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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Más que una biografía del famoso boxeador, es un reflejo de la España franquista de finales de los 70, esa que ya aspiraba a ser europea. «No existe una biografía de Urtain, así que tuve que hacer mucho trabajo de documentación: hemeroteca, vídeos y recuerdos, muchas veces contradictorios, de quienes le conocieron. La historia que se conoce es la del hombre inocente, fortachón y sano, que es engañado por gente codiciosa que fabrica un mito para luego engañarle, robarle y abandonarle. Pero nosotros hemos intentado hacer una historia que esté más allá de la del juguete roto. Esta función habla de un hombre que fue dueño de sus actos y que fue consciente de su camino. Algo que convierte su historia en mucho más trágica».
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Jean-Louis Barrault (Le Vésinet, 1910 – París, 1994). Actor, mimo y director escénico francés. Después de completar sus estudios de Historia del Arte, ingresó al Théâtre de L´Atelier en 1931 siendo discípulo de Charles Dullin y completando su formación como actor con el estudio en profundidad del mimo y la pantomima bajo la supervisión de Étienne Decroux. En 1935 irrumpe en al panorama teatral francés con Alrededor de una madre, adaptación de El ruido y la furia de William Faulkner. Antonin Artaud se convierte en uno de sus más fervientes admiradores. En 1940, ya en la Comedie Francaise, conoce a Madeleine Renaud y junto con ella crean una compañía teatral de fama mundial. Incorporando un amplio repertorio que va desde Shakespeare, pasando por Feydau, Claudel e Ionesco, entre muchos otros dramaturgos. La amalgama de diversas formas de puestas en escena, le dio a la compañía un sello distintivo y un enorme éxito durante décadas en Europa y América Latina. Barrault también fue director del Odéon Théâtre en 1959 y del Théâtre des Nations en 1965. En 1967 dirige en el Metropolitan Opera de Nueva York las óperas Fausto, de Gounod y Carmen, de Bizet. Como actor también incursionó en el cine, destacando su trabajo en Los niños del paraíso, El día más largo y La noche de Varennes.
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Representada en casi un centenar de teatros en más de veinte países, donde ha cosechado un éxito inaudito, Terror aborda sin tapujos el abrumador problema ético al que se enfrenta el ser humano en situaciones límite, invitándonos a una reflexión profunda sobre el valor y el precio de la libertad. Cada vez que se produce un atentado terrorista en un país occidental, provocando un sentimiento general de pánico y estupor en la sociedad, surge inevitablemente un dilema difícil de resolver: ¿estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad individual en aras de la seguridad colectiva? ¿Cuál es el camino correcto para preservar la democracia? Como oficial de la Fuerza Aérea de Alemania, Lars Koch debe intervenir en una situación de emergencia: un terrorista ha secuestrado un avión de Lufthansa y pretende estrellarlo contra el Allianz Arena de Múnich, donde en ese momento setenta mil espectadores asisten a un partido de fútbol internacional entre las selecciones de Alemania e Inglaterra. Contraviniendo las órdenes de sus superiores, y consciente de la responsabilidad que deberá asumir por su terrible acto, Koch derriba el aparato para impedir la masacre en el estadio, causando la muerte de las ciento sesenta y cuatro personas que viajaban a bordo. Así pues, el juicio al que se somete al infortunado piloto es el núcleo de la primera obra teatral del célebre abogado criminalista alemán Ferdinand von Schirach. Con una trama sencilla pero contundente, el autor de superventas como Crímenes y Culpa nos conmina a tomar partido como miembros del jurado popular que deberá dictar una sentencia de tintes dramáticos y consecuencias inquietantes.La crítica ha dicho...«Terror es teatro en su máxima expresión.»The Sunday Times «Una historia tan compleja que seguirás pensando en ella mucho después de que se falle la suerte del acusado.»The Times «Von Schirach senutre del legado del drama clásico como un foro donde considerar los dilemas humanos más acuciantes.»Financial Times
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Una obra construida alrededor de una figura fascinante y monstruosa seducida por el poder.«Mi reino por un caballo», una de las citas más conocidas de Shakespeare, pertenece a Ricardo III. La obra, escrita probablemente en 1592, cuando el dramaturgo tenía veintiocho años, culmina su primera tetralogía de dramas históricos ingleses, iniciada con las tres partes de su Enrique VI. Su acción se centra en acontecimientos de los doce años del reinado de Eduardo IV y los dos del de Ricardo III, y cierra el ciclo dedicado a la Guerra de las Dos Rosas. Sin embargo, Ricardo III no es una mera continuación de la trilogía precedente. Apoyándose en un argumento muy estructurado, Shakespeare crea en ella su primer personaje memorable: un ser de gran magnetismo diabólico entregado a la conquista criminal del poder que ha llegado a convertirse en mito teatral y literario. Ángel-Luis Pujante, catedrático de Filología Inglesa de la Universidad de Murcia y traductor y estudioso de Shakespeare, nos ofrece en su introducción un estudio completo de los personajes de la obra y nos ayuda a comprender las diferentes fases de la acción.
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Obres que van ser maleïdes mentre l'autor era viu, però que als ulls del lector/espectador del segle XXI adquireixen una nova dimensió i permeten gaudir d'una experiència poc habitual: descubrir un nou vell autor i, en tot cas, apreciar de manera global la magnitud i la qualitat variada i polièdrica del dramaturg estatunidenc més prolífic del segle xx.
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Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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Santa Aurora de la Pietat era un poble normal, ple de gent normal que feia coses normals
fins que la Clara i en Josep van tenir elseu fill, un nen radicalment diferent: en Ramon. Aquesta obra forma part del projecte Ànima Lliure, amb què el Lliure vol a
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Un vell hotel de muntanya enmig del no-res. Alguns han vingut des de molt lluny per sentir la majestuosa brama del cérvol, totes les guies ho descriuen com una experiència única. D'altres han vingut a tancar un important negoci immobiliari o a intentar salvar el seu matrimoni. També hi ha un grup de creadors escènics que espera passar uns dies discutint sobre les possibilitats del teatre polític per transformar la societat, i dues noies perdudes al bosc, a la recerca d'una festa secreta que, segons diuen alguns, se celebra en aquella vall des de fa mil anys. Històries múltiples, personatges que es creuen: uns estan paralitzats pel sentiment de buidor, d'altres necessiten escapar del soroll... Però tots estan sols al món, o això és el que es pensen. Mentrestant, van passant els dies i encara ningú ha sentit la brama dels cérvols.
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A través de un ambicioso juego formal de planos de realidad, la obra transita por la oscuridad individual y de una comunidad y por su necesidad de construir monstruos.Una madrugada, aparentemente como tantas otras, Santi y Berta, incapaces de conciliar el sueño, se desvelan y mantienen una larga conversación. Alguna cosa les inquieta. Hace días. Semanas. Quizá mucho más tiempo. Un tiempo largo. Tiene que ver con el pasado, con quienes son hoy y con el pequeño pueblo que habitan. También con la reaparición en sus vidas de alguien que el pueblo bautizó como “el Monstruo” después de su desaparición hace casi dos décadas y de uno de los capítulos más oscuros y turbios ocurridos en ese lugar.
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La dama duende es una de las obras donde mejor se encarnan todos los rasgos de la comedia de capa y espada, caracterizada por el ambiente urbano, elprotagonismo de hidalgos, los enredos amorosos, la función de los celos, los desafíos, los conflictos de rivalidad entre hombres y las damas discretas. Obra cómica, por encima de todo, pretende entretener y divertir al público. El personaje de Doña Ángela marca elcurso de la acción, es ella la que vive un conflictoque debe ser resuelto a lo largo de la acción dramática: la ruptura del orden que debe conducir a la restauración del orden.
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En 1970, las compañeras de clase Elvira Fontao y Rosa Lires han vuelto a encontrarse. Han pasado décadas desde los años en que compartieron escuela. Ahora, mujeres adultas, este encuentro les ha servido para olvidar por unas horas el mundo en blanco y negro en el que viven. Pero la reunión tiene una desafortunada causa: el entierro de la que fue su maestra, María Barbeito. Elvira y Rosa recuperarán un diálogo perdido que evocará, a través de la palabra y el juego, aquella escuela de la Segunda República que les abrió los ojos a un mundo libre. Un futuro que quedó sesgado por la guerra y por la dictadura franquista. Las alumnas es un ejercicio entre el arte dramático y el documento histórico, una reivindicación de la escuela laica, libre y transformadora de la Segunda República que reconoce el trabajo de aquellas maestras que lucharon por una educación moderna e igualitaria. La literatura dramática de Paula Carballeira evoca el objetivo del espíritu teatral: el de no olvidar, el de recordar y traer el pasado al presente.
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¿Qué nos hace prisioneras? ¿Las leyes? ¿Los prejuicios? ¿La historia? ¿La mirada de los demás? Una historia entre rejas y barrotes sobre una mujer encarcelada, acusada por la agresión a un policía en una manifestación, que intentará teñir la cárcel de rojo y cambiar la mentalidad de las demás presas gracias a su compromiso con las luchas sociales y el feminismo. Un espectáculo que nos descubrirá todos los rincones y incongruencias de la justicia y del amor. 'Marie, la roja', con dramaturgia de Carles Mallol y dirección de Ester Villamor, nos permitirá descubrir la faceta teatral de Rosa Maria Arquimbau, una de las escritoras catalanas más trepidantes del segundo tercio del siglo XX.
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CIRCE MAIA nació en Montevideo (Uruguay) en 1932, donde cursó estudios de filosofía. Es, sin embargo, en la ciudad norteña de Tacuarembó donde ha radicado toda su vida, desempeñándose como docente en preparatoria. Durante los años de dictadura (1973-1985), debido a su destitución del cargo por parte del régimen cívico-militar, se ganó la vida dando clases particulares de idiomas. Ha traducido a varios autores tanto del griego como del inglés, entre los que se cuentan Odisseas Elytis, Konstantin Kavafis, Yannis Ritsos, William Shakespeare, William Carlos Williams y Robin Fulton. Ha recibido varios premios y disticiones, entre los que se destacan el Premio Nacional de Poesía de Uruguay (2007), un Homenaje de la Academia Nacional de Letras, durante el cual fuera designada miembro de la misma, el Premio Bartolomé Hidalgo (2010), y el Gran Premio a la Labor Intelectual, que le fuera otorgado por el Ministerio de Educación y Cultura en 2014.
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Aquest volum recull una selecció de peces de teatre jove, sorgides de la ploma d'alguns dels autors més significatius de la dramatúrgia alemanya contemporània: Qüestió d'honor, de Lutz Hübner (2005), Els boscos millors, de Martin Baltscheit (2010), Cap endins, d'Anja Hilling (2014) i El regne animal, de Jakob Nolte i Michel Decar (2014). L'amor, la sexualitat, la violència, els conflictes generacio-nals o la recerca de la identitat són alguns dels temes que trobem en aquests textos, que exploren múltiples formes d'expressió, llenguatges i estils per apropar-se a la realitat de les noves generacions. «Alemanya és un país de teatre i, com a tal, el teatre per a joves constitueix una branca plenament consolidada de la seva dramatúrgia. Tant és així que dins el panorama escènic actual el teatre destinat a aquesta franja de públic no només gaudeix d'un ampli reconeixement dins el sector i té una gran presència arreu del país, sinó que també mostra una riquesa i vitalitat extraordinàries i es renova constantment.» Del pròleg de Jordi Auseller
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Publicada en 1884 y representada por primera vez al año siguiente, «El pato salvaje» causó gran desconcierto entre el público en sus sucesivos estrenos por la presencia del animal en el escenario. Más allá de esta anécdota, sin embargo, la pieza se inserta en la misma línea de denuncia social que Henrik Ibsen (1828-1906) inició con «Casa de muñecas» en 1879 y prosiguió, entre otras, con «Un enemigo del pueblo» o «Hedda Gabler», todas ellas publicadas en esta colección. Centrada en la soledad del individuo frente a la sociedad y sus semejantes y en el conflicto entre realidad e ilusión, entre verdad y mentira (veta tan ricamente explotada en la literatura española desde el Quijote hasta Unamuno, Valle-Inclán o Buero Vallejo), «El pato salvaje» representa la cima del teatro de Ibsen por la ironía de su expresión, su simbolismo que la abre a multiplicidad de lecturas y la soberbia tensión dramática que la impregna. Prólogo y traducción de Juan Antonio Garrido Ardila
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Dos escriptors passen dos dies a Teià, durant el festival Lletrescena, de literatura i dramatúrgia, entrant en contacte amb una comunitat, amb un paisatge. A posteriori, escriuen una ficció posant el poble com a escenari. A La cua del dromedari fabula una història a partir d'una pintura mural escrita en català i La Ventafocs de Teià és una història coral de personatges curiosos, amb les seves històries i desitjos amagats.
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Como también hizo en otras ocasiones, a la hora de escribir ''La bella malmaridada'' Lope de Vega se inspiró en la tradición, fuente inagotable de leyendas, fábulas y canciones alimentadas por el imaginario colectivo. No se trataba de adocenar el ingenio a lo ya creado, sino de asegurarse el aplauso refugiándose en la cultura popular, como puede hacer hoy en día el cine con la novela o el cómic, es decir, de buscar un sustrato familiar para cualquier espectador, rústico o letrado, cuyo subconsciente se activaría de inmediato al reconocer el argumento, incitando su predisposición hacia una historia que había escuchado, leído o incluso tarareado en algún otro momento de su vida. El pasado, por tanto, se utiliza como un puente hacia el presente gracias al poder de la nostalgia. Sin duda, para semejante propósito no existiría mejor paradigma a finales del Quinientos que el tema de la malcasada, tan arraigado en lo popular que probablemente no tenga parangón en todo el Siglo de Oro. Un argumento devenido en moda poética que había eclosionado de forma definitiva a mediados del siglo XVI impulsado por los cancioneros musicales.
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Màrcia i Ramon fa ja 5 anys que cuiden Mirko, el nen bosnià que han adoptat, però hi ha alguna cosa en Mirko que no està del tot bé, al seu voltant no paren de passar coses estranyes, situacions pràcticament miraculoses: caminar sobre les aigües, multiplicació de pots de Nocilla... Però és relament Mirko un nen que fa prodigis? El diàleg de la jove parella sobre el Mirko desenvoluparà en una obra d'un humor descarnat i satíric. Un humor que s'hi barreja amb la crítica social però sense cap tipus d'intenció moral o moralitzadora. Carn humana és una de les obres més divertides i punyents dels últims anys que ha merescut el Premi Palanca i Roca de Teatre 2022.
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Okupes particulars explica la curiosa peripècia de dos personatges (Ell i Ella) que es veuen obligats a compartir un pis que han ocupat per raons ben diverses. Ella ha deixat una casa d'okupes on es consumia, Ell ha fugit d'una família que l'asfixiava. Desplegaran diverses estratègies amb l'objectiu de compartir el mateix sostre i intentaran oblidar el passat, fer-se lloc en el present i no atabalar-se gaire pel futur. Però no els resultarà senzill.
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DICIÓN REVISADA Y ACTUALIZADA Es la larga trayectoria literaria en la que se basa esta obra, donde se relata la historia legendaria de los amores del rey castellano Alfonso VIII, casado con Leonor de Inglaterra, con una hermosa judía de Toledo llamada Raquel. En ella delega el monarca el gobierno de sus reinos, y Raquel se verá inmersa en una trama político (y amorosa) que plantea muchos de los problemas de la época. Mal aconsejada por Rubén, el desgobierno y los desmanes darán lugar a una rebelión popular a favor del rey y en contra de la judía. Al fin, la razón triunfa y se impone al sentimiento: Alfonso rey vence al Alfonso hombre, que sufre por la pérdida de la mujer a la que ama... Estrenada en Madrid en 1778, en pleno auge de la tragedia neocláisca, cada una de las jornadas de Raquel ha sido concebida como una auténtica minicomedia, gracias a la brillante y peculiar forma de asumir la preceptiva, renovándola, y a la concepción de sus personajes, supuso la consolidación del género y es, sin lugar a dudas, la obra cumbre del teatro dieciochesco español Vicente García de la Huerta fue uno de los escritores más interesantes y casi nos atrevemos a decir más conmovedores del siglo XVIII por la entereza y el tesón con que defendió un ideal decadente contra los nuevos valores ideológicos -y estéticos- suscitados por una sociedad en transformación y dirigida por un gobierno absolutista.
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Secta tiene una finalidad clara y manifiesta: la escuela. Y una estructura íntimamente ligada a esta finalidad: los ejercicios y las jornadas.El cuaderno de ejercicios diarios que lo compone se despliega hacia la fundación de una escuela de técnica dramática, pero una escuela que: a) no es la escuela del artista, b) no es un lugar donde se aprende a actuar de la mano de maestros del arte de la interpretación, c) ni siquiera es un lugar, d) es una dimensión del saber, no un nexo en la transmisión del saber.Claudia Castellucci propone, así, un espacio colectivo pero no comunitario (es decir, no afectivo) destinado al desarrollo de un conocimiento agonístico (es decir, no pacificado) de la realidad, equidistante de cualquier tentación de carácter magisterial así como de esa tradición pasiva y apresurada que consiste en destilar con devoción un legado de la propia experiencia, y sobre todo atenta al mecanismo paradójico de la «secta»: un procedimiento acrítico estructuralmente destinado a producir las condiciones subjetivas de la acción. Incluso de la acción teatral.«Un viaje al mundo del conocimiento a través de una escritura cautivadora y trepidante. Un manual nada didáctico, lleno de sugerencias, donde también se pueden apuntar las propias reflexiones y anotar los resultados del viaje personal». Francesco Bove, «L'armadillo furioso»«Los estudios teatrales en el ámbito hispánico están de celebración, pues esta edición de Secta. Escuela de técnica dramática en lengua española abre un nuevo camino en la investigación en artes escénicas en el contexto hispánico y se integra de manera significativa como un eslabón más en la cadena de relaciones que la escuela establece, enriqueciendo así el panorama teatral actual». Belén Tortosa, del prólogo
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Mai havíem vist el Jordi Prat i Coll amb la franquesa i intimitat amb què se'ns mostra en aquest llibre que ara teniu a les mans. Aquest és un material difícil de classificar i sense rei que el governi. Podria ser un diari personal, un assaig, una carta fragmentada o un recull d'aforismes anòmals -per no fer-se mal- d'algú que cerca escriure alguna cosa a la vora de la vida que l'ajudi a guarir-se. És un quadern sense marcs, amb un ordre trencat que no nega la deriva, prenyat d'allò que és profund i superficial, tràgic i còmic, miserable i feliç.
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La familia es el teatro en el que estamos obligados a adoptar un papel sin haberlo elegido ni ensayado previamente, Como personajes, asumimos ese papel según las circunstancias, según el destino o la mera fortuna, Y el escenario es, apenas, una cuerda floja sobre la que debemos poner en juego nuestras capacidades con el solo fin de evitar caer al vacío, La familia es una obra teatral que dura la vida entera, una perpetua representación a merced de aplausos y abucheos. EL AUTOR VUELVE A SORPRENDERNOS CON SU CAPACIDAD DE MOSTRARNOS TODAS LAS MIRADAS«Franco Chiaravalloti apuesta por la escritura mestiza y la mirada moral, agitada por la pulsión nómada con el fin de trazar las coordenadas de este mapamundi literario, tan tumultuoso, tan libre, tan admirable», Eloy Tizón
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Textos a part Arola
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La presente antología incluye: El rey Lear, Macbeth, La tempestad, El sueño de una noche de verano, Mucho ruido por nada y Ricardo II. En la poesía y el teatro de Shakespeare se unen felizmente el pensamiento y el vigor expresivo formando una rica gramática de las emociones. Sea en comedia, tragedia, tragicomedia o drama histórico, Shakespeare alcanza una fascinante variedad y crea personajes memorables como Macbeth, Hamlet o Falstaff, considerados como arquetipos inconfundibles de afectos y pasiones. Cuatro siglos después de su muerte, es el autor más estudiado, representado y traducido de la literatura universal, y su contemporáneo Ben Jonson ya predijo su permanencia al afirmar que su obra no era para una época, sino para todos los tiempos. «Nadie ha conseguido aún ser postshakespeareano.» Harold Bloom «En realidad, es Shakespeare quien nos ofrece un mapa de la mente. Es Shakespeare quien inventa la psicología freudiana. Freud encuentra la forma de traducirlo a un supuesto vocabulario analítico.» Harold Bloom
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Aunque más conocido como uno de los poetas más importantes del siglo XX, desde el comienzo de su carrera William Butler Yeats entendió que el valor de sus obras y su poesía era el mismo. En 1923, cuando aceptó el Premio Nobel de Literatura, Yeats sugirió que «quizás los comités ingleses nunca les hubieran enviado mi nombre si no hubiera escrito obras de teatro... si mi poesía lírica no hubiera tenido la calidad del habla practicada en el escenario». De hecho, el gran logro de Yeats en poesía no debería oscurecer sus impresionantes e innovadores logros como dramaturgo. Este libro reúne las obras en el orden final en el que Yeats planeó que se publicaran y permite a los lectores ver claramente, por primera vez, las formas en que evolucionaron las muy diferentes formas dramáticas de Yeats a lo largo de su vida, y apreciar completamente la importancia del teatro en la obra de este gran poeta moderno.
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Coriolano condensa de un modo extraordinario las características del Shakespeare universal.Coriolano, una de las obras más políticas de William Shakespeare, ha sugerido en el mundo contemporáneo interpretaciones antagónicas. Sin embargo, no es un teatro de ideas, sino de personajes y «caracteres». Es, quizá, la última tragedia de su autor y, como tal, refleja los rasgos más característicos del Shakespeare maduro y universal, al tiempo que manifiesta una singularidad en el plano estético e intelectual que la convierten en su obra más inquietante: T. S. Eliot la consideró, junto a Antonio y Cleopatra, su mejor logro artístico. Frente a la espiritualidad de Hamlet o Macbeth, Coriolano es una obra de acción que insiste en lo material, en lo más elemental de la historia: la lucha por la supervivencia o, incluso, la mera subsistencia. Ángel-Luis Pujante, uno de los mayores conocedores en España de la obra de Shakespeare, consigue mantener en su traducción el estilo austero y el lenguaje lleno de paradojas, antítesis y dilemas de Coriolano, mientras que analiza en la Introducción el carácter de esa singular tragedia.
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Con la creación del personaje de Ubú, Alfred Jarry (1873-1907) dio forma genialmente al emblema del ser humano egoísta, mediocre, despreciable y mezquino que suele abundar en las fangosas aguas del poder y pulular en ellas siempre atento a su medro y a su perpetuación, sin importar quien caiga en el camino. Situada ficticiamente en Polonia (lo que equivale, a decir del autor, a «en ninguna parte» y en todas), «Ubú rey», obra bufa, sátira implacable y guiñolesca válida para todo tiempo y lugar, se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes clásicos de la literatura que brillan como perpetuo azote de los que mandan y de los que aspiran a mandar. La presente edición incluye varios textos fundamentales que aportan datos relevantes sobre los primeros pasos de la obra y la dramaturgia del autor. Versión de Wenceslao-Carlos Lozano
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Por primera vez se reúnen en un volumen las cinco obras que Pablo Remón ha escrito hasta la fecha para la compañía La_Abducción. En apenas cinco años, a partir de su debut en 2013, la trayectoria de Pablo Remón le ha llevado a ocupar un lugar destacado como autor dentro del panorama teatral en castellano. Cinco obras que pueden leerse casi como novelas que combinan lo cotidiano con lo extraordinario, el humor con la gravedad dramática, la Historia con las historias minúsculas. Así, un joven de provincias está convencido de que los extraterrestres han abducido a su padre, un guionista vende su alma a una productora de cine para cumplir su sueño, un político condenado por la Justicia regresa a su tierra para sacar en procesión al santo del pueblo, la intrahistoria de la familia de un general franquista sirve de pretexto para desmitificar la transición española. Y casi siempre, de fondo, la meseta como espacio y motivo narrativo, paisaje y estado de ánimo cada vez más vacíos, símbolo de un éxodo hoy casi olvidado. Obras, en definitiva, construidas sobre el deseo y la pulsión de continuar narrando para sacar a la luz lo que somos y lo que podríamos ser. Como dice el autor: «La mejor manera de contarnos, de explicarnos dónde estamos, como individuos y como sociedad, sigue siendo contar una (o mil) historias».
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Además de haber publicado cuentos, novelas, poemas y ensayos, Gilbert Keith Chesterton también escribió teatro. Lo hizo a instancias de su buen amigo George Bernard Shaw, quien, después de insistirle mucho, logró convencerlo de que tenía algo que aportar al teatro inglés. En este volumen de Teatro completo se reúnen las únicas cuatro obras teatrales que Chesterton escribió: Magia (1913), El juicio del Dr. Johnson (1927), La sorpresa (1932), y el sainete navideño El pavo y el pavor (1930). En todas ellas se desarrollan de formas inesperadas algunas de las características fundamentales de su obra, como son su estilo paradójico, su antitradicionalismo acérrimo, su liberalismo radical y su capacidad de asombro. Sin duda, ningún género mejor que el del teatro para encarnar el espíritu de un autor que creía que tanto más contradictorias son las cosas cuanto más nos acercamos a la verdad. «Necesario, divertido, estimulante, a ratos perturbador y a ratos una pura majadería, este libro no solo completa el rompecabezas literario que representa G. K. Chesterton, sino que abruma con chispazos e ideas que atañen a la más inmediata actualidad política y religiosa. Increíble incluso para ser Chesterton». Jordi Gracia
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La noche inclinada, obra de teatro escrita a principio de los años sesenta del siglo XX, está compuesta por tres jornadas y ahonda en los recovecos del alma de José Miguel Carrera -uno de los héroes más controvertidos de la independencia hispanoamericana- en el momento más difícil y atormentado de la vida, o sea cuando se encuentra cara a cara con la Muerte, a la que se entrega sin miedo y sin remordimientos, consciente de haberlo dado todo por su patria, honorándola siempre. Tras su fusilamiento, tocará a la Noche protegerle de la Envidia y de la Muerte y otorgarle la posibilidad de brillar para la eternidad. Sacar del inmerecido olvido la última obra teatral del escritor Ramón de la Serna y Espina significa abrirse a la posibilidad de abandonar las lecturas maniqueas de las guerras de independencia hispanoamericanas y capturar los más sutiles matices del alma humana con todas sus debilidades, de las que ni siquiera los héroes pueden escapar. Drama inédito sobre la guerra de independencia chilena, en el que los héroes sin miedo y sin tacha, dejan espacios a los miedos y a las debilidades de los seres humanos. Ramón de la Serna y Espina (Valparaíso, 1894-Santiago de Chile, 1969). Periodista, traductor, novelista y dramaturgo, fue un intelectual de su tiempo, poliédrico, ecléctico y políglota. Primer hijo de la escritora Concha Espina, Ramón de la Serna se formó entre España, Alemania e Inglaterra y empezó su carrera dando cuenta de la vida cultural del tiempo para periódicos influyentes, como El Sol y El Imparcial. Tradujo del alemán al español importantes ensayos y obras críticas, entre las que destacan Lope de Vega y su tiempo de Vossler y Tipos psicológicos de Jung, gracias a las que obtuvo el aprecio de José Ortega y Gasset. Su novela Chao publicada en 1933 se inscribe en el surco trazado por los prosistas de la Generación del 27. Tras su exilio voluntario en Chile en 1939, el escritor empezó su importante colaboración con el periódico El Mercurio -que duraría hasta su muerte- con el ABC y con la editorial Losada. Bajo el influjo del grupo universitario chileno Teatro Experimental, empezó a dedicarse a la redacción de obras teatrales en las que los verdaderos protagonistas son los valores que los seres humanos corren el riesgo de perder. Daniela Agrillo. Doctora en Estudios Literarios, Lingüísticos y Comparativos, ha escrito Ramón de la Serna y Espina. La torre invisible. Lleva años intentando sacar del olvido al desconocido autor hispano chileno, al que ha dedicado, además de la mencionada antología, artículos y ponencias en congresos nacionales e internacionales.
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Críticos e historiadores de la literatura francesa señalan entre las principales obras de Molière: La escuela de los maridos (1661), El misántropo (1666), que ridiculiza ciertos rasgos de la vida “de salón”, El avaro (1668), que dio vida al famoso personaje de Harpagón, Tartufo (1669), El burgués gentilhombre (1670) y El enfermo imaginario (1673), que apunta contra la víctima tradicional de la comedia popular, el médico.Jean-Baptiste Poquelin, conocido como Molière, nació en 1622 y murió en 1673, en París. Proveniente de una familia de burgueses acomodados, estudió con los jesuitas en el Colegio de Clermont y luego con Gassendi. Su afición al teatro se manifestó desde temprana edad, canalizándose a través de la triple actividad de actor, director (ya en 1642 formó la compañía del Illustre Théâtre) y autor (escribió treinta y una obras). Molière constituye, junto con Pierre Corneille y Jean Racine, el tríptico mayor del gran teatro francés, siendo el maestro indiscutido de la comedia de costumbres y caracteres.
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En El diablo y Dios (1951), el personaje central Goetz encarna magistralmente el mal, el mal absoluto, lleva así sus tropas deliberadamente a la muerte y descarga su responsabilidad en Dios. Y cuando aparentemente cambia, por una apuesta, pretendiendo hacer el bien, gana por medio de trampas. De hecho, Goetz no cree en Dios ni en el diablo, quiere lo absoluto, quiere ser uno u otro por ambición o afán de asombrar, pero sin que entre en juego ninguna creencia.En cuanto a Los secuestrados de Altona (1960), su acción ya no se basó en tiempos remotos, al contrario, se situó en días rigurosamente contemporáneos a su escritura, en la Alemania posnazi.Franz, uno de los que colaboraron con ese régimen, se niega a reconocer la derrota y vive enclaustrado, ajeno al tiempo transcurrido. “Pretendí que me encerraba —dice Franz en el último acto—, para no asistir a la agonía de Alemania, pero eso es falso. Yo deseé la muerte de mi país y me secuestré para no ser testigo de la resurrección”.
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Arthur Miller se casa con Marilyn Monroe en 1956. En 1957, el Congreso de los Estados Unidos lo condena por negarse a colaborar con el Comité de Actividades Antiamericanas que había emprendido una “caza de brujas” entre la intelectualidad norteamericana. En 1961, Miller se divorcia de Marilyn, y al año siguiente ella muere de una sobredosis de barbitúricos.Después de la caída, sin duda la obra dramática con más componentes autobiográficos de Miller, recoge e integra esos dos episodios cardinales en la vida del autor para desarrollar el duelo que se sostiene en la conciencia de un hombre entre su sentimiento de culpabilidad y su deseo de inocencia. La llaga de la conciencia —parece advertir el dramaturgo— convierte a la especie humana en un fardo de pesadumbre, pues toda consideración sobre sí misma la enfrenta con la desgracia de que es víctima (o verdugo), es decir la coloca delante de su propia aflicción.Miller escribió esta obra y la de Incidente en Vichy, con la que se completa el presente volumen, en los primeros años de la década de 1960, mientras vivía con su familia en el Chelsea Hotel de Nueva York, y ambas se estrenaron con éxito poco tiempo después. En Incidente en Vichy, un puñado de personajes —auténtico despliegue de arquetipos—, que se ven sorprendidos por la persecución nazi, coinciden en un puesto de detención en el Vichy del mariscal Pétain, en los tiempos de la ocupación alemana de Francia en la Segunda Guerra Mundial.Como un coro de voces orquestado con maestría, las distintas personalidades reflejan el mosaico humano ante hechos siniestros que nos afectan, dejando al descubierto la parte oscura, pero también los arranques luminosos del alma humana.
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Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887), impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez.El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.