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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Aquest volum agrupa Dinamarca, l'última obra dels germans Sirera, i Plagi, el nou text teatral de Rodolf Sirera. Dinamarca és la hist.ria de la família d'un pastor luterà i les seues relacions amb el món del teatre durant els anys de l'ocupació alemanya a la II Guerra Mundial. I Plagi és una obra de suspens que uneix un escriptor que ha perdut la inspiració, una escriptora que es fa passar per periodista, una obra plagiada i un segrest.
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El sueño de una noche de verano fue escrita para servir de divertimento en las nupcias de personajes nobiliarios de la Corte de Isabel I. Shakespeare utilizó una ingente cantidad de fuentes, magistralmente manipuladas y transformadas de acuerdo con el propósito estético: desde las Metamorfosis de Ovidio, pasando por los cuentos de Chaucer o la Diana de Montemayor hasta llegar a los ritos de la fertilidad y el folclor de Gales. En una amalgama admirable, el dramaturgo funde tan heterogéneas influencias en un texto en que se presenta el amor consumado en el matrimonio como fuente de conflictos para alcanzar el poder político. / Las alegres comadres de Windsor, por contra, se presenta como una obra de comicidad y desenfado en la que los espectadores de la época, y aún los de hoy, pueden reconocer en escena los arquetipos de la Corte londinense. El obeso Falstaff, las comadres Ford y Page y los tipos de las callejuelas de Windsor pertenecen ya al enredo de la dramaturgia universal.
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Cuando leemos Los últimos días de la Humanidad, que es un Apocalipsis cómico y patético del horror de la Primera Guerra Mundial, reír es... una forma de llorar y, así mismo y sobre todo, de tomar conciencia de la gravedad de estos problemas, y más cuando se hace una lectura actual de la obra, desde el conocimiento histórico de que la humillación que sufrieron los alemanes en el Tratado de Versalles fue una causa muy importante de que naciera el huevo de aquella serpiente del nazismo que definitivamente estalló en 1939 con el comienzo de unos nuevos últimos días de la Humanidad (Segunda Guerra Mundial), que acabaría en el doble espanto de Hiroshima y Nagasaki, ya profetizado de algún modo en la obra de Karl Kraus. Kraus nos introduce su obra con palabras como éstas: Los actos más inverosímiles aquí presentados ocurrieron realmente ... Los diálogos más increíbles que aquí se mantienen fueron dichos palabra por palabra ... Dejes y acentos recorren rechinando el tiempo y se van inflando hasta convertirse en el coro de este sacrificio cruento ... La gente que vivió entre la humanidad y la ha sobrevivido termina reducida a sombras y marionetas, larvas y lémures, máscaras de este carnaval trágico.... ¿De qué se trataba en aquella guerra y en todas las habidas desde entonces? El drama, dice Kraus, ha sido ideado para su puesta en escena en un teatro del planeta Marte: el público de este mundo no sería capaz de soportarlo. Porque era sangre de su sangre, y el contenido era el de todos estos años irreales, impensables, inasibles para una mente despierta, años en que unos personajes de opereta interpretaron la tragedia de la humanidad.
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Nova edició d'una obra teatral ben significativa del massa desconegut Joan Torrendell, amb un extens pròleg de Damià Pons, que el situa admirablement en el seu moment històric i ideològic.
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Atribuido a Tirso de Molina y datado en torno a 1630, El Burlador de Sevilla, pese a todas las polémicas y controversias, tiene el honor de ser el primer hito en la fecunda y fascinante vida de un mito universal: Don Juan. En este drama fundacional se encuentran los tres rasgos que caracterizan la estructura donjuanesca: el héroe transgresor, el grupo femenino y la muerte. invariantes míticas que serán desarrolladas, transformadas o subvertidas, siguiendo cauces de las más diversas poéticas, por su larga y copiosa descendencia. Este héroe mítico, nacido en el corazón del Barroco español y mecido por los aires de la Contrarreforma, contiene, aunque todavía en germen, todos los sentidos que irá adquiriendo con el tiempo: el rebelde social, el seductor, el hombre enfrentado a Dios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural, con la muerte.
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Parte de lesiones reúne cinco ficciones teatrales de María Velasco cuidadosamente escogidas, todas ellas estrenadas entre 2014 y 2021:Escenas de cazaLa espuma de los díasLíbrate de las cosas hermosas que te deseoLa soledad del paseador de perrosTalaré a los hombres de sobre la faz de la tierraY un apéndice que recoge tres textos breves a modo de rasguños, esguinces, torceduras. Es decir: Agora(fobia), Suite TOC Núm. 6 y FAM.Diferentes mundos en uno solo de una autora de culto que transitan entre lo narrativo y lo dramático, lo sintomático y lo patológico, la curiosidad, el gozo. Un despliegue de múltiples vértices para abordar sin rodeos qué sentidos atraviesan hoy cuestiones como la familia, la tradición, el duelo, el dinero, la intimidad, la autocensura o el colonialismo en las relaciones sentimentales…Así, con un humor, a veces sombrío, y una inteligencia cortante, María Velasco escribe historias abiertas en canal en las que conviven tanto los extremos como su punto medio, momentos de reflexión y de furia. O, como lo expresó Alejandra Pizarnik, con cuya poética dialoga este libro: «He aquí lo difícil, caminar por las calles y señalar el cielo o la tierra».
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Marina está sola en medio del mar a bordo del Peter Pan. Acostumbrada a viajar en el asiento de copiloto y a no decidir ni el rumbo ni las maniobras de su propia vida, realiza una travesía hacia Tánger con el fin de cumplir el último deseo de su pareja. Pero Óscar ya no está aquí para guiarla y el viaje se convertirá en una auténtica odisea. Los sueños recuperados, la lucha contra los elementos, la pelea por la libertad y el recuerdo de Óscar hacen a El síndrome del copiloto heredera del espíritu de El viejo y el mar, La Odisea, Cinco horas con Mario y Magnolias de acero en su reverso más luminoso. Adaptación teatral libre de la novela Mujeres que compran flores «Una historia que llega. Todo es tan cercano, tan auténtico que duele. Un recordatorio de lo mucho que podemos conseguir si nos arriesgamos. Una lectura para recordar». Papel en blanco «Se trata de una historia emotiva y tremendamente sentimental, con un texto plagado de frases hermosas, motivantes y reflexivas». Regina Sotorrío, Diario Sur «Una emocionante adaptación del best seller Mujeres que compran flores». Revista Godot
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Este libro coral es fruto del estudio y la discusión colegiada entre sus autores a lo largo de tres años. Se trata, a la vez, de un libro de crítica (literaria, audiovisual) y de teoría poética. Nuestro objeto de estudio es el universo ficcional de Patria (Aramburu, 2016 HBO España, 2020) y, al hilo de las necesidades de ese estudio particular, hemos revisado e inventado las categorías necesarias para una adecuada interpretación de las obras. Por ejemplo: utilizamos la noción de ''mímesis de vigencias sociales'' -entre ellas, la del silencio- para profundizar en el modo en que la serie y la novela nos permiten revivir y comprender la enrarecida atmósfera que se respiraba en el País Vasco durante los años del terrorismo. La recepción cultural de la inspiradora obra de Aramburu, las lecturas de la novela y de la serie televisiva y la reflexión teórica sobre los mundos posibles poéticos aparecen hermanados en estas páginas con dos objetivos: primero, contribuir a la gran conversación sobre el terrorismo de ETA y segundo, aportar una metodología para explorar y aprovechar el valor especulativo y práctico, las posibilidades de reflexión ética y social, de los mundos posibles poéticos.
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SARGENTO. ¿Tú eres aquél que durante la dominación roja incitabas a la gente, en los mítines, a destruir iglesias, a quemar sacerdotes, a sacar los ojos a los guardias civiles, a profanar imágenes, etc. etc.? JOSÉ LUIS.Sí, yo soy aquel que hablaba en los mítines, pero que no decía nada de eso, sino que había que ganar la guerra para que el pobre tuviera pan, el trabajador, trabajo, el campesino, tierra, el pueblo, libertad y cultura. (César M. Arconada, 1.º de Mayo en España, acto tercero) César Muñoz Arconada (Astudillo, Palencia, 5 de diciembre de 1898-Moscú, 10 de marzo de 1964), vinculado inicialmente a las vanguardias deshumanizadas de los años veinte, se convirtió desde 1931 en un escritor comunista militante. Autor antes de la guerra civil de novelas de títulos tan expresivos de la lucha de clases como Los pobres contra los ricos (1933) o Reparto de tierras (1934), de libros de poemas (Vivimos en una noche oscura, 1936) y de obras de teatro (Tres farsas para títeres, 1936), durante la guerra civil publicó Romances de la guerra (1937) y escribió la novela Río Tajo, Premio Nacional de Literatura 1938 en la zona republicana, que no llegó a editarse. Atravesó enfermo la frontera francesa a finales de enero de 1939 y estuvo internado en los campos de concentración de Argelès y Saint Cyprien. Liberado gracias a la solidaridad del escritor francés Louis Aragon, en mayo de 1939 pudo exiliarse en la Unión Soviética. Instalado definitivamente en Moscú, colaboró en revistas como La Literatura Internacional, de la que en 1943 fue nombrado redactor-jefe, y publicó ensayos, libros de cuentos (España es invencible, Cuentos de Madrid) y obras de teatro como la ópera antifascista Nueva Carmen (1944). Fiel al dogma estético estaliniano, practicó en la mayoría de sus obras un riguroso realismo socialista, insólito en la literatura de nuestro exilio republicano de 1939. Un realismo socialista del que constituye un buen ejemplo este 1.º de Mayo en España, obra dramática inédita hasta hoy.
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La chinche es una obra de teatro escrita en el año doce de la era soviética con la mirada puesta en un futuro socialista y con ese perfume a fracaso y desencanto que suele rodear lo ruso, una obra que, leída en la era del Covid y de la confusión del pasado, se revela extraordinaria en los matices y generosa en las invitaciones a discernir.
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'Sin dejar de profundizar en el corazón del canon del siglo xvii, he buscado la interpretación dramática y artística más rigurosa a partir de elementos e ideas de nuestro siglo XXI, poniendo en marcha la maquinaria del tiempo que nos enlaza con Molière a través de cuatro siglos para ofrecer al público la referencia del momento histórico en que se forjó la obra. En El enfermo imaginario Molière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegarnos convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que fruto del descontento ante unos deseos y proyectos de vida insatisfechos''. (Josep Maria Flotats)
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Cuenta Tefi de Paz que lo suyo con Remigia Echarren fue un flechazo. Empatizó con ella por ser mujer circense y de Pamplona. Se quedó dentro de ella, como una luciérnaga revoloteando en su corazón. ¿Quién era Remigia? ¿Una mujer funambulista? Una historia tocaba en la puerta y en esas llegó una pandemia mundial. En medio del silencio su nombre resonó de nuevo con más fuerza: ¡Remigia, Remigia, Remigia! ¿Quién anda ahí? Abre, soy yo, La reina del Arga.La reina del Arga es una obra de teatro escrita y dirigida por la actriz y payasa Tefi de Paz. En ella se cuentan las aventuras de 'La Remigia', una funambulista valiente, creativa y sobre todo mujer en un reino de hombres como era la Pamplona de finales del siglo XIX. Se sabe poco de ella. Tefi resquebrajó los cimientos de la memoria local sacó brillo a algunos hallazgos, a gentes que sí oyeron hablar de ella, a sus hazañas, a sus propuestas, a su capítulo final.
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La dictadora es la obra del intraexilio, que describe la vecindad consuetudinaria entre las familias del destierro. Una convivencia que dio lugar a relaciones amistosas o a enemistades que tienen tanto o más que ver con el transcurrir ordinario que con las ideologías. Así, La dictadora recrea el conflicto generacional, intrafamiliar, del que fue testigo la autora, María José de Chopitea, entre (presuntamente) la intelectual Margarita Nelken, dibujada como «la dictadora», y su nieta Margarita Salas, a quien llamaban Cuqui, con quien vivía. Desavenencias entre ambas motivadas por el noviazgo de Cuqui con el hijo del dramaturgo Cipriano Rivas Cherif, quien fuera a su vez cuñado de Manuel Azaña. La familia Rivas Cherif-Azaña y la familia Nelken presentaban dos líneas políticas dispares, que ocasionaron posturas enfrentadas que se perpetuaron en el exilio incluso, cuando ambas familias, en México, vivieran en el mismo portal y la misma escalera. El conflicto familiar surge porque las nuevas generaciones no quieren heredar diferencias pasadas que les impidan vivir su día a día con desencuentros irreconciliables. María José de Chopitea, la narradora del intraexilio, describe en La dictadora el devenir humano, alejado de idealismos, de la comunidad desterrada. María José de Chopitea y Rossel. La escritora del intraexilio, fue una autora, editora y traductora española nacionalizada mexicana en 1946. Necesitamos romper el olvido y silencio en el que permanece su obra en nuestro país para mostrar la importancia testimonial de sus obras Lazos de infancia (1950), Sola (1959), Guieshuba. Jardín del Istmo (1960), La dictadora (1963), e In Memoriam (1965). Ella describe el devenir de la comunidad exiliada en su día a día: el amor, los excesos, las enemistades y la interacción cotidiana de los descendientes, ya mexicanos. Josebe Martínez es profesora titular en la Universidad del País Vasco. Ha sido profesora titular en California State University. Entre sus obras sobre exilio, además de numerosos artículos internacionales, cabe destacar Las intelectuales, de la Segunda República al exilio (2002, Premio Nacional de Investigación Isidra de Guzmán), Escritoras, guerra civil y memoria (2007), Las santas rojas: exceso y pasión en Clara Campoamor, Victoria Kent y Margarita Nelken (2008), la edición de Mada Carreño Los diablos sueltos (2019), la edición de las obras de Margarita Nelken La mujer ante las Cortes Constituyentes y Maternología y puericultura (2021).
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Haizea vuelve a casa de su madre para las vacaciones de verano, el 10 de julio de 1997. Justo en el momento en el que se abrazan efusivas, los informativos anuncian que ETA acaba de secuestrar a Miguel Ángel Blanco. De aquí en adelante, las cuarenta y ocho horas del secuestro se narran desde la televisión y por la ventana de una casa común, a través de los pequeños conflictos entre una madre que ha criado en soledad a una hija furiosa con el mundo. El acontecimiento trágico irá dinamitando los reproches, provocará a las dos en soledad y sacará a relucir sus mayores temores, esos que solo se confiesan con la muerte llamando a la ventana. El país entero movilizándose hará que ambas decidan, silenciosamente, aceptar todo y dejar el miedo aparte. El acontecimiento histórico del secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, queda cristalizado a través de la relación materno-filial. Un texto que propone mirar a los acontecimientos sociales y políticos desde la vulnerabilidad, nombrando cómo nos afectan irremediablemente, antes que buscar un enemigo al que hacerle culpable de nuestro dolor íntimo.
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Podría pensarse que el interés que despierta la obra Coriolano en la época contemporánea se debe a su carácter eminentemente político. Añadiríamos que quizá sea la más inteligente también. La obra enfrenta a dos fuerzas irreconciliables: el general Cayo Marcio Coriolano, con su odio y desprecio al pueblo, y este manipulado por los tribunos populares. La lucha se agudiza y se convierte en un apasionante juego de espejos dentro del marco turbulento de una ciudad dividida por el odio social y político. Coriolano, después de luchar por su país, quiere ser cónsul, pero necesita los votos de los ciudadanos. Un hecho que se aviene mal con su carácter que le llevará al destino trágico del héroe. Felizmente, no podemos hacernos una idea cabal de hacia cuál de los dos bandos se inclina la voluntad del autor. Y esa indefinición permite que la obra interese al público más amplio. La traducción de Eusebio Lázaro refleja certeramente el estilo lacónico cortante ''de piedra y bronce'' del texto más brillantemente razonado de Shakespeare.
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«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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Obliga a reflexionar sobre la naturalización de la violencia sexual, los abusos sobre la infancia y la existencia de una ''cultura de la violación''.El teatro siempre tuvo relación con el culto a los muertos y con la figura del revenant: el regresado o la regresada, renacidos en escena. Primera sangre invoca a una niña secuestrada y asesinada en los noventa, cuyo caso fue sobreseído sin que se hallara al culpable. Ausente y presente, Laura interpela a las vecinas de su edad, al comisario encargado del caso y a une educadore: ¿Educamos en el miedo?, ¿el miedo evita el peligro o evita la vida? ¿Es la cultura de la violación una sociedad secreta a la luz del día, como dice la antropóloga Rita Laura Segato? A medio camino entre el memorial, el thriller y el cuento de fantasmas, esta autoficción obliga a la reflexión en torno a los abusos sobre la infancia que se escriben en el cuerpo de las mujeres. Con lirismo y rotundidad, Primera sangre nos invita a recuperar la memoria de las que ya no están para multiplicar nuestra existencia.
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Existe una disciplina terapéutica llamada constelaciones familiares. Entre personas desconocidas se hurga en el inconsciente para sacar la mierda a la luz. Y sale mucha mierda. Ancestros asesinados brutalmente, vidas truncadas porque sí, abusos... Aquí hubo una guerra civil. Una herida infinita que supura dramas como el que la actriz Tefi de Paz rescata en esta obra. La del Circo Anastasini que tuvo la mala suerte de programar una función justo el 18 de julio de 1936 en Lodosa, Navarra. ¿No sabes qué pasó en esa fecha? Puf... Mal día para reír. Mal día para ser un payaso. Mal día para casi todo, menos para matar. Gran parte de esta familia circense fue asesinada y enterrada en un campo perdido a la intemperie. Allí quedaron sus restos hasta que las manos de un hombre rascaron la tierra. Alguien que se negaba a pasar página. Hay algo peor que la muerte, y es el olvido. Por eso el personaje inventado por Tefi se llama así, Olvido Flores. Porque los muertos necesitan que los recuerden para seguir vivos entre los que los amaron. Y que les lleven flores frescas.A eso se dedica esta mujer creadora, a hacer justicia con los olvidados por la historia, a rescatar el arte, el espíritu de las familias que montaban su carpa allá donde les dejaran. «Solo queríamos haceros reír», parece que dicen desde sus tumbas. Olvido Flores es una dama de la guadaña que llega para recordarnos el privilegio de estar vivos desde historias como la de este circo que, al final, también es nuestra historia.
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Del laberinto en el que estuvo sumida la Castilla del siglo XV surgió otro, ahora en verso, que Juan de Mena presentó en 1444 al entonces monarca Juan II como un plan de acción política para la reforma del reino. Ese ''Laberinto de Fortuna'' constituye una pieza mayor en el canon de la literatura española, que se mueve entre las últimas inercias medievales y un primer Renacimiento propiamente hispánico. Mena lo concibió con una conciencia humanística y una decisiva dimensión experimental. En su afán por imitar la epopeya clásica, diseñó una lengua poética que se alejaba del uso común para dotar al castellano de una dignidad pareja a la del latín. Su éxito fue enorme y se mantuvo en el tiempo, como muestran los numerosos manuscritos en los que la obra nos ha llegado, los comentarios de Hernán Núñez o el Brocense o su presencia, aún viva, en la polémica gongorina. Esta edición crítica y modernizada pretende ofrecer una lectura clara y accesible de ese ''Laberinto'', que se presenta como un desafío sugestivo y extraordinario para los lectores del siglo XXI.
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«No me queráis tanto, que me vais a matáh» nos dice el dramaturgo, director de escena y performer Alberto Cortés en su nueva pieza, Analphabet. En ella, los fantasmas ocupan el papel protagonista de una historia construida sobre y a partir de la melancolía, la vulnerabilidad y la pena a las que nos llevan en ocasiones las relaciones de pareja. Ambientada en una mezcla de paisajes vascos, playas andaluzas y bosques del romanticismo alemán, Analphabet es (quiere ser) mito y consuelo de nuestras heridas y azote de nuestros abusadores. La palabra se convierte así en sanación del cuerpo maltratado y en altavoz de los abusos tantas veces silenciados que se dan (también) en las relaciones intragénero.Entre los múltiples paisajes y visiones aparecidos en estas páginas, encontramos a otros fantasmas que comparten genealogía: Goethe, Hölderling, Novalis, Bergamín o Anne Carson.Como correlato de esta herida, Siempre vengo de noche se cierra con un cuaderno de notas, o diario de trabajo, en el que el autor crea otra obra donde recoge sus inseguridades, contradicciones e impresiones acerca del hecho escénico y del oficio mismo de escribir.
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Texto y música pautada de la obra de teatro musical 'Alma' estrenada el 26 de septiembre de 2024 en la Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya. Una obra que habla de los sueños, las vocaciones, la identidad y la libertad.
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Les pressions que rep Gabriela Duarte per a delatar la ubicació del seu marit Rodrigo Duarte, ferm detractor de la dictadura al Brasil, són cada vegada més violentes. Gabriela no en sap res, o no en vol dir res. Per amor es pot fer qualsevol cosa, però què passa quan l'amor flaqueja?Una història en què s'encaren les conviccions polítiques i l'amor. Complots, subterfugis, passions i traïcions converteixen Clandestins en una obra àgil i captivadora en què ningú és qui sembla ser.
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Un grupo de amigos se reúne los miércoles para cenar, pero con una condición muy peculiar: tienen que llevar un idiota a la cena, quien aporte el idiota más idiota de todos, gana. Jacobo Agudo es uno de los integrantes del grupo, y por recomendación de un amigo decide llevar a la cena a Francisco Hueso. Para conocerlo antes de llevarlo a la cena, decide invitarlo a su casa, lo que, a la larga, se convertirá en una de las peores pesadillas de su vida. La cena de los idiotas es una comedia con apenas un único escenario y basada, principalmente, en la conversación entre dos personajes, que se convierte en una crítica mordaz de la aburrida y decadente burguesía.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva sobre todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituirla intensidad emocional ligada al teatro tradicionalpor el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este volumen, correspondiente al noveno de la serie que recoge su «Teatro completo», incluye dos obras escritas entre 1940 y 1943: '' La evitable ascensión de Arturo Ui '' (una sátira de Adolf Hitler) y '' Las visiones de Simone Machard '' . Traducción de Miguel Sáenz
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¿Quién recuerda hoy a Lise Meitner? A pesar de ser una de las personas que descubrió la fisión nuclear, su legado ha permanecido en un segundo plano hasta ahora. Mujer, científica y judía, huyó de la Alemania nazi y se refugió en Suecia. En 1944, el único galardonado con el Premio Nobel por el descubrimiento de la fisión sería su estrecho colaborador Otto Hahn. ¿Por qué ignoró el tribunal de los premios el papel esencial que desempeñó Meitner en el proceso? ¿Qué motivó esta aventura científica y la traición que le siguió? Con veracidad y pasión, esta obra arroja luz sobre una de las figuras fundamentales de la ciencia del siglo XX y, con ella, sobre tantas y tantas trayectorias que merecen ser redescubiertas.
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Los relatos de Morales Lomas surgen de lo más profundo del ser humano, de sus desvelos, de sus miedos, desu esperanza, de su imaginación o resistencia, pero también de su alambicado existir, que no es solo esa realidad que nos han vendido sino una que está enraizada en el misterio, en el absurdo, en la fantasía o enlos más íntimo de nuestras pesadillas, y se desarrollan en forma de alegorías, deformación, sarcasmo, distanciamiento, simbologías diversas y juegos escénicos. De todo ello habla este escritor a lo largo de másde cuarenta años de narrativa breve en los que recogehistorias creadas desde finales de 1970 hasta la actualidad. En él aparecen sus libros El sudario de lasestrellas, Juegos de goma, Tesis de mi abuela y otrashistorias del sur, El viento entre los lirios y también un buen número de relatos inéditos. Un mundo heterodoxo y rico en matices con el que sigue a sus grandes y admirados Melville, Poe, Borges, Cortázar, Bukowski, Cheever y Burroughs.
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Se trata de una comedia urbana cuya acción se desarrolla en Madrid, una ciudad que ofrece oportunidades para los caballeros o que llega a corromper a las damas. Por sus calles viven, transitan, aman y engañan losprotagonistas, con el consabido final feliz de ''cada oveja con su pareja''.
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Si Teatro 1989-2014 recoge buena parte de las obras de mayor extensión de Juan Mayorga y Elipses sus ensayos, Teatro para minutos reúne todas sus piezas brevesescritas hasta la fecha. Un total de cuarenta y cuatro textos, varios de ellos inéditos, muy diversos ensus asuntos y lenguajes. Son formas breves que abrengrandes territorios. Pues, como ha señalado Mayorga,igual que «la importancia de un cuadro no se mide por la cantidad de pared que ocupa, sino por la fuerzacon que tensiona esa pared, tampoco el valor de una obra teatral depende de su extensión, sino de su intensidad». Teatro para minutos es un atlas cuyos mapasnos ayudan a orientarnos en las regiones más extrañasde nuestro tiempo.
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Juego, trabajo y economía son los ejes desde los quemás de veinte autores establecen este nuevo recorrido sobre las artes escénicas contemporáneas. La idea de comunidad y lo común, del público y lo público, ideas que no son solamente ideas sino formas de hacer: formas de hacer con los demás, de producir lo común, de ser y hacernos públicos, en una palabra, formas degestionar y administrar lo inmaterial de las relaciones, «economías de la escena».Este libro ha ido creciendo a base de ensayos y reflexiones, restos y huellasprocedentes de acontecimientos muy distintos que hantenido lugar en forma de encuentros y obras, proyectos y relaciones, algunos reales y otros solamente ideados, y la mayor parte de las veces las dos cosas a la vez.
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No ha sido el teatro lo que convirtió a Mercè Rodoreda en la voz femenina más poderosa de la literatura catalana de todos los tiempos y, sin embargo, su delicadeza, su estilo sinuoso, su sensibilidad también laten en estas obras. Cuatro piezas incluye esta edición, en realidad, cuatro mundos completamente diferentes: Doña Florentina y su amado Homero, nos invita al salón de unas vecinas, amigas tiempo atrás, donde Zerafina, la criada, al fin ha encontrado su lugar en el mundo, por otro, los vagabundos de El maniquí nos describen el ambiente de marginación en que viven y nos recuerdan que, pese a todo, tienen derecho a soñar en una vida pasa, tal vez inventada, pero mucho mejor, El hostal de las tres camelias nos propone una mirada al drama rural, protagonizado por unos personajes, paradójicamente, típicos pero no tópicos, desde el punto de vista de una sordomuda que se ve obligada a hablar, y, finalmente, en Un día nos adentramos en escenarios que reconocemos como propios de Rodoreda: la casa barcelonesa de Teresa Goday, a quien aquí nos presenta con el nombre de Caterina. Como en el conjunto de su obra narrativa, Rodoreda observa atentamente el comportamiento de sus personajes, reflexiona sobre su condición de manera desinhibida, y entre la risa y la alegría puede devenir en dolor y llanto conmovedor, o viceversa. En suma, este Rosas de fuego es una joya no sólo de la dramaturgia, sino de la literatura en general, y al fin el lector puede disfrutar de una nueva edición con una maravillosa traducción en español.
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El día comienza como otro cualquiera en un campus de Japón: un grupo de estudiantes discuten sobre el tema de su trabajo de investigación, en la cafetería un hombre que va a casarse acaba de descubrir que su exnovia está embarazada, los amigos de los prometidos preparan un baile para la bodaa… Hasta que de pronto todos los personajes empiezan a morir uno tras otro sin causa aparente.¿No queda nadie vivo? es una obra de nuestro tiempo que retrata la sensación diluyente de la muerte en la sociedad actual: los muertos convertidos en números en las noticias, la prohibición de visitas en los hospitales donde los enfermos de coronavirus mueren en soledad, la glorificación de la belleza y la juventud en los anuncios, las respuestas evasivas cuando se habla de la muerte… Vivimos evitando esta realidad cuando es la que nos hace conscientes de estar vivos.Por eso, en esta obra el escenario se convierte en un espacio abierto, donde ningún elemento escenográfico nos impide asistir a la muerte de los personajes.
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Paco de Lucía duerme en su habitación infantil con su hermano Pepe. De repente, entra el Levante y se lo lleva volando en un viaje iniciático que le permitirá conocer a Camarón de la Isla, Enrique Morente y Carmen Linares, con quienes visita a un peculiar Mago de Oz que les permita conocerse a sí mismos y fundar las bases del Nuevo Flamenco. A lo largo de este sendero de baldosas amarillas recorrido por bulerías y tangos se enfrentarán a pruebas que medirán su valor, su fortaleza y su amistad, con la Bruja Buena del Sur mirando y velando por ellos a lo largo de todo el camino. ¿Te animas a conocer Flamenkoz?
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Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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En octubre de 2021, un grupo de personas comprometidas con la educación, la memoria histórica o el teatro, se planteó un interrogante: ¿cómo hubiéramos afrontado el inicio del curso escolar en Madrid en septiembre de 1936?A partir de esta pregunta comenzó un proceso de investigación y creación colectiva con un propósito: construir una trama dramática que conjugara la libertad creativa con el rigor historiográfico.El grupo se completó con la incorporación de un director profesional y tras dos años de trabajo, alcanzó su objetivo: representar una obra de teatro que rindiera homenaje a las escuelas republicanas en Madrid. Esta obra es La escuela perdida.El texto que presentamos en este libro es el resultado final de una aventura en la que se han conjugado el afecto, los deseos, el aprendizaje, la investigación histórica y la reflexión sobre la memoria colectiva. Las autoras y autores esperamos que su lectura estimule el interés de saber más sobre la escuela republicana. Una escuela perdida cuya recuperación hoy es muy necesaria.
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Obra dirigida per Carles Alberola i produïda per Albena per a un escenari molt concret: l’antiga presó de Sant Miquel dels Reis. A partir de testimonis històrics, sis autors i autores valencians actuals han inventat sis monòlegs diferents, cadascun dels quals imagina una carta que un presoner o presonera escriu a la seua família o, senzillament, per a la seua intimitat. El primer monòleg correspon a un home que espera el seu afusellament l’endemà, mentre que en l’últim un periodista celebra, des de la presó, la mort de Franco.
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La materia fabulosa en torno a Bernardo del Carpio, así como a la historia de su padre, el conde de Saldaña, gozó durante los siglos de oro de una gran difusión popular, ya fuera por medio de la tupida red de romances que glosaban sus peripecias o de los géneros épico y dramático. Las dos comedias que reunimos en este volumen, ''La mocedad de Bernardo del Carpio'' y ''El casamiento en la muerte'', atribuidas a Lope de Vega con distintos grados de fiabilidad, se cuentan entre las más importantes de este último género, tanto por su calidad literaria como por el alto grado de difusión que alcanzaron entre espectadores y lectores.
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En la sección de libros de teatro encontrarás una amplia y variada selección de adaptaciones interpretadas y obras completas clásicas del género teatral, tanto extranjeras como nacionales, como por ejemplo: Luces de Bohemia, La vida es sueño, Hamlet, Historia de una escalera, Romeo y Julieta, La Casa de Bernarda Alba, La Celestina, Macbeth, Las bicicletas son para el verano, ¡Ay, Carmela!, El sí de las niñas, Bodas de sangre y muchas otras.