
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Una obra imprescindible de Shakespeare sobre la ambición, el poder y la traición en el marco fascinante de la antigua Roma. De regreso a Roma tras su exitosa campaña en España, Julio César se hace nombrar cónsul y dictador perpetuo. Es entonces cuando, en defensa de la República, Casio pone en marcha una conspiración para asesinarlo con ayuda del noble Bruto. Sin embargo, Marco Antonio volverá la opinión pública en contra de los conspiradores, en una jugada que llevará a los lectores a reflexionar sobre el honor, la ambición y la integridad. En el imprescindible prólogo escrito para nuestra edición, el novelista y experto en literatura inglesa Santiago Posteguillo destaca la plena vigencia de esta pieza en la que el ejercicio de la autoridad llama a los peores excesos políticos. Santiago Posteguillo ha dicho:«Todo el mundo debería leer la obra de teatro Julio César de Shakespeare, al menos, una vez en la vida».
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Malgrat l'extensió de la seva obra, tant pictòrica com literària, el que ha transcendit més de Rusiñol és el personatge que ell mateix es va crear i que li va donar una popularitat que encara perdura. Un personatge, però, que sovint amaga el veritable Rusiñol. Llegint les seves proses, hi trobem fragments on ens confessa les seves inquietuds, els seus anhels, les seves pors, les seves il·lusions, el seu concepte de l'art, la seva filosofia, i també les seves addiccions, i tot seguit s'hi entreveu un altre Rusiñol, un Rusiñol tocat per una malenconia vital, perseguint l'ideal, ferit per les drogues i l'alcohol, sovint més solitari del que la gent creu, perdut en el seu propi personatge, incomprès pels contemporanis. Un Rusiñol, al capdavall, més interessant i complex que el dels ''duros a quatre pessetes''. ''Cap al tard'' és un recull d'aquestes proses, les més íntimes i definidores de Rusiñol, triades per l'actor Ramon Madaula per fer-ne un muntatge teatral que es va estrenar l'any 2007, amb la direcció de Sílvia Munt. El volum es clou amb ''La casa del silenci'', un text de Rusiñol, publicat el 1901 després d'una cura de desintoxicació de la morfina, i que no va ser mai inclòs en la seva obra completa.
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Los sueños constituye una de las obras fundamentales del Siglo de Oro español.Los sueños es una obra de lectura imprescindible si se quiere tener una idea de los extremos a los que llega el arte literario de Quevedo y del Siglo de Oro español. Es una pieza de sátira aguda en la que desfilan todos los estados y oficios del mundo, con sus tachas, abusos y engaños, descubiertos y condenados por la expresión ingeniosa acerada y la burla más feroz. Con la libertad que da la visión onírica, Los sueños componen una galería de caricaturas inigualadas y exploran todo tipo de juegos lingüísticos en denuncias que van de la risa a la amargura más violenta. Modelo de numerosas sátiras posteriores, esta obra queda en la historia de la literatura y cultura españolas como una cima cuya dificultad es sólo un atractivo más.
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La realitat virtual ens aïlla de la realitat física? Les relacions són alguna cosa que neix, creix i madura en el nostre cap? Els processos d´enamora-ment s´activen en l´absència de l´objecte o la persona estimada? Amb aquesta història de robots que ofereixen companyia a les solituds humanes, el dramaturg Marc Artigau reflexiona entorn de les noves maneres de relacio-nar-se i de gestionar la situació -sovint aïllada- de l´individu dins la societat. Com funcionen els mecanismes de l´amor, l´amistat, la família i la fe en la societat que estem construint?
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.